Si intitola “Specchio” il nuovo album degli Orkestrina, la band emiliana fondata da Erik Montanari e Davide Massarini nel 2013, protagonista con il brano “La notte giudica” alla finale del Premio Bertoli 2018 che ha visto sfidarsi 8 nuovi cantautori selezionati tra tantissimi concorrenti nelle semifinali. “La notte giudica” è il primo singolo estratto da “Specchio” ed è un inno alla notte, “testimone silente che avvolge e amplifica rivelando certi dolori dell’anima e le ipocrisie dell’uomo”. Perderci e ritrovarci davanti ad uno specchio Pubblicato da Layell Label/iMusician, “Specchio” è il terzo album della band, dopo “Orkestrina MillEmilia” con cui ha esordito nel 2013 e “Lanterna muta” del 2016, suonato tra gli altri con Max Ghiacci e Francesco Moneti dei Modena City Ramblers. Il nuovo disco – contenente 8 brani, tra cui un omaggio al cantautore abruzzese Ivan Graziani – descrive in veste pop/rock “il riflesso, il riverbero, le riflessioni davanti ad uno specchio tanto utile a perderci quanto a ritrovarci”, come dichiarato dagli stessi Erik Montanari e Davide Massarini. Orkestrina: “Liberi di sperimentare” Gli Orkestrina spaziano dal folk al pop/rock, ma non amano le etichette. “Più che un genere –dicono – semplicemente amiamo creare canzoni per chi avrà voglia di ascoltare”. Noi di Eroica Fenice li abbiamo intervistati per conoscerli meglio. Buona lettura! Quando e come nascono gli Orkestrina? Davide: “Io ed Erik ci conosciamo sin da ragazzi. La passione per la musica ci accomuna e ci ha portato ad incontrarci diverse volte, sebbene con progetti differenti, nei vari eventi live che la provincia reggiana offriva negli anni 90. Nel 2011 Erik mi contattò su Facebook. Era un po’ di anni che non ci vedevamo e mi dice: “Davide abbiamo organizzato una partita di calcetto tra musicisti come da ragazzi, ci sei?!”. La partita non l’abbiamo mai fatta però abbiamo registrato tre album”. Quali sono le vostre influenze musicali e da dove traete ispirazione per i vostri testi? Davide: “Non so se ci influenzano. Erik è certamente un estimatore dei Beatles mentre io sono più legato a Nick Drake e David Sylvian… poi ci incontriamo sul cantautorato italiano. I testi nascono spontaneamente dal nostro sentire”. “Specchio” è il vostro terzo album, perché questo titolo e cosa c’è in più in questo lavoro rispetto ai due precedenti? “Ci siamo accorti che “Specchio” è una parola ricorrente in diversi brani del disco. Se ci pensiamo viviamo nell’epoca degli specchi e anche i social sono questo con il rischio di perdersi, confondersi, diventarne dipendenti.  In questo disco abbiamo voluto fare una incursione pop e abbiamo volutamente messo poca fisarmonica anche se dal vivo è sempre presente e tornerà nel prossimo disco, ma ci piace essere liberi di sperimentare… Siamo in cammino”. Il primo singolo estratto dall’album è “La notte giudica”, pezzo che vi ha portato alla finale dell’edizione 2018 del Premio intitolato a Pierangelo Bertoli. Perché avete scelto di presentare proprio questo brano, che è un omaggio alla notte? “Ci pareva tra i brani meglio realizzati del disco. Rappresenta uno spaccato di immagini […]

Sanremo 2019, la terza serata: com’è andata? Superata l’emozione del debutto e archiviata la seconda serata, il Festival di Sanremo 2019 prosegue con la terza serata. Nonostante il calo di ascolti ed un ritmo più lento rispetto allo scorso anno, la kermesse canora resta comunque seguitissima e, in un modo o nell’altro, riesce a far parlare di sé, soprattutto sui social. Da Twitter a Facebook, infatti, gli utenti non perdono occasione per commentare e ironizzare su quanto accade nel corso delle serate festivaliere. Anche la terza serata ha riservato momenti top e momenti down, creando spunti di discussione. In scena gli altri 12 cantanti in gara e tanti ospiti. Sanremo 2019, la terza serata: il resoconto La terza serata della 69° edizione del Festival di Sanremo si apre sulle note di “Viva l’Inghilterra”, brano del 1973 di Claudio Baglioni. Il direttore artistico si esibisce sul palco dell’Ariston attorniato dal corpo di ballo in abiti scozzesi. Subito dopo Baglioni introduce i suoi compagni di viaggio, Claudio Bisio e Virginia Raffaele,  che definisce rispettivamente The King e The Queen. Dopo aver ricordato il regolamento con un siparietto non indispensabile e aver aperto il televoto, il trio di conduttori dà il via alla gara. Il primo ad esibirsi è il giovane Mahmood in gara con il brano “Soldi”, scritto in collaborazione con Charlie Charles e Dardust.  La canzone parla di come i soldi possano cambiare i rapporti all’interno di una famiglia; racconta di una figura paterna concentrata più sui soldi che sull’affetto. Musicalmente parlando, il pezzo più contemporaneo di questa edizione del festival. A seguire Bisio, che continua ad indossare giacche di dubbio gusto, annuncia l’esibizione del secondo cantante in gara, Enrico Nigiotti con “Nonno Hollywood”, un brano che il cantautore livornese ha dedicato al nonno recentemente scomparso. A brani dedicati alla figura della madre o del padre eravamo già abituati, mentre per la prima volta dal palco dell’Ariston viene presentato un brano dedicato alla figura del nonno. Un pezzo molto personale, ma coinvolgente. Nigiotti si esibisce con grinta e passione (forse troppa, ma è emotivamente coinvolto, quindi capiamo) e commuove. La platea apprezza e gli tributa un lungo applauso. Ci permettiamo però di muovere una critica al suo look: Enrico, cambia pettinatura! Claudio Bisio torna sul palco con un grammofono trovato nel backstage dell’Ariston. «Forse i più giovani non sanno neanche cosa sia – dice – mentre i più vecchi avranno un effetto nostalgia», poi lo accende; a questo punto entra in scena Virginia Raffaele che con la sua voce dà vita al grammofono,  intonando la famosa “Mamma”: il giradischi s’inceppa, si spegne, si riaccende, accelera la velocità. In questi numeri, che esaltano la sua bravura, ritroviamo la vera Virginia Raffaele, che in questo Festival appare troppo costretta in vesti non sue. E’ il momento del primo superospite della serata, il grande Antonello Venditti che, seduto al pianoforte, canta uno dei pezzi più belli della sua discografia “Sotto il segno dei pesci”. Dalla platea lo raggiunge Baglioni; dopo aver raccontato qualche aneddoto – […]

Essere campioni è un dettaglio – Storia del XX secolo tra sport e società è un libro di Paolo Bruschi, edito lo scorso novembre da Scatole Parlanti. Il volume, suddiviso in sei sezioni, ripercorre la storia del Novecento attraverso il racconto di vicende sportive e umane, colte in relazione al loro contesto storico, sociale e culturale. Ogni unità del libro riporta fasi storiche cruciali del secolo scorso: le guerre mondiali, le dittature;  il processo di emancipazione della donna; la lotta per l’affermazione dei diritti politici e civili degli afro-americani; il periodo fascista in Italia; il fenomeno dell’emigrazione, fino ad arrivare all’inizio degli anni ’80. Mediante la descrizione di fatti sportivi più o meno conosciuti, Bruschi crea un interessante intreccio tra storia e sport. L’autore si serve di figure sportive che con le loro gesta hanno in qualche modo scritto la storia: dai calciatori che si sono opposti alle dittature alle battaglie degli atleti afroamericani, passando per le prime rappresentanti dello sport femminile e le loro lotte per affermarsi. Lo sport come motore del cambiamento “Essere campioni è un dettaglio – Storia del XX secolo tra sport e società” prende vita da un progetto didattico che l’autore da qualche anno porta in giro per le scuole della provincia di Firenze, primarie, medie e superiori, con l’obiettivo di tentare di illustrare al meglio il XX secolo. Chiaro che Bruschi abbia dovuto operare una scelta sui temi da includere nel volume che ha di conseguenza comportato l’esclusione di altre tematiche altrettanto importanti, ma che avrebbero reso il testo, già corposo, maggiormente pesante. Il libro, come spiega nella prefazione Sergio Giuntini (membro del consiglio direttivo della Società Italiana di Storia dello Sport), è “una proposta di lettura e di approfondimento che merita di venire suggerita e praticata, dalla scuola media superiore ai corsi di laurea in Scienze Motorie. Ma pure, a ogni livello, a tutti i veri amanti e studiosi del fenomeno sportivo novecentesco.” Il titolo “Essere campioni è un dettaglio” si rifà al motto adottato dalla Democracia Corinthiana di  Sócrates, la squadra che tra la fine degli anni ’70 e i primi ’80 del secolo scorso riuscì ad opporsi alla dittatura che vigeva in Brasile grazie al gioco del calcio. Erano anni di fermento, il regime militare non lasciava spazio alla libertà politica e di espressione. Il Corinthians, storicamente vicino al partito dei lavoratori, portò quella libertà, fino ad allora negata, sul terreno di gioco. Lo slogan della squadra era: vincere o perdere, ma sempre con democrazia. In occasione delle elezioni statali e municipali del 1982 i calciatori diedero un segnale importante alla nazione: ogni membro della squadra votò in modo imparziale, compresi i magazzinieri. Ciò che contava è che la popolazione tornasse a votare in modo libero. Un grande esempio di democrazia applicata al calcio. Tuttavia, Bruschi, attraverso le pagine del suo libro, ci ricorda come la democrazia e la conquista dei diritti passino necessariamente anche da sconfitte e da grandi lotte. Oltre ad esempi sportivi positivi, l’autore empolese riporta anche episodi […]

Recensione del concept album di Ferruccio Quercetti, Almost Mine: The Unexpected Rise and Sudden Demise of Fernando (Part 1) Ferruccio Quercetti, – da più di vent’anni chitarrista e cantante della band blues/punk/noise bolognese dei Cut – ha debuttato come solista (sotto lo pseudonimo di Ferro Solo) con l’abum Almost Mine: The Unexpected Rise and Sudden Demise of Fernando (Part 1), pubblicato in digitale, cd e vinile lo scorso 9 Novembre su RIFF Records   e Fernando Dischi e supportato da Area Pirata e Deambula Records. Almost Mine è la prima parte di un concept narrativo sviluppato su diverse uscite. Il disco contiene dodici tracce, dalle sonorità rock ’n’ roll e post punk con venature folk e blues, spalmate su 37 minuti e 57. Diverse le collaborazioni di cui si è avvalso Ferruccio Quercetti per questo suo esordio da solista: dai Giuda di Roma al gran completo (in He Spies) a Sergio Carlini (Three Second Kiss), Andrea Rovacchi (Julie’s Haircut), Riccardo Frabetti (Chow), Luca Giovanardi (Julie’s Haircut), Ulisse Tramalloni (Julie’s Haircut) . Da anni sulla scena musicale con i Cult, Quercetti ha così spiegato la sua scelta di pubblicare un album da solista: «Provare a difendermi dal mondo, dagli altri e soprattutto da me stesso con il primitivo arsenale espressivo di cui dispongo è quello che faccio più o meno da sempre. Per questo fine la mia arma preferita è sempre stata la musica, o meglio il rock and roll, nelle sue varie forme e accezioni, suonato un po’ come mi viene. Negli ultimi anni, ispirato da alcune vicende private piuttosto intense, ho ricominciato a scrivere canzoni con la chitarra acustica, come facevo da ragazzino, quando non avevo nessun altro con cui suonare. In breve le canzoni sono diventate tante e ho iniziato a suonarle dal vivo e a registrarne qualcuna sotto lo pseudonimo di Ferro Solo. Poco dopo ho iniziato a coinvolgere degli amici che mi hanno permesso di dare ai pezzi una veste sonora sicuramente più interessante di qualsiasi cosa che mi sarei potuto inventare io ed ecco come siamo arrivati a quello che potete ascoltare su Almost Mine». Ferro Solo e le avventure di Fernando In Almost Mine Ferro Solo racconta le avventure del suo alter ego, Fernando. L’album è un vero e proprio concentrato di energia distribuita in modo eterogeneo. Nel disco confluiscono le varie influenze che l’artista bolognese ha “raccolto” in decenni di carriera musicale. Un disco appassionato nel quale emerge l’anima rock dell’artista bolognese. Come accennato sopra e, come si intuisce dal titolo, questo disco costituisce solo la prima parte di un progetto più ampio, sviluppato su diverse uscite. Le canzoni sono collegate da una continuità narrativa e, a quanto pare, il secondo capitolo delle avventure di Fernando è già pronto e aspetta solo di essere pubblicato. D’altronde, lo stesso autore, parlando del disco, ha confermato che Almost Mine è solo la prima parte del suo concept album: «Benvenuti alla prima parte di Almost Mine: The Unexpected Rise and Sudden Demise of Fernando. Queste canzoni vengono da un luogo molto oscuro, talmente oscuro che sono riuscito raccontarlo solo vestendo i panni di qualcun altro. Attenzione però: la […]

Fotografi famosi a cui ispirarsi, ne abbiamo scelti 10! Scattare una bella foto non è cosa semplice. Non basta infatti apprendere la tecnica che consente di realizzare uno scatto in maniera corretta, bisogna anche riuscire a produrre un’immagine che comunichi qualcosa e dunque coinvolga chi la osserva. Tutte le foto che negli anni hanno lasciato un segno hanno ottenuto successo soprattutto per questo motivo. Riuscire a sfruttare il potere evocativo e narrativo della fotografia è cosa solo da artisti veri. Sono tanti i maestri che hanno fatto la storia della fotografia. Impossibile citarli tutti, tuttavia esistono alcuni nomi che un appassionato di questa meravigliosa arte non può non conoscere. Proponiamo dunque qui un breve elenco di fotografi famosi, dai quali si può solo imparare. Procediamo per genere: dalla fotografia di guerra al ritratto, dalla fotografia di moda alla fotografia di strada, passando per la fotografia sociale e la fotografia pubblicitaria. Fotografi famosi – Fotografia di guerra: Robert Capa Apriamo la nostra carrellata con il più celebre fotografo di guerra, Robert Capa, al secolo Endre Ernő Friedmann. Capa, nato a Budapest nel 1913, era di origini ebraiche. Iscritto al Partito Comunista locale, dovette lasciare l’Ungheria perchè coinvolto in alcune proteste contro il governo di destra. Pertanto si trasferì a Berlino, dove visse per qualche tempo. Fu proprio nella capitale tedesca che  avvenne l’incontro con la fotografia. Con l’avvento del nazismo, nel 1933, Capa fu però costretto a lasciare anche questa città. A vent’anni si rifugiò a Parigi. Facendo fatica a trovare un lavoro, accettò di recarsi in Spagna per documentare la guerra civile in corso. Fu proprio durante il suo soggiorno in Spagna che nacque l’idea di adottare lo pseudonimo Robert Capa, scelto un po’ per scimmiottare il nome del celebre registra Frank Capra, un po’ per adottare un nome neutro a cui attribuire i lavori suoi e della sua compagna Gerda Taro, la quale poi, sempre in Spagna, perse la vita in un tragico incidente. Durante la sua seppur breve carriera, Capa ha realizzato numerosi reportage, documentando cinque diversi conflitti bellici: la guerra civile spagnola (1936-1939), la seconda guerra sino-giapponese (che seguì nel 1938), la seconda guerra mondiale (1941-1945), la guerra arabo-israeliana (1948) e la prima guerra d’Indocina (1954). Inoltre, il fotografo ungherese ha documentato lo svolgersi della seconda guerra mondiale a Londra, nel Nordafrica e in Italia, in particolare lo sbarco in Normandia dell’esercito alleato e la liberazione di Parigi. Era un fotografo audace, sempre in prima linea in ogni guerra, a tal punto da perdere la vita proprio su un campo di battaglia, mentre fotografava. Aveva solo 40 anni, era  il 22 maggio 1954, si trovava in Indocina. Morì per aver inavvertitamente calpestato una mina. La foto più conosciuta di Capa è quella del miliziano colpito a morte, risalente al 1936. Lo scatto fu realizzato a Cordova e ritrae un soldato dell’esercito repubblicano, con addosso una camicia bianca, nel momento in cui viene colpito a morte da un proiettile sparato dai franchisti. Quest’immagine – pubblicata per la prima volta […]

Lo scorso 30 agosto è stato pubblicato da Fazi Editore “La pienezza della vita”, il nuovo saggio del filosofo tedesco Wilhelm Schmid. Si tratta di una raccolta di riflessioni sul tema della felicità. Rifacendosi alla tradizione filosofica del frammento cara a Montaigne, Schmid propone una serie di riflessioni sulla complessità della vita e sulla spasmodica ricerca della felicità. Il filosofo tedesco invita il lettore ad apprezzare la contraddittorietà dell’esistenza umana, fatta di gioie e angosce, speranze e delusioni, e lo esorta ad accettare ogni momento della vita cercando di cogliere i frammenti di felicità possibile e impossibile. Solo in questo modo, secondo il famoso filosofo, è possibile godere della pienezza della vita. “Pare che la via per giungere alla felicità non sia una sola – dice Schmid nella prefazione del suo nuovo libro – Chi non decide esplicitamente di precludersela viene infiammato dai tanti libri sull’argomento, ciascuno con la sua “formula della felicità, che soddisfa qualcuno e delude qualcun altro”. La pienezza della vita: frammenti di felicità “La pienezza della vita” si suddivide in quattro parti; il titolo di ogni capitolo rimanda ad una stagione dell’anno e anche dell’esistenza umana. Ogni nome di stagione è seguito dalla parola “pienezza”, perché la vita, evidenzia l’autore, non è mai vuota. Ecco quindi che Schmid parla della pienezza dei sensi associandola ad un mattino di primavera; della pienezza del sentire accostata ad una giornata estiva; della pienezza del pensare ricollegata ad una sera d’autunno; infine, della pienezza dell’oltre relazionata ad una notte d’inverno. “Un mattino di primavera, una giornata estiva, la sera d’autunno e la notte d’inverno fanno risuonare la pienezza primaverile dei sensi, quella estiva dei sentimenti, la pensosità autunnale e le riflessioni notturne su che cosa vi sia oltre la vita”. In sostanza è però “l’isteria” per la felicità, ovvero la sua ricerca continua, il perno attorno al quale ruotano le argomentazioni del più apprezzato filosofo tedesco vivente. Esiste, dice Schmid, un tipo di felicità dovuta al caso o alla fortuna che, anche quando non è disponibile, ha un suo valore, perché discrimina tra l’apertura e la chiusura dell’essere umano. C’è poi la felicità del benessere, che coincide con il concetto configurato dalla modernità: gli esseri umani possono sapere dove, come e con chi raggiungerla, sebbene resti limitata a pochi momenti piacevoli e non possa essere duratura. Pertanto, prosegue il filosofo, c’è bisogno di introdurre anche un terzo tipo di felicità, quella della pienezza. Si tratta di una felicità più ampia derivante dalla complessiva compiutezza della vita. Questo terzo tipo di felicità coglie la vita in tutti i suoi contrastanti aspetti: gioia e angosce; potenza e impotenza; speranza e delusione; condivisione e solitudine; futuro e passato; finito e infinito; felicità e infelicità. Schmid sottolinea come la pienezza totale della vita sia prerogativa di Dio e non dell’uomo, il quale dispone solo di “frammenti di felicità”, più o meno grossi, che rinviano al lato felice e a quello infelice della felicità stessa. Ed è proprio all’arte del frammento, a cui hanno dato […]

“Romeo, Romeo, perché sei tu Romeo…”, questa celebre frase tratta da una delle tragedie shakespeariane più conosciute dà il la a MisStake, il monologo-soliloquio di parole e canzoni andato in scena il 13 ottobre al Caos Teatro di Villaricca (Na), e in replica questa sera alle 19:00. Scritto, diretto e interpretato dalla brava e bella Fabiana Fazio – con assistenti alla regia Angela Carrano e Giulia Musciacco, collaborazione ai movimenti di scena Maura Tarantino – , MisStake  si compone di una serie di appassionanti e deliranti riflessioni sull’amore; quello con la A maiuscola (ammesso che esista), quello impossibile ma tanto desiderato, quello ostinato, quello illusorio, quello ideale, quello sempre sognato, quello perduto. MisStake, il lucido delirio d’amore di Fabiana Fazio Partendo dalla famosa frase della scena del balcone di Romeo e Giulietta, la Fazio ha rappresentato, nell’intima cornice del Caos Teatro, un monologo sul tema dell’amore e delle sue infinite possibilità. Un colloquio solitario, uno sproloquio delirante, appassionato e ironico che mette in risalto il naturale e straripante talento dell’attrice e autrice partenopea che, da sola sul palco, intrattiene, coinvolge, emoziona e diverte la platea, recitando e cantando in modo ineccepibile. La poliedrica Fabiana Fazio porta sul palco una donna che ripete sempre una stessa frase che non cambia mai nel tempo: “Mi ami?”, e lo chiede a 15 anni, poi a 30, a 40, a 60 anni e quando ormai è vecchia e stanca a tal punto da riuscire a stento a emettere suoni dalla bocca. Vestita da sposa rock con tacchi e occhiali da sole, che cambia di continuo nel corso dello spettacolo, Fabiana Fazio s’interroga incessantemente sull’amore, in un eterno meccanismo che non si blocca mai: Giulietta e Romeo. Una Giulietta e un Romeo. Tutto finisce per una serie di coincidenze e errori (what a mistake!). L’amore. La vita. Il conflitto. “La tragedia è tragedia – spiega la Fazio – Non può che finire tragicamente. Sarebbe una tragedia in ogni caso, anche se dovesse evolvere diversamente. Comunque dovesse andare a finire, sarebbe una tragedia. E’ finita. Finirebbe comunque”. “In un modo doveva pur finire. Con la morte. Con la fine. Meglio con la fine. Nessuno spargimento di sangue”, dice una delle ipotetiche Giulietta portate in scena dall’attrice. “Non c’è nessuna speranza dunque? – ha dichiarato ancora la Fazio – Non se smettiamo di farci domande”. Alla fine le domande della donna immaginata dalla Fazio non trovano risposta perché la risposta non è mai unica. L’amore ha mille volti, può essere illusione, dolore, ma anche gioia, poesia, energia positiva e devastante. Perché MisStake La scelta del titolo del suo nuovo spettacolo è stata così spiegata dalla Fazio: «Dopo aver visto un cartellone pubblicitario in strada con la foto di una Miss, mi dico: “Mistake. Anzi Misstake! Così si dovrà chiamare lo spettacolo!” Così ho iniziato a scrivere degli appunti, dei giochi di parola intorno al termine miss, al termine inglese mistake, ai suoi significati e a tutti i modi in cui si può sbagliare, fare errore. Ho pensato […]