Dal 7 al 12 gennaio le tavole del Teatro Bellini si macchiano di morte e sangue, contaminate da colpe antiche e moderne: in scena l’Antigone di Sofocle (traduzione e adattamento di Laura Sicignano  e Alessandra Vannucci). Tebe.  Antigone, figlia di Edipo, ha ancora negli occhi la morte dei fratelli Eteocle e Polinice: li ha visti uccidersi reciprocamente, l’uno all’assalto, l’altro a difesa della città. Ha nelle orecchie il bando di suo zio Creonte, nuovo sovrano di Tebe, che vuole insepolto, pena la morte, il corpo di Polinice, traditore della città, ma prima ancora fratello di Antigone.  La legge non mi separerà dal mio sangue. Antigone, che ha nel sangue le leggi degli dei, i vincoli dell’amore, lei che ha nel sangue il sangue di Polinice, non accetta quel bando, non può accettarlo. Nessuno può impedire di seppellire un corpo, nemmeno se di un traditore. Nessuno può impedire a una sorella di seppellire suo fratello.  Non pensavo che i tuoi editti avessero tanta forza, che un mortale potesse trasgredire le leggi non scritte ed incrollabili degli dei. Infatti, queste non sono di oggi o di ieri, ma sempre vivono.  Antigone, figlia di Edipo. Creonte, zio di Antigone. Uno scontro insanabile: donna lei, uomo lui. Giovane lei, vecchio lui. Individuo e società, famiglia e stato: forze dominate da leggi proprie che parlano lingue diverse, incapaci di comunicare. Antigone è un’eroina classica eppure estremamente moderna: donna, giovane, che si ribella in nome di leggi non scritte, le sole che per lei contano. Che si ribella al decreto di un uomo prima, ad una società patriarcale poi.  Antigone è un mito fertile: non smette di parlare al presente e di generare riflessioni sulla società di ogni epoca. Un mito che affonda le radici duemila anni fa, eppure non c’è parola pronunciata dagli eroi di Sofocle che non faccia sentire la suo eco in ogni tempo e in ogni dove.  Antigone, che porta nel suo nome, nel suo destino, colpe ataviche, non teme la punizione, la prigionia, la morte. Antigone ribelle, eroica, martire. Una spirale che risucchierà Emone, figlio di Creonte, amante di Antigone; Euridice, moglie di Creonte, madre di Emone. Morte chiama morte. Male genera male.  Ma cos’è il Male? E perché? È il caso, uno scherzo divino, o la punizione per la ὕβϱις (ubris, nda) dei protagonisti, oppure è il destino di tutti?  Potente l’accompagnamento musicale suonato dal vivo da Edmondo Romano. Meravigliosa la scenografia di Guido Fiorato, che rappresenta un contesto postbellico, distrutto, carbonizzato, che nel finale crolla, va in frantumi come l’animo di chi sopravvive. Come l’animo di Creonte, sopraffatto dal nichilismo, dal vuoto, dalla sconfitta delle sue stesse scelte, dall’utilizzo eccessivo della ragione che, come lui stesso dice, genera nient’altro che morte.  ANTIGONE  di Sofocle con Sebastiano Lo Monaco, Lucia Cammalleri, Egle Doria, Luca Iacono, Silvio Laviano, Simone Luglio, Franco Mirabella, Barbara Morselli, Pietro Pace.   Fonte immagine: http://www.teatrobellini.it/spettacoli/311/antigone

Total black, carrè rosa e macchina fotografica al collo. Eccola, ai Magazzini Fotografici, Letizia Battaglia. Ottantaquattro anni e una fama mondiale. Per il New York Times è una delle 11 donne che hanno segnato il nostro tempo. In un’atmosfera confidenziale, sigaretta alla mano, Letizia racconta e si racconta. Lei che ha fatto della fotgrafia uno strumento di impegno civile, mettendo il suo talento e la sua passione al servizio di valide cause, dalla questione femminile ai diritti dei carcerati.  Racconta il suo rapporto con Napoli, dove ha vissuto a cavallo della seconda guerra mondiale.  La sua personale, ospitata dai Magazzini Fotografici, inaugurata ieri 13 dicembre, e visitabile fino all’8 marzo, è il racconto delle contraddizioni e delle ferite di Palermo, città complessa da lei profondamente amata. Nei suoi scatti da cronista, che immortalano i delitti di mafia che l’hanno resa simbolo della battaglia contro la criminalità organizzata e l’omertà che ne aumenta il potere, campeggiano, la morte, il dolore. Dolore che lei stessa dice di combattere contrapponendogli la bellezza. E’ da questo intento che nasce la scomposizione e ricomposizione delle sue foto, così un cadavere è affiancato da un nudo femminile cinto di fiori. Spende parole molto dure contro la mafia, quella mafia che per trent’anni ha fotografato. Per trent’anni ha fotografato la Sicilia, con immagini in bianco e nero crude e dolorose. I suoi reportage per il quotidiano L’Ora di Palermo. Celebrano la morte, anche se è arrivata da mano mafiosa, ma mai la mafia.  Letizia Battaglia ha personalmente scelto dal suo archivio di stampe vintage una selezione di immagini che rappresentano uno spaccato della sua ricerca fotografica. La mostra porta a Napoli ritratti di una Palermo difficile con lo sguardo intimo, profondo ed emozionato. Lo sguardo di una donna, da sempre attenta alle problematiche della condizione femminile. Lo sguardo delle donne e delle bambine da lei ritratte.  Racconta e si racconta. La sua forza legato all’impegno, il suo desiderio di bellezza che la fa essere combattiva, la sua voglia di dare quanto ha ricevuto, di darsi. Non si definisce una battagliera, il suo impegno lo percepisce come dovere.  Nel 2017 inaugura a Palermo, all’interno dei cantieri Culturali della Zisa, il Centro Internazionale di Fotografia da lei diretto, metà museo, metà scuola di fotografia e galleria. E nel 2019 inaugura a Venezia, presso la Casa dei Tre Orci, una grande mostra monografica retrospettiva di tutta la sua carriera.  Per questa nuova occasione sarà ospite dello spazio espositivo Magazzini Fotografici, situato nel centro storico di Napoli, nell’antico Palazzo Caracciolo D’Avellino del Decumano superiore. 

Lisistrata, donna ateniese, convoca numerose donne di Atene e altre città: bisogna discutere di un importante problema. A causa della guerra del Peloponneso, infatti, gli uomini delle poleis greche sono perennemente impegnati nell’esercito e non hanno più tempo per stare con le loro famiglie.  Lisistrata propone allora alle altre donne di fare uno sciopero del sesso: finché gli uomini non firmeranno la pace, esse rifiuteranno di avere rapporti sessuali con loro. Dopo un momento di sbigottimento e di rifiuto, le donne si dicono favorevoli al piano e fanno un giuramento.  Lisistrata di Aristofane, autore greco di V secolo, è la commedia che più di ogni altra sottolinea la forza motrice del sesso, ritenuto già dai Greci tanto potente da poter condurre alla soluzione di una guerra. E sarà proprio con il sacrificio di questo piacere che la donna e le sue concittadine proveranno a convincere gli uomini alla pace duratura.  Si tratta di un’opera di una modernità impressionante: Aristofane pone le donne sullo stesso piano degli uomini, inneggiando all’isonomia. È un riscatto di genere, o meglio, una vera e propria guerra tra generi, animata dall’intenzione più nobile: ristabilire la quiete e la tranquillità. L’aspetto più interessante di questa commedia è la sua concretezza, la sua vicinanza alla realtà insita dell’arma che Lysistrata utilizza per vincere la sua battaglia: la libido.  Lisistrata è una donna intelligente, passionali e determinata a ottenere ciò che desidera, ma più che altro è una figura energica: la sua forza è la combinazione di pazienza e strategia, abilità che le donne quotidianamente sperimentano.  Cosa accadrebbe se Lisistrata non fosse nata ad Atene, ma nel sud dell’Italia? Con il sottotitolo a rivolta d”e mugliere, Franco Cutolo ha riscritto in napoletano la celebre commedia, ambientandola nella metà dell’Ottocento in un immaginario paese della Campania. Questo classico della comicità è stato portato in scena da molti autori – spiega Cutolo, che firma anche la regia dello spettacolo – ho considerato più versioni, in particolare quella di Gaetano Di Maio, per arrivare a un testo più attualizzato, pur se il linguaggio, in cui sovrabbondano proverbi, sembra talvolta rimandare alla lingua di Cortese e Basile. Nella scrittura di questa storia travolgente, piena di sorprese e comicità, ho tenuto sempre ben presente l’interprete che ho scelto, Maria Del Monte, una delle ultime testimoni della nostra grande tradizione attoriale.  Con Del Monte è in scena Gino Curcione. Gli altri interpreti sono Annamaria Colasanto, Claudia Buongiovanni, Pietro Juliano, Lucia Palmentieri, Carla Buonerba, Lello Russo e Rosaria Io. Le musiche sono eseguite dal vivo da Mimmo Maglionico, Enzo Vorraro, Nicola Norma, Patrizio Catalano, Alessandro Dell’Aquila e Joey Napolitano. Lisistrata, liberamente tratta dall’omonima commedia di Aristofane, in scena al Teatro Trianon Viviani dal 28 novembre all’8 dicembre. 

Tratta dall’omonimo romanzo di Francesco Mastriani, la Medea di Portamedina, in scena alla Galleria Toledo dal 15 al 24 novembre, regia di Laura Angiulli. Una scena quasi vuota e suppellettili di casa pendenti. Pendenti, come la verità, l’amore, le promesse, la vita. A rompere il silenzio Coletta Esposito (Alessandra D’Elia): una donna del popolo, capace di grandi sentimenti.  Coletta è infiammata dall’amore. Lei, figlia ra maronna, trascorre la sua infanzia fra le mura dell’Annunziata. Lei, figlia di nessuno, nutre nell’animo una straziante fame d’amore. E sarà tra le braccia, sulla bocca, negli occhi di Cipriano Barca (Pietro Pignatelli) che scoppia la sua passione  quasi tirannica. Amplessi su amplessi. Voglie su voglie. Ossessioni su ossessioni. Violenza su violenza. Coletta è dilaniata dalla gelosia. Dalla relazione clandestina con Cipriano (Coletta è di fatto sposata), nasce una bambina. L’attrazione di lui si affievolisce, l’amore di lei si infittisce. Ma lui di quel vicolo cieco e di quel matrimonio promesso non ne vuole sapere. Coletta, avvelenata dall’ossessione del possesso, dimentica persino di essere madre. Lei, che una madre non l’ha mai avuta, rivive le mura dell’Annunziata, il morbo dell’abbandono. Domande su domande. Attese su attese. Speranze su speranze. Manìe su manìe.  Coletta è accecata dall’odio. Il matrimonio non si compie, Cipriano ha deciso di sposare la giovane Teresina. Straziata, furente, spietata Coletta, non farlo! Ma la donna di via Portamedina, eroina tragica, Medea, ha deciso. E nel giorno del matrimonio di Cipriano e Teresina la chiesa si tinge di rosso.  Note di regia: Come in Euripide, la narrazione di Mastriani usa straordinaria acutezza a penetrare il labirinto delle emozioni e delle angosce della protagonista e delle forze oscure da quel velenoso groviglio generate e alimentate, ma quel conflitto fra razionale e irrazionale che è tra i tratti distintivi della Medea euripidea e che costituiscono la dorsale del pathos drammatico dell’evento, non trovano luogo. In Coletta nessun tentennamento interviene nella spinta verso un definitivo rituale di sangue, che è anzi inequivocabilmente cercato e compiuto in tutta lucidità. Nemmeno un tremore, un accenno di pietà, un estremo fremito d’emozione. Alla coscienza di Coletta, figlia negata e bambina malamente allevata, mancano le coordinate per una humanitas di classica memoria. 

Mamma mà, in scena al TRAM dall’8 al 10 novembre  Chi te vo bene chiù d’a mamme, te n’ganne. È risaputo che, al sud, la mamma è una colonna portante, una creatura quasi mitologica. La potenza del vincolo materno è tale da diventare modo di dire: mammamà, espressione che il napoletano utilizza per indicare stupore, noia, meraviglia. Insomma, nella città partenopea ogni occasione è buona per invocare mammà. E proprio questo ruolo, croce e delizia di una donna, è al centro del monologo di Massimo Andrei, Mamma mà (regia Gennaro Silvestro). A dare voce alle battute di Andrei una meravigliosa Daniela Ioia, la cui veracità napoletana straborda prepotente, nelle movenze, nelle parole, negli sguardi. In una parola, esilarante. La vediamo ora in camice e ciabatte armata di detersivi e straccio, ora in abiti più sobri, ora in tutina attillata e tacchi vertiginosi, divise d’ordinanza di tre donne molto diverse tra loro con un comune denominatore: la maternità. C’è chi la attende con ansia, consultando medici e invocando santi. C’è chi i figli ce li ha già e con quella eccessiva premura in cui le mamme del sud sono maestre, cerca di metterli in guardia sugli errori e sulla presunta ignorantità del mondo: il fidanzato può essere pure marrò, che mica è colpa sua, l’importante è che porta i soldi a casa e che non tiene cento mogli. E poi c’è chi, abbandonata dal marito, combatte il tempo che avanza con aderenza e scollature e colma i suoi vuoti ingombrando la vita dei figli. Ansie, sfoghi, ammiccamenti, il tutto in una stanza con uno scrittoio sulla destra e una sedia di fronte: lo studio di uno psicologo. Tre napoletane. Tre donne. Tre madri. E la proiezione mentale di una donna con in mano un test di gravidanza: aspetto un bambino? Sì? Che madre sarò? Mamma, mà! Un campionario di donne napoletane, napoletanissime che Daniela Ioia interpreta con tale naturalezza, che quasi ci abbagliano i neon bianchi degli ospedali, che quasi vediamo il basso in cui qualcuno annega i suoi problemi in un secchio pieno d’acqua con una mazza in mano. Che quasi ci troviamo nella palestra in cui qualcuno ammicca cercando nello sguardo degli uomini la sicurezza di cui il marito l’ha privata.  Mamma, mà, un monologo pungente, che ironizza sui luoghi comuni in maniera mai banale. E se è vero che, De Filippo docet, far ridere è molto più difficile che far piangere, non resta che dire Chapeau a Daniela Ioia e Massimo Andrei. Andatelo a vedere! Come? Sono finite le repliche al TRAM? E cercatelo altrove, tanto che tenite ‘a fà? Mamma, mà!  Fonte immagine: www.ilmonito.it

Partita ieri, 5 novembre, al Pan, il Palazzo delle Arti Napoli, in Via dei Mille 60, la sedicesima edizione di accordi @ DISACCORDI, Festival Internazionale del Cortometraggio. Una rassegna gratuita che apre le porte a un viaggio alla scoperta della produzione cinematografica di durata breve.  Dal 5 al 9 novembre gareggeranno ottantasei cortometraggi e documentari selezionati. La giuria è presieduta da Guido Lombardi, vincitore del Leone del Futuro alla Mostra del Cinema di Venezia 2011, affiancato dal cantautore Nero Nelson, due volte premio David di Donatello, e dal regista Marcello Sannino. Il Festival, che vede la direzione artistica di Pietro Piazzamento e Fabio Gargano, presenta in gara quest’anno opere sul tema dell’ambiente, della sostenibilità ambientale e dei cambiamenti climatici e, in un’altra sezione, il rapporto tra cinema breve e migranti. Tutte le opere saranno proiettate, con accesso gratuito, al PAN, nella Sala Di Stefano e allo SMMAVE, Centro per l’Arte Contemporanea in Via dei Virgini 1. accordi @ DISACCORDI Festival Internazionale del Cortometraggio QUESTO IL PROGRAMMA DI MARTEDI 5 NOVEMBRE 2019 ore 17.00 – 19.30 PAN L’EREDITÀ – (Italia, 2019, 14’55” durata) – di Raffaele Ceriello con Massimiliano Rossi, Lucianna De Falco, Laura Borrelli, Gianni Sallustro, Nicla Tirozzi ALEKSIA – (Italia, 2018, 17’16” durata) – di Loris Di Pasquale con Maria Aliev, Karina Arutyunyan, Loris Di Pasquale, Pietro Bontempo, Lucia Rea IN HER SHOES – (Italia, 2019, 19’16” durata) – di Maria Iovine con Gabriele Sangrigoli PIZZA BOY – (Italia, 2019, 15’00” durata) – di Gianluca Zonta con Roberto Herlitzka, Giga Imedadze, Marita Iukuridze, Danilo De Summa, Cristiana Raggi LA RECITA – (Italia, 2017, 15’14” durata) – di Guido Lombardi con Myriam Kere, Grazia Nota, Fèlicitè Mbezele, Mariano Coletti, Valentina Curatoli, Pina Di Gennaro – 74.ma Mostra Internazionale d’Arte Cinematografica (Venezia) / 74h Venice Film Festival – Premio MigrArti 2017 SUFFICIENTE – (Italia, 2019, 8’37” durata) – di Maddalena Stornaiuolo, Antonio Ruocco, con Alessio Conte, Agostino Chiummariello, Pina Di Gennaro – 76.ma Mostra Internazionale d’Arte Cinematografica (Venezia) / 76th Venice Film Festival –Official Selection – Giornate degli Autori / Venice days BREAK – (Cina, 2018, 2’45” durata) di Riccardo Pavone – Animazione CLOSE – (Germania, 2019, 2’33” durata) di Stephanie Fischer, Bastian Brunke con Christine Göb-Kipp, Christian Schmidt,Henri Kipp THE OPEN DOOR – (India, 2019, 0’26” durata) di Suraj Pattanayak PRIMER CUENTO – (Argentina, 2018, 2’48” durata) di Mercedes Arturo con Mariana Gagliano L’evento continuerà fino al 9 Novembre, serata che si chiuderà con la proiezione dei cortometraggi vincitori e consegna, alla presenza dei giurati, dei premi come miglior cortometraggio, miglior cortometraggio campano, best international short film, migliore regia, miglior attore, miglior attrice, miglior documentario, premio del pubblico.  Qui il programma completo. Immagine: Comune di Napoli

Le cinque rose di Jennifer di Annibale Ruccello, in scena al Teatro Bellini dal 25 ottobre al 10 novembre, regia di Gabriele Russo Napoli, anni ’80. Un appartamento angusto. Indumenti femminili sparsi un po’ ovunque, un tavolo ingombro dei resti di una cena, un vaso con delle rose appassite, un divano sfatto, trucchi e rotocalchi, una radio e un telefono, azzurro.  Pronto…Pronto…Pronto?! Mannaggia, hanno riattaccato! Chist’era sicuramente Franco, ovvì!…E mo’ chi ‘o ssappe se telefona nata vota… Chi non ha mai conosciuto l’impietosa attesa di una telefonata che non arriva? Quell’attesa la conosce molto bene Jennifer (Daniele Russo), un travestito, che tuttavia compare sulla scena vestendo abiti maschili, appeso al filo della cornetta e a quelle interferenzie che proprio non la vogliono finire di separarlo da Franco, il suo amore. Jennifer vive in un monolocale reso sulla scena come uno spazio circolare, un’isola, quasi a riprodurre il conformismo piccolo-borghese che considerava lei e quelli come lei un confine negativo oltre il quale non era bene spingersi. Da subito si evince un rapporto problematico con il mondo esterno desiderato, eppure temuto, che penetra in casa soltanto attraverso la radio e il telefono. Quel telefono che se per la donna di Cocteau era un’arma, uno scudo con cui difendersi, un coltello con cui ferire, per la Jennifer di Ruccello è un tramite. È l’illusione di una comunicazione impossibile, di un interlocutore al quale aggrapparsi per non cadere nel buio, nel vuoto, in quel senso di inutilità e solitudine che è capace di uccidere più dell’amore. Le cinque rose di Jennifer, universo di figure “deportate” Nell’annientarsi in un’attesa che non sarà soddisfatta, i gesti quotidiani di Jennifer, divisi tra la sua natura di uomo e la sua verità di donna, diventano spasmodici e il suo linguaggio diventa afasia in cui le pause e le movenze acquistano una potenza comunicativa pari, se non maggiore, alle sue battute. Potenza resa sulla scena da una una figura sospesa tra sogno e realtà (Sergio Del Prete), una presenza costante che incanta e atterrisce, ombra sottile e leggera, che dà espressione e forma alla fragilità intrisa di dolore di Jennifer. Ombra sottile e pesante che si trascina in un cadenzato finale passo tacco-piedescalzo, quasi una danza di morte, foriera del drammatico epilogo. Morte evocata, fin dall’inizio, dalla voce della radio che annuncia ripetutamente di un serial-killer di femminielli che firma i suoi crimini con cinque rose rosse.   Mentre Radio Cuore Libero, attraverso un continuo dialogo tra musica e vita, trasmette canzonette di Mina, Patty Pravo e Ornellina Vanoni, in quella stanza disordinata, in cui trionfa il gusto per il kitsch, quasi un’estensione mentale di Jennifer, campo di battaglia dei suoi tormenti interiori, il suo costante desiderio di fuga dalla realtà si concretizza ancora nel miraggio di un corpo altro da sé, Anna (Sergio Del Prete), un  travestito della zona. Le due intavolano un dialogo surreale, fatto di testimoni di Geova, mestruazioni e figli, che rende ancora più evidente lo stato di isolamento e di incomunicabilità. Anna si difende dalla […]