I 5 geni nella storia della musica

Chi sono stati i 5 geni nella storia della musica?

Sebbene ci siano stati molti maestri e compositori geniali, le seguenti personalità, di temperamenti diversi, possono essere classificate come i 5 geni nella storia della musica: Johann Sebastian Bach, Wolfgang Amadeus Mozart, Ludwig van Beethoven, Richard Wagner e Arnold Schönberg.

Johann Sebastian Bach (1865–1750)
Johann Sebastian Bach è sicuramente tra i 5 geni nella storia della musica. Il background di Bach è quello del periodo barocco, nato come tendenza artistica influenzata dal “manierismo”. Il periodo storico del Barocco va dalla fine del XVI secolo alla metà del XVII secolo ed è caratterizzato dalla repressione della Chiesa, compresa l’Inquisizione e l’Indice dei libri proibiti. In Europa si afferma la monarchia assoluta, con la signoria in Italia e la monarchia costituzionale in Inghilterra. La povertà del popolo, esacerbata da carestie e pestilenze, contrastava con lo sfarzo della vita di corte e la musica veniva inserita in questo contesto per sorprendere l’ascoltatore. Il melodramma era la sua massima espressione. Nacque a Firenze grazie a Vincenzo Galilei (padre di Galileo Galilei), membro della “Camerata Fiorentina“, un circolo di intellettuali che diffondeva idee e pensieri. In particolare, nel 1637 fu inaugurato a Venezia il primo teatro pubblico, il Teatro di San Cassiano, che divenne un vero e proprio successo per il Melodramma e gli strumenti più importanti erano il violino, l’organo, il liuto, il clavicembalo e la chitarra.

Le opere di Bach sono notevoli per profondità intellettuale, eccellenza tecnica espressiva e bellezza artistica. C’è però l’opinione che Bach non possa essere considerato soltanto uno dei 5 geni della storia della musica, ma che la qualità delle sue composizioni lo renda vicino ad essere considerato il più grande compositore di tutti i tempi. È opinione diffusa, soprattutto tra i compositori e gli studenti di composizione, che “se sai suonare Bach, sai suonare Mozart, Beethoven e tutti i compositori successivi”. Infatti, oggi i dipartimenti di composizione dedicano diversi anni allo studio del “contrappunto”, specialità di Bach, noto anche come “forma mentis“, perché ci insegna a vedere la musica con occhi diversi e con una diversa motivazione espressiva. Nel 1950, Wolfgang Schmieder catalogò la vastità delle opere di Bach per grandezza, complessità e profondità: i Concerti Brandeburghesi, il “Clavicembalo ben temperato”, le sonate per violino e violoncello, la celebre toccata e fuga per organo e per clavicembalo, le messe, le passioni e gli oratori sono solo alcuni dei suoi capolavori immortali.
Wolfgang Amadeus Mozart (1756–1791)
Wolfgang Amadeus Mozart è stato un compositore, pianista, organista, violinista e clavicembalista austriaco, riconosciuto in tutto il mondo per aver prodotto opere musicali di eccezionale valore artistico. Mozart è considerato uno dei più grandi geni della storia della musica, dotato di un talento raro e precoce. Con Bach e il suo contemporaneo Georg Friedrich Händel, si conclude l’epoca del barocco e Mozart si inserisce e colloca nella storia della musica durante il “periodo classico”. Nella storia della musica, il Classicismo è un periodo compreso tra il Barocco e il Romanticismo, che si verificò principalmente in Francia e dintorni alla fine del XVIII secolo. L’estetica del classicismo è caratterizzata da una forte razionalizzazione del discorso musicale, nel tentativo di stabilire un equilibrio tra le parti di una composizione e all’adozione di regole rigide. Un esempio tipico è l’introduzione di uno schema formale noto come “forma sonata”. Si tratta di una particolare struttura basata su una dialettica tra due temi, espressa in tre parti (da cui il nome bitematica tripartita): introduzione, sviluppo e ripresa.

È quasi un luogo comune che genio e incorreggibilità vadano spesso di pari passo. Genio e follia sono però anche un binomio “non raro”, soprattutto nel mondo dell’arte. In Wolfgang Amadeus Mozart si possono vedere il genio, un pizzico di smidollatezza e un pizzico di follia. Il film Amadeus di Milos Forman, pur sposando una versione molto fantasiosa e improbabile della sua morte, è un ottimo ritratto dei tratti caratteriali particolari del protagonista che, negli anni della sua vita (morì a soli 35 anni), ha creato una musica che continua ad affascinare il mondo intero. Mozart a soli tre anni strimpellava i tasti del clavicembalo, a quattro suonava piccoli pezzi e a cinque componeva già brani come “Andante e Allegro” o l'”Allegro” ed il “Minuetto” scritti tra l’11 ed il 16 dicembre 1761, composizioni oggi note col nome “Wolfgangerl Compositiones. Abbondano gli aneddoti sulla sua memoria prodigiosa, sulla composizione di un concerto all’età di cinque anni, sulla sua tenerezza e delicatezza e sulla sua paura del suono della tromba. Aveva anche la capacità di riconoscere l’altezza delle note (il cosiddetto orecchio assoluto).
Ludwig van Beethoven (1770–1827)
Mozart è considerato “il solo e unico bambino prodigio”, ma anche Ludwig van Beethoven iniziò a suonare in tenera età, incoraggiato dal padre, noto per i suoi manierismi che avrebbero segnato per sempre la sua personalità; pubblicò la sua prima composizione all’età di 12 anni e a 14 divenne assistente dell’organista di corte, portando la famiglia sulle spalle. Beethoven è stata una figura importante nella storia della musica classica occidentale, l’ultimo rappresentante della scuola classica viennese e il primo rappresentante della scuola romantica. È la cosiddetta “Età eroica”, che prende il nome dalla sinfonia dedicata a Napoleone Bonaparte (la cui dedica fu ritirata dopo che Napoleone tradì i suoi ideali repubblicani e si dichiarò imperatore). Ludwig van Beethoven fu importante per il mondo musicale del suo tempo anche dal punto di vista sociale: egli fu il primo grande compositore ad essere finanziariamente libero dal mecenatismo (questa impresa fu sventata dal povero Mozart). Beethoven, osò pensare di poter vivere di sola musica; due secoli e mezzo dopo, molti lavoratori precari del mondo dello spettacolo e della cultura riuscirono capire i suoi sentimenti. Il suo rifiuto di piegarsi all’autorità e la sua richiesta di assoluta libertà creativa sono ancora oggi esemplari. La sua musica è una porta aperta sul suo mondo interiore, feroce e sottile, altero e delicato, sublime e carnale. Per tutta la sua vita, il compositore si interessò profondamente a tutti gli sviluppi tecnici del pianoforte, al fine di sfruttarne tutte le possibilità riuscendo anche ad ampliarne le tonalità.
Richard Wagner (1813–1883)
Oggi non possiamo più credere al genio, alla gloria, alla voce dell’artista che si confronta costantemente con sé stesso. Un genio come Richard Wagner, con qualcosa di mistico, di indicibile, sarebbe oggi relegato al più inguaribile dei sognatori: la coscienza del XX secolo ha addomesticato le vecchie passioni romantiche in nome della realtà più concreta, e ha fatto nascere straordinari leader di vita. Wagner è noto soprattutto per la sua riforma del teatro musicale e a differenza di molti altri compositori d’opera, l’autodidatta Wagner scrisse sempre i libretti e le sceneggiature delle sue opere, note per le loro trame contrappuntistiche, le ricche scale cromatiche, le armonie, l’orchestrazione e l’uso di tecniche di motivi leggeri, anche chiamati ‘‘leitmotiv’’ (temi musicali legati a persone, luoghi ed emozioni). Inoltre, fu uno dei principali pionieri del linguaggio musicale moderno e rivoluzionò il pensiero musicale con l’idea dell'”opera d’arte totale” (Gesamtkunstwerk), che integrava le arti poetiche, visive, musicali e drammatiche. Questo concetto si concretizzò nel “Festspielhaus di Bayreuth”, un teatro costruito per mettere in scena le sue opere, dove ancora oggi si tiene il Festival di Bayreuth dedicato proprio al compositore di Lipsia.
Arnold Schönberg (1874–1951)
A partire dal 1907, il compositore viennese di origini ebraiche Arnold Schönberg, fu protagonista della transizione dal modello musicale tardo-romantico alla musica “atonale”, cercando nuovi mezzi espressivi per uscire dall’abisso tradizionale. Schönberg ricevette una rigorosa educazione musicale classica, ma il suo background fu l’epoca del modernismo, caratterizzata dagli anni cruciali delle due guerre mondiali, che hanno avuto un profondo impatto sul pensiero degli artisti e hanno portato a una rivoluzione culturale a tutto tondo. In musica, il modernismo si riferisce al periodo di cambiamento e sviluppo del linguaggio musicale che si è verificato intorno all’inizio del XX secolo, alle diverse risposte nel mettere in discussione e reinterpretare le vecchie categorie musicali, alle innovazioni che hanno portato a nuovi modi di organizzare e approcciare gli aspetti dell’armonia, della melodia, della fonologia e del ritmo nella musica. La parola chiave più rilevante in questo periodo della storia della musica è “innovazione”. La musica modernista fa quindi riferimento alla musica scritta nella tradizione musicale europea (o musica classica), approssimativamente tra il 1910 e il 1975 e si basa sui valori filosofici ed estetici modernisti, i cui principi fondamentali sono la rottura con la tradizione e l’innovazione permanente.

Schönberg riconobbe che la musica del tardo periodo romantico aveva raggiunto i limiti della sua espressività e si convinse della necessità di una rivoluzione musicale. C’era però anche un’ironia nel fatto che, nonostante le sue idee innovative, si considerava un erede della “vecchia tradizione”. Non c’è da stupirsi se Richard Strauss lo prese sotto la sua protezione e gli offrì una cattedra al Conservatorio Sternberg di Berlino. Schönberg, assieme ai compositori precedentemente citati, rientra nella cerchia di geni della storia della musica, in quanto Arnold è ricordato in particolare per aver inventato la dodecafonia. Come amava definirla Schoenberg, la dodecafonia è un “metodo compositivo in cui i dodici toni sono disposti in relazione l’uno all’altro”, in modo che tutti e dodici i toni della scala cromatica debbano comparire lo stesso numero di volte e nessun tono debba sovrastare gli altri. Di conseguenza, non si eseguono composizioni basate sul rapporto tra tonica e dominante e non si osserva più la struttura gerarchica tipica dei sistemi tonali.