Cuccurucucù Paloma è uno dei brani più celebri di Franco Battiato. Più che una canzone, come succede spesso per il cantautore, è un vero e proprio testo poetico, dal significato profondo. Il titolo deriva dall’onomatopea del verso delle colombe in lingua spagnola; il significato della canzone si basa sulla perdita di una persona amata e sulla sofferenza ad essa collegata. La canzone fu scritta dal cantautore messicano Tomás Méndez nel 1954. Nel corso degli anni, il brano è stato utilizzato come colonna sonora in svariate opere cinematografiche. Cuccurucucù Paloma: significato, temi e filosofia di vita La canzone è una sorta d’elegia liceale, un romanzo di formazione “de minimis”, uno scorcio dell’io giovane, che esprime una profonda vocazione per la persona (l’io poetico) e poi per amore (Paloma). Nelle canzoni, la primogenitura del richiamo colombale appartiene al messicano Mendez (1954), seguita qualche anno dopo dal più noto song di Harry Belafonte, il re del calypso. Il Cuccuruccucù di Franco Battiato rappresenta il primo e riuscito esempio di rivisitazione del testo conciniano. La rivoluzionaria rielaborazione del Maestro catanese Ovviamente nel caso di Franco Battiato, si tratta, così come per altri celebri testi, di canzoni filosofiche. L’illimitato è associato, tramite un parallelismo e attraverso la metafora, all’Infinito Leopardiano, in un susseguirsi di concetti che richiamano alla mente diverse suggestioni; in questo modo si crea, nel caso del cantautore italiano, un rapporto sospeso tra narratore ed ascoltatore. È come se fossero annunciati più concetti contemporaneamente, e non si riesce mai a comprendere quale sia quello principale. Tanti i temi che s’intrecciano tra loro, e difficilmente se ne viene a capo; forse è proprio questa la bellezza infinita della musica di Battiato. Tutto ciò contribuisce a rendere le canzoni dell’autore incommensurabili, con parole che sfiorano i caratteri insiti nell’io, con filosofia e raziocinio. Una connessione con l’universo, di cui Cuccurucucù Paloma rappresenta il fulcro di un’indagine narrativa e stilistica, nel modo in cui avviene nella poesia. Ricordiamo che Franco Battiato, super conosciuto e molto apprezzato nell’ambito musicale non solo italiano, era un artista impossibile da etichettare, così come accade in questa canzone. Anche in Cuccurucucù Paloma viene fuori l’immagine di un intellettuale che ha sempre guardato la società e il mondo da un punto di vista personale e originale. Chi non ricorda Battiato? Chi non ne conserva le note in mente? Chi non si lascia ancora suggestionare dalle amabili note che proferiva il cantautore? E ancora i suoi testi volutamente ermetici, evocativi ed irriverenti, se non spensieratamente e (solo apparentemente) paradossali. Se Cuccurucucù Paloma nasce come un fonema evocativo, il testo ricorda gli anni della giovinezza, quella che ancora rievoca ascoltandola oggi. Il testo, celebre e reinterpretato da numerosi artisti attuali, è un racconto per immagini, ma anche elementi tra loro dissociati, talvolta strani, inconciliabili, immersi in precisi contesti storici. Le note del basso e della batteria sono talmente affascinanti e coinvolgenti che rendono la canzone quasi comprensibile a tutti. Cuccurucucù Paloma non è una canzone che s’impara a memoria, come si è soliti fare con i testi della musica moderna, […]

È pur vero che Dafne è un nome proprio femminile singolare, ma Dafne è anche una band campana con all’attivo un album, il primo, intitolato Mosaico, un disco di nove tracce, in cui il racconto e la narrazione sono filtrati dagli occhi di cinque musicisti: Valerio Sirignano, voce e chitarra; Paola Cerullo, voce e percussioni; Antonio Mignacco, chitarra; Simone di Feola alla batteria e Salvatore Pelliccia al basso. Dopo essere arrivati in finale all’Apogeo Spring Contest nel 2018, comincia la collaborazione con l’etichetta napoletana per il roster New Generation. Da qui la band avvia una campagna di crowdfunding per sostenere le registrazioni del disco di esordio, Mosaico appunto, uscito l’11 giugno 2021. Due voci, un tessuto narrativo cantautorale, un impianto di sound moderno che getta le basi per nuove scommesse e nuovi racconti.  Abbiamo intervistato i Dafne “Mosaico” è il titolo del vostro album: quali sono le tessere che non potevano assolutamente mancare nella costruzione e composizione del vostro primo disco? Mosaico nasce da nove tessere, diverse ma complementari. C’è la leggerezza di Amore in affitto, la riscoperta di se stessi di Gli occhi di Elisa, l’innamoramento di Forse essenzialmente tu, il dolore di Yara. Queste sono alcune emozioni che abbiamo cercato di tradurre in musica, in Mosaico. A tenere insieme queste nove tessere è la necessità – oltre che il desiderio – di condividere un’esperienza musicale “fluida” che prova ad andare oltre gli stessi schemi mentali. “Gli occhi di Elisa” è un racconto, uno storytelling a due voci: come mai avete scelto di descrivere due protagonisti e non usare la prima prima e seconda persona singolare come fosse un dialogo? A volte guardare le cose da più lontano aiuta a cogliere tanti dettagli, tanti particolari che altrimenti andrebbero persi. Quando attraversiamo un periodo di confusione ad esempio, non riusciamo mai a comprendere quale sia il centro del nostro malessere fino a quando non guardiamo le cose da più lontano. Questo è il motivo della scelta di usare la terza persona; per arrivare al centro di noi stessi a volte è necessario guardarci dall’esterno. “Piombo fuso” è a mio avviso la perla dell’album: il tema sociale è molto presente e ben tratteggiato. Come la musica può effettivamente portare un messaggio socio-politico ed attuale senza cadere nella retorica? Ci sono altri artisti che stimate che si pongono questo obiettivo con la propria musica? La risposta è proprio nella domanda. Piombo fuso nasce da un’esperienza reale, vissuta in prima persona, quando dietro le parole c’è l’esperienza non ci può essere retorica ed io credo che quella linea sottile tra la verità e la finzione sia facilmente percepibile quando guardi qualcuno cantare su un palco. In questo senso rispondo alla seconda domanda dicendoti che secondo me, quando non c’è retorica, l’artista non si pone nessun obbiettivo, quando da voce ad un tema sociale lo fa perché lo ha vissuto, lo fa perché lo ha sentito per davvero ed in questo caso esistono molti artisti in Italia che stimiamo, ad esempio Daniele Silvestri, Simone […]

Rock italiano: alla scoperta dell’evolversi di questo genere musicale  La vittoria di Sanremo, l’uscita del nuovo disco, la vittoria dell’Eurovision e il conseguente clamoroso boom sul mercato internazionale ha trasformato il gruppo musicale italiano dei Maneskin in un fenomeno di caratura mondiale. Augurandoci che l’incredibile successo della band sia legato ad un nuovo e genuino, ritrovato interesse per il rock, si propone una sorta di bignami della storia di questo movimento musicale in Italia, cogliendo così l’occasione di poter rispolverare sonorità e lavori che in un modo o nell’altro hanno indelebilmente marchiato il panorama discografico italiano. Quando si parla di rock ovviamente il primo riferimento è quello americano o britannico; ma l’idea qui è proprio quella di mostrare quei lati della discografia rock italiana che non si sono assoggettati all’egemonia oltreoceanica e che, anzi, sono riusciti a rinnovare, aggiungere, sperimentare. Perché in realtà la musica italiana, indipendentemente dal genere, quando è riuscita ad isolarsi e a ritrovare in questa attività di autoisolamento la famosa “ispirazione artistica” è riuscita a dar vita ad opere che tutto il mondo ha invidiato e che per questo motivo sono state anche esportate (il “bel canto”, l’opera, la canzone napoletana, il pop anni ’80-’90 e molto altro ancora). Quando invece si è cercato di emulare semplicemente i prodotti americani importandoli in Italia con dieci anni di ritardo, beh, ecco che lì vien fuori la maggior parte dell’immondizia discografica nella quale ci si ritrova ad annaspare al giorno d’oggi. Per questo motivo l’origine del rock italiano non si ha col primo uomo nato nello stivale che, ispirato da Chuck Berry, ha iniziato a strimpellare una chitarra elettrica; il rock in Italia è nato nel momento in cui l’Italia è riuscita ad essere essa stessa l’eccellenza. Quando questo genere nacque in America, infatti, l’Italia le sue eccellenze le aveva già. Erano gli anni d’oro del festival di Sanremo, con le vittorie di Claudio Villa e Domenico Modugno, artisti destinati a segnare un’epoca e ad ottenere un successo clamoroso ben oltre i confini italiani. Bisogna per questo motivo aspettare pazientemente gli anni ’70 per intravedere per la prima volta dei prodotti musicalmente validi ed artisticamente indipendenti. Sintetizzare più di cinquant’anni di musica non è per nulla semplice, urge quindi ricorrere ad una visione schematica che possa aiutare a generare una visione d’insieme, il che inevitabilmente porta ad una opera di stringente, e a tratti indecorosa, sintesi. Qualcuno questo vergognoso compito doveva pur svolgerlo e quindi ecco una personalissima e barbara semplificazione del movimento rock italiano. Rock italiano: uno sguardo più da vicino Il rock italiano è stato: il progressive negli anni ’70, il rock cantautorale (‘70-‘80-‘90), la new wave (‘80-‘90) fino alla generazione post grunge dei ‘90-2000. Progressive  Il come e il perché il progressive italiano sia diventato un’eccellenza assoluta ha quasi dell’incredibile. Il genere nasce sul finire degli anni ’60, precisamente nel 1969 con l’album “In the court of the Crimson King” dei King Crimson, è estremamente particolare e diametralmente opposto a quello proposto, giusto per dare […]

Intervista a Sabba in occasione dell”uscita del suo ultimo singolo, Loop!  “Loop” è l’ultimo singolo di Sabba, cantautore campano con alle spalle un meraviglioso background artistico, che abbiamo avuto il piacere di intervistare e con cui abbiamo chiacchierato. Per quanto riguarda il singolo, il fatto che nel testo si parli ripetutamente di “manie di grandezza” lascia ben intendere le intenzioni e la mole di lavoro che c’è dietro questa pubblicazione. Il brano è una manifestazione di disagio, rivolto soprattutto a chi è rimasto impelagato in situazioni complesse e apparentemente senza vie d’uscita. L’arrangiamento è estremamente internazionale, le sonorità si sovrappongono senza mai accavallarsi generando un unicum sonoro che accompagna l’ascoltatore fino alla fine del brano. Inutile poi ricordare le doti canore di Sabba, un vero fenomeno su qualsiasi tonalità, ma questo alla fine lo racconta molto bene anche il suo passato: anni di gavetta come chitarrista ritmico, corista e compositore per band campane che lo hanno portato a girare per tutta la regione, la conquista del suo primo pubblico con Sabba e gli Incensurabili, le esperienze teatrali in giro per l’Italia, la vittoria del 2017 di “The Winner Is” e, dulcis in fundo, la finale di X-Factor Romania del 2020. L’ Intervista Ti faccio subito la domanda di rito: com’è nato “Loop”? E’ nato da una notte insonne, invece di tormentarmi ho deciso di scrivere per potermi rivolgere soprattutto a me stesso. Il brano è nato come un flusso di coscienza, infatti nello special cito i Velvet Underground e Battisti che stavo ascoltando proprio in quel momento. L’idea era quella di creare qualcosa di grosso, di epico, e ne parlo anche nel testo. La presenza di parti del testo in inglese e l’arrangiamento internazionale sono delle scelte dettate dalle tue esperienze oltre il confine per cercare di aprirti ad un mercato estero? In realtà può sembrare che sia così ma è solo un caso, ho sempre cantato in inglese per il mio amore per la musica black. Data poi l’internazionalità che abbiamo voluto dare al testo ho pensato che l’inglese potesse anche starci molto bene. A proposito delle “manie di grandezza”, non credi che nell’industria discografica moderna, soprattutto quella più mainstream, ci sia troppa poca gavetta? Guarda per me ognuno è libero di fare ciò che vuole, va bene tutto, se il mercato vuole determinate cose e loro sono bravi ad affidarsi alle persone giuste, va bene. Io sono cresciuto con Franco Del Prete, Piero Gallo, i pionieri del neapolitan power, quindi ho un background diverso. Cerco di seguire la mia strada, il valore commerciale non è il valore artistico. Quando vivevo a Milano provocatoriamente dissi se incontrassi Fedez gli stringerei la mano, proprio perché ognuno fa le scelte che vuole e lui è bravo in quello che fa. Dopotutto il successo è un incidente di percorso, ti devi semplicemente godere il viaggio, vedo la musica come una terapia quindi vado avanti per la mia strada un pochettino come un cavallo col paraocchi. Se potessi ritornare a 18 anni, ripeteresti […]

Donato Zoppo, non solo Lucio Battisti: da lui si può sempre imparare qualcosa Donato Zoppo non è una figura ignota su questi schermi: era già salito alle luci della ribalta di chi scrive con il libro Il nostro caro Lucio, scavo appassionato nell’officina creativa e personale di Lucio Battisti, opera tratteggiata con grande sensibilità, emozione e curiosità filologica. Donato Zoppo è una figura ibrida e imprescindibile, con le sue attività che spaziano dal giornalismo allo storytelling, dalla radio all’ufficio stampa, senza dimenticare la scrittura, filo rosso che unisce il tutto saldamente. Una vera e propria stella polare della cultura musicale e non solo, che ha sempre qualcosa da irradiare, attorno a sé.  Potremmo dire qualsiasi cosa di Donato, ma in quest’intervista lui sceglie di definirsi un amante: scopriamo il perché, direttamente dalle sue parole.  Donato Zoppo, intervista Iniziamo dalla domanda più semplice (o forse più difficile, dipende dai punti di vista). Chi è Donato Zoppo e come lo spiegheresti a una persona che non lo conosce? Altro che semplice… è la domanda più complessa, proprio per questo allettante. Sorvolo su faccende legate all’identità e alla personalità, che sono di scarso interesse per chi ci legge – forse anche per me – per dirti che Donato Zoppo è un amante. Amante della musica, della lettura, della scrittura, dell’ascolto, dell’arte e delle arti, della condivisione. Amante delle connessioni, soprattutto quelle impreviste che ti cambiano la vita, oltre che la percezione. Ho sempre ascoltato musica e letto libri, ne ho fatto una professione in un duplice percorso: da una parte la scrittura – libri, riviste, web – e la radio, dall’altra la comunicazione professionale – il mio mestiere di ufficio stampa. Al centro c’è la passione, la voglia di condividerle nel modo più pulito e sano. Amo i Beatles: forse bastava dire subito questo. Come è nata la tua passione per Battisti? Più che passione, sembra essere una vera e propria “vocazione”, tant’è che sei l’autore che ha avuto il merito di farlo conoscere alla maggior parte del pubblico, dandone un ritratto davvero efficace. Sono lieto che tu parli di vocazione, dunque di chiamata, di qualcosa che arriva dall’alto, stringe e costringe come un bisogno. Ho scritto tre libri su Lucio Battisti, più qualche saggio sparso qua e là in libri altrui, e se potessi scriverei ancora qualcosa su di lui. Quando arriverà una nuova chiamata risponderò volentieri. Battisti è stata una scoperta progressiva, continua. Lo ascoltavo da ragazzo, en passant, tra mille e mille altri album, poi nell’88 la scoperta dell’Apparenza, il suo secondo Lp con Pasquale Panella. Un impatto di cui assaporo la sensazione ancora oggi, una cosa per iniziati. In quella sensazione disturbante ma magnetica, credo si sia celato per bene anche il bisogno di scriverne, di volerlo raccontare: nel 2010, finalmente, il mio primo libro, l’ultimo è uscito l’anno scorso, nel laboratorio del futuro intravedo qualche vocina. Aggiungo per correttezza e per piacere alcuni autori battistiani: Gianfranco Salvatore, Michele Neri, Renzo Stefanel, Luciano Ceri. Se i miei libri sono […]