Alle ore 06:04 l’ultima statuetta dell’ 87esima edizione degli Academy Awards viene consegnata: “Birdman (or the unexpected virtue of ignorance)” è eletto miglior film del 2014! Nella lunga notte presentata da Neil Patrick Harris (famoso per il suo ruolo di Barney Stinson in How I Met Your Mother e presente nel quasi dimenticato “Gone Girl”) si sono avvicendati nelle premiazioni Felicity Jones, Idris Elba, Nicole Kidman, Liam Neeson, Gwyneth Paltrow, Channing Tatum, Chiwetel Ejiofor, Shirley MacLaine, Benedict Cumberbatch, Meryl Streep, Oprah Winfrey, Matthew McConaughey e Lupita Nyong’o e molti altri. Una serata spettacolare come sempre, con momenti divertenti ( il tributo in slip bianchi a “Birdman” sopra tutti!) ed emozionanti. Menzione speciale al momento dedicato agli artisti scomparsi in questo 2014, da Robin Williams a Virna Lisi (unica pecca, l’assenza del nostro Francesco Rosi). Show nello show, dunque, con musica dal vivo di John Legend, Jennifer Hudson e di una Lady Gaga inedita nell’interpretazione di alcuni brani di “Tutti insieme appassionatamente”. Spettacolari anche le immagini e la scenografia che hanno sorpreso e riempito gli occhi con la magia che solo Hollywood sa creare ogni anno.  Edizione a sorpresa per qualcuno, premi scontati per altri. Ecco tutti gli altri premiati: Oscar Miglior Film Straniero a “Ida” (Polonia) Miglior Film d’animazione a “Big Hero 6“ Miglior Documentario a “Citizen Four“ Miglior Cortometraggio: “The Phone Call”  Miglior Cortometraggio Documentario a “Crisis Hotline: Veterans Press 1“ Oscar Miglior Attore allo straordinario Eddie Redmayne per”The Theory of Everything“ Oscar Miglior Attrice alla bellissima e bravissima Julianne Moore per “Still Alice“ Oscar Miglior Attore non protagonista: l’immenso J.K. Simmons per “Whiplash“ Oscar Miglior Attrice non protagonista: Patricia Arquette ed i suoi 12 anni di dedizione a “Boyhood“ Oscar Miglior Regia a A.G.Iñárritu per “Birdman“ Oscar Miglior Sceneggiatura non originale alla trasposizione della vita di Alan Turing in “The Imitation Game“ Miglior Sceneggiatura originale a “Birdman“ Oscar Miglior Fotografia al ‘look’ di “Birdman“ Miglior Montaggio a “Whiplash“ Oscar Miglior Scenografia al Mondo incantato di “Grand Budapest Hotel“ Miglior Trucco alle trasformismo dei personaggi di  “Grand Budapest Hotel“ Migliori Costumi alla nostra Milena Canonero ancora una volta per “Grand Budapest Hotel”  Migliori Effetti Speciali al ‘maltrattato’ “Interstellar“ Oscar Miglior Colonna Sonora al bi-candidato Alexandre Desplat per “Grand Budapest Hotel“ Miglior Canzone alla splendida “Glory” in “Selma“ Miglior Sonoro alle note Jazz di “Whiplash“ Miglior Montaggio Sonoro ai suoni di guerra e di pace in “American Sniper“ Anche quest’anno, ancora una volta, ha vinto il cinema!  Un buon 2015 di film a tutti e ricordate: c’è un pò di ‘Birdman’ in tutti noi.        Oscar 2015: un grande anno di cinema.

Scena 1: camerino di un teatro, giorno. Al centro della scena un uomo che fluttua in aria in una sorta di meditazione magica. E’ così che inizia “Birdman or (The Unexpected Virtue of Ignorance)”, ultimo lavoro di Alejandro González Iñárritu, regista fra gli altri dei poetici “21 grammi”, “Babel” e “Biutiful”. L’uomo in meditazione è Riggan Thompson (Michael Keaton), star internazionale famosa per il suo ruolo da supereroe alato nel film ‘Birdman’. La celebrità, raggiunta grazie a questo ruolo, però, non è abbastanza per lui e così decide di buttarsi a capofitto nella messa in scena della raccolta di racconti di Raymond Carver “What we talk about when we talk about love”. Impresa impossibile nella quale trascina il suo produttore Jake (un inedito Zack Galifianakis), sua figlia Sam (una bionda e cinica Emma Stone fresca di riabilitazione), la sua amante Laura (Andrea Riseborough) e Lesley (Naomi Watts) attrice ancora un po’ bambina che sognava il debutto a Broadway. A sconvolgere il già precario equilibrio del cast arriva, per sostituire un attore infortunatosi in scena, Mike Shiner (Edward Norton) che, con l’incredibile sfacciataggine unita a grande talento ed  imprevedibilità, riesce a svelare da tutte le sue angolazioni la doppia anima di Riggan. Salgono a galla tutte le insicurezze ed i traumi, spinti fuori con forza dal suo Ego-Birdman, vera e propria seconda personalità con voce e superpoteri che appare all’occorrenza, evocata e poi subito scacciata dall’attore. A fungere da lente di ingrandimento sui continui errori di Riggan e sugli inutili tentativi di diventare credibile agli occhi del mondo del teatro si alternano sua moglie Silvia (Amy Ryan) e la critica teatrale Tabitha (Lindsay Duncan). Una pellicola nera, a tratti amara e sicuramente imprevedibile. Ironica e malinconica allo stesso momento e girata tutta d’un fiato. Il teatro diventa l’unico spazio vitale in cui si trascinano le esistenze degli attori: dal palcoscenico, alle quinte, ai vicoletti di Broadway uniti da una serie infinita di piani sequenza dal sapore hitchcockiano. Sembra di assistere ad una commedia teatrale senza interruzione in cui è la vita di Riggan ad essere la vera protagonista, contornata e continuamente pungolata dalle parole e dagli sguardi degli altri. Le immagini sono costantemente sostenute e spesso disturbate dal suono di una batteria sia in scena che fuori. La colonna sonora di “Birdman” diventa l’assordante coprotagonista di molte scene dai titoli di testa fino alla fine: è messa lì a sottolineare il frastuono delle azioni, dei pensieri e dei silenzi. Una serie di straordinarie interpretazioni si alternano nei 119 minuti della pellicola ma fra tutte spicca indubbiamente quella di Michael-Birdman Keaton, già vincitore di un Golden Globe e candidato come Migliore Attore Protagonista ai prossimi Academy Awards. Un ruolo quasi autobiografico per Keaton, indimenticabile Batman, confinato nel suo ruolo di supereroe mascherato ed imprigionato in parte anch’egli nel costume nero del pipistrello.  Sono nove le nomination agli Oscar (tra cui anche quella a miglior film, regia, attori non protagonisti e sceneggiatura) e tante, tantissime le chances di vincere. “Birdman” è un film che racconta di un artista […]

Il primo gennaio 2015 (25 dicembre 2014 in America, quasi un simbolico regalo di Natale), è uscito nelle sale italiane “American Sniper”, ultimo lavoro di Clint Eastwood. La pellicola racconta la vita di Chris Kyle (un Bradley Cooper quasi irriconoscibile), uno dei più infallibili cecchini del corpo speciale dei Navy Seals, e la sceneggiatura è liberamente tratta dalla sua autobiografia pubblicata nel 2012. La scena si apre con una soggettiva in cui Kyle ha sotto tiro un bambino ed una donna iracheni che si scambiano una granata e vanno verso un carro armato Usa: da qui, un ampio flashback ricostruisce l’infanzia del protagonista e fornisce un’ampia spiegazione allo spettatore catapultato tutto d’un tratto in guerra. Gli anni di scuola, il tentativo fallito di crearsi una vita normale in Texas fra cowboys e donne sbagliate, la decisione di arruolarsi e l’incontro con la donna che diventerà sua moglie e madre dei suoi due bambini (una bruna e sempre bellissima Sienna Miller) fanno da cornice al suo addestramento fisico e psicologico.  Dopo l’attentato alle Twin Towers nel 2001, Kyle ed il suo gruppo sono convocati in Iraq per il primo turno ed è qui che Eastwood riprende la narrazione dei fatti dalla scena iniziale. Su di un tetto, berretto con visiera al contrario e mirino puntato, Kyle con un colpo solo fa la sua prima vittima: proprio quel bambino con la granata in braccio. Da allora sarà “la leggenda”, il mito di cui tutti nell’accampamento parlano. Ma la realtà, la sua realtà è di gran lunga differente. Il Chris Kyle di Eastwood Educato sin da bambino a difendere le pecore ed a non diventare un lupo, Kyle è geneticamente predisposto a diventare “pastore di gregge”e a difendere i suoi amici, il suo popolo e quello che per lui è “il Paese più bello del mondo”. Ad ogni morte però, la macchina da presa alterna la visione oggettiva dello spettatore a quella soggettiva del soldato, quasi a voler rendere tutti partecipi fino in fondo della decisione che va affrontata ogni volta, perché fermare un cuore umano, come insegnerà Chris a suo figlio, non è cosa da poco. Nessun eroe, insomma, ma un uomo con doti straordinarie che combatte ogni giorno con il senso di colpa e con la sua coscienza, la stessa che non gli permette mai di essere veramente presente nei ritorni a casa. Sempre tormentato dalla sensazione di non aver fatto abbastanza, di non essere riuscito a salvare tutti, nei giorni trascorsi in patria è completamente fuori dal mondo, assorbito dai suoni e dalle immagini di quella che è per lui una “guerra nella guerra”. Raggiunto il suo ultimo obiettivo, a 160 uccisioni accertate dall’inizio della sua carriera, durante una spaventosa tempesta di sabbia, Kyle capisce di essere pronto a tornare a casa. Dopo “Flags of Our Fathers” e “Lettere da Iwo Jima”, Eastwood torna a parlare di guerra, concentrando l’attenzione, però, sulla storia e sulla vita di quello che viene universalmente riconosciuto come un vero e proprio esempio di patriota americano. Contrariamente a quanto […]

Giovedì 2 ottobre è uscito nelle sale italiane in anteprima, “Take Five”, ultimo lavoro cinematografico del regista napoletano Guido Lombardi (Leone del Futuro – Premio Venezia Opera Prima Luigi De Laurentiis per “Là-Bas” nel 2012). La storia, ispirata al cinema italiano ed internazionale da Monicelli a Leone fino a Tarantino, rientra in quella categoria di film le cui vicende girano intorno all’ organizzazione di una rapina. I cinque: un idraulico, un gangster caduto in depressione, un ricettatore, un pugile ed un ex rapinatore (ora fotografo) si uniscono per ideare un piano per un furto in un caveau di una banca. La squadra di “irregolari”, tutti più o meno “professionisti del settore”, andranno incontro a molte difficoltà e dovranno fare i conti con la volontà degli altri di agire da soli. Tutt’altro che armonici come un complesso jazz, (il film prende, infatti, il nome  dal pezzo “Take Five” del The Dave Brubeck Quartet  nell’album “Time Out” del 1959), ma piuttosto un insieme di solisti che non riescono ad accordarsi fra loro come nelle squadre di calcio con troppi fuoriclasse! I cinque campioni, Peppe Lanzetta, Salvatore Striano, Salvatore Ruocco, Carmine Paternoster e Gaetano di Vaio sono tutti napoletani di origine e di spirito, perfettamente calati nella parte ma lontani anni luce dai patinati undici di Ocean’s Eleven. Una squadra di uomini che cercano il riscatto, nel film come nella vita, in un posto perfetto dove reinventarsi ed arrangiarsi: Napoli. Il buio e la luce, l’oscurità e l’umidità, il rosso ed il nero: elementi visivamente e metaforicamente potenti che rievocano l’ambiente fisico e morale in cui galleggiano le loro vite. Napoli fuori e dentro dal tunnel, una città sotterranea per narrare le vite nascoste di questi cinque criminali che credono di trovarsi al cospetto del colpo che potrà finalmente dare una svolta alla loro vita. Finiranno, però, travolti dalla diffidenza reciproca fino ad essere risucchiati da un gioco al massacro, come in un vortice di note. In questo “caper movie” (film incentrato sui racconti di furti) alla partenopea sono leggibili chiaramente echi di film come “Le Iene” e “I Soliti Ignoti”.  Le storie, però, sia quelle raccontate sia quelle di vita vissuta degli interpreti conferiscono alle immagini potenza e sensibilità straordinarie. Le inquadrature e gli sguardi parlano anche di loro conferendo ancora più forza e credibilità al racconto. Dopo “Gomorra-La Serie” e “Perez”, occhi puntati ancora sulla nostra città e su quei modelli di “criminali” più o meno temibili ma, in un modo o nell’altro resi famosi e riconoscibili. La familiarità e l’energia di questi prodotti made in Naples attira sempre più l’attenzione verso il mondo del cinema del Sud che si nutre di voglia di riscatto e di energia positiva che qualitativamente non ha nulla da invidiare ai prodotti internazionali. Ecco che Napoli, uno dei bacini di creatività più ricchi d’Europa, la città “spettacolare” per eccellenza, torna finalmente al cinema!  “Take Five”: colpo grosso a Napoli, oppure no?

Le immagini di “A Good Kill” di Andrew Niccol chiudono simbolicamente la competizione per l’assegnazione del Leone D’Oro 2014 alla settantunesima edizione del Festival del Cinema di Venezia. Pochi titoli altisonanti e di grande richiamo, quest’anno, ma molta sostanza e film di grande interesse. Dal 26 agosto al 6 settembre si sono susseguiti, come ogni settembre, registi ed attori da tutto il mondo: un’altra vittoria per la Fondazione Biennale di Venezia affiancata dal direttore Alberto Barbera che ha offerto dieci giorni ricchi di spunti e riflessioni, ossigeno puro per il mondo del cinema italiano ed internazionale. Madrina (non indiscussa) di quest’anno del Festival del Cinemal, la napoletana Luisa Ranieri che è riuscita a scrollarsi di dosso le perplessità che ne hanno accompagnato la nomina. Eleganza e sobrietà che la riportano al Lido a dieci anni dalla sua apparizione nel film-testamento “Eros” di Michelangelo Antonioni. Italia e Messico, i primi protagonisti del Festival con la presentazione del film in concorso di Alejandro Gonzáles Iñárritu “Birdman”, storia di un attore in declino dopo essere stato un famoso supereroe del cinema. Gli altri 19 film in concorso si dividono tra francesi, italiani, turchi, giapponesi, americani, iraniani danesi, tedeschi, svedesi, russi e cinesi. Il mondo sullo schermo, ancora una volta, per una sfilata di immagini decisamente più “rare” di un blockbuster. Non sono mancate le sorprese e le emozioni nei racconti cinematografici di quest’anno, punti di vista femminili come quello di Rakhshan Bani-Etemad, la signora del cinema iraniano che ha narrato in “Tales”, con il solito spirito critico, episodi di vita quotidiana di uomini e donne comuni nella sua Teheran. Donne come Sabina Guzzanti che nel suo “La Trattativa” (fuori concorso) scava sotto la superficie della “presunta” trattativa Stato-Mafia suscitando non poche polemiche. Il cinema italiano ha visto protagonisti registi estremamente diversi tra loro che in un modo o nell’ altro hanno messo in luce le facce di un paese in cambiamento: partendo da  “Anime Nere“ di Francesco Munzi  ed il suo viaggio attraverso il sanguinario “triangolo delle bermuda” calabrese, al commovente “Hungry Hearts“ di Saverio Costanzo, racconto ambientato a New York con una Rohrwacher in splendida forma. Altre prospettive e nuovi punti di vista, quelli analizzati in “Perez” (fuori concorso) del regista napoletano Edoardo De Angelis e biografie rivisitate come in “Il Giovane Favoloso” di Mario Martone. Nel suo ultimo lavoro, Martone si concentra sulla figura di Giacomo Leopardi, interpretato da (un sempre perfetto) Elio Germano che fa rivivere una versione inedita del poeta costruendo un personaggio straordinariamente moderno e novecentesco. In una sorta di linea immaginaria che collega Italia e Francia, Abel Ferrara ci regala “Pasolini”: storia degli ultimi momenti dell’artista italiano interpretato da Williem Dafoe in un ricordo che divide ancora e fa riflettere. Dalla Francia arrivano anche la black comedy “La Rançon de la Glorie” di Xavier Beauvois, “3 Coeurs” di Benoît Jacquot con Chiara Mastroianni, Catherine Deneuve e  Charlotte Gainsbourg (Nynphomaniac) , “Le Dernier Coup De Marteau“ di Alix Delaporte e  “Loin Des Hommes” di David Oelhoffen con Viggo Mortensen. Dall’Oriente arrivano “Fires of […]

Esce, nelle sale italiane il 28 maggio, l’attesissimo “Maleficent” prequel e allo stesso tempo remake del classico Disney “La bella addormentata nel bosco”, classe 1959. La storia della regia del film, alquanto tormentata, risale al 2010 quando iniziarono a circolare voci riguardo la possibilità che Tim Burton potesse dirigere la pellicola. Nel 2011 dopo la rinuncia del regista americano, furono proposti dalla sceneggiatrice Linda Woolverton, David Yates (regista degli ultimi Harry Potter) David O’Russel (The Fighter, Il Lato Positivo, American Hustle), Darren Aronofsky (Il Cigno Nero, Noah) e Guillermo Del Toro (Hell Boy, Il Labirinto del Fauno). Alla fine la scelta ricadde su Robert Stromberg, pluripremiato scenografo (Avatar e Alice in Wonderland) con la passione per la regia. Il regista, qui al suo esordio assoluto, dirige l’attrice e produttrice Angelina Jolie nei panni della “strega cattiva” narrando quella che possiamo definire la sua storia personale e la sua metamorfosi. Malefica era una donna giovane e bella che viveva in pace ed in armonia con la natura. A causa di un attacco da parte di alcuni invasori la ragazza decide di divenire la protettrice del regno in cui vive. Le delusioni ed i tradimenti di cui sarà vittima la spingeranno a concentrare tutte le sue energie per tramare vendetta contro i suoi nemici. Per tutta la vita tenterà di vendicarsi, perseguitando segretamente Aurora, figlia dell’erede di quel trono, macchiato di sangue della sua terra e dei suoi affetti. Il resto della storia la si conosce, piena di foreste, rovi e fusi, tutto circondato da magia bianca e nera. Ma “Maleficent” narra soprattutto la versione dei fatti dal punto di vista del cattivo e dà voce e cuore alla storia mai raccontata. Sulla scia di una rilettura dei classici della letteratura e del cinema per bambini e in un’ideale collegamento con la serie TV “Once Upon a Time”, la pellicola si propone di spiegare ed, in parte, di rendere giustizia ai villains  disneyani: quei cattivi, già riletti ed analizzati in “Biancaneve” di Tarsem Singh  e “Biancaneve ed il Cacciatore” di Rupert Sanders. L’aura un po’ dark di entrambe le “regine” lascia spazio, qui, alla personalità ed al coraggio di Malefica ed alla sua sete di vendetta. Una Jolie perfettamente a suo agio nei panni della strega, quasi fosse nata per interpretarla: ali nere, occhi verdi e bocca rosso sangue. La musica (con una versione fiabesca e quasi spaventosa di “Once Upon a Dream” che ha la voce di Lana Del Rey) i costumi e le scene fanno il resto trascinandoci in un regno di magia e mistero, facendoci appassionare a “l’altra verità” e spingendoci quasi a fare il tifo per il…male! -Maleficent: vera storia di una cattiva-

Recensione del film Her: e se ci innamorassimo di Siri? Giovedì 13 marzo è stato proiettato nelle sale cinematografiche italiane per la prima volta “Her-Lei” con soggetto e regia di Spike Jonze. Reduce dal Golden Globe e dal premio Oscar come Migliore Sceneggiatura Originale, il film vede come protagonisti Joaquin Phoenix, Amy Adams, Rooney Mara, Chris Pratt e la voce (ebbene sì, solo quella!) in versione originale di Scarlett Johannson. Ambientato in un futuro non troppo anteriore, la pellicola narra le vicende di Theodore Twombly (Phoenix), estensore di lettere d’amore che dona parole alle persone che non ne hanno più. Creatore di sentimenti, dunque, ma a corto d’amore vero. Un bel giorno, stanco di rimuginare continuamente sul suo matrimonio andato in pezzi, decide di acquistare un Sistema Operativo (a cui darà il nome di Samantha). I venditori gli assicurano che il sistema è capace di comunicare ed interagire con lui e di evolversi di pari passo nei sentimenti e nelle relazioni umane. Inizialmente scettico, Theodore finisce per sorprendersi della veridicità, del realismo e dell’ abilità di Samantha nell’intrattenere con lui discussioni sulla vita e sull’amore. Her, un film teneramente malinconico Non si tratta solo dell’analisi di un amore fra quello che potremmo definire, ad uno sguardo superficiale, un sociopatico ed un computer, ma è molto di più. Spike Jonze ci regala un viaggio attraverso l’assimilazione del concetto di perdita: la trasformazione del amore, l’evoluzione e il logorio dei sentimenti. Tutto questo è “Her”: un film originale e unico, balzato alle critiche italiane soprattutto dopo il premio alla Johansson come migliore “voce accattivante e sensuale” non protagonista. Messo in secondo piano solo a causa delle uscite cinematografiche a ridosso degli Academy, il film Her, nonostante la dolcezza dei toni e la sensibilità delle interpretazioni, è in realtà una sottile critica all’involuzione del genere umano ed ai suoi sentimenti ambigui.  Il “2000 e qualcosa” narrato da Jonze descrive, ampliandolo al massimo, il concetto di simbiosi uomo-macchina: social network, realtà virtuali, macchine, computer e cellulari fanno da cornice alla comunicazione fra gli individui nel film così come nella vita reale. A dieci anni dalla nascita della prima idea, ed in soli cinque mesi di effettiva scrittura, l’ex regista di video di skateboarding ci regala una piccola perla cinematografica forse non adatta ad attrarre grandi masse ma di certo, una delle più rare degli ultimi anni.  Her film in dvd [amazon_link asins=’B00LU28YG4′ template=’ProductCarousel’ store=’eroifenu-21′ marketplace=’IT’ link_id=’eee3ed77-930e-11e8-bf7f-699d71340d2b’]