Recensione di Dracula, da Bram Stoker, adattamento Carla Cavalluzzi e Sergio Rubini Il nosferatu non muore come l’ape dopo aver punto una volta. Diventa solo più forte, ed essendo più forte ha più potere di fare del male. Questo vampiro che si trova fra noi è di per sé forte come venti uomini; ha un’astuzia più che mortale, poiché la sua astuzia è cresciuta nelle ere… Dracula, Bram Stoker Chi non ha mai sentito il nome di Dracula? Chi non ne conosce la vicenda? Uno scrittoio e un uomo che cerca nella penna un’arma con cui affrontare la disperazione.  Si tratta di Jonathan Harker, di professione avvocato, personaggio del celebre romanzo ottocentesco di Bram Stoker, Dracula (1897). Una narrazione lenta, complessa, che si snoda attraverso lettere, articoli, pagine di diari dei vari protagonisti. Una narrazione che contiene tutti gli elementi tipici del genere gotico. Il castello labirintico, il vascello fantasma, l’erotismo, la morte, il sangue, la necrofilia, uniti, però, ad elementi di modernità tardo-ottocentesca: i telegrafi, le sedute di ipnosi e la fiducia positiva nella scienza e nella razionalità, incarnata dal professor Van Helsing.  Nella riscrittura per il teatro, Sergio Rubini e Carla Cavalluzzi, rimarcano i risvolti psicologici dei personaggi: e così Dracula diventa non solo un viaggio notturno verso l’ignoto, tra lupi che ululano, banchi di foschia e croci ai bordi delle strade, ma assume anche i caratteri di un viaggio interiore del protagonista la cui vita cambia non appena si accosterà al cancello del castello: il ricordo di ciò che gli accade sarà un’ossessione che contaminerà tutto ciò che ha di più caro, in primis il rapporto con la moglie Mina (Alice Bertini). È il talento di Luigi Lo Cascio a dare voce e corpo ai tormenti di Harker, mentre Sergio Rubini veste i panni del professor Van Helsing. Il duo, già visto e osannato al teatro nella pièce Delitto e Castigo (regia di Sergio Rubini), pur dando prova di grande maestria, sembra forse risucchiato dalla lentezza della narrazione, dalla rappresentazione, a tratti stereotipata dei personaggi. Il Conte Dracula, interpretato da Geno Diana, nello spazio di poche battute, porta sulla scena quegli atteggiamenti trasgressivi, irrazionali e proibiti caratteristici del personaggio di Stoker, assumendo però, a tratti, toni caricaturali.  Quasi cinematografica, più che teatrale la scenografia, che, attraverso pannelli scuri che simulano ora temporali, ora tempeste, rende il mistero che avvolge l’intera vicenda, vicenda in cui il buio prevale sulla luce. DRACULA  da Bram Stoker adattamento Carla Cavalluzzi e Sergio Rubini con  Luigi Lo Cascio Jonathan Harker Sergio Rubini     Professor van Helsing Lorenzo Lavia    R. M. Renfield Roberto Salemi  Dottor Seward Geno Diana        Conte Dracula Alice Bertini        Mina Murray  in scena al Teatro Bellini di Napoli dal 17 al 26 gennaio 

Dall’8 al 19 gennaio al Ridotto del Mercadante, lo spettacolo Tossine di Tony Laudadio.  Il salotto di una casa. Un divano di velluto blu e una donna che racconta dettagli del suo matrimonio. Ma chi è l’uomo seduto di fronte a lei? Perché le chiede tanti dettagli? “Alle volte, si legge nelle note di regia, diamo le nostre relazioni per scontate. Anzi, più sono intime, più le diamo per scontate. Pensiamo che la persona che ci sta accanto vivrà tutta la vita con noi. Che abbia questo nostro stesso desiderio. Che ci ami come il primo giorno. Che stia ancora lì ad aspettarci, a desiderarci, a commuoversi pensando ai bei momenti insieme.” E così, mentre la vita, che non ne vuole sapere di arrestarsi, va avanti, Lola (Teresa Saponangelo) assolda Mesto (Ivan Castiglione), un sicario, per uccidere suo marito Michele (Tony Laudadio). Sia ben chiaro, il suo è solo un modo contorto di amare. Vincente l’ironia con cui i personaggi portano in scena le debolezze e le perversioni della società borghese, scavando al fondo di rapporti di chi, perso nei cerimoniali dell’esistenza, pensa di conoscersi davvero bene. Coppie scoppiate che millantano amori di cui ignorano l’essenza. Facile proiettarsi sul velluto di quel divano, facile porsi le domande di Lola e Michele, facile lasciarsi avvelenare dalle Tossine che, maldestramente maneggiate da Mesto, dovrebbero firmare la vendetta di Lola, moglie di Michele, tradita da Michele, marito di Lola. Cosa faresti se io ti tradissi? Cosa ti mancherebbe di me se io morissi? Domande all’apparenza innocue che accendono micce, che alimentano dubbi. Domande semplici che sconvolgono un equilibrio complesso. Facile vestire i panni di Lola e i suoi interrogativi sulla capacità di perdonare, facile vestire i panni di Michele, che si scopre ignaro di chi dorme nel suo letto. Facile sentire sulle propria pelle le lacrime di Mesto, che nella parola fallito trova la perfetta sintesi della sua vita.  Il salotto di una casa. Un divano di velluto blu e tre personaggi, anzi, tre persone che potremmo essere ognuno di noi. Tradimenti, verità taciute, amore ti amo, amore sei una dea, amore ti ho tradito ma solo perché eravamo già in crisi, amore quella per me non significa niente, amore se tu mi tradissi io ti ammazzerei, amore assolderei un sicario con i tuoi soldi. Dramma familiare rappresentato in maniera sarcastica e geniale. Scrittura di Tony Laudadio e la regia di Monica Nappo: incrocio di talenti. Esilaranti gli attori che ci accompagnano, naufraghi, alla deriva di una storia, con il sorriso sulle labbra e le lacrime agli occhi (dal ridere!).  Applausi.        

Papàààààà…non risponde. Prova tu… Nell’ottobre 2018, spiega Adriana Follieri, in occasione di Intrecci/Festival del Welfare e dell’Intrecciatura promosso da Less a Napoli, ho ricevuto l’invito a realizzare un laboratorio teatrale integrato rivolto agli abitanti della città, napoletani e giovani migranti richiedenti asilo. Questa compagine si è rivelata particolarmente felice e dal singolare potenziale artistico, tanto da suggerirmi di approfondire il lavoro anche a festival concluso. Nasce così la compagnia di Pater, ascoltando questo desiderio di profondità e cura, lasciando spazio al non prevedibile e accogliendone il dubbio.  È stato il palcoscenico del Teatro Nuovo a ospitare, giovedì 19 dicembre, il debutto di Pater, un lavoro sul movimento poetico e vitale che nasce e prende forza dalla piccola storia di una comunità. È un lavoro sull’essere umano e sulla natura, anche urbana, che accoglie e che respinge.  Pater muove intorno alla questione del libero arbitrio, interrogandosi sulle conseguenze e le possibilità di ciascuno di fronte alle proprie scelte, la cui drammaturgia originale s’ispira al saggio Attesa di Dio di Simone Weil, in particolare allo scritto A proposito del Pater. «Padre nostro che sei nei cieli» Egli è nostro Padre; non c’è nulla in noi di reale che non proceda da lui. Noi gli apparteniamo. Egli ci ama, perché se stesso e noi siamo cosa sua. Ma è il Padre che è nei cieli. Non altrove. Se noi crediamo di avere un padre quaggiù non è lui, ma un falso dio. Non possiamo fare un solo passo verso di lui: non si cammina verticalmente. Possiamo dirigere verso di lui soltanto il nostro sguardo. Non dobbiamo cercarlo, dobbiamo soltanto mutare la direzione dello sguardo. Tocca a lui cercarci. Dobbiamo essere felici di sapere che egli è infinitamente fuori dalla nostra portata. Abbiamo così la certezza che il male in noi, anche se sommerge tutto il nostro essere, non contamina in alcun modo la purezza, la felicità, la perfezione di Dio. Pater di Adriana Follieri, trampolino di lancio, gioco di evoluzione e immersione  La lettura condivisa delle parole di Simone Weil, ha dato il via alla ricerca di una originale traduzione scenica, fino a giungere a una drammaturgia scarna, essenziale. Un lavoro collettivo fatto di gesti, parole, lamenti, e soprattutto musica e colori. Notevole l’accompagnamento musicale di Pasquale Termini (violoncello) e Francesca Diletta Iavarone (flauto traverso). In un tempo dove è l’individualismo a vincere tutte le sfide, conclude la Follieri, abbiamo tentato di concederci lo spazio e il tempo della cooperazione.  [Fonte immagine: http://terredicampania.it/eventi/pater-teatro-nuovo-napoli/16/12/2019/]        

Capelli e occhi neri. Classe ’84 e quella veracità che solo il DNA di un napoletano conosce. Tra il viavai del centro e il profumo di una nota pasticceria di Napoli, Eroica Fenice intervista la bellissima Daniela Ioia. Daniela, tu hai iniziato con il teatro, vero? Si, il teatro è il mio primo amore. Ho iniziato a 15 anni interpretando Pupella in Miseria e nobiltà, tutti passano per Miseria e nobiltà. In compagnia c’erano Umberto Bellissimo, Corrado Taranto, Gina Perna, Fabio Brescia. Ho iniziato un po’ per caso, mi sono formata da autodidatta, ma, ti dirò, il non avere un’impostazione accademica, a volte, può essere un vantaggio… In questo momento sei in giro, nei teatri, con Mamma mà. Come nasce la tua collaborazione con Massimo Andrei?  Mamma mà nasce tre anni fa: avevo voglia di mettermi alla prova in qualcosa, da sola. A Roma conobbi Massimo Andrei che dopo qualche mese mi propose una bozza dello spettacolo. Affidai a Gennaro Silvestro la regia e ho debuttato al Teatro Testaccio, poi, ironia della sorte, è arrivata la notizia della maternità. Ti identifichi in qualcuna di queste donne che interpreti? O comunque, quale di queste senti più vicina a te?  Mi divertono tutte e tre allo stesso modo. La seconda è quella più verace, abbiamo riferimenti quotidiani a quel personaggio. Anche la terza donna mi diverte tanto, ha una tecnica differente. Anche se non sembra, è uno spettacolo molto tecnico. Richiede grande padronanza del linguaggio, ognuna ha sfumature e atteggiamenti diversi. Faccio tutto io anche dal punto di vista produttivo, dal contatto con i teatri al tecnico delle luci. In che modo l’essere madre ha cambiato il tuo lavoro? La presenza di un figlio ti stravolge, ti stravolge già dal giorno in cui scopri che diventerai madre. Poi il tuo corpo cambia, ti vedi diversa. Quando arriva ritorni ad essere quella che eri, senza però più esserlo. Ho voluto ricominciare subito a lavorare: dopo poco più di un mese dall’arrivo di Jacopo ero a Venezia, al Festival del Cinema. Ho voluto farlo perché ero ferma da troppo, non sentivo più il contatto con me stessa. Avevo bisogno di ritrovarmi, riconoscermi.  E, inevitabilmente, ci ritroviamo a parlare di Jacopo, un bimbo fortunato, fortunatissimo, che ritrovandosi due genitori che hanno fatto della recitazione la loro vita, già respira l’aria dei teatri, anzi, già ha debuttato con Nartea, associazione culturale napoletana che fa visite drammatizzate della città. Un destino già scritto? Chi lo sa… Ti vedi più in un ruolo comico o drammatico? Non saprei rispondere. Recitare mi piace nella sua totalità. Ovviamente il comico diverte e ti diverte di più; in più la reazione del pubblico, la risata, è immediata, a differenza del drammatico che arriva più lentamente. Sono entrambi complicati, forse il comico un po’ di più, richiede qualcosa di innato che non puoi acquisire con lo studio. Devi essere un po’ macchietta e io sono una macchietta nata.  E come darle torto! La simpatia e il carisma di Daniela Ioia sono decisamente un valore aggiunto alla […]

Amiamo la perfezione, perché non la possiamo avere; la rifiuteremmo se ce l’avessimo. Il perfetto è il disumano, perché l’umano è imperfetto. Fernando Pessoa Look like, in scena il 19 e 20 novembre al Piccolo Bellini di Napoli. Un lavoro nato all’interno del percorso triennale Bellini Teatro Factory, frutto della sinergia tra Francesco Ferrara, allievo drammaturgo e Salvatore Cutrì, allievo attore e regista, ai quali si aggiungono gli attori Chiara Celotto, Rosita Chiodero, Manuel Severino, Simone Mazzella, Salvatore Cutrì.  In una società perversa in cui conta più l’apparire rispetto all’essere o meglio, in cui l’essere coincide con l’apparire; in una società fatta di icone e modelli, un mondo preconfezionato in cui esistono regole e format che ci inquadrano in un target o in un altro, estremamente attuale e pungente risulta la pièce Look Like.  Un lavoro che porta in scena la fragile identità degli adolescenti che cercano loro stessi divincolandosi nella giungla dei messaggi che sottolineano la spasmodica importanza dell’apparire. Chiara è un’adolescente che vuole essere bella. Ma non bella come tutte le altre ragazze, vuole essere perfetta, di quella perfezione che conduce al successo. Look like, ossessiva e spasmodica ricerca della perfezione Chiara vuole essere perfetta, dimenticandosi che la perfezione, per fortuna, non esiste. Dimenticandosi che è dalle crepe che entra la luce, come diceva Cohen. È dall’imperfezione che nascono cose imprevedibili e fantastiche. È l’imperfezione che ci rende unici.  La protagonista di Look Like attraversa il mondo sentendosi perennemente osservata, scansionata e, dunque, rappresentata, dagli occhi di chi incontra. Per questo decide di sottoporsi a un intervento di chirurgia estetica. Ma dopo? Cosa resta di Chiara e dei suoi diciotto anni?  Così dice Salvatore Cutrì: «Ho deciso di stremare i corpi, di sfinirli, sfiancarli, sottoponendoli a movimenti sempre uguali, ripetitivi, monotoni e meccanici, per renderli ancor di più oggetti di una catena di montaggio dell’apparire, prodotti di una fabbrica dell’immagine in cui si confeziona merce sempre più vicina al gusto comune. Soffocati, come avvolti da un telo di nylon, messi sotto vuoto, implodiamo ogni giorno, coloriamo, insicuri, incerti, dubbiosi su ciò che siamo e su ciò che appare di noi al mondo, un mondo confessato tutto nello sguardo dell’altro, degli altri. LOOK. Guardare. LIKE. Piacere. Imperativi del nostro tempo. L’unica scelta che ci rimane è decidere se affrontarli con gioia o con dolore. Nient’altro.»  Look Like è il terzo dei quattro spettacoli, TAKE FOUR (Le Supplici, Certe vite, Look like, Il tempo orizzontale), proposti, dal 12 al 24 novembre, dalla Bellini Teatro Factory, rivisitazione in chiave contemporanea dell’Accademia di recitazione del Teatro Bellini, che dal 1988 ha formato artisti che oggi calcano le scene dei più importanti teatri del Paese. Interessante ed estremamente attuale la tematica proposta, interessante il potenziale dei giovani attori.

Novembre, in un pomeriggio uggioso e una Napoli che non sa reagire alla pioggia, Eroica Fenice incontra Sergio Del Prete, giovane attore napoletano. Pantaloni grigi, maglietta bianca e una semplicità disarmante. Facile entrare in sintonia con lui, complice un caffè, come la tradizione napoletana impone. Fare l’attore è una scelta professionale o una scelta di vita? Sicuramente una scelta di vita, la scelta di un tipo di vita. Inizi, paradossalmente, in nome di un sano egoismo, facendo cose che ti danno una certa soddisfazione emotiva, ma fare l’attore è, deve essere, un lavoro di altruismo, di generosità verso quel pubblico spesso sottovalutato. Sposare questo tipo di vita inevitabilmente ti condiziona nelle scelte umane, nei rapporti personali. Il non avere programmi rende complicato affrontare l’ordinarietà.  Quando hai capito che “dovevi” fare questo? L’ho capito quando ho provato a fare altro ma la mente correva sempre al teatro. Ho iniziato, per caso, in un laboratorio teatrale a scuola. Poi nel periodo dell’Università, dove mi iscrissi forse erroneamente, più provavo a immaginarmi in altri contesti, più il mio bisogno di vita emotivo, sentimentale, mi trascinava sul palcoscenico, su quelle tavole dove ho trovato la mia forma quando non avevo ancora un’idea ben chiara di chi, cosa fossi. È lì che ho trovato me stesso, il mio posto nel mondo. Una malattia da cui, per fortuna, non sono più guarito.  E nel sorriso dei suoi occhi mentre descrive cosa prova quando si apre il sipario, che forse, come lui dice, nun se po’ capì, si legge un amore viscerale, prepotente, quasi contagioso.  Qual è il primo ruolo che hai interpretato? Quanto sei cambiato da allora? Ho iniziato vestendo i panni di Gennarino, un personaggio di De Filippo, avevo sedici anni. Fino a un attimo prima che si aprisse il sipario, non ero assolutamente consapevole di cosa stessi per fare, la prima battuta mi ha risucchiato in un vortice emotivo. A sedici anni la carica emotiva era molto forte, recitare significava per me uscire allo scoperto. Intanto sono cresciuto, cambiato, sono diventato consapevole: l’attore non deve emozionarsi, deve emozionare. Non nego che la scarica elettrica c’è sempre, ma l’emozione ha un’altra direzione: è di chi ti sta di fronte, non tua. Tra i ruoli che hai interpretato, c’è un personaggio che ti è rimasto sulla pelle? Che in qualche modo ti ha segnato?  Sicuramente il personaggio di uno spettacolo al quale sono particolarmente legato, di cui ho curato anche la regia insieme a Roberto Solofria: Chiromantica ode telefonica agli abbandonati amori. Un travestito che affronta un percorso quasi onirico tra personaggi che vivono nel sottosuolo. Mi ha segnato, perché ha determinato la mia personale visione del teatro, che deve essere, a mio avviso, essenziale. L’essenzialità appartiene al mio modo di vivere, di essere. Questo spettacolo ha cambiato, o meglio, ha valorizzato alcune parti di me, la mia sensibilità, cosa inevitabile quando ti trovi a scandagliare personaggi di questo tipo, messi a nudo nel loro essere persone più che personaggi. Simboli in cui ognuno può trovare qualcosa di sé, che rendono […]

Il tempo è veleno | Recensione teatrale Dopo il Napoli Teatro Festival, presentata da Teatri Uniti e Fondazione Campania dei Festival, torna al Teatro Nuovo di Napoli, Il tempo è veleno, di Tony Laudadio, regia di Francesco Saponaro, in scena dal 6 novembre fino a domenica 10. Cosa accadrebbe se ci trovassimo nella stessa stanza con il nostro passato e il nostro futuro? Se d’un tratto la linea del tempo si piegasse su se stessa? E proprio ciò che accade in una Napoli degli anni ’70, in un interno che affaccia sul golfo e sul Vesuvio. Scenografia scarna, una tenda, un tavolo e bianche cornici di porte attraversate da Paco, Bianca e le loro due figlie. Protagonisti di una vicenda familiare che innesca una riflessione sul tempo che, forse, non conosce perdono, che sedimenta e torna, in un modo o nell’altro, a chiedere il conto. Sessant’anni di vita in un’ora e mezza. Sessant’anni di vita in un salone, teatro di perbenismo, menzogne, affetti, tradimenti, illusioni, disillusioni, abbandoni, dolori, ma che affaccia sul rassicurante golfo, con vista su mare. Vincente la sovrapposizione di diversi momenti temporali, la presenza nella stessa stanza di personaggi, del loro prima, del loro dopo. Camminano vicini, si incrociano, si parlano pur non sentendosi, si guardano pur non vedendosi, come fantasmi. Inevitabile non trovare in questo gioco di doppi, di specchi, di rimandi, una metafora della città di Napoli, che vive da sempre popolata dai suoi fantasmi, che in ogni sua strada, palazzo, sampietrino rivela le facce di tante epoche che l’hanno attraversata e che continueranno a farlo.  Il tempo è veleno, commedia dolce e amara  Di solito il tempo lenisce il dolore, si legge sulle note di regia, qui, invece, il tempo alimenta l’angoscia di cui si servono i ricordi, i sensi di colpa e le paure. Improvvisi turbamenti costringono i personaggi di questa commedia a ripensamenti e incertezze, a gesti di stupidità quotidiana che dietro l’illusione trasgressiva del gioco nascondono un’essenza di morte. E non c’è scampo, non c’è antidoto, non c’è redenzione, perché il tempo precipita lentamente nelle nostre vite come una goccia di inesorabile veleno. Il tempo è veleno  di e con Tony Laudadio, Teresa Saponangelo, Eva Cambiale, Andrea Renzi, Angela Fontana, Lucienne Perreca regia Francesco Saponaro Fonte immagine: https://www.facebook.com/concerteria.it/photos/gm.549464415787107/3088639761152295/?type=3&theater