È andato in scena il 6 luglio alla Galleria Toledo The Handmaid’s Tale- Il racconto dell’Ancella, spettacolo tratto dal romanzo di Margaret Atwood, con la regia di Graziano Piazza. Non ci sono dialoghi ma solo un lungo, intenso monologo, recitato dalla talentuosa Viola Graziosi, che con grande pathos trasporta lo spettatore nel distopico mondo di Gilead, dove la donna è tale solo se in grado di partorire un figlio. Le altre sono non-donne, ribelli, amorali, usurpatrici indegne di un corpo fatto esclusivamente per generare vite. The Handmaid’s Tale e la lotta per la rivendicazione del corpo femminile A Gilead, la famiglia non può certo dirsi “tradizionale”: è composta da un Capitano, una moglie sterile e un’ancella fertile, utilizzata come mero strumento di concepimento. Una volta adempiuto al loro dovere, le ancelle vengono allontanate dal bambino che hanno messo al mondo, che diventa a pieno titolo figlio “legittimo” dei padroni. Difred è l’Ancella del Capitano Fred Waterford, sposato con Serena Joy, e come tutte le altre indossa un lungo abito rosso, il colore del sangue, e un cappellino bianco con le alette che servono a coprire il volto, mascherando la sua femminilità. Le ancelle passeggiano  due a due, con il capo chino, rompendo il silenzio per pronunciare espressioni come Benedetto il frutto, Possa il signore schiudere, Il signore ci ha mandato bel tempo, Sia lode. Un repertorio di frasi di circostanza che diventa l’unico modo per comunicare, dato che i libri sono stati mandati al rogo e scrivere è severamente vietato. L’unica lettura concessa è la Bibbia, testo ritenuto utile per l’educazione di donne devote e sottomesse all’autorità del pater familias. June lavora nel campo dell’editoria, è sposata con Luke ed è madre di una bambina. Immagina di comprare una casa grande col giardino e l’altalena, poco importa il fatto che non può permettersela: è una giovane donna libera, padrona del suo corpo e della sua mente, piena di entusiasmo, passione e curiosità, circondata dalle persone che ama. Dopo una guerra civile la vita di June viene completamente stravolta, perché il regime teocratico totalitario di Gilead prende il comando nella zona un tempo conosciuta come Stati Uniti e le donne in età fertile vengono allontanate dalle loro famiglie per trasformarsi in incubatrici a servizio di ricchi senza scrupoli. È così che June diventa (proprietà) Di-Fred, costretta a subire la mortificazione del suo corpo di donna attraverso un atto sessuale che non può essere chiamato copulazione, dato che manca il consenso di entrambi i partner, né stupro, in quanto è stato sottoscritto un accordo. Il tutto sotto gli occhi di Serena, che a differenza delle altre mogli non prova malvagia soddisfazione ma solo inerme disgusto e repulsione. Chi di noi sta peggio, lei o io?  Viola Graziosi portavoce dei diritti delle donne La scena si apre con una serie di scarpe rosse disposte sul palco, richiamando l’immagine delle manifestazioni contro la violenza sulle donne. Ed è proprio di violenza che si parla ne Il racconto dell’ancella, lettura scenica elaborata da Loredana Lipperini per […]

In occasione del Napoli Teatro Festival, Alberto Mele e Marco Montecatino hanno messo in scena sabato 22 giugno Jenga, l’ultima mossa del becchino, con la produzione del Teatro Serra. A fare da cornice una location d’eccezione, il cortile delle carrozze del Palazzo Reale, che ha conferito allo spettacolo un’atmosfera suggestiva e raccolta, astraendo gli spettatori dal tempo e dallo spazio, per calarli nelle vicende dei protagonisti, verso i quali si provano sentimenti contrastanti, che oscillano dalla simpatia al disgusto. Jenga: i tre mattoncini e l’inconciliabilità del triangolo Jenga è il gioco dei mattoncini di legno che vengono impilati tre alla volta: ogni giocatore, a turno, deve sfilarne uno fino a quando la costruzione non crolla. Tutti perdono, nessuno vince. Mai. È un gioco di sottrazione, in cui non si costruisce ma si demolisce, e lo si fa con la mano ferma e la mente calcolatrice, perché è il gioco di tutti contro tutti, come se fosse una lotta per la sopravvivenza. Ed è così che Jenga diventa la metafora della condizione umana, con le sue dinamiche conflittuali mirate a salvaguardare i propri interessi senza tener conto dell’altro, in una società della performance in cui tutti mentono, alimentando sconforto e solitudine. L’unico barlume di verità resiste ancora in Corrado, quarantenne con la sindrome di Asperger e la passione per il wrestling, che si oppone alla sorellastra Bianca che vuole convincerlo a vendere la vecchia casa di famiglia ad un’azienda di trasporti, con la mediazione del cinico Kapino, addetto alla compravendita. A contribuire allo sfacelo sarà Gianluca, il fidanzato di Bianca (interpretato da Montecatino), che sfoga le sue frustrazioni con tentativi, falliti, di sopraffazione. Conflitto, rabbia, aggressività: e così che le dinamiche interpersonali sfociano in lotta, in una spettacolarizzazione della violenza che trova la sua espressione nel wrestling. Il confine tra ring e vita reale è labile, per cui Corrado non riesce a discernere tra realtà e finzione. Chi mente? Chi dice la verità? Sei mio amico, vero? Tanti, troppi interrogativi insoluti e questa incomunicabilità si riconduce al dispari, al numero tre che non permette alle parti dei conciliarsi tra loro. Questa scelta numerica non è casuale, ma si ripropone con insistenza: tre mattoncini, tre round di wrestling, tre personaggi che cercano di dialogare tra loro senza riuscirci. Alla fine verrà proclamato il vincitore, in una partita in cui non esiste vittoria. Jenga è uno spettacolo che confonde, che inizia come commedia e si conclude in modo drammatico, portando lo spettatore a riflettere sulla vera natura dei rapporti umani e sulla falsità dilagante. Non si propone di dare soluzioni e risposte ma gioca proprio sull’ambiguità per affascinare il pubblico, che non può non dare il suo plauso. Gli attori si sono calati perfettamente nei personaggi da loro interpretati, dando prova di grande bravura. Di notevole impatto la scenografia di Florian Mayer, con la sua disposizione geometrica e quasi asettica dello spazio e il sound design di Gino Giovannelli, che ha dato armonia alle vicende dei protagonisti, smussando gli angoli e conferendo picchi […]

Il Flower Power è un evento ispirato al movimento hippie degli anni ’60 che da quasi 40 anni si svolge presso la discoteca più famosa di Ibiza. Il 2 giugno, a partire dalle 11 del mattino fino a sera, il party farà tappa al Nabilah, una delle location più cool della movida campana, per festeggiare il suo 39° compleanno in anteprima esclusiva. La direzione artistica è di “Made in Italy Ibiza”, l’agenzia di eventi musicali italiana più famosa dell’isola spagnola, nota a livello internazionale per le feste che organizza. Il Flower Power: potere ai fiori! L’espressione “potere ai fiori” fu coniata nel 1965 dal poeta Allen Ginsberg, diventando lo slogan del movimento hippie, nato come rivoluzione pacifica contro la guerra in Vietnam, promossa dal governo USA. I giovani attivisti erano soliti mettere fiori nei fucili, protestare contro l’uso delle armi e promuovere l’amore come forma di dialogo per evitare guerre e conflitti, nella prospettiva di un mondo migliore in cui vivere. Le vere e proprie “capitali” di questa corrente socio – culturale furono San Francisco, Goa e Ibiza, dove il primo Flower Power del Pacha ebbe luogo nell’estate del 1980, grazie ad un’idea del DJ Piti. Il suo obiettivo era quello di “contrabbandare” dischi, portando negli altoparlanti del club un ampio repertorio di musica d’avanguardia che in quel periodo era raro ascoltare. In questi 39 anni, il Flower Power ha portato in pista al Pacha di Ibiza diverse generazioni unite dall’amore per la musica e dallo spirito di pace e gioia degli anni ’60. Una festa unica che si rinnova ogni estate e che continua a trasmettere la sua energia positiva, per celebrare la pace e l’amore! Festa e dress code Il Flower Power, nato come appuntamento estivo, grazie al suo successo è diventato un appuntamento settimanale al Pacha dove, a partire dal mattino, si vedono gruppi di hippie sfilare lungo le spiagge con chitarre e tamburi, rendendo l’atmosfera allegra e suggestiva. Il dress code è quello tipico degli anni ’60 e ’70: stampe floreali, abiti bianchi, gonne ampie e lunghissime, pantaloni a zampa, maxi dress, sandali, occhialoni da sole, camicie in denim e ghirlande tra i capelli. Assolutamente vietato il nero! Per ulteriori info consultare il sito www.nabilah.it o la pagina Fb del Nabilah Beach Club

Massimo Popolizio, regista e attore che vanta collaborazioni con i fratelli Taviani, Paolo Sorrentino e Mario Martone, mette in scena al Teatro Bellini di Napoli il capolavoro pasoliniano Ragazzi di vita, in programma dal 26 al 31 marzo 2019.  Ragazzi di vita, una drammatica coralità Ragazzi di borgata, dialetto romano ai limiti del vernacolare, dinamiche interpersonali fondate su un’ostentata e cruda fisicità, rifiuti che colorano il Tevere di giallo: questo è lo scenario che emerge dalla pièce di Massimo Popolizio, con la drammaturgia di Emanuele Trevi e la voce narrante di Lino Guanciale. Un’impresa difficile quella di realizzare una trasposizione teatrale del romanzo di Pasolini, in cui si alternano racconti in prima e terza persona, generando una sensazione di straniamento che stride con il naturalismo di un testo corale brulicante di vita. La voce fuori dal coro di Guanciale, calatosi con successo in quest’ardua prova d’attore, fa da collante agli episodi tratti dall’opera, in cui emerge un romanesco duro, diretto, ricco di mortacci tua e di altre colorite espressioni. C’è un principio che ha meravigliosamente enunciato Ernest Hemingway in Festa mobile: un’opera è buona se le parti che decidi di buttare sono buone, non se sono cattive. È quello che ti dà rimpianto aver buttato che dà forza a quello che rimane. Come sostiene Trevi, molte scene sono state tagliate a causa del più grande limite del teatro: il tempo. Sta al montaggio l’arte di portarsi dietro ciò che non ha trovato spazio, dando al particolare la possibilità di emergere dalla visione generale. Massimo Popolizio e il confronto con i maestri: da Pasolini a Gadda Impossibile non fare il confronto con un altro pastiche linguistico, Quer Pasticciaccio brutto di via Merulana di Carlo Emilio Gadda, anch’esso fatto di un romanesco inventato e contaminato e di una folla di personaggi che però si muovono all’interno del percorso segnato dall’indagine del commissario Ingravallo, mentre nel testo di Pasolini manca una forma in grado di offrire appigli alla drammaturgia. Ed è qui che emerge la maestria del regista e dello sceneggiatore, con il valido supporto di Marco Rossi per la scenografia e Luigi Biondi per le luci. Anche in questo caso si può parlare di romanzo irrisolto: mentre in Gadda abbiamo un delitto senza un apparente colpevole, in Pasolini abbiamo l’apparente redenzione di Riccetto, che sceglie il lavoro, integrandosi nella nuova società consumistica ed evitando il tragico destino toccato ai suoi compagni di brigata. Sarà un lieto fine? O è solo un’amara riflessione su di un’inevitabile sconfitta? Nel dubbio, non resta altro da fare che prendersi in giro cantando, sulle note intonate da Claudio Villa, emblema di un modo di atteggiarsi nella vita che a Roma è stato e che è ancora. Ragazzi di vita di Pier Paolo Pasolini drammaturgia Emanuele Trevi con Lino Guanciale e con Sonia Barbadoro, Giampiero Cicciò, Roberta Crivelli, Flavio Francucci, Francesco Giordano, Lorenzo Grilli, Michele Lisi, Pietro Masotti, Paolo Minnielli, Alberto Onofrietti, Lorenzo Parrotto, Verdiana Costanzo, Silvia Pernarella, Elena Polic Greco, Francesco Santagada, Stefano Scialanga, Josafat Vagni, Andrea Volpetti […]

Mangiafoglia inaugura il nuovo menu della chef sarda Costanza Fara, che rivisita la cucina tradizionale napoletana grazie ad influenze extraregionali, provenienti in particolar modo dalla sua isola d’origine. Il ristorante, sito in via Giosuè Carducci 32, nell’elegante quartiere Chiaia, accoglie il cliente all’interno di un ambiente raffinato e moderno, con la possibilità di intravedere la chef intenta a preparare le sue “gustose delicatezze”. Mangiafoglia,  quando la cucina napoletana incontra quella sarda Il concept di Mangiafoglia nasce dalla volontà del patron Stefano Civita e del figlio Federico di rivisitare la cucina povera napoletana, esaltandone il gusto e le proprietà nutrizionali che rendono la dieta mediterranea sana e saporita. Non a caso il termine Mangiafoglia richiama un periodo storico ben preciso e identifica una vera e propria filosofia di vita più che lo stile alimentare adottato dal popolo napoletano fino al XVI sec. I napoletani erano grandi consumatori di ‘foglie’, dove per foglia s’intendeva quel complesso di alimenti afferenti alla famiglia del cavolfiore e delle sue sottospecie: cavolo cappuccio, cavoletti, cicoria, scarole, broccoli.   Tutti i piatti partono dalle verdure di stagione, vere e proprie protagoniste del menu, per poi essere completati ed esaltati grazie ad una commistione di sapori armonica e delicata: si avranno così involtini di verza con ripieno di crema di baccalà, mezze maniche con tonno accompagnato da una julienne di finocchi, olive di Gaeta e zeste di limone, tortino di baccalà mantecato con cipolla, parmigiano e spinaci saltati, polpo brasato al Nero D’Avola su crema di patate aromatizzate al timo, spaghetti al nero di seppia con carciofi, bottarga e muggine di Cabras, mille foglie di guttiau con carpaccio di tonno affumicato, ricotta e misticanza di verdure. Infine, per gli amanti della carne, la chef propone bocconcini di agnello in umido su cremina di ceci di Cicerale. Mangiafoglia, nuovo menu a cura di Costanza Fara Antipasto Alici del Cantabrico e burro dei Monti Lattari su crostino Coste di sedano con polpa di ricci Millefoglie di pane guttiau con tonno affumicato, stracciatella di bufala, bottarga e misticanza di verdure Insalatina di arancia, finocchio, filetto di tonno sott’olio e cipolla di Tropea In abbinamento Lila Irpinia Falanghina Doc 2017 Primi Spaghetti al nero di seppia con carciofi, bottarga e muggine affumicato di Cabras Ravioli con torzelle, pinoli, uvetta e caciocavallo In abbinamento Bianco di Bellona Irpinia Coda di Volpe Docg 2017 Secondo Involtini di verza con crema di baccalà ai profumi mediterranei In abbinamento Refiano Fiano di Avellino Docg 2017 Dessert Bonnet al cioccolato fondente In abbinamento Cerri Merry

Il regista statunitense Robert Wilson porta in scena Oedipus, rivisitazione in chiave contemporanea della tragedia greca di Sofocle, basata sull’atavico conflitto padre/figlio e sull’amore incestuoso del figlio nei confronti della madre. Dopo il debutto in prima assoluta al Pompeii Theatrum Mundi è il turno del Teatro Mercadante in cui, dal 9 al 20 gennaio, Edipo, Laio e Giocasta rivivono il loro dramma predetto da Tiresia, l’indovino cieco che vede più degli altri, accecati dalla brama di potere e dalla passione. Robert Wilson rivisita l’Oedipus in chiave sperimentale Edipo viene abbandonato dal padre Laio, re di Tebe, in seguito alla predizione dell’oracolo di Delfi, il quale gli aveva preannunciato la nascita di un erede che ne avrebbe causato la morte, sposando la madre Giocasta e provocando la rovina della sua stirpe. Tuttavia niente sembra arrestare il corso del destino che, ineluttabile, piomberà come una maledizione su Edipo, che resosi conto di aver compiuto un parricidio e un matrimonio incestuoso, si accecherà per il dolore e per la vergogna. Il regista cattura in modo ipnotico l’attenzione dello spettatore, con effetti scenici e sonori magnetici, inconsueti e talvolta disturbanti, il cui scopo è quello di trasmettere una sensazione di straniamento e spaesamento, data l’assenza di una trama che segue una linea cronologica. Le cinque parti di cui si compone la tragedia sono infatti “a specchio”, per cui la prima riflette la quinta e la seconda la quarta, con al centro la terza parte in cui avviene il matrimonio, punto cruciale per la successiva escalation di drammaticità. Il ritmo incalzante della pièce è accentuato dalle voci in diverse lingue che accompagnano l’azione e che rendono universale il tema del complesso di Edipo. Di impatto le coreografie, realizzate utilizzando specifici materiali come rami secchi e rami verdi, lastre di metallo, sedie pieghevoli e assi di legno. Robert Wilson e la sua lettura allegorica della contrapposizione luce/ombra Oedipus inizia a sipario aperto, con al centro della scena una luce abbagliante, davanti alla quale si staglia la sagoma scura di Edipo che, sempre più vicino al disco solare, si acceca, poiché la vista dello scempio compiuto è diventata insopportabile. Robert Wilson gioca molto sul contrasto luce/ombra, vista/cecità, evidenziandone il senso allegorico: Edipo si propone di far luce sull’assassinio di Laio per liberare Tebe dalla pestilenza. Ma sarà capace di sopportare la luce quando questa infine farà luce su di lui? Sarà capace di confrontarsi con il suo passato, con le sue origini? Come il veggente cieco Tiresia sentenzia: fino a che Edipo avrà la vista, lui sarà cieco. Quando inizierà a vedere la verità, egli si accecherà. Siamo noi in grado oggi di guardare la verità?

Sartù al Vomero, raffinato ristorante, offre ai suoi clienti piatti fortemente legati alla tradizione napoletana e alla stagionalità degli ingredienti, accompagnandoli attraverso un percorso di degustazione che coinvolge tutti i sensi, dal gusto alla vista. Sartù al Vomero, quando la tradizione diventa gourmet Location elegante, accurata selezione di vini e musica jazz, stampe con Billie Holiday e John Coltrane. Benvenuti da Sartù al Vomero, ristorante che coniuga la bontà della tradizione locale con l’estro e la creatività del gourmet, grazie alla maestria dello chef Mauro Buonanno che ha illustrato il menu insieme al patron Carlo Capuano, architetto amante della cucina e dell’arte. La scelta del nome affonda le radici in epoca borbonica, quando i monsù, i cuochi francesi di corte, crearono questo piatto arricchendo il riso con numerosi ingredienti e trasformando lo “sciacquapanza” (così veniva etichettato il riso al Meridione) in una portata che veniva posta a centro tavola su di un piedistallo, da cui deriva il termine surtout, sartù. Scelta non casuale se si dà un’occhiata al menu, che propone in cima alla lista dei primi il sartù di riso in bianco che, come vuole la tradizione, viene preparato senza salsa di pomodoro. Fonti di ispirazione per la scelta delle portate sono i ricettari di Vincenzo Corrado, Ippolito Cavalcanti e Jeanne Caròla Francesconi, vere e proprie bibbie della cucina campana. Sartù, un percorso sensoriale anche in versione vegetariana   Lo spumante Trentapioli Asprinio d’Aversa doc inaugura la cena, che si apre con un omaggio dello chef a base di alice alla puttanesca seguito dal Timpano di scamorza, uno scrigno di pane con pomodoro San Marzano, scamorza e salame. Un ottimo greco di tufo Vigna Cicogna di Benito Ferrara accompagna il pezzo forte: il Sartù di riso in bianco, a base di riso Arborio, piselli, carne di vitello e fegatini. Segue un piatto che, a detta dello chef, o si ama o si odia: le Linguine con fegato di polpo e caffè dell’Honduras, perfetto connubio tra sapore di mare e retrogusto amaro. Da provare. Il secondo atto prevede un saporitissimo Baccalà dalla Serenissima al Regno delle due Sicilie, mantecato veneziano, guazzetto napoletano e fritto siciliano. Non mancano le opzioni vegetariane: Risotto al Piennolo giallo e rosso, Vellutata di cavolo alla vaniglia con uova, Insalata composta su base di sedano e salsa alla scapece. Per concludere la cena è stato servito un Berolà distillato all’albicocca pellecchiella insieme a una rivisitazione della Zuppa inglese alla napoletana, con bagna al Maraschino e crema pasticcera classica e al cioccolato e a una Tarte Tatin alla mela annurca. Cura del dettaglio, prodotti di stagione provenienti dal proprio orto, recupero della tradizione, piatti gourmet, tutto questo offre Sartù ai suoi clienti, per un’esperienza che farà felici le papille gustative di ogni palato.