Partita ieri, 5 novembre, al Pan, il Palazzo delle Arti Napoli, in Via dei Mille 60, la sedicesima edizione di accordi @ DISACCORDI, Festival Internazionale del Cortometraggio. Una rassegna gratuita che apre le porte a un viaggio alla scoperta della produzione cinematografica di durata breve.  Dal 5 al 9 novembre gareggeranno ottantasei cortometraggi e documentari selezionati. La giuria è presieduta da Guido Lombardi, vincitore del Leone del Futuro alla Mostra del Cinema di Venezia 2011, affiancato dal cantautore Nero Nelson, due volte premio David di Donatello, e dal regista Marcello Sannino. Il Festival, che vede la direzione artistica di Pietro Piazzamento e Fabio Gargano, presenta in gara quest’anno opere sul tema dell’ambiente, della sostenibilità ambientale e dei cambiamenti climatici e, in un’altra sezione, il rapporto tra cinema breve e migranti. Tutte le opere saranno proiettate, con accesso gratuito, al PAN, nella Sala Di Stefano e allo SMMAVE, Centro per l’Arte Contemporanea in Via dei Virgini 1. accordi @ DISACCORDI Festival Internazionale del Cortometraggio QUESTO IL PROGRAMMA DI MARTEDI 5 NOVEMBRE 2019 ore 17.00 – 19.30 PAN L’EREDITÀ – (Italia, 2019, 14’55” durata) – di Raffaele Ceriello con Massimiliano Rossi, Lucianna De Falco, Laura Borrelli, Gianni Sallustro, Nicla Tirozzi ALEKSIA – (Italia, 2018, 17’16” durata) – di Loris Di Pasquale con Maria Aliev, Karina Arutyunyan, Loris Di Pasquale, Pietro Bontempo, Lucia Rea IN HER SHOES – (Italia, 2019, 19’16” durata) – di Maria Iovine con Gabriele Sangrigoli PIZZA BOY – (Italia, 2019, 15’00” durata) – di Gianluca Zonta con Roberto Herlitzka, Giga Imedadze, Marita Iukuridze, Danilo De Summa, Cristiana Raggi LA RECITA – (Italia, 2017, 15’14” durata) – di Guido Lombardi con Myriam Kere, Grazia Nota, Fèlicitè Mbezele, Mariano Coletti, Valentina Curatoli, Pina Di Gennaro – 74.ma Mostra Internazionale d’Arte Cinematografica (Venezia) / 74h Venice Film Festival – Premio MigrArti 2017 SUFFICIENTE – (Italia, 2019, 8’37” durata) – di Maddalena Stornaiuolo, Antonio Ruocco, con Alessio Conte, Agostino Chiummariello, Pina Di Gennaro – 76.ma Mostra Internazionale d’Arte Cinematografica (Venezia) / 76th Venice Film Festival –Official Selection – Giornate degli Autori / Venice days BREAK – (Cina, 2018, 2’45” durata) di Riccardo Pavone – Animazione CLOSE – (Germania, 2019, 2’33” durata) di Stephanie Fischer, Bastian Brunke con Christine Göb-Kipp, Christian Schmidt,Henri Kipp THE OPEN DOOR – (India, 2019, 0’26” durata) di Suraj Pattanayak PRIMER CUENTO – (Argentina, 2018, 2’48” durata) di Mercedes Arturo con Mariana Gagliano L’evento continuerà fino al 9 Novembre, serata che si chiuderà con la proiezione dei cortometraggi vincitori e consegna, alla presenza dei giurati, dei premi come miglior cortometraggio, miglior cortometraggio campano, best international short film, migliore regia, miglior attore, miglior attrice, miglior documentario, premio del pubblico.  Qui il programma completo. Immagine: Comune di Napoli

Le cinque rose di Jennifer di Annibale Ruccello, in scena al Teatro Bellini dal 25 ottobre al 10 novembre, regia di Gabriele Russo Napoli, anni ’80. Un appartamento angusto. Indumenti femminili sparsi un po’ ovunque, un tavolo ingombro dei resti di una cena, un vaso con delle rose appassite, un divano sfatto, trucchi e rotocalchi, una radio e un telefono, azzurro.  Pronto…Pronto…Pronto?! Mannaggia, hanno riattaccato! Chist’era sicuramente Franco, ovvì!…E mo’ chi ‘o ssappe se telefona nata vota… Chi non ha mai conosciuto l’impietosa attesa di una telefonata che non arriva? Quell’attesa la conosce molto bene Jennifer (Daniele Russo), un travestito, che tuttavia compare sulla scena vestendo abiti maschili, appeso al filo della cornetta e a quelle interferenzie che proprio non la vogliono finire di separarlo da Franco, il suo amore. Jennifer vive in un monolocale reso sulla scena come uno spazio circolare, un’isola, quasi a riprodurre il conformismo piccolo-borghese che considerava lei e quelli come lei un confine negativo oltre il quale non era bene spingersi. Da subito si evince un rapporto problematico con il mondo esterno desiderato, eppure temuto, che penetra in casa soltanto attraverso la radio e il telefono. Quel telefono che se per la donna di Cocteau era un’arma, uno scudo con cui difendersi, un coltello con cui ferire, per la Jennifer di Ruccello è un tramite. È l’illusione di una comunicazione impossibile, di un interlocutore al quale aggrapparsi per non cadere nel buio, nel vuoto, in quel senso di inutilità e solitudine che è capace di uccidere più dell’amore. Le cinque rose di Jennifer, universo di figure “deportate” Nell’annientarsi in un’attesa che non sarà soddisfatta, i gesti quotidiani di Jennifer, divisi tra la sua natura di uomo e la sua verità di donna, diventano spasmodici e il suo linguaggio diventa afasia in cui le pause e le movenze acquistano una potenza comunicativa pari, se non maggiore, alle sue battute. Potenza resa sulla scena da una una figura sospesa tra sogno e realtà (Sergio Del Prete), una presenza costante che incanta e atterrisce, ombra sottile e leggera, che dà espressione e forma alla fragilità intrisa di dolore di Jennifer. Ombra sottile e pesante che si trascina in un cadenzato finale passo tacco-piedescalzo, quasi una danza di morte, foriera del drammatico epilogo. Morte evocata, fin dall’inizio, dalla voce della radio che annuncia ripetutamente di un serial-killer di femminielli che firma i suoi crimini con cinque rose rosse.   Mentre Radio Cuore Libero, attraverso un continuo dialogo tra musica e vita, trasmette canzonette di Mina, Patty Pravo e Ornellina Vanoni, in quella stanza disordinata, in cui trionfa il gusto per il kitsch, quasi un’estensione mentale di Jennifer, campo di battaglia dei suoi tormenti interiori, il suo costante desiderio di fuga dalla realtà si concretizza ancora nel miraggio di un corpo altro da sé, Anna (Sergio Del Prete), un  travestito della zona. Le due intavolano un dialogo surreale, fatto di testimoni di Geova, mestruazioni e figli, che rende ancora più evidente lo stato di isolamento e di incomunicabilità. Anna si difende dalla […]

Notturno di donna con ospiti, lo spettacolo Un uomo, alla vigilia dei suoi cinquant’anni, con davanti una torta e una candelina da spegnere. Allo spegnersi delle candeline si accendono i suoi sogni e così l’uomo diventa Adriana, e così le sue labbra si tingono di rosso e l’azzurro della camicia è interrotto dalle perle rosa di una collana. Adriana è sposata con Michele, un metronotte con cui condivide la sua grigia esistenza in una casa a un’ora dal centro. Con cui condivide due figli, presenza evanescente evocata per aneddoti ripetuti quasi come un mantra: “Soltanto che sto un poco preoccupata per Alfredino…oggi teneva un poco di tosse…” Arriva la notte e Adriana, con le sue pantofole fucsia, si aggrappa a canzonette trasmesse per radio e sceneggiati televisivi, uniche ancore per salvarsi dalla monotonia di giornate ripetitive, eppure, proprio per questo, forse rassicuranti. Rassicuranti, eppure, proprio per questo asfissianti. La telefonata con ‘mammà’, la cena da preparare e pure quella tosse di Alfredino, che si sa, i bambini fanno così, corrono, sudano, cadono malati, ma poi tanto passa… Allo spegnersi delle candeline quei sogni che si erano accesi diventano incubi, la profonda solitudine di Adriana, caratteristica dei personaggi di Annibale Ruccello, è violentata da una moltitudine di persecutori, generati della sua stessa mente: l’amica di banco Rosanna, il suo primo amore Sandro, il marito, il padre, la madre, i rimpianti, i rimorsi, i sensi di colpa e quel passato che pesa come una zavorra. Tutti invitati alla stessa festa: il cinquantesimo compleanno di Adriana.  Inizia al Bellini il ciclo su Annibale Ruccello L’allestimento, in scena al Piccolo Bellini di Napoli dal 22 ottobre al 3 novembre, rappresenta uno studio realizzato dal regista Mario Scandale, su una versione non definitiva del testo Notturno di donna con ospiti di Annibale Ruccello. Una versione più onirica in cui molto labile è il confine tra sogno e realtà, tra realtà e immaginazione. Adriana non è un personaggio reale, ma un sogno e il nodo tematico centrale dei figli diventa presenza fantasmatica, emblema della nostalgia di una maternità negata e  la loro uccisione diventa impossibile in quanto essi esistono solo nella mente di un personaggio irrisolto, un uomo disperato, magistralmente interpretato da Arturo Cirillo. Un drammatico viaggio psicologico durato una notte, una festa popolata da personaggi esasperati nei modi e nei costumi, uno spettacolo che commuove, spiazza, turba, disorienta, aprendosi a molteplici forme e interpretazioni.   Notturno di donna con ospiti, studio sulla versione del 1982 di Annibale Ruccello regia Mario Scandale con Arturo Cirillo e con gli allievi diplomati dell’Accademia Massimiliano Aceti, Giulia Trippetta, Giacomo Vigentini, Giulia Gallone, Simone Borrelli Voce padre Giovanni Ludeno Voce madre Antonella Romano   Fonte immagine: https://www.teatrodellapergola.com/evento/notturno-donna-ospiti/

Venerdì, 27 settembre 2019, la galleria per le arti contemporanee Intragallery, ha inaugurato la stagione espositiva 2019/2020 con la mostra personale La stanza del tempo dell’artista canadese Fiona Annis. La mostra, visitabile fino al 6 novembre, è accompagnata da un testo critico di Alessandra Troncone. Nel greco antico, il verbo sapere è derivato dalla radice del verbo vedere (ὁράω) nella sua forma dell’aoristo, quindi al passato. Dunque “ho visto” (οἶδα) corrisponde a “io so“, un’equivalenza che si basa su una consecutio temporale: “so” come conseguenza del fatto che “ho visto”, a dimostrazione del fatto che la conoscenza richiede un imprescindibile momento empirico, e che rende serrata la relazione tra il sapere e il vedere. Non è un caso che gran parte delle innovazioni inventate dall’uomo si siano fondate proprio su strategia di potenziamento della vista con l’obiettivo di poter sapere di più, in particolare guardando all’infinitamente piccolo e l’infinitamente grande, che altrimenti sarebbero rimaste entità sconosciute. Fiona Annis, nel suo precedente soggiorno a Napoli, ha lavorato alla collezione del MuSA – Museo degli Strumenti Astronomici di Capodimonte, raccolta di strumenti che documentano la ricerca astronomica svolta presso l’Osservatorio di Napoli. Una raccolta di oggetti, stampe e disegni che accompagnano il visitatore alla scoperta delle più straordinarie intuizioni e invenzioni, mosse dal desiderio di abbracciare l’universo con lo sguardo e di trovare, proprio lì dove lo sguardo si perde, le risposte a ciò che accade nel nostro piccolo quotidiano. Fiona Annis si è avvicinata a questi preziosi dispositivi interrogandosi sul contesto mussale, quale luogo di preservazione della storia materiale, e sulla relazione tra il sapere e l’infinito, due concetti in apparente tensione laddove “conoscere” vuol appunto dire, definire, circoscrivere, incasellare e misurare, dotandosi dei giusti strumenti. Un’ambizione profondamente umana che si traduce in parametri di convenzione, a partire dalla scansione del tempo. Ed è proprio La stanza del tempo il titolo della mostra di Annis ospitata da Intragallery, in riferimento a quella stanza speciale presente in passato in molti osservatori astronomici, dove gli orologi sono accuratamente calibrati per mantenere il tempo e conservare uno standard condivisibile. “Ricorrendo a un uno inaspettato – e per certi versi improprio- della fotografia, Fiona Annis ha sottoposto gli oggetti della collezione mussale, quali telescopi celestiali, cannocchiali, globi, specchi, pendoli, a un rovesciamento di prospettiva, trasformandoli da strumenti di ricerca in oggetti di studio. Lo ha fatto puntando l’obiettivo su di loro, per ottenerne un’immagine. Ma ha importato la messa a fuoco scegliendo l’opzione “infinito”, con il risultato di perdere completamente i contorni dell’immagine, cercando il fuoco lontano, ben al di là degli oggetti stessi, e quindi in un luogo non visibile. Proiettando idealmente quegli stessi oggetti nelle galassie di cui dovrebbero restituirci la visione“. Fonte fotografia: https://www.rivistasegno.eu/events/fiona-annis-la-stanza-del-tempo/

Fino a dove ti puoi spingere per custodire un segreto? E fino a dove, per svelarlo? Sabato, 21 settembre, nella cornice atemporale e onirica del Maschio Angioino, è andato in scena lo spettacolo I Guardiani, inaugurando la rassegna ZùNapoli, organizzata e diretta da Inbilico Teatro & Film, con il patrocinio dell’Assessorato alla Cultura del Comune di Napoli. Quattro giorni di teatro, musica, cinema e incontri al Maschio Angioino e al Chiostro di San Domenico Maggiore, nell’ambito di Estate a Napoli 2019. Due suggestive location, quattro titoli e un unico filo conduttore: i mille volti della città di Napoli e le contraddizioni tutte che caratterizzano il capoluogo partenopeo. I guardiani, nuova sfida di Maurizio De Giovanni Nella pièce, tratta dall’omonima opera di Maurizio De Giovanni, quattro personaggi coinvolti in una catena di reati e strani eventi, sorprendendosi di far parte di un disegno che potrebbe coinvolgere l’intera umanità.  Ci sono solo tre luoghi: il qui, il sotto e il sopra. Napoli non è una città come le altre. Napoli non è neppure una città sola, perché, sotto quella che conosciamo ne esiste una sotterranea, nascosta agli occhi del mondo, con il buio al posto della luce. Marco Di Giacomo l’aveva intuito, un tempo, quando era un brillante antropologo, e aveva un talento unico nell’individuare collegamenti invisibili tra le cose. Poi, qualcosa non ha funzionato, ad appena quarant’anni, non è altro che un professore universitario collerico e introverso, con un solo amico, il suo impacciato, ma utilissimo assistente Brazo Moscati. Insieme a Ingrid, una giornalista tedesca venuta in Italia per scrivere un pezzo sensazionalistico sui luoghi simbolo dell’esoterismo, e a sua nipote Lisi, ricercatrice anche più geniale dello zio ma con una preoccupante passione per le teorie complottiste, s’imbattono in qualcosa di terribile che emerge nell’oscurità delle gallerie napoletane: cadaveri, segnali strani che conducono ad un passato mai emerso. Una verità che, forse avevamo da sempre e non abbiamo mai voluto vedere. Una avvincente vicenda i cui protagonisti si avventurano in un contesto più grande di loro, lottano contro l’intransigenza della gente e contro la cecità di chi li circonda. Complice nella riuscita la centralità di Napoli, città magica che già da sola sa creare atmosfere misteriose, abile a racchiudere il silenzio nei suoi meandri meno popolati. I guardiani   con Fulvio Sacco, Raffaele Parisi, Ramona Tripodi, Adriana D’Agostino Valeria Frallicciardi, Valentina Spagna adattamento e regia Ramona Tripodi In video e voce Maurizio de Giovanni, Raffaele Ausiello, Luciano Roffi, Letizia Vicidomini musiche originali e sonorizzazione live Marco Messina

Ogni realtà è un inganno.  Luigi Pirandello, Uno, nessuno e centomila con Paolo Cresta nel ruolo di Vitangelo Moscarda. L’interno di un cortile e una seduta essenziale debolmente illuminata. Un uomo seduto, dai piedi scalzi. Sta in silenzio, ma lo si riconosce subito, è lui, Vitangelo Moscarda, figlio della meravigliosa penna di Luigi Pirandello (1867-1936), siciliano di nascita, italiano d’adozione. È lui, il protagonista del celebre Uno, nessuno e centomila, romanzo prepotente, che illumina il lettore, gettando buio sulle sue certezze, facendolo sprofondare nel baratro del suo positivismo. È un naso, sì, un naso pendente che crea uno strappo nel cielo di carta, che sveglia Gengè, così lo chiama la moglie Dida, dal sonno rassicurante delle sue convinzioni. Lui, che non sapeva di avere un naso pendente, a destra, viene risucchiato da un vortice di domande: Chi era? Come lo vedevano gli altri? Mi si fissò il pensiero ch’io ero per gli altri quel che finora, dentro di me, m’ero figurato d’essere. Ma chi è Vitangelo Moscarda, interpretato con maestria, fascino e smisurato talento da Paolo Cresta? Non mi conoscevo affatto, non avevo per me alcuna mia realtà propria, ero in uno stato come di illusione continua, quasi fluido, malleabile; mi conoscevano gli altri, ciascuno a suo modo, secondo la realtà che m’avevano data; cioè vedevano in me ciascuno un Moscarda che non ero io non essendo io propriamente nessuno per me: tanti Moscarda quanti essi erano.  Un uomo consapevole della molteplicità del suo sentire, eppure costretto in una forma, una maschera, che soffoca la vita. Un uomo in continua balia del desiderio di essere libero, senza una forma, e la consapevolezza che una vita senza forma non può essere vissuta, come Mattia Pascal, il povero bibliotecario di Miragno insegna. Uno, nessuno e centomila forme, quelle forme che con sadica voluttà inizia a distruggere, inanellando una serie di iniziative che stravolgeranno la sua vita, fino ad alienare le sue ricchezze nella costruzione di un ospizio per mendicanti, dove finisce anch’egli, uno dei tanti, con berretto, zoccoli e camiciotto turchino.  Vitangelo Moscarda potrebbe essere ognuno di noi, che, all’improvviso, scopre di non essere quello che  in realtà crede. Non una perdita d’identità, ma, al contrario, una violenta presa di coscienza, quel demone maligno che sa essere la riflessione, che smonta le immagini per cercare di capire come sono fatte e cosa c’è dietro di esse.  Ieri, 27 luglio (ma anche stasera e domani), nel Real Orto Botanico di Napoli, per la rassegna Brividi d’estate 2019, si è dipanato il turbinio delirante di Gengè, e, inevitabilmente, ognuno seduto lì, ipnotizzato e risucchiato da quel fiume in piena di parole, da quel flusso di coscienza straripante, è stato contagiato così da tanto da quella follia delirante da uscirne sano, ubriaco della genialità pirandelliana, che costringe a mettersi a nudo e riconoscersi in ogni tormento e sgomento pronunciato. Parola per parola. 

Il Principe e la Luna di Mario Autore: il ritorno della compagnia Teatro in Fabula al Napoli Teatro Festival. “Se tu vieni, per esempio, tutti i pomeriggi, alle quattro, dalle tre io comincerò ad essere felice. Col passare dell’ora aumenterà la mia felicità. Quando saranno le quattro, incomincerò ad agitarmi e ad inquietarmi; scoprirò il prezzo della felicità”. Il piccolo principe, Antoine de Saint-Exupéry Per il Napoli Teatro Festival Italia 2019, Teatro in Fabula ha presentato alla Galleria Toledo Il Principe e la Luna, uno spettacolo con Giuseppe Cerrone e Melissa Di Genova. Il progetto, le musiche originali e la regia a cura di Mario Autore, i costumi e gli elementi scenici di Federica Pirone. Protagonista del racconto è Louìs, che trascorre il suo tempo nel testardo tentativo di raggiungere la luna. Puntualmente fallisce, ma la sua aspirazione lo induce a ritentare ogni volta. L’incontro con una ragazzina di nome Lea spinge lo strampalato inventore a ripercorrere la storia dei suoi tentativi.  Chi ha detto che i sogni devono restare chiusi nel cassetto? Bisognerebbe non smettere mai di realizzare i propri sogni, o almeno provarci, perché, in fondo, anche questo è un modo di sentirsi vivi. Lo sa bene Louìs, che, dando voce al bambino che è in lui, si adopera per raggiungere la luna, di cui si scopre innamorato una sera qualunque e, affrontando peripezie di ogni genere, riesce a raggiungerla.  Louìs, interpretato con estrema bravura dall’istrionico Giuseppe Cerrone, pur con un linguaggio incomprensibile, riesce attraverso la sua mimica a far arrivare al pubblico il campionario infinito dei suoi sentimenti, tanto belli, quanto semplici e incontaminati, con la complicità di una meravigliosa Melissa Di Genova, che veste i panni di Lea.  Inevitabile non pensare al Piccolo Principe e al suo sguardo sul mondo tanto profondo, quanto lontano dalla superficialità del mondo dei grandi, ciechi verso tutto ciò che davvero conta nella vita, se è vero che l’essenziale è invisibile agli occhi. Il Principe e la Luna di Mario Autore, spettacolo decisamente sui generis Il Principe e la Luna, uno spettacolo che colpisce, rapisce, stupisce, per il suo carattere estremamente poco convenzionale, per la sua scenografia dai tratti onirici, che ricorda le tinte fiabesche delle pellicole di Wes Anderson; per i suoi personaggi che sembrano usciti da un libro di storie per bambini; per la trama, che pur nella sua semplicità, si fa portavoce di un messaggio significativo: l’importanza dei sogni e della visione incantata della vita che l’età tende a portar via, perché tutti i grandi sono stati piccoli, ma pochi di essi se ne ricordano. Note dell’Autore Lo spettacolo è concepito come una forma di pantomima, in cui la componente sonora e musicale fa da drammaturgia, sostenendo ritmicamente ed emotivamente la scena.  La lingua è un grammelot arcaico, una sorta di lingua primitiva e meticcia, un pidgin infantile. La musica riprodotta, tutta originale, ripropone in forma sonora gli ambienti immaginari dei protagonisti. I riferimenti sono il cinema muto, i personaggi anomali, buffi ed alieni, i cartoni Pixar e i maestri Charlie Chaplin e Buster Keaton, il circo teatro. Il Principe e la Luna è una ricerca sul desiderio: il desiderio quale motore […]