Sono gli artisti: i musicisti, i ballerini, i teatranti, gli organizzatori e gli operatori, gli stessi che con il proprio lavoro rendono la macchina dello spettacolo fruibile a tutti. Sono gli stessi che in questa quarantena e nella vita di tutti i giorni accompagnano con la propria arte ciascuno di noi e rendono possibile la realizzazione di quest’ultima. Esseri umani che si trovano in balia delle onde, ora più che mai, nel periodo di pandemia, durante il quale sono emersi i complessi meccanismi organizzativi e tutelativi che minacciano una categoria lavorativa, poco sistematizzata e desiderosa di un riconoscimento a livello economico ed assistenziale. Colpiti dall’effetto economico del Covid-19, i lavoratori del mondo dello spettacolo sono stati i primi a dover ridefinire l’assetto della propria occupazione, non potendo del tutto contare sui provvedimenti presi dallo Stato, né su tutele finanziare, in quanto le indennità Covid-19 sono rivolte ai lavoratori dello spettacolo iscritti al Fondo pensioni dello spettacolo, aventi almeno 30 contributi giornalieri versati nell’anno 2019 all’interno del Fondo, con un reddito annuo non superiore a 50.000 euro, come stabilisce l’indennità lavoratori dello spettacolo (art. 38, decreto-legge 17 marzo 2020, n. 18). La potente macchina dell’arte paga infatti lo scotto di avere numerose figure non riconosciute, lavoratori cosiddetti “a nero”, artisti che per vivere della propria musica, ad esempio, hanno portato avanti la propria professione senza tutele a livello contributivo, fiscale e senza garanzie; sono proprio questi professionisti a pagare a caro prezzo l’intera emergenza. Ad oggi qualsiasi mestiere indipendente che abbraccia il comparto dello spettacolo è paralizzato, con un futuro incerto, senza possibilità di organizzazioni prossime: la prospettiva di ripresa a breve termine non prevede una data stabile per realtà come cinema, teatri, stadi, palazzetti, club, luoghi essenziali per lo svolgimento dello show; ma non solo, il danno sarà anche, psicologicamente parlando, ritornare alla mentalità pre-covid, al gusto dell’assembramento ad un concerto, al sedersi accanto ad uno sconosciuto in teatro. Cosa succederà post Covid-19? Quando riprenderà un tecnico di palco, un fonico, un musicista, un attore a poter svolgere il proprio lavoro con dignità (non parlate di dignità indicando i concerti al drive-in) e con le giuste tutele giuridico-finanziare? È questo forse il tempo per stabilizzare una norma, istituire un albo, un’organizzazione che difenda un intero mondo lavorativo, per troppi anni avvitato su se stesso, lasciato ai propri compromessi interni? Se l’arte è riscatto, allora è giunto il momento che la macchina dello spettacolo sia ri-organizzata tutta: dalla punta dell’iceberg fino a tutto ciò che è sommerso. La musica e la figura del musicista, del cantante, dell’operatore dello spettacolo al tempo del Covid-19, messa a dura prova, anche a causa delle poche agevolazioni e sovvenzioni per questa categoria. Ti va di esporre le tue paure, esigenze in quanto musicista, operatore dello spettacolo e la tua opinione riguardo ciò che si andrà ad affrontare? Risponde Elisabetta Serio, musicista, pianista, compositrice: Tempi veramente duri per chi lavora nel mondo dello spettacolo. È vero che si ha più tempo a disposizione per realizzare tutte quelle cose […]

Dal 24 aprile, finalmente disponibile su tutte le piattaforme “Scritto nelle stelle”, il 6° album solista di Ghemon, ultimo progetto del rapper /bluesman avellinese Dopo un’iniziale spostamento della data d’uscita (originariamente prevista per il 20 marzo), Scritto Nelle Stelle (Carosello Records / Artist First) giunge sul mercato discografico. Ormai a 3 anni dal suo ultimo lavoro, Mezzanotte, Ghemon  (pseudonimo di Giovanni Luca Picariello) ritorna con il suo inconfondibile stile e la naturale capacità di fondere rap, soul, blues, funky e cantautorato italiano in un solo elemento inscindibile. Il cantante aveva già ottenuto recensioni positive sia con i precedenti lavori, sia con la sua partecipazione al Festival di Sanremo del 2019. Atteso dai fan, lo spostamento dell’uscita e del relativo tour (dal 4 aprile con partenza a Napoli, Common Ground) non hanno fermato l’artista campano, che arriva con un disco d’impatto, orecchiabile ma che non stanca, grazie anche al lessico ricercato e alle sonorità che variano dal jazz alla disco. Tra instore digitali, videoparty ufficiali e tracklist ipotetiche L’artista ha dimostrato un attaccamento ai fan non scontato, organizzando dirette Instagram e chiamate singole con coloro che hanno preordinato l’album. Sulla stessa frequenza è il video ufficiale del terzo singolo Buona Stella, visibile su Youtube. Il video risulta infatti essere un collage di numerose videochiamate di amici, fan e componenti della band intenti a cantare il brano, ciascuno nella propria casa, riuscendo a trasmettere un grande senso di positività e leggerezza che in questo momento risultano sicuramente non scontati, permettendoci una riflessione sul ruolo della musica anche in situazioni fuori dal comune come quella attuale. Durante la fase di rilascio dei singoli, l’artista aveva poi pubblicato sulla sua pagina Instragram diversi video in cui, raccontando il disco e la sua genesi, come un moderno Pollicino seminava briciole della tracklist da far indovinare ai suoi fan nei commenti, ricompensando i più intuitivi con pass backstage da utilizzare durante il tour. Track by track di Scritto Nelle Stelle: un incontro atteso tra rap e soul Il nuovo lavoro mette a nudo Ghemon come artista e persona, attraverso un album che ha come tema principale l’amore, le sue cause e relative conseguenze. Questioni Di Principio è il brano di apertura, già conosciuto in quanto primo singolo che il cantante aveva diffuso. Un’analisi pungente che l’artista compie su di sé, spingendosi a non accontentarsi o giustificarsi musicalmente e umanamente. In Un Certo Qual Modo: secondo brano, altro singolo. Ghemon tenta (e i numeri streaming gli danno ragione) la hit. La canzone ha chiare influenze disco, con un ritornello che entra in testa e fatica ad uscirne. Nel terzo brano Champagne, il cantautore ripercorre i passi di una vecchia storia conclusasi, brindando alla fine della relazione su una produzione estremamente funky. Segue nella tracklist Due Settimane, che riprende le vicende di un quotidiano diverbio di una coppia; traccia aiutata da una base particolarmente ricca, che rimanda ancora una volta alla disco anni ’70. Cosa Resta Di Noi è forse il lavoro più riuscito della prima parte dell’album . […]

In occasione dell’uscita del loro album omonimo, il gruppo rock Stanza del rumore ha rilasciato un’intervista a Eroica Fenice. Sotto il nome di Stanza del rumore suonano quattro ragazzi di Verona: Pierpaolo Pattaro (voce e chitarra), Martino Posenato (chitarra e seconda voce), Lorenzo Girardi (basso e cori) e Nicola Zonato (batteria). L’album omonimo, uscito a gennaio e anticipato dal singolo L’idea che ho di me, incuriosisce fin dal primo momento per i forti e coinvolgenti ritmi rock, nonché per la freschezza dei testi. Per Eroica Fenice abbiamo scambiato quattro chiacchiere con il bassista Lorenzo, che ci ha rivelato alcune curiosità e dettagli riguardo l’album e i progetti musicali della band. Stanza del rumore, intervista a Lorenzo Girardi La prima cosa che ti chiedo riguarda il nome del vostro gruppo, “Stanza del rumore”. Che significato ha per voi? “Stanza del rumore” è per noi una nuova casa, uno spazio disordinato dove riusciamo a dare un senso alla nostra voce attraverso la nostra musica. È un nome che abbiamo cercato e voluto tanto e che ci piace tantissimo. Ascoltando il vostro album si rimane piacevolmente colpiti dal sound energico, che si richiama molto (correggimi se sbaglio) all’hard rock e al punk. Forti anche della vostra precedente esperienza con il progetto Days Before July, sentite di essere maturati rispetto al passato? Ci sono molte influenze nel nostro sound, tra queste si fanno spazio anche il rock e il punk, ci ispiriamo molto musicalmente a gruppi di matrice britannica ma cercando di mantenere una forte identità italiana. Days Before July siamo sempre noi, ma dopo 10 anni è un vestito che non ci rispecchiava più. Cambieremo sicuramente nel futuro, ma la cosa che ci contraddistingue rispetto ad allora è la consapevolezza di chi siamo, cosa che forse in quegli anni era improbabile avere. Per collegarmi alla domanda precedente, quella che sto per farvi mi sembra d’obbligo: quali sono gli artisti e i gruppi a cui vi siete maggiormente ispirati? Come dicevo in precedenza musicalmente prendiamo molta ispirazione dal Brit-rock a partire dai Beatles fino ai più recenti Muse e Biffy Clyro, per quanto riguarda invece l’Italia adoriamo il cantautorato e band come Ministri, FASK, Gazebo Penguins. Per quanto riguarda le canzoni, il singolo che ha anticipato l’uscita dell’album è “L’idea che ho di me”. Ascoltandolo si rimane piacevolmente colpiti dalle sonorità, che forse non si sentivano da parecchio sulla scena italiana. Siete soddisfatti del risultato? Noi sicuramente ci sentiamo pienamente soddisfatti dal brano, l’abbiamo scelto come singolo perché ci sembrava comunicasse in maniera diretta chi siamo e cosa vogliamo fare. Sempre riguardo le canzoni, voglio farti una domanda un po’ particolare sui testi. Se dovessi sceglierne uno o due che secondo te sono molto rappresentativi per la band, la tua scelta su quali ricadrebbe? Al risveglio e Correnti. Sono stati due pezzi chiave per capire a fondo il fil rouge che unisce i brani di questo album. Un pezzo per reagire e uno per ricominciare. Ultima domanda: nel futuro de la Stanza del rumore […]

Da oggi, 17 aprile, è disponibile su tutte le piattaforme il nuovo EP di Valerio Bruner, La belle dame. Cinque canzoni sull’universo femminile. Napoli, piazza Bellini.  In un’assolata mattinata in cui era ancora concessa la bellezza di guardarsi negli occhi senza l’imperativo del distanziamento sociale, Eroica Fenice aveva incontrato Valerio Bruner, giovane artista napoletano, per parlare del suo nuovo EP La belle dame, disponibile da oggi, 17 aprile. Perché se un virus, chiamato covid-19, costringe tutti noi italiani a stare chiusi in casa, la musica non si ferma.  Come e quando nasce questo EP? La genesi di questi pezzi risale già ai tempi di Down the river. Sempre pezzi acustici, voce e chitarra. Dopo tre anni dal primo album c’è stato un incontro fortunato con un’etichetta, Volcano Records & Promotion.  Abbiamo prima registrato voce e chitarra, a Napoli. Poi in studio a Torino, più lontana dall’identità territoriale napoletana che a volte è un bene e un male. Il tutto tra novembre e dicembre. Dopo una registrazione tra Napoli e Torino sono venute fuori canzoni mie che, con gli arrangiamenti, non riconoscevo o che forse riconoscevo di più. Un’esplosione difficile da spiegare con le parole.  E così ci perdiamo nelle immagini di Torino, una città magica, negli aneddoti di giornate lavorative intense, di tragitti a piedi con la chitarra in spalla, sole tiepido e la serenità di chi sente che sta percorrendo la strada giusta, la sua. Partiamo dal titolo, La belle dame…  É un omaggio a una poesia di John Keats, La Belle Dame sans Merci, poesia che adoro, al punto da scriverci un pezzo. É un lavoro tutto improntato sulla figura femminile: sono cresciuto in un contesto femminile fatto di donne cazzute, mia madre, mia nonna. In una società in cui l’emancipazione femminile non è così scontata, è venuto spontaneo raccontare storie di donne che in situazioni negative, in cui tutto sembra perduto, trovano comunque una luce. Un inno a tutte quelle donne che, consapevoli della loro forza, lottano e continuano a farlo, nonostante tutto.  Un piccolo universo narrativo, cinque donne, cinque storie, cinque canzoni in cui è concentrato il messaggio dell’album. Cosa c’è di diverso rispetto a Down the river? L’altro è un lavoro forse  più autobiografico, ma allo stesso modo, le mie canzoni nascono sempre da ciò che mi circonda, che colpisce la mia attenzione. Penso a Rivergirl e al modo in cui è nata: due anni fa ero a Londra, nel quartiere di Little Venice, bellissimo. In una giornata uggiosa mi colpirono i battelli fermi sui canali abitati da questi “gipsy dell’acqua” e su un cartello c’era la scritta RIVERMAN. Annotai delle parole sul taccuino che porto sempre con me, “Rivergirl is not too late”. Queste parole mi sono tornate in mente ascoltando un giro di accordi di Tom Petty…e così è nato il primo singolo: uno scenario apocalittico, una donna sola e inascoltata che trova in sé la forza per andare avanti, dimenticandosi di tutto il resto “’cause rivergirl won’t be too late”.  Testi intensi che spaziano musicalmente dal […]

Ferruccio, 24 anni, rapper del collettivo Soffitta Produzioni. Il 24 marzo è uscito il suo disco d’esordio intitolato Zero: 14 tracce, che racchiudono 5 anni di vita, per un ascolto di 42 minuti circa, denso di parole, sensazioni, riflessioni. Appassionato di musica, ancor più della scrittura, innamorato dalle parole, Ferruccio porta avanti un progetto composto di tante voci dell’io differenti che si ritrovano tutte a dialogare tra di loro, con rime nuove, intrise di significato, poco retoriche, piene di vitalità. La scrittura è la sua Mecca, luogo privilegiato in cui non è sempre facile arrivare per cogliere la vera poesia; il suo è un percorso che definisce né semplice né semplificativo, che porta sempre a ripartire da zero. Intervista a Ferruccio Chi è Ferruccio? Com’è stato il percorso di creazione del tuo album Zero? Sono un rapper, mi chiamo Ferruccio, faccio parte della Soffitta Produzioni, il centro di produzione in cui è nato ed ho registrato il mio disco Zero; un collettivo di dieci persone circa, tra rapper e beat maker, produttori e grafica: il mondo in cui mi muovo e creo la mia musica. Il disco ho iniziato a registrarlo 4-5 anni fa, lo definisco infatti un percorso tortuoso, se penso che i primi brani composti risalgono a quando avevo 18-19 anni e adesso ne ho 24. Un processo lungo, tra scrittura, registrazione, missaggio, anche per questo si chiama Zero. È un disco in cui credo, un disco dinamico; sono consapevole che sia una specie di zibaldone, dal risultato finale omogeneo, a cui rimarrò affezionato proprio per il lungo tempo speso per crearlo. Cosa è cambiato, quindi, dalla scrittura delle prime canzoni alle ultime dell’album? Ribadisco che Zero è un disco che alterna brani scritti quando avevo 18 anni ed altri composti recentemente. Il cambiamento l’ho avvertito nella spontaneità che avevo nel creare: la magia degli inizi, dove le canzoni nascevano con una naturalezza disarmante, ha lasciato il posto ad una maturità stilistica; infatti adesso quando mi approccio alla scrittura, la vivo come una questione tecnica, anche perché negli anni, ho affinato la gestione dei brani, la struttura, la forma canzone, dando sempre però spazio al lato emozionale, una costante nella ricerca artistica. Un esempio di cambiamento di struttura è il passaggio da Minuti inutili a Come Lebron. Minuti inutili è una delle prime canzoni scritte, con la classica struttura rap, strofa ritornello strofa ritornello; Come Lebron invece è più maturo a livello lirico, ha una struttura più fine, più organizzata, che spazia tra i ritornelli e concede più libertà. Che cos’è per te la Soffitta Produzioni, il luogo dove è nato ed è stato prodotto il tuo disco? Come è strutturata la Soffitta e quanto ha influito sulla scelta artistica del tuo album? Una famiglia allargata, un termine forse poco professionale, ma più vicino alla realtà: siamo degli amici che condividono una passione e da ormai 8 anni, quasi quotidianamente, cercano di ritrovarsi per creare musica. C’è Trisha che lavora alle grafiche, Ghetosoffittaman ed altri che producono, ci […]