Eroica Fenice

“Quando ho scritto il libro pensavo tra me e me… voglio rappresentare una città americana completamente infestata. Voglio che lo spirito di questa creatura… infetti l’intera città”– Stephen King. Sono trascorsi 31 anni dal romanzo best seller, opera monumentale scritta dal geniale S. King, e successivamente adattato da Tommy Lee Wallace nel 1990 per una miniserie televisiva suddivisa in due parti, dove il grottesco clown Pennywise aveva il volto di Tim Curry in una sua intensa interpretazione. Ad oggi It è ancora di grande richiamo con una sua nuova e attesissima versione trasposta per il grande cinema e suddivisa in un nuovo dittico. Il secondo capitolo, infatti, uscirà nel 2019 e si presenterà come un horror sequel ambientato nei giorni nostri con parte dello staff riconfermato. Il cinema si evolve e i tempi mutano con le idee; così la storia non si svolge più nel 1958 ma nel 1988, esattamente trent’anni dopo i fatti narrati nel romanzo originale, un numero ricorrente come i 27 anni trascorsi dalla prima trasposizione televisiva. Non a caso il demoniaco clown si risveglia ogni 27 anni. La nuova trasposizione di It, l’horror più atteso dell’anno, non perde smalto nel tempo, anzi si rinnova attraverso il make up di Pennywise/It interpretato in modo strabiliante da Bill Skarsgård (nuova giovane promessa del cinema mondiale), coprotagonista di un altrettanto notevole Jaeden Lieberher (nel ruolo di Billy Denbrough); ma nel film è da evidenziare soprattutto una rilettura sul piano registico, infatti l’argentino Andrés Muschietti, subentrato a Fukunaga nella direzione del film, prende parte alla scrittura della sceneggiatura con Gary Dauberman e Chase Palmer, riuscendo a generare alcune atmosfere tenebrose ambientate nella città di Derry, riscontrabili nella sua precedente regia per il film “La madre”, dove l’incertezza e la paura dominano in alcune scene inquietanti, attraverso un palpabile crescendo di tensioni e mistero. “I film horror sono potenti. In alcuni casi ci viene data la possibilità di vivere quelle profonde paure che avevamo da bambini. Questa è una delle ragioni del grande successo di questo film” – S. King Il misterioso clown kinghiano è tornato dalle tenebre! Derry, 1988. Un bambino, George, durante una giornata di pioggia, esce di casa per far navigare una barchetta di carta progettata da suo fratello Billy, costretto a letto con l’influenza. George (Jackson Robert Scott), una volta in strada, fa scorrere la sua barchetta lungo i rivoli del marciapiede inseguendola, ma la barchetta finisce per essere inghiottita in una feritoia fognaria. Il bambino si china, dunque, per afferrarla e incrocia lo sguardo del clown Pennywise che, con la scusa di offrirgli un palloncino, gli afferra un braccio portandoselo via con sé. Giugno 1989. Nella cittadina di Derry si sono verificate numerose sparizioni, pertanto è stato applicato il coprifuoco; Billy, per niente rassegnato della scomparsa del fratellino, si scontra durante l’ultimo giorno di scuola con alcuni bulli, ritrovando l suo fianco alcuni amici inseparabili: Richie Tozier (Finn Wolfhard), Eddie Kaspbrak (Jack Dylan Grazer) Stanley Uris (Wyatt Oleff) e Beverly Marsh (Sophia Lillis), quest’ultima impegnata in un’altra disputa con Ben Hanscom (Jeremy […]

Dopo un anno di attesa e lavori il 29 settembre scorso è stato finalmente pubblicato il primo dei quattro episodi della webserie Starwarp per la regia di Sergio Scoppetta e la colonna sonora dei Foja. Il progetto, nato in seno all’Università Suor Orsola Benincasa di Napoli e al Corriere del Mezzogiorno, ha il merito di essere la prima webserie formativa, allo scopo dunque di fornire agli studenti che hanno liberamente aderito le conoscenze pratiche in ambito cinematografico. Starwarp! Odissea nello spazio Già dal titolo della webserie è evidente il rimando di Starwarp a un cult del cinema (Star Wars), ma i simboli inseriti in fase di ripresa vanno dalla silenziosa citazione al riallestimento di scene tratte da grandi film che hanno fatto la storia del cinema. In particolare, il tutto prende avvio dalla passione per il cinema di un giovane, Valerio Esposito (interpretato da se stesso), una passione così forte da causargli strane visioni delle scene più famose dei suoi amati film che gli figurano innanzi la vista. In questo senso prende forma quella “distorsione stellare“, evocata nel titolo, che vede sovrapposti i piani della realtà e della finzione. Quasi sembrerebbe che Valerio veda la realtà attraverso i suoi occhi trasformati in una onirica cinepresa. Ad aggravare questa precaria condizione di equilibrio tra vita “entro” ed “oltre” l’obbiettivo degli occhi-cinepresa vi è anche un contest cinematografico a cui il giovane ha partecipato, Valerio stesso. L’incombere della fine del contest e il desiderio di vincere comporta inoltre una graduale assottigliarsi del confine tra realtà e finzione trasformando la realtà stessa un unico grande film. Il tutto è inoltre affrontato con ironia e comicità. A una trama molto lineare, la cui semplicità rende piacevolmente fruibili le disavventure di Valerio, si affianca una ricca serie di citazioni e cammeo che spaziano da una rapida ripresa di un particolare a una complessa rievocazione delle scene madri di capolavori cinematografici. Starwarp coinvolge in questo modo lo spettatore che non subisce passivamente le immagini, ma è chiamato a rispondere alla sfida di saper riconoscere la totalità dell’ambiente di Starwarp. In questo gioco tra regista e spettatore si inserisce l’idea di far entrare a far parte del cast personalità di spicco: nella prima puntata fanno infatti capolino Alessandro Cecchi Paone nei panni di un docente universitario e Gino Sorbillo nei panni di Jack Torrence in The shining. Altri vip transiteranno sul set di Starwarp, conferendo agli imperdibili episodi sfumature particolari che si legano ben insieme nel gran finale. Sarà infine possibile guardare gli episodi di Starwarp, che usciranno a scadenza quindicinale, grazie al canale video del Corriere del Mezzogiorno. Starwarp ha operato così tra formazione e passione; essa non è solo una webserie, ma un lungo percorso che ha contribuito a formare un gran numero di giovani mossi dalla passione del cinema.

“La mia vita è iniziata solo dopo l’esperienza con i Velvet Undergroud, quando ho cominciato a fare la mia musica!” – dal film Nico, 1988. Nico, 1988 è uno straordinario biopic dedicato a Christa Paffgen, artista madre e donna alla costante ricerca di un equilibrio interiore e in eterna lotta con il mondo circostante, che narra i suoi ultimi due anni di vita; Christa, in arte Nico, è qualcosa di più di un personaggio da adattare per una produzione biografica, la regista, Susanna Nicchiarelli, indaga e ricostruisce gli ultimi momenti della cantante tedesca in un periodo in cui si riconosceva nella sua volontà ciò che cercava, attraverso la musica e in un ritrovato rapporto affettivo con suo figlio. Per la Nicchiarelli, il film rappresenta un dignitoso traguardo professionale e una prova di coraggio nell’indagare sulla vera essenza della controversa artista, andando oltre i clichè e le immagini iconiche della rock star. Nico è straordinariamente interpretata da una inarrivabile Trine Dyrholm, interamente calata in un ruolo di difficile interpretazione, proiettando nell’immaginario collettivo gli aspetti caratteriali di una cantante pronta a rimettersi in gioco per se stessa. “Non chiamarmi Nico, chiamami con il mio vero nome Christa” – dal film. “Sono andata a vedere di questa donna, ciò che era diventata dopo, soprattutto mi ha molto colpito la storia che c’era e che non si conosceva di Nico, e non la donna dietro l’icona”. S. Nicchiarelli. Nico, 1988, girato in diverse location: Parigi, Praga, Norimberga, Manchester, la Polonia e il litorale laziale presso Anzio, è stato ambientato, come si evince dal titolo, tra il 1986 e il 1988. Il film racconta e ricostruisce gli ultimi due anni vissuti dalla stupenda Christa (interpretata da T. Dyrholm) in arte Nico, musa ispiratrice nella Factory di Warhol, amica di Jim Morrison e cantante tra gli anni ’70 e ’80 della band “Velvet Underground”. La nota cantante solista, conosciuta anche come “sacerdotessa delle tenebre”, dopo la sua scomparsa, ispirò numerosi artisti e produttori per il suo innovativo genere musicale di impronta rock sperimentale. Nico con la sua band si ritrovò a girare l’Europa liberandosi di tutti i condizionamenti musicali degli anni precedenti e portando nuovi linguaggi musicali. Il suo ultimo tour costituì un’evoluzione importante per l’artista che oltre a ritrovare l’affetto di suo figlio, testimone di quegli ultimi momenti poco noti, liberò il suo pensiero positivo attraverso nuovi e indimenticabili brani, riproposti da Dyrholm nelle vesti della rabbiosa cantante. Il film apre con una Berlino in fiamme e una Christa bambina che osserva le conseguenze folli del grande conflitto mondiale; i suoni e le visioni delle fiamme accendono il suo futuro proiettato tra quotidiani trionfi alternati ad altrettanti insuccessi musicali, appena sostenuti da uno scarno pubblico: l’uso dell’eroina, la perdita della condizione di madre e i dolori sentimentali e familiari, segnano in modo indelebile gli anni di Nico, tra splendori e opacità. Nico non demorde e negli ultimi anni della sua tormentata esistenza, ritrova la forza di reagire combattendo la sua ultima battaglia per la vita […]

Zerocalcare. Tuttattaccato. Nel 2009, quando uscì La profezia dell’Armadillo, digitando zerocalcaretuttattaccato su Google, bisognava scorrere qualche pagina prima che non si parlasse più della salute delle lavastoviglie e si arrivasse a parlare di fumetti. Pochi mesi dopo la pubblicazione della graphic novel dalla coscienza d’armadillo, la situazione era completamente diversa, opposta. Verrebbe da chiedersi quanti idraulici leggano Zerocalcare. «Si chiama “profezia dell’armadillo” qualsiasi previsione ottimistica fondata su elementi oggettivi e irrazionali spacciati per logici e oggettivi, destinata ad alimentare delusione, frustrazione e rimpianti, nei secoli dei secoli. Amen.» Così, dopo quasi dieci anni, con il ben volere del mostro del tempo che passa, l’opera prima di Zerocalcare diventa un film. La data di uscita non è certa, ma si ritiene probabile nel corso del 2018. A collaborare con Zerocalcare alla sceneggiatura, Valerio Mastandrea, Oscar Giloti e Pietro Martinelli. Ad interpretare la pellicola troveremo Simone Liberati e Pietro Castellitto (rispettivamente Zero e Secco), insieme a Laura Morante, Claudia Pandolfi, Valerio Aprea, Teco Celio e Diana Del Bufalo. Il compito della regia è stato assunto da Emanuele Scaringi. La profezia dell’Armadillo: semiotica d’amore e di morte Rebibbia. Zero, disegnatore o aspirante tale, si arrangia con illustrazioni per gruppi punk. Arrotonda con ripetizioni di francese e cronometrando le file al check-in negli aeroporti. Vicino a lui, l’amico di sempre, Secco, e la personificazione della sua coscienza: un armadillo. Il cuore – frantumato – del racconto è la morte di una compagna di scuola, Camille, antico amore di Zero. Accanto alla crudele tenerezza a cui ci incatenano i ricordi, si tratteggia il ritratto di una generazione che vive alla periferia del tempo e dello spazio e, come in ogni periferia, viene accusata e ignorata. Il linguaggio di Zerocalcare si costituisce di parole veicolate dal romanesco, dalle linee, da gruppi di significanti che tessono la storia di un’attitudine alla vita, alla realtà, alla morte. Michele Rech è un maestro in questo e crea sulla pagina un microcosmo fatto di mondi interi. Dissacrante e teneramente attento, in ogni tavola si esprimono e nascondono significati di una generazione che dell’instabilità e del dolore ha fatto scrigno, fortezza, armadillo. Con essi e con se stessi si convive, contro di essi e di se stessi si combatte. Per chi è avvezzo alla lettura di Calcare – beato chi non lo è, che potrà godersi tutto il corpus per la prima volta! – La profezia dell’armadillo ha i tratti d’opera non del tutto matura da un lato e, dall’altro, i segni inconfondibili che Zerocalcare porta con sé e consegna al lettore. Tra le pagine si ride, si ride tanto e si piange di dolore sincero che viaggia fra l’amore, la perdita, la decisa rinuncia al disincanto. Si afferma con opportuno sarcasmo la necessità di restare saldamente attaccati alla vita, lottando contro tutto quanto vorrebbe farci mollare la presa, dimostrandoci decisi a resistere, a non cadere. Aspettiamo dunque un film che, per chi conosce Zerocalcare, porta con sé grandi promesse e grandissime premesse. Intanto, dopo il capolavoro che è Kobane Calling, […]

Direttamente dalla 74esima edizione della Mostra Internazionale d’Arte Cinematografica di Venezia, arriva sul grande schermo Ammore e Malavita, sesto film dei Manetti Bros. Stavolta a sorprendere lo spettatore è il connubio tra una pistola e un disco, tra sparatoria e canzone, perchè Ammore e Malavita è un musical, dove si canta sin dai minuti iniziali, dove si balla, ma anche un film dove si spara, e si spara parecchio. Siamo Napoli, don Vincenzo (Carlo Buccirosso) e donna Maria (Claudia Gerini) sono stanchi della loro vita da boss della malavita, così decidono di mettere in scena la morte di don Vincenzo, per poter partire lontano da Napoli. Una giovane infermiera, Fatima (Serena Rossi), scopre la sceneggiata. Sarà compito di Ciro (Giampaolo Morelli), fedele sicario di don Vincenzo, ucciderla. Fatima e Ciro però si conoscono. Si sono amati da ragazzi ed è proprio questo amore la chiave di svolta, il motivo per cui Ciro tradisce la fiducia di don Vincenzo e donna Maria e diventa nemico pubblico. La Napoli di Gomorra, teatro di stragi, uccisioni, bande rivali, si mescola con il musical, da Greese a La la land, definendo un genere nuovo, un “musical crime”, con molte sfumature: si passa dallo scontro finale sulla scia western di Leone alla commedia di finzione tipicamente italiana, tutto questo sullo sfondo di Napoli e dei suoi dintorni, meta amata dai Manetti Bros e già teatro del film Song e Napule. I PERSONAGGI di Ammore e Malavita Giampaolo Morelli è Ciro, un abilissimo killer, cresciuto da don Vincenzo e donna Maria, che si sono occupati del suo addestramento, un criminale con un amore adolescenziale mai dimenticato, quello per Fatima, infermiera, che ha visto troppo e per questo motivo deve pagare con la sua stessa vita. Un Morelli trasformato, lontano dal Lollo Love di Song e Napule, un uomo impassibile, una “tigre” dagli occhi allungati, che gli conferiscono un’aria da orientale. Nella prima parte del film Giampaolo Morelli è sempre in movimento, lo si vede parlare in poche battute risolutive, lo si vede per lo più sparare, muoversi, correre. Infatti è il motore dell’azione del film, carnefice, teneramente innamorato, nostalgico della libertà che la vita da criminale gli ha rubato. Menti del film due donne, che muovono le fila dell’azione, elaborando piani e stratagemmi. Da una parte donna Maria, matrona della malavita, cinefila, appassionata di cinema a tal punto da proporre e costruire una messa in scena, presa da un film di 007, per uscire di scena, per tagliare i ponti con la vita di Napoli e scappare via con suo marito. Una Claudia Gerini, che parla in napoletano, che canta in napoletano, dalla grandissima sensualità, con degli occhi sempre inumiditi dalle lacrime, il più delle volte lacrime che portano avanti la messa in scena e la finzione. La vera boss è indubbiamente donna Maria. Dall’altro lato Fatima, testimone scomoda, primo amore di Ciro; presenza risolutiva nella seconda parte del film. Infatti da personaggio secondario diventa stratega, prende in mano le redini della situazione, escogitando un piano […]