Troia city, la verità sul caso Aléxandros di Antonio Piccolo, regia di Lino Musella. In scena nella verde cornice di Capodimonte il 7 e l’8 luglio, per la rassegna Napoli Teatro Festival Italia. Rimaneggiare il repertorio classico è sempre impresa audace, difficile scommessa minacciata dai devoti all’ intoccabile sacralità di un testo. Rimaneggiare il repertorio classico è, però, impresa congeniale ad Antonio Piccolo, attore, regista e drammaturgo napoletano, classe ’87 che dopo la riscrittura dell’Antigone ancora una volta porta in scena la classicità, supportato dalla perfetta regia di Lino Musella. Una tragedia perduta di Euripide che, con una felice intuizione, diventa il pretesto per un vero e proprio giallo. Il testo di partenza è l’Aléxandros, mito tanto affascinante quanto poco noto che si spoglia di ogni trattazione pedante e accademica, destino frequente delle opere antiche, per diventare un racconto avvincente e moderno, in barba ai denigratori del futuro del classico che ha e avrà sempre qualcosa da dire. E così il filologo diventa un investigatore e il mito l’oggetto di un’indagine. Non si esaurisce in questo la genialità dell’idea. Decisamente originale è anche la scelta della vicenda narrata: non un crimine di cui le tragedie, macchiate dal sangue dei loro personaggi, traboccano, ma l’assenza di un crimine definito necessario. Necessario un crimine? Si, se può scongiurare una guerra decennale.  Ed ecco che, tra le verdi chiome di Capodimonte, le luci si accendono su un uomo in giacca e cravatta, un investigatore che scopriremo essere lo stesso Antonio Piccolo. Sul nero di una lavagna gli indizi di una vicenda che affonda le sue radici nella memoria dei tempi. Scrive e cancella, cancella e riscrive. Alle sue spalle un musicista (Marco Vidino), tutt’intorno le tracce del crimine e ricordi d’infanzia. Tra questi un cavalluccio rosso, chiaro omaggio a una tradizione che un napoletano non può non cogliere con il sorriso negli occhi.  Chiare le premesse dell’indagine: da una parte il monte Ida, dall’altro Troia city. Da una parte l’essenzialità della vita dei pastori, dall’altra lo sfavillio e la magniloquenza dei principi troiani. Due mondi tanto lontani quanto vicini, rette parallele, e tuttavia destinate a incontrarsi. Un bambino esposto su un monte e salvato da un’orsa, il senso di colpa di due genitori, il rapimento di una donna, la distruzione di una città: immagini che si sovrappongono, fili narrativi che si intrecciano e rimandano alle facce di una stessa moneta: Alessandro, difensore degli uomini e Paride, principe bello e sconsiderato.  Un eroe vero e un codardo falso, un eroe falso e un codardo vero. Ma cos’hanno in comune Alessandro e Paride? Qual è la verità? E quanto è caro il prezzo di questa moneta?  Molti gli interrogativi, poche le risposte, un’unica certezza: manca un delitto. – Commissario, ma perchè si uccide? – Per sesso e per soldi. In sintesi, per il potere. Dinamiche ancestrali che furono e che sempre saranno. E così il passato si avvicina al presente, la guerra di Troia assume le sembianze di una partita di calcio: i Greci battono i Troiani […]

Da oggi, 17 aprile, è disponibile su tutte le piattaforme il nuovo EP di Valerio Bruner, La belle dame. Cinque canzoni sull’universo femminile. Napoli, piazza Bellini.  In un’assolata mattinata in cui era ancora concessa la bellezza di guardarsi negli occhi senza l’imperativo del distanziamento sociale, Eroica Fenice aveva incontrato Valerio Bruner, giovane artista napoletano, per parlare del suo nuovo EP La belle dame, disponibile da oggi, 17 aprile. Perché se un virus, chiamato covid-19, costringe tutti noi italiani a stare chiusi in casa, la musica non si ferma.  Come e quando nasce questo EP? La genesi di questi pezzi risale già ai tempi di Down the river. Sempre pezzi acustici, voce e chitarra. Dopo tre anni dal primo album c’è stato un incontro fortunato con un’etichetta, Volcano Records & Promotion.  Abbiamo prima registrato voce e chitarra, a Napoli. Poi in studio a Torino, più lontana dall’identità territoriale napoletana che a volte è un bene e un male. Il tutto tra novembre e dicembre. Dopo una registrazione tra Napoli e Torino sono venute fuori canzoni mie che, con gli arrangiamenti, non riconoscevo o che forse riconoscevo di più. Un’esplosione difficile da spiegare con le parole.  E così ci perdiamo nelle immagini di Torino, una città magica, negli aneddoti di giornate lavorative intense, di tragitti a piedi con la chitarra in spalla, sole tiepido e la serenità di chi sente che sta percorrendo la strada giusta, la sua. Partiamo dal titolo, La belle dame…  É un omaggio a una poesia di John Keats, La Belle Dame sans Merci, poesia che adoro, al punto da scriverci un pezzo. É un lavoro tutto improntato sulla figura femminile: sono cresciuto in un contesto femminile fatto di donne cazzute, mia madre, mia nonna. In una società in cui l’emancipazione femminile non è così scontata, è venuto spontaneo raccontare storie di donne che in situazioni negative, in cui tutto sembra perduto, trovano comunque una luce. Un inno a tutte quelle donne che, consapevoli della loro forza, lottano e continuano a farlo, nonostante tutto.  Un piccolo universo narrativo, cinque donne, cinque storie, cinque canzoni in cui è concentrato il messaggio dell’album. Cosa c’è di diverso rispetto a Down the river? L’altro è un lavoro forse  più autobiografico, ma allo stesso modo, le mie canzoni nascono sempre da ciò che mi circonda, che colpisce la mia attenzione. Penso a Rivergirl e al modo in cui è nata: due anni fa ero a Londra, nel quartiere di Little Venice, bellissimo. In una giornata uggiosa mi colpirono i battelli fermi sui canali abitati da questi “gipsy dell’acqua” e su un cartello c’era la scritta RIVERMAN. Annotai delle parole sul taccuino che porto sempre con me, “Rivergirl is not too late”. Queste parole mi sono tornate in mente ascoltando un giro di accordi di Tom Petty…e così è nato il primo singolo: uno scenario apocalittico, una donna sola e inascoltata che trova in sé la forza per andare avanti, dimenticandosi di tutto il resto “’cause rivergirl won’t be too late”.  Testi intensi che spaziano musicalmente dal […]

In scena al Teatro Elicantropo di Napoli, dal 20 febbraio all’8 marzo, Scannasurice di Enzo Moscato, regia di Carlo Cerciello. Scannasurice: letteralmente scanna-topi.  Uno scannatoio, un tugurio, un inferno, il ventre di Napoli.  Una scatola cubica, a tre piani, luci votive, bottiglie vuote, carte sporche e seduta nel buio una figura androgina che indossa la fatiscienza del luogo in cui vive. Canotta e mutande bianche, capelli raccolti in una retina e trucco sbiadito. Spezza da subito il silenzio con una lingua oscena e sublime, un virtuosismo verbale che, a tratti, non arriva neppure a un napoletano, eppure arriva tutto. Un idioma barocco che riempie, che svuota, che cura, che ferisce.  “Ho scelto”, così il regista Carlo Cerciello in una nota, “un testo in lingua napoletana di un autore antioleografico per eccellenza come Enzo Moscato, mettendo in scena il suo Scannasurice, scritto dopo il terremoto del 1980, nell’intento di allontanarmi dalla malsana oleografia di ritorno, che, nuovamente, appesta Napoli di retorica e luoghi comuni, in una città che ha smarrito la memoria stessa della sua vita culturale, seppellita dalla banalità e dal conformismo.” In uno spazio claustrofobico, su, giù, destra, sinistra, dentro, fuori, un’unica straordinaria attrice, Imma Villa, che diventa femminiello, munaciello, bella ‘mbriana, puttana e racconta storie racchiuse in altre storie, un passato che non passa. D’improvviso luci si accendono a incorniciare un’edicola votiva ed ecco la Madonna che con affetto e disprezzo si rivolge ai sorci. Abitatori che infestano quel sottosuolo, metafora dei napoletani, suricille loro stessi, che tentano di risalire dai piani bassi, di salvarsi. E la memoria corre inevitabilmente alla Ortese, alla sua Napoli non bagnata dal mare. Topi, surice e un testo attuale, attualissimo, pur essendo stato scritto nel 1982. Un viaggio tra gli elementi più arcani della napoletanità, in compagnia dei fantasmi delle leggende partenopee, alla ricerca di un’identità sempre più smarrita dentro le macerie della storia e della sua quotidianità terremotata. Dai mutandoni a pelliccia e tacchi, dalla voglia di vivere all’istinto di morire, dallo sguardo verso la luna al buio dei vicoli e dei basoli scassati della città. Un destino di solitudine, disperazione, ribellione e rassegnazione. Il destino di chi è solo e sa che  nessuno si salva da solo. “Chi so’? Stong ‘arinto? Stong ‘afora? Nun moro, no…ma neppure campo comm’apprimme: ‘a vista, ‘e mmane, ‘e rrecchie…tutte cose se n’è ghiute…e pure ‘a voce…ancora ‘nu poco…e poi…sommergerà, affonderà pur’essa.”   Fonte immagine: https://www.flickr.com/photos/giovannaparato/32998614225/  

Recensione di Iliade la guerra di Troia, al Museo del Sottosuolo di Napoli. Cantami, o Diva, del Pelide Achille   l’ira funesta che infiniti lutti addusse agli Achei… Questi i versi che danno inizio a uno dei poemi più noti al mondo, l’Iliade di Omero. Vicende che, immuni dall’azione del tempo che tutto logora, hanno affascinato, affascinano e continueranno a farlo.  La guerra di Troia – il cui pretesto è il ratto di Elena, sposa del re greco Menealo, da parte del troiano Paride – dura da nove anni quando inizia l’Iliade. Il cieco di Chio non ne racconta né l’inizio né la fine, concentra la narrazione in cinquantuno giorni, nei quali si dipanano i più svariati sentimenti dell’animo umano: l’ira di Achille per la perdita di Briseide prima, di Patroclo poi; la paura e la dignità di Ettore alla vigilia dello scontro; la sete di vendetta di Menelao, privato della sua donna e, prima ancora, del suo onore; l’amore e la speranza di Andromaca che perderà il suo sposo, suo figlio Astianatte, la patria, la libertà.  E proprio attraverso il punto di vista di Andromaca, principessa troiana e sposa di Ettore (una bravissima Chiara Vitello), nel Museo del Sottosuolo di Napoli rivivono, nello spettacolo Iliade la guerra di Troia, le storie degli eroi greci e troiani, che da millenni affollano pagine, menti e fantasie di scrittori. Sulla scena quattro attori (Marco Serra, Daniele Acerra, Francescoantonio Nappi e Chiara Vitello) della compagnia Il Demiurgo, che, spostandosi in maniera itinerante, rappresentano nel corso dello spettacolo, diretto da Francesco Nappi, storie di amori, tradimenti, sangue. Alla voce di Andromaca, rotta dal dolore e dalle lacrime, si sovrappongono gli scontri di Ettore e Paride, di Achille ed Ettore, le gesta di Odisseo e Diomede, di Agamennone e Menelao. E così, pur assistendo alle azioni di una società lontana, i cui valori sono cambiati, gli spettatori sono trascinati da sentimenti che ogni uomo conosce, fino al sacco di Troia e alla cancellazione della stirpe troiana.  A fare da cornice alle immortali gesta cantate da Omero, i bui meandri del Museo del Sottosuolo, in cui, a 25 metri di profondità, riecheggiano gli scudi battuti l’uno sull’altro, le grida di guerra, di rabbia, di dolore. E riecheggia una vicenda immortale: la guerra di Troia.  Iliade la guerra di Troia, in scena al Museo del Sottosuolo di Napoli il 19 gennaio.

Destrutturare una tragedia. Immaginare un dialogo tra linguaggi artistici differenti. Contaminare il classico con il moderno. È quanto sta alla base di Medée Visions, pièce rappresentata sulle tavole del Teatro Bellini di Napoli il 14 e 15 gennaio. Alessia Siniscalchi ha creato un incontro atipico tra Medea ed Eva, tra Adamo, Caino e Giasone. Paradiso e Inferno: 17 momenti montati come in un film tra la dualità femminile e il maschio/padre/fuggitivo. Un progetto audace in cui si fondono le opere dell’artista Valerio Berruti, il testo di Paulina Mikol, le fotografie di Giovanni Ambrosio, le musiche di Cristina Barzi e Phil St. George, i video di Paul Viven e le luci di Benjamin Sillon.  Tanti anni fa ho immaginato un’interpretazione contemporanea del mito di Medea. Non avevo un figlio all’epoca, lasciai morire questa idea e cominciai a creare spettacoli immersivi sul tema della relazione, racconta la Siniscalchi, regista di Medée Visions, oggi che ho un bimbo di otto anni è tempo di tornare a Medea. Così la vicenda di Medea, maga della Colchide, moglie di Giasone e madre dei suoi figli, è resa sulla scena in maniera assolutamente non convenzionale. Il suo dolore, la sua rabbia, la sua follia diventano ora danza, ora canto, ora parola spezzata. Spezzata e ripetuta in una babele di lingue: a battute in inglese seguono risposte in francese e, ancora, in italiano. Così, la vicenda di Medea si intreccia a quella di Eva.  Suggestiva la scenografia che vede su pannelli sagome infantili enfatizzate da giochi di luci. Luci continue, intermittenti, a rendere l’intensità del pathos che rende questo dramma, la Medea di Euripide un capolavoro senza tempo.  Hai conosciuto un’altra? Ha la pelle di pesca? È più giovane di me? Hai conosciuto un’altra? Ha la pelle di pesca? È più giovane di me? Una donna sedotta, abbandonata in nome di usanze greche che, barbara, non può capire. Una donna in cui la follia diventa lucida razionalità. Un dramma antico che nasconde, tra le pieghe, tracce di modernità.  Alessia Siniscalchi è napoletana, ma vive e lavora tra l’Italia e la Francia. Nel 2007 fonda il collettivo Kulturscio’k, che si muove tra i due paesi. Oggi fanno parte del collettivo attori di cinema e teatro, danzatori, fotografi e musicisti che portano avanti una ricerca che approfondisce il rapporto istintivo e primordiale tra musica, movimento e testo.  Medée Visions di Alessia Siniscalchi con Alessandra Guazzini, Fannu Guidecoq, Francesco Calabrese, Felicie Baille, Zelia Pelacani Catalano e, in alternanza, Chiara Sistri testo originale Eva/Medea di Paulina Mikol Spiechowicz testi Alessia Siniscalchi su ispirazioni libere da George Bernard Shaw, Dario Fo, Franca Rame, Euripide Grillpartzer   Fonte foto: www.teatrobellini.it

Dal 7 al 12 gennaio le tavole del Teatro Bellini si macchiano di morte e sangue, contaminate da colpe antiche e moderne: in scena l’Antigone di Sofocle (traduzione e adattamento di Laura Sicignano  e Alessandra Vannucci). Tebe.  Antigone, figlia di Edipo, ha ancora negli occhi la morte dei fratelli Eteocle e Polinice: li ha visti uccidersi reciprocamente, l’uno all’assalto, l’altro a difesa della città. Ha nelle orecchie il bando di suo zio Creonte, nuovo sovrano di Tebe, che vuole insepolto, pena la morte, il corpo di Polinice, traditore della città, ma prima ancora fratello di Antigone.  La legge non mi separerà dal mio sangue. Antigone, che ha nel sangue le leggi degli dei, i vincoli dell’amore, lei che ha nel sangue il sangue di Polinice, non accetta quel bando, non può accettarlo. Nessuno può impedire di seppellire un corpo, nemmeno se di un traditore. Nessuno può impedire a una sorella di seppellire suo fratello.  Non pensavo che i tuoi editti avessero tanta forza, che un mortale potesse trasgredire le leggi non scritte ed incrollabili degli dei. Infatti, queste non sono di oggi o di ieri, ma sempre vivono.  Antigone, figlia di Edipo. Creonte, zio di Antigone. Uno scontro insanabile: donna lei, uomo lui. Giovane lei, vecchio lui. Individuo e società, famiglia e stato: forze dominate da leggi proprie che parlano lingue diverse, incapaci di comunicare. Antigone è un’eroina classica eppure estremamente moderna: donna, giovane, che si ribella in nome di leggi non scritte, le sole che per lei contano. Che si ribella al decreto di un uomo prima, ad una società patriarcale poi.  Antigone è un mito fertile: non smette di parlare al presente e di generare riflessioni sulla società di ogni epoca. Un mito che affonda le radici duemila anni fa, eppure non c’è parola pronunciata dagli eroi di Sofocle che non faccia sentire la suo eco in ogni tempo e in ogni dove.  Antigone, che porta nel suo nome, nel suo destino, colpe ataviche, non teme la punizione, la prigionia, la morte. Antigone ribelle, eroica, martire. Una spirale che risucchierà Emone, figlio di Creonte, amante di Antigone; Euridice, moglie di Creonte, madre di Emone. Morte chiama morte. Male genera male.  Ma cos’è il Male? E perché? È il caso, uno scherzo divino, o la punizione per la ὕβϱις (ubris, nda) dei protagonisti, oppure è il destino di tutti?  Potente l’accompagnamento musicale suonato dal vivo da Edmondo Romano. Meravigliosa la scenografia di Guido Fiorato, che rappresenta un contesto postbellico, distrutto, carbonizzato, che nel finale crolla, va in frantumi come l’animo di chi sopravvive. Come l’animo di Creonte, sopraffatto dal nichilismo, dal vuoto, dalla sconfitta delle sue stesse scelte, dall’utilizzo eccessivo della ragione che, come lui stesso dice, genera nient’altro che morte.  ANTIGONE  di Sofocle con Sebastiano Lo Monaco, Lucia Cammalleri, Egle Doria, Luca Iacono, Silvio Laviano, Simone Luglio, Franco Mirabella, Barbara Morselli, Pietro Pace.   Fonte immagine: http://www.teatrobellini.it/spettacoli/311/antigone

Total black, carrè rosa e macchina fotografica al collo. Eccola, ai Magazzini Fotografici, Letizia Battaglia. Ottantaquattro anni e una fama mondiale. Per il New York Times è una delle 11 donne che hanno segnato il nostro tempo. In un’atmosfera confidenziale, sigaretta alla mano, Letizia racconta e si racconta. Lei che ha fatto della fotgrafia uno strumento di impegno civile, mettendo il suo talento e la sua passione al servizio di valide cause, dalla questione femminile ai diritti dei carcerati.  Racconta il suo rapporto con Napoli, dove ha vissuto a cavallo della seconda guerra mondiale.  La sua personale, ospitata dai Magazzini Fotografici, inaugurata ieri 13 dicembre, e visitabile fino all’8 marzo, è il racconto delle contraddizioni e delle ferite di Palermo, città complessa da lei profondamente amata. Nei suoi scatti da cronista, che immortalano i delitti di mafia che l’hanno resa simbolo della battaglia contro la criminalità organizzata e l’omertà che ne aumenta il potere, campeggiano, la morte, il dolore. Dolore che lei stessa dice di combattere contrapponendogli la bellezza. E’ da questo intento che nasce la scomposizione e ricomposizione delle sue foto, così un cadavere è affiancato da un nudo femminile cinto di fiori. Spende parole molto dure contro la mafia, quella mafia che per trent’anni ha fotografato. Per trent’anni ha fotografato la Sicilia, con immagini in bianco e nero crude e dolorose. I suoi reportage per il quotidiano L’Ora di Palermo. Celebrano la morte, anche se è arrivata da mano mafiosa, ma mai la mafia.  Letizia Battaglia ha personalmente scelto dal suo archivio di stampe vintage una selezione di immagini che rappresentano uno spaccato della sua ricerca fotografica. La mostra porta a Napoli ritratti di una Palermo difficile con lo sguardo intimo, profondo ed emozionato. Lo sguardo di una donna, da sempre attenta alle problematiche della condizione femminile. Lo sguardo delle donne e delle bambine da lei ritratte.  Racconta e si racconta. La sua forza legato all’impegno, il suo desiderio di bellezza che la fa essere combattiva, la sua voglia di dare quanto ha ricevuto, di darsi. Non si definisce una battagliera, il suo impegno lo percepisce come dovere.  Nel 2017 inaugura a Palermo, all’interno dei cantieri Culturali della Zisa, il Centro Internazionale di Fotografia da lei diretto, metà museo, metà scuola di fotografia e galleria. E nel 2019 inaugura a Venezia, presso la Casa dei Tre Orci, una grande mostra monografica retrospettiva di tutta la sua carriera.  Per questa nuova occasione sarà ospite dello spazio espositivo Magazzini Fotografici, situato nel centro storico di Napoli, nell’antico Palazzo Caracciolo D’Avellino del Decumano superiore.