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Eroica Fenice

La categoria Culturalmente contiene 671 articoli

Culturalmente

Intervista a Federico Faccioli, fondatore di Aletheia editore

Aletheia, casa editrice no-profit Aletheia, in greco, è una parola che schiude un ventaglio di sfumature diverse e di concetti affascinanti ed emblematici. L’alfa privativa è una dichiarazione di sincerità, di rivelazione e di verità, ma anche di affrancamento dalle logiche vigenti, dal profitto e dalle dinamiche contingenti; è il disseppellimento di ciò che è nascosto e non è visibile ad un primo sguardo rapido. Aletheia è il nome di una casa editrice emergente e completamente no-profit, nata a Verona e fondata da Federico Faccioli. Il team di giovani che lavorano dietro le quinte di questo progetto è la vera forza di Aletheia editore, che ha il nobile scopo di valorizzare il talento e il reale merito di scrittori volenterosi di esprimersi in una società che è spesso vuota e disintegra le ambizioni covate nel fondo più intimo della propria anima. Abbiamo scambiato due parole con il fondatore Federico Faccioli, instancabile e poliedrica anima del progetto, che spende tutto se stesso e ogni fibra del suo essere 24 ore al giorno per amore dei libri, senza chiedere nessun utile in cambio se non la soddisfazione di essere uno degli ultimi alfieri rivoluzionari della cultura. Ma quella vera, fatta di sudore, sacrifici e intelligenza, e di una grande dose di amore (soltanto per amore si fanno i sacrifici più grandi, no?), non quella millantata per presunzione che sta sempre di più sulla bocca di molti, come inutile orpello del proprio ego. Con lui abbiamo parlato di editoria, crowdfunding e consigli per gli scrittori emergenti. Ma prima di addentrarci nello scambio di domande e risposte con Federico, leggiamo le parole di Laura, responsabile nazionale delle selezioni autori, che proprio di lui vuol parlare. “Devo parlare di Federico punk o del dott. Faccioli serio ed impegnato? Beh Fede è, appunto, una sorta di dottor Jekyll e mr. Hyde! Ma in entrambi trovo solo aspetti positivi (a parte supportarlo con le sue lagne alle due di notte, ma tale è la natura del genio). Ma Federico chi è? Editore scrittore skater artista cuoco punk filosofo poeta personaggio tv brand owner capo del marketing o…o…nessuno lo sa. Ma in tutto quello che fa e che è ci mette una passione disumana. Una passione che o te lo fa amare alla follia (come noi collaboratori di Aletheia) o odiare all’infinito (mai farlo incazzare). Lui dice spesso che pensa troppo e quindi deve usare la sua energia anche di notte…Fede relax! Il mondo ha bisogno di persone come lui. Persone che a quasi 40 anni tengono vivi i valori che noi, col passare del tempo, abbiamo dimenticato. Sei cocciuto sai e per questo ti prego di non cambiare mai”. Intervista al fondatore di Aletheia editore, Federico Faccioli Come nasce l’idea di fondare una casa editrice completamente no profit e che non chiede contributi agli autori emergenti? Parlaci un po’ dei principi che muovono questo progetto. L’idea di fondare Aletheia editore è nata dopo l’estate 2015. Tantissime persone mi scrivevano per sapere le opinioni sui loro libri, ma […]

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Tra guerra e memoria. Annichilimento e speranza

L’umanità ha sperimentato lungo il suo percorso storico varie forme di crudeltà. Così come la capacità di offrire memoria di grandiose scoperte e creazioni meravigliose. In particolare, gli anni ’40 del Novecento costituiscono uno dei periodi storici più singolari, e al contempo uno tra i più bui di cui l’umanità abbia memoria. Konrad Zuse inventa il primo computer, ovvero lo Z3 (1941). Viene sviluppata la tecnologia nucleare, che porterà allo sviluppo sia di una nuova fonte di energia sia di nuove armi di distruzione di massa, come la bomba atomica (1942). La stessa verrà utilizzata infatti come controffensiva da parte degli Stati Uniti sulle città giapponesi di Hiroshima e Nagasaki (1945). In difesa del bombardamento a sorpresa a Pearl Harbor, la più importante base navale della marina americana, perpetrato dai giapponesi (1941). Il 2 giugno del 1946 l’Italia diviene Repubblica. Nel 1948 viene approvata dalle Nazioni Unite la Dichiarazione universale dei diritti dell’uomo. Lo scoppio della Seconda Guerra Mondiale, attacchi, invenzioni, l’avvento della dittatura. Ma gli anni ’40 offrono purtroppo memoria di un abominio peggiore della stessa guerra: l’Olocausto. Con tale termine si indica il terribile genocidio perpetrato dalla Germania nazista di Adolf Hitler e dai suoi alleati nei confronti degli ebrei tedeschi prima, poi esteso a tutta l’Europa occupata dal Terzo Reich, con la deportazione e lo sterminio di massa di ebrei, in particolar modo, e di tutte le categorie ritenute “indesiderabili” (prigionieri di guerra sovietici, zingari, testimoni di Geova, omosessuali, malati di mente e portatori di handicap). Paradossalmente, il termine Olocausto nasce come attributo religioso. Derivando dal greco “bruciato interamente”, indicava inizialmente la più retta forma di sacrificio prevista dal giudaismo. Ma proprio a causa del significato religioso del termine, gli ebrei trovano inappropriato l’uso dello stesso, giudicando offensivo paragonare l’uccisione di milioni di ebrei ad un’”offerta a Dio”. Per cui, il termine più correttamente utilizzato per indicare una tale distruzione di massa diviene Shoah, dall’ebraico “catastrofe”, “distruzione”. Gli anni della Seconda Guerra Mondiale offrono pertanto memoria di una delle colpe più gravi di cui l’uomo si sia macchiato. Il genocidio degli ebrei perpetrato attraverso i campi di concentramento e sterminio, attraverso l’impiego di forni crematori e l’utilizzo di camere a gas non sembra avere eguali nella storia. La memoria tra annichilimento e speranza Svariate sono state le testimonianze di ebrei deportati e sopravvissuti al massacro e alle malattie che, insieme al fuoco, gas e colpi di fucile, hanno falciato milioni di vittime. Eventi ad oggi conosciuti ed approfonditi. Ma uno spunto singolare può essere colto – attraverso racconti, libri e pellicole cinematografiche – nel modo in cui sentimenti e caratteri siano stati alterati, forgiati o semplicemente emersi in seguito alla terribile esperienza offerta dalla guerra e dalla shoah. Alcuni cuori non hanno mai perso la speranza nella liberazione e nella vita che continua; altri sono stati condannati dall’orrore e dal dolore ad un’estrema durezza. Alcune, tra le milioni di vittime, hanno continuato a credere nella bontà, nonostante tutto il male vissuto; altre si sono incattivite, decidendo di […]

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La fiera del luogo comune sulle discipline umanistiche

Quanto più basso è il livello culturale del contesto sociale tanto più facilmente si allestiscono fiere del luogo comune, il quale luogo comune non è detto sia debellato con una buona cultura. Molto spesso, infatti, il progresso umano viene bloccato da una logica utilitaristica nei confronti del sapere. Il quale, ovviamente, non agisce così da solvente dei prosciutti sugli occhi, ma da mero strumento d’accrescimento personale. Ovviamente tanti e troppi sono i motivi per cui ci si pone in tal modo nei confronti della cultura, a partire da fattori di tipo istintuale a quelli di tipo contestuale; così come tanti e troppi sono i motivi della creazione del luogo comune, erba cattiva e ignorantissima. Chiaramente: «A cosa servono le discipline umanistiche?» è un luogo comune animalesco. Pensare è l’imperativo categorico dell’uomo. Niente paura, non è niente di mostruoso: bastano solo due step. Primo: prendere un libro di Storia Moderna per comprendere quanto forte sia la tradizione culturale occidentale. Secondo e più doloroso step: viaggiare nei paesi del Terzo mondo o qualsivoglia luogo non civilizzato. Terzo (per i più facoltosi): riproporsi la domanda e sforzarsi di dare una risposta che non sia “a niente”. Ovviamente no: non è come il tutorial su come mandare una e-mail – si sarà capito? L’utilità delle discipline umanistiche, nel pensiero dei grandi, contro il luogo comune Numerosi sono gli intellettuali che nel passato si sono interrogati sulla presunta utilità delle discipline umanistiche; tra i pensatori più incisivi per debellare oggi il luogo comune ci sono il napoletano Vico e Ugo Foscolo. Giambattista Vico, Scienza nuova, II libro: Della sapienza poetica. L’intellettuale napoletano vuole andare in percussione verso il passato per ricostruire l’origine del sapere umano. Fissa gli occhi sul mito: è per lui un tipo di linguaggio non razionale, ma fantastico, teso a collegarsi a immagini e figure. È da qui che parte la concezione di Vico: quello di cui si rende conto è lo stesso valore della mitologia, che attraverso palcoscenici su cui si muovono figure eroiche o antieroiche propaga le varie espressioni della vita civile quotidiana dei popoli a cui appartiene. Per cui è fatta: decifrare la mitologia e il suo linguaggio è uguale a ricostruire i modelli organizzativi dell’umanità di quelle epoche. Lo scopo uno solo: tener memoria, per imparare a rapportarsi col futuro. Anche Ugo Foscolo si dimena in termini simili nei Sepolcri. Inizia l’opera; il poeta si chiede: ma a cosa servono le tombe? Tocca ma elude uno svuotamento di significato, facendo divenire le tombe – quelle pubbliche – espressione fisica del memorandum costituito dall’esempio dei virtuosi. Allo stesso modo, verso la fine, Foscolo si chiede: ma a cosa serve la poesia? Ugual funzione dei tumuli, ma più forte e potente. Anche qui lo scopo è uno solo: perpetrare il ricordo. La memoria è civiltà, come la storia, il pensiero e l’arte.

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Genova commemora la Shoah con “Segrete – tracce di Memoria”

Alla Torre Grimaldina, presso il Palazzo Ducale di Genova, dal 18 gennaio al 3 febbraio, si svolge il viaggio evocativo e memoriale per la commemorazione della Shoah. La rassegna d’arte contemporanea “Segrete – tracce di Memoria” è stata inaugurata per la sua decima edizione nelle celle della Torre Grimaldina di Palazzo Ducale. Come nelle precedenti edizioni, la rassegna, ideata e curata da Virginia Monteverde, riunisce un gruppo di artisti contemporanei di levatura internazionale in collaborazione con gallerie artistiche e associazioni culturali. In un luogo intriso di suggestioni e memorie, come quello delle antiche carceri di Genova,  è stato allestito un percorso fortemente emozionale nel quale, grazie a varie opere e installazioni, si fanno riaffiorare i drammatici eventi del terrificante genocidio. Gli artisti offrono interpretazioni e spunti di riflessioni sulla giornata della Memoria. La loro arte, mezzo di comunicazione sociale e informativo, si propone come punto d’incontro tra passato e presente e fonte di sensibilizzazione, rivolto soprattutto alle nuove generazioni. Si occupano dell’introduzione di riflessioni le personalità di Andreas Blank, Andreas Burger, Jan Kuck, Federica Marangoni, Giuseppe Negro, Silvano Repetto, Daniele Sigalot, e diversi giovani artisti che partecipano al Peace Project curato da Martina Campese. Numerosi eventi sono previsti a scopo pedagogico, emozionale e informativo. Un incontro con le scuole, la mostra fotografica di Roberto Menardo, esposta nelle prossimità del Binario 21. Due le esibizioni teatrali, “Lezioni elementari. Monologo sul maestro Gabriele Minardi” di e con Roberto Mussapi, in scena il giorno sabato 20 gennaio, e “Scalpiccii sotto i Platani-L’eccidio di Sant’Anna di Stazzemma” di e con Elisabetta Salvatori e Matteo Ceramelli al violino, prevista per il giorno 1 febbraio. L’evento sarà concluso da un reading di poesia di cui si è occupato Claudio Pozzani, direttore del Festival internazionale di poesia di Genova. “Segrete – tracce di Memoria”: un’ iniziativa commovente e incisiva La Torre Grimaldina, che fino al Trecento era simbolo del potere esercitato prima dal Comune e poi  durante la Repubblica di Genova, si trasforma in un simbolo di tragedia e di commemorazione grazie all’iniziativa “Segrete – tracce di Memoria”. Nel Medioevo era stato luogo di detenzione di numerosi intellettuali e personaggi politici. Il suo ambiente tetro e suggestivo, aperto al pubblico a partire dal 2008, è stato dunque trasformato in teatro di opere d’arte che si scoprono attraversando porte e inferriate dove in passato erano raccolti i prigionieri di Genova. L’arte nelle sue svariate utilizzazioni ha consentito di stimolare la memoria e la riflessione intorno a una tragedia umana e storica che non può conoscere l’oblio per gli orrori che ha provocato. “Segrete – tracce di Memoria” si è rivelata una rassegna incisiva, commovente e efficace.

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Culturalmente

La vera Cenerentola è la napoletana Zezolla

A tutti, adulti e bambini, è nota la fiaba di Cenerentola. Ma pochi forse sanno che la Cenerentola di Charles Perrault e dei fratelli Grimm, oppure la versione per piccini prodotta da Walt Disney, è in realtà il riadattamento della fiaba napoletana La Gatta Cenerentola. Tale è contenuta nella straordinaria raccolta di favole Lo cunto de li cunti, overo lo trattenemiento de peccerille (1634-1636), scritta dal letterato e scrittore napoletano Giambattista Basile. La Gatta Cenerentola e il Pentamerone di Giambattista Basile La Gatta Cenerentola risulta essere una delle più maestose e complesse opere in Lingua Napoletana, e, insieme alle altre, successivamente tradotta dal filosofo Benedetto Croce. Tale versione originale in napoletano è stata resa nota al pubblico grazie alla rappresentazione teatrale di Roberto De Simone, ripresa anche da Peppe Barra. L’opera di Basile in cui si inserisce la fiaba è nota anche con il titolo di Pentamerone, seguendo il modello del Decameron di Boccaccio. La raccolta è costituita infatti da 50 fiabe, scritte in lingua napoletana, raccontate da 50 novellatrici in cinque giorni. A differenza dell’opera boccacciana, quella di Basile attinge a temi diversi e soprattutto utilizza toni fiabeschi. Non novelle, ma fiabe. Tuttavia le fiabe di Basile, sebbene lascino intendere di esser rivolte ad un pubblico infantile, risultano in alcuni tratti abbastanza crude. Pertanto la raccolta è destinata ad un pubblico di adulti, in quanto la fiaba è la forma di espressione popolare scelta da Basile per rendere immediati e fruibili una materia abbastanza complessa e l’insegnamento che se ne deduce. A differenza della Cenerentola di Walt Disney e dei fratelli Grimm, la protagonista della fiaba di Basile, Zezolla, si macchia dell’omicidio della matrigna, persuasa dall’amabile maestra, che diventerà per lei una matrigna peggiore della prima. I toni risultano dunque abbastanza forti. La stessa protagonista eroina, per un attimo, viene dipinta con un’anima dark, spinta al misfatto dalla disperazione e ancor più dalle mire di quella maestra che si finge inizialmente amorevole solo per concretizzare i suoi piani di ricchezza, sfoderando poi pura cattiveria e il più cupo egoismo. Non è la versione conosciuta dalle bambine. Ma è quella originale, in cui Basile riesce magistralmente a porre l’accento sul reale, e non solo sulla fantasia, trasmettendo al pubblico messaggi di verità attraverso la semplicità e i toni fanciulleschi. Zezolla, la Gatta Cenerentola. Orgoglio partenopeo Ma a rendere così interessante quest’opera non è certamente solo il contenuto: la ciliegina è offerta dalla veste linguistica! È straordinario pensare infatti che la prima versione in assoluto della fiaba Cenerentola sia stata scritta in lingua napoletana da un napoletano. Non a caso viene utilizzato il sostantivo “lingua” e non “dialetto”, dal momento che l’Unesco riconosce ormai il napoletano come lingua a tutti gli effetti. Questo riconoscimento, nazionale e mondiale, è dovuto alla sua lunga tradizione artistica e culturale. Il napoletano, a differenza di altri dialetti, ha una sua forma scritta, con una sua grammatica, affermatasi attraverso lo sviluppo di una letteratura tutta partenopea, composta da opere, canzoni e poesie che ne hanno sancito […]

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Riflessioni culturali

La logica perversa del femminismo violento, Non una di meno a Roma

Nel Novecento, il Secolo delle grandi ideologie, l’uomo europeo ha scoperto la natura intima delle masse. Ha scoperto che egli stesso è facilmente manovrabile dall’alto. Remissivo laddove il compromesso tra atrocità e vantaggio, seppur lo scarto sia orroroso, gli sembri piuttosto conveniente. Sembrava che la lezione fosse stata appresa da quando, dalla grande distesa padana, s’alzò il canto ‘Bella ciao’, dopo la Liberazione e dopo tutte le vicende di fine Seconda Guerra Mondiale, compresa la caduta del Muro di Berlino nel 1989, rottura dell’ultimo baluardo che rendeva solido il confine tra due mondi che si ponevano agli antipodi. Non una di meno a Roma, una lezione che fatica a essere compresa Invece no. L’equazione estremismo uguale violenza è ancora poco compresa nella grande stalla umana che è il mondo urbanistico occidentale. Forse l’avvenimento è ciclico, forse no. Il cancro degli ambienti non già praticamente violenti ma ancora fermi a un’idea eufemisticamente poco graziosa, al di là del susseguirsi storico delle convinzioni sociali, è nell’educazione. Se oggi i tg sono popolati da quotidiani casi di cronaca nera, la riflessione è da riferire al fallimento dell’istruzione, la quale, nonostante l’esperienza storica, non riesce a contrastare le conseguenze della frequentazione dell’individuo di ambienti “poco graziosi”. Non una di meno a Roma e l’estremismo violento delle frange femministe Basta andare indietro nel tempo. Un passo indietro et voilà. Si assiste alla realtà come uno spettatore ascolterebbe rapidamente un cantastorie popolano. 25 novembre 2017, Roma. Una fiumana di donne manifestano dietro gli striscioni di Non una di meno, titolo del corteo facilmente riconducibile ad una protesta contro il femminicidio che cresce e preoccupa. Si aggiunge un uomo. L’uomo doveva essere contro qualsiasi forma di violenza e si piazza tra le prime file. Qui accade qualcosa di incredibile. Una capobanda di quella fiumana gli dice che non ha il diritto di manifestare, tantomeno in prima fila. Pam. Buttato fuori. Motivo: qui comandano le donne. Chiaro il concetto, no? Chiodo scaccia chiodo, tutto chiaro, giusto. Se non fosse che a quello che era un solo buco nel muro sociale se ne aggiunge un altro, di senso opposto ma di uguale natura. Il visionario Walter Benjamin scrisse tempo fa una cosa che oggi è men che mai attuale: «L’uccisione di un criminale può essere morale… ma non la sua legittimazione». Luminare. È come se stesse dietro quelle donne e gli dicesse che non è la bandiera a contare, ma il buonsenso. L’humanitas, per i più dotti. Diciamocelo: che la si pianti: la parola sessismo non è più tipicamente novecentesca. È contemporanea e da tale va usata adattandola con semplicità alla realtà circostante e storica. Non è più il maschio carnefice e la donna vittima, ma l’uomo che mangia il suo simile, al di là del sesso. Non una di meno a Roma è stato violento tanto quanto il maschio femminicida e non è giustificabile assolutamente dalla bandiera che erge e dietro cui si nasconde.

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Culturalmente

Terme di Caracalla in 3D: i vantaggi della realtà aumentata

A partire dal 20 dicembre 2017, il percorso delle Terme di Caracalla sarà consolidato dalla disponibilità di speciali visori, che consentiranno una visione tridimensionale degli ambienti, ricostruiti nella loro architettura e decorazione originarie, al fine di fornire una vista competa del sito a 360°; tale innovativo strumento di potenziamento alla visita è stato presentato dalla Soprintendenza speciale di Roma Archeologia/Belle Arti/Paesaggio, guidata da Francesco Prosperetti ed è intitolato «Caracalla IV dimensione/ Immergetevi nelle Terme più belle del mondo». Il progetto, coordinato da Francesco Cochetti di CoopCulture con l’ideazione tecnologica di Francesco Antinucci del Consiglio Nazionale delle Ricerche, frutto di un meticoloso lavoro storico e scientifico, assorbe ricerche e scavi trentennali riguardanti il sito archeologico, promossi per iniziativa dell’attuale direttrice Marina Piranomonte. «Grazie alla tecnologia – chiarisce il soprintendente Prosperetti – dotiamo le Terme di Caracalla di un indispensabile supporto per consentire di vedere non solo gli spazi, ma anche gli strabilianti apparati e gruppi scultorei che decoravano gli ambienti antichi»: le Terme di Caracalla diventano, così, il primo grande sito archeologico italiano interamente fruibile in 3D. Le Terme di Caracalla come le vedevano i romani: indietro nel tempo con il 3D I visori tridimensionali saranno a disposizione all’ingresso a un costo di 7 euro, pari a quello delle normali audioguide; la tecnologia del visore si basa su un cellulare di ultima generazione dotato di un software innovativo, che consentirà di scegliere un punto delle dieci tappe indicate nella mappa per ritrovarsi in un vero e proprio video-intrattenimento totalizzante, sia culturale che spettacolare. «Si parte con una dotazione di 30 visori, ma l’idea – spiega Giovanna Barni, presidente di CoopCulture – è aumentarne il numero in vista dell’estate; nel tempo si potrebbero aggiungere anche game e mappe digitali». L’applicazione della realtà aumentata permetterà, dunque, un costante confronto tra la realtà contemporanea delle rovine e la ricostruzione virtuale. Enormi e spettacolari, adorate dagli antichi romani che a migliaia le affollavano ogni giorno, queste grandiose terme pubbliche furono fatte costruire dall’imperatore Caracalla sul Piccolo Aventino tra il 212 ed il 216 d.C., destinate principalmente ai residenti della I, II e XII regione augustea, ovvero l’area compresa tra il Celio, l’Aventino e il Circo Massimo. Le Terme di Caracalla nei secoli hanno rappresentato una miniera di tesori a cielo aperto: le numerose opere d’arte ivi rinvenute nel corso dei vari scavi sono, infatti, andate disperse nelle piazze e nei palazzi nobiliari di tutta Italia, soprattutto nel Rinascimento. Di queste, le tre gigantesche sculture Farnese, il Toro, la Flora e l’Ercole, unitamente alla vasca in porfido rosso del frigidarium, si trovano ora al Museo Archeologico Nazionale di Napoli; il mosaico policromo con ventotto figure di atleti, scoperto nel 1824 nell’emiciclo di una delle palestre, è ai Musei Vaticani; due grandi vasche di granito recuperate dal complesso si trovano attualmente nel cortile del Belvedere, presso i Musei Vaticani; il secondo Ercole è alla Reggia di Caserta, mentre le colonne della Biblioteca delle Terme si trovano dal XII secolo a Santa Maria in Trastevere; infine, la Colonna […]

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Profilo di emozioni a cielo aperto: arte urbana

È magia che grida, denuncia, che s’impone, anomalia che incanta: è l’arte a cielo scoperto che si fa guardare anche dai distratti, è arte urbana. L’arte urbana, globalmente detta street art, non ha una definizione che la circoscriva in un modus o un periodo ben definito, anzi potremmo descriverla come l’insieme di tutte quelle forme d’arte che nascono e si stabiliscono in luoghi pubblici, a cui chiunque può accedere, artisti e curiosi. La caratteristica più forte dell’arte urbana è probabilmente l’artista che se ne fa messaggero: il fine è comunicare, che sia un sentimento che esige di vedere la luce, un muro da abbattere o una fiamma da tenere accesa in nome della speranza che il sole un giorno splenda davvero per tutti. L’arte urbana nasce, dunque, dall’immortale esigenza sociale di farsi ascoltare: un insieme di linee e colori sono i segni del linguaggio universale di chi ha qualcosa da dire. Sembrerebbe di ascoltare un dialogo a tre voci, quello tra il territorio, l’artista e la sua passione. Quando l’arte chiama, chi l’ascolta risponde con ogni mezzo. Arte urbana tra graffiti e murales Lo ha detto il più celebre tra gli esponenti della street art, il provocatorio Banksy, che “l’arte deve confortare il disturbato e disturbare il comodo”. Non per questo, però, l’ arte urbana va confusa e mischiata con il graffitismo e il muralismo. Figlio della cultura hip-hop, il graffito è legato alla forma delle parole, alla vernice spray e all’identità del suo autore (al punto che il semplice logo o nome d’arte del “graffitaro” è da considerarsi un graffito). Non a caso, in inglese il fenomeno viene detto Graffiti Writing o semplicemente Writing: quando si parla di graffiti ci si riferisce, infatti, a scritte dagli stili più disparati, mai a disegni o simboli. Al graffitismo, inoltre, viene spesso associato il fenomeno del vandalismo, eppure i graffitari che hanno a cuore l’arte (e che su di essa, da artisti, compiono un lavoro di studio e di ricerca) si dissociano dai criminali che sfigurano edifici pubblici e d’immenso valore storico-artistico, delinquenti che difendono un reato come atto di denuncia sociale. Solitamente, infatti, le amministrazioni comunali mettono a disposizione spazi inutilizzati o periferici in cui chiunque può sentirsi libero di far passare la sua visione del mondo attraverso la bomboletta e i pennelli. Ancora sui muri, ancora diversi, sono i murales. Un murale (in spagnolo mural) è a tutti gli effetti un dipinto senza cornice, un quadro fatto direttamente su una parete e che si estende su tutto lo spazio disponibile o necessario. Da strumento di lotta sociale a espressione creativa che impreziosisce un luogo e attira spettatori, i murales rientrano perfettamente in ciò che l’arte urbana è e rappresenta. Il muralismo colora, come ha ricolorato il quartiere romano di Tor Pignattara: è I Love Torpignart, un progetto supportato da gallerie d’arte e dai cittadini della zona (un tempo disastrata, oggi inserita negli itinerari di turisti interessati) che hanno visto le facciate delle loro abitazioni prendere vita attraverso i disegni di […]

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La Donazione di Costantino: falsa da 500 anni

Considerata una delle più grandi imposture della storia, la Donazione di Costantino continua a suscitare fascino e curiosità. Nel 2017 il trattato di Lorenzo Valla, che ne smaschera la clamorosa falsità, ha compiuto 500 anni dalla sua pubblicazione. Il più celebre alibi del radicamento del potere della Chiesa sulla terra fatta a brandelli da uno studio filologico: è così che il grande umanista ha distrutto un intero passato storico di falsa testimonianza. Distrutto, ma anche salvaguardato. La Donazione di Costantino: quali bugie racconta? Nella sua Donazione, datata 30 marzo 315, l’imperatore Costantino I Il Grande avrebbe conferito a papa Silvestro I la giurisdizione civile su Roma, sull’Italia e sull’Impero romano d’Occidente, ammettendo la superiorità del potere papale su quello politico, su tutti i sacerdoti del mondo, sui cinque patriarcati (Roma, Costantinopoli, Antiochia, Alessandria e Gerusalemme). Chiara legittimazione delle mire temporali universalistiche delle istituzioni ecclesiastiche nel Medioevo, la Donazione di Costantino riporta un editto che Costantino non aveva mai emesso. Tale documento godette del rispetto e dell’adesione di molteplici figure nel corso della storia: riesumata da papa Leone IX nel 1053, è citata anche da Dante Alighieri nel De Monarchia, il quale però la priva del suo valore giuridico. Secoli di storia canzonati dal tentativo di rendere perfettamente giustificabile l’autorità del papato su quella del sovrano. La Donazione di Costantino racconta moltissimo dell’epoca in cui realmente fu registrata, probabilmente compresa tra il 750 e l’850, e della ricerca spasmodica una legittimazione temporale da parte della Chiesa. Nessuno ha mai dubitato per anni della veridicità dell’editto – perfino i nemici del potere temporale della Chiesa lo assurgono come veritiero – e questo ha generato le conseguenze più durature. 500 anni fa la Donazione di Costantino si scopre falsa: i meriti di Valla A porre rimedio al più grande falso della storia è stato Lorenzo Valla, eccelso umanista, filologo, scrittore, nato a Roma e mai morto per i contributi elargiti al mondo della cultura. Avverso all’aristotelismo e alla cultura scolastica, allarga la sua polemica a tutto ciò che è astrazione e dogma e erge la lingua a eccelso strumento di comunicazione. Sviluppa un metodo filologico attento alla storicità e connette il proprio amore per le humanae litterae all’impegno civile. Proprio in quest’ottica si inserisce la stesura del suo De falso credita et ementita Constantini donatione declamatio, redatto nel 1440 e pubblicato esattamente cinquecento anni fa, nel 1517. Lorenzo Valla si avvale delle proprie competenze storiche e linguistiche, e anche di una certa dose di indignazione, per dimostrare che la Donazione di Costantino è stata realizzata negli ambienti ecclesiastici durante il Medioevo. I suoi studi filologici rivelano in maniera inequivocabile che il latino adoperato non poteva essere antecedente rispetto alla proclamazione di Costantinopoli come capitale nel 330. Mette in rilievo la presenza di barbarismi, di concetti come quello di feudo, che non potevano sussistere all’epoca dell’imperatore Costantino. 500 anni fa il mondo veniva a conoscenza di una delle più scandalose menzogne storiche conservatasi nei secoli. Lorenzo Valla, intellettuale critico e grintoso, ripara gli squarci […]

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Natale fai da te: gli spunti handmade dal mondo e dalla cultura

Ci siamo. Il Natale è alle porte e con esso tutta la magia che ne deriva. È un sortilegio curioso quello del Natale. Un gioco seducente che si compiace in qualche modo del riportarci tutti bambini in attesa della grande notte. Un’attesa lunga e trepidante che si gusta giorno dopo giorno, imprimendosi diffusamente in ogni livello del nostro quotidiano. Se i più piccoli redigono liste congetturando slitte volanti, i più grandi dirigono i lavori fabbricando il Natale dei sogni. Che cos’è in fondo il Natale, se non la tradizione tra le tradizioni volta a ricordarci il sapore della famiglia e della condivisione? Ecco per tutti coloro alla ricerca di un Natale dal carattere tenero e tradizionale, non possono mancare alcuni indizi squisitamente handmade per rendere l’albero e la vostra casa ancora più accoglienti e personali. E naturalmente natalizi. Poinsettia: decorazioni originali per un Natale fai da te Se intendete accordare al vostro albero di Natale una nota tradizionale ed esotica al tempo stesso, le decorazioni in feltro con la sagoma di poinsettia, sono ciò che fanno al caso vostro. Le messicane poinsettia, altrimenti conosciute come stelle di Natale, o ‛fiori della Vigilia di Natale’, sono piante originarie dell’America Centrale, ed è proprio una leggenda messicana a sancirne il simbolo di amore e gratitudine. Tale leggenda narra di due bambini molto poveri, un bambino e una bambina. La tradizione voleva che la notte di Natale ognuno preparasse qualche dono per la venuta al mondo del piccolo Gesù, ma i due bambini non possedevano niente da dispensare. Decisero quindi di mostrare metaforicamente la loro devozione componendo un bouquet con erbacce raccolte per strada. La leggenda a questo punto ci dice che una volta posizionato il bouquet di fianco alla mangiatoia, le erbacce si tramutarono in sfavillanti fiori rossi dalla forma stellata: le nostre popolari stelle di Natale. Procuratevi del feltro verde e rosso, dei bottoncini rotondi e della colla. Ritagliate una stella in feltro verde e due in feltro rosso. Sovrapponete le tre stelle in modo tale che tutte le punte siano ben visibili. A questo spunto schiacciate il centro delle stelle applicandovi un bottone che andrà fissato con della colla a caldo. Presto fatto. Non vi resta che applicare sul retro delle vostre stelle un semplice nastrino in raso rosso, e appenderle al vostro albero. Oltre ad essere una deliziosa decorazione per l’albero di Natale, le poinsettia in feltro possono diventare anche dei perfetti pensieri natalizi per tutti gli affetti speciali. Dai vostri cari, agli amici sparsi nei più remoti angoli di mondo, i pacchi viaggiano ovunque. Con Packlink, una piattaforma di comparazione tariffe per l’invio di pacchi in tutto il mondo, il gioco è facile e veloce. La spedizione dei vostri pacchi con Packlink farà viaggiare i vostri regali a prezzi economici, dove vorrete e con una storia da raccontare. La vostra! Le lanterne a forma di stella per illuminare le proprie feste: le parol filippine Ma proseguiamo con i suggerimenti per un Natale fai da te ricco di tradizione. […]

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