Napoli Teatro Festival 2018. Piazza del Plebiscito, Palazzo reale, Cortile d’onore. E al centro del cortile un palco calcato dalla grinta di Dario sansone, che, con la sua chitarra alla mano, ha trascinato i suoi fan in un’ora e mezza di bella musica. In un’atmosfera regale protagonista la canzone napoletana dei Foja. I Foja, in occasione del Napoli Teatro Festival Italia, hanno, infatti, presentato uno spettacolo inedito in cui la parola e i testi in lingua napoletana sono stati l’anima della performance, messi a nudo da arrangiamenti in chiave acustica e concepiti ad hoc per la rassegna, rispettando la splendida cornice del Palazzo Reale di Napoli. La scaletta del concerto ha dato spazio, tra le altre, alle canzoni raramente proposte nei live della band, puntando alla verità delle liriche e all’essenza.  I Foja nascono nel 2006 dall’unione di quattro musicisti napoletani: Dario Sansone (autore e voce), Ennio Frongillo (chitarra), Gianni Schiattarella (batteria) e Giuliano Falcone (basso). Il nome della band lascia da subito intuire il loro spirito, la foja, in italiano foga. La foga è qualcosa che brucia dentro, una fiamma che tiene vivi, infervora l’anima. E ieri sera quella foja si è sentita proprio tutta.  Non hanno bisogno di tante presentazioni, soprattutto dopo il successo internazionale di Gatta Cenerentola, il film d’animazione tutto partenopeo impreziosito da un singolo, A chi appartieni, e la cui regia è curata anche da Dario Sansone. Sono sicuramente uno dei gruppi partenopei più amati degli ultimi anni, perché propongono una musica che arriva dritta al cuore e ben si avvicina a quella che è l’essenza della tradizione musicale napoletana. I loro album sono un caleidoscopio di racconti, un misto di narrazioni e di sentimenti con cui si sono conquistati un posto di riguardo nelle orecchie e nel cuore di moltissimi fan, non solo a Napoli ma in tutta Italia.  Foja, uno spettacolo tutto napoletano A fine serata Dario ha ringraziato il Napoli Teatro Festival, splendida rassegna che da anni si fregia del merito di avvicinare i giovani al teatro e si è rivolto poi ai suoi fan, ringraziandoli per essere stati i primi ad accaparrarsi i biglietti, in numero limitato per l’occasione. Ringraziandoli per il loro affetto e calore ha concluso dicendo: “perché quando mi hanno chiesto cosa sia il pubblico per i Foja, io ho risposto Una grande famiglia“. Buonanotte guagliù.   FOJA IN CONCERTO REALE con Dario Sansone (voce e chitarra), Giovanni Schiattarella (batteria e percussioni), Giuliano Falcone (basso e cori), Ennio Frongillo (chitarra), Luigi Scialdone (chitarra, corde e cori) audio Daniele Chessa luci Gianluca Sacco produzione Graf srl agenzia Arealive Cortile d’Onore 10 giugno ore 22.30

Una camicia a quadri, un paio di jeans e un codino. Una chitarra e una voce intima, quella di Claudio Domestico, in arte Gnut. Ieri, 23 maggio, tra il velluto rosso e i palchetti dello storico Teatro Sannazaro di Napoli, si è consumata una serata interessante, che più che un concerto, sembrava una chiacchierata tra amici. A renderlo possibile la semplicità del cantautore napoletano, che, con timidezza e simpatia, impugnando la sua chitarra, Ciaccarella, che, a occhio e croce, ha cinquant’anni, non ha soltanto cantato i suoi pezzi, ma ha raccontato cosa ci fosse dietro le parole e le note che lo hanno reso noto e tanto amato tra i giovani, e non solo. E così, ci ha fatto entrare nella sua stanza, ci ha portato sul suo letto, dal quale, mentre fuori pioveva a dirotto, è dovuto scappare perchè si stava “scrivendo sotto”. Ha raccontato tanti aneddoti, storie di vita familiare, nonni “cantanti” e nonne “manager”, amicizie. Perchè è vero che l’arte e la musica nascono così, per strada, nutrite dalla vita che ci capita, mentre nemmeno ce ne accorgiamo. Gnut, chitarra e cuore sul palco La prima parte del concerto, ha visto Gnut cantare e suonare accompagnato dalla sua band, e poi, in solitaria, nei suoi “never green”. Pezzi che raccontano la nostra generazione, sogni, speranze, delusioni. Pezzi in cui è facile scorgersi e riconoscersi, in nome di quei sentimenti semplici e universali che Claudio mette in musica, come l’amore. E proprio il parlare dell’amore ha risucchiato sul palco un ospite speciale, l’amico e poeta Alessio Sollo e la sua verve inconfondibile. A ritmo di battute e risate complici su quell’amore, che, a detta di Sollo, “se l’avessa fa nu’ poco con l’amicizia e dovrebbe imparare qualcosa da questa“, è partita la canzone L’ammore over, una delle quattro perle dell’EP Hear My Voice, nato proprio dall’incontro fortunato tra la musica di Gnut e le parole di Sollo. Ambizioso progetto registrato alla fine del 2017 in uno studio a Cevennes, in Francia. Con una timbrica che rimanda a nomi come Elliot Smith e Bon Iver, vi prendono vita sono storie d’amore, tradimenti, serenate e il fascino inconfondibile di una città come Napoli che fa da irrinunciabile scenario. Immancabile la presenza di altri nomi noti agli amanti del genere, come Andrea Tartaglia e Roberto Colella, che, uniti in un abbraccio, prima ancora che in un coro, hanno chiuso una di quelle serate che dovrebbero ripetersi più spesso, che ti fanno capire quanto di bello può fare la musica quando va oltre la musica stessa. Hear My Voice, una scommessa tutta napoletana. Sicuramente vincente.

Agli estremi confini eccoci giunti già della terra, in un deserto impervio tramite de la Scizia. Ed ora, Efesto, compier tu devi gli ordini che il padre a te commise: a queste rupi eccelse entro catene adamantine stringere quest’empio, in ceppi che non mai si frangano: ch’esso il tuo fiore, il folgorio del fuoco padre d’ogni arte, t’involò, lo diede ai mortali. Ai Celesti ora la pena paghi di questa frodolenza, e apprenda a rispettar la signoria di Giove, a desister dal troppo amor degli uomini. Il mito di Prometeo si colloca agli albori del mondo, quando Chrònos e Zeus si contendevano il regno. Sopravvissuto al diluvio mandato dagli dei per punire la tracotanza dei suoi fratelli, Prometeo è accolto da Zeus sull’Olimpo. Per volontà di questo diventa demiurgo, dando origine all’uomo dal fango, nel quale instilla la vita con il fuoco divino, soffiandoci dentro. Fatali saranno la sua generosità e compartecipazione al destino umano. Fatale sarà il furto del fuoco dall’officina di Efesto per donarlo agli uomini, come mezzo di innalzamento dalla barbarie. Si scatenerà su di lui l’ira di Zeus.  Prometeo sarà, infatti, incatenato ad una roccia ai confini del mondo, sotto la custodia di Efesto, di Kratos e Bìa. Con questa scena ha inizio la tragedia eschilea. In tutta l’opera è costante la centralità del personaggio di Prometeo, un ribelle incapace di accettare l’ordine imposto da Zeus e dalle nuove divinità. Centrale è il punto di vista del protagonista, portatore di un valore che non può non suscitare simpatia nello spettatore: la solidarietà verso gli uomini e la volontà di aiutarli a progredire facendo loro conoscere il fuoco. Prometeo, dunque, come portatore di luce e di progresso, anche a costo di sfidare la volontà di Zeus, metafora del pensiero libero, svincolato dal mito e dalle false e bugiarde mitologie. È l’eroe che insegue “virtute e canoscenza”. Il dramma del titano, dopo il grande successo riscosso durante la prima edizione della rassegna Pompeii Theatrum Mundi, torna al Teatro Mercadante, dal 4 al 15 aprile, interpretato da Luca Lazzareschi, che, nei toni sofferti della sua voce, lascia ben scorgere il dolore dell’eroe solitario che, pur mostrandosi altezzoso al cospetto dei suoi torturatori, si abbandona ai lamenti quando è solo. Emerge il suo carattere ribelle nei dialoghi con Oceano (Tonino Taiuti), con Ermes (Gigi Savoia), a suo avviso, servo di Zeus. Durate la sua prigionia, incontra anche Io (Alessandra D’Elia), alla quale profetizza un futuro di  sofferenze, ma anche di riscatto. Non saranno le catene a placare la sua indole, seppur consapevole di poter nulla contro la necessità. «Tutto quanto il futuro io conosco perfettamente fin d’ora, né mi giungerà inatteso alcun dolore. Bisogna sopportare il meglio possibile la porzione di sorte che ci è assegnata, sapendo che invincibile è la forza della necessità». Prometeo, il dramma di un eroe romantico Facile per lo spettatore identificarsi in Prometeo, trascinato nel suo dolore anche dalla voce ipnotizzante del coro (Flo), in quanto il titano, come l’uomo aspira ad un di più che non gli è concesso. Prometeo appare così […]

Gli uomini si dividono in ordinari e straordinari. Quelli ordinari devono vivere nell’obbedienza e non hanno diritto di violare la legge, perché essi, vedete un po’, sono appunto ordinari. Quelli straordinari, invece, hanno il diritto di compiere delitti d’ogni specie e di violare in tutti i modi la legge, per il semplice fatto d’essere straordinari.   Delitto e castigo Una città fantasma, San Pietroburgo, e una girandola di ubriachi, pazzi, idioti, suicidi, miserabili e lussuriosi. Uno sfondo buio e un giovane studente intento a scrivere un articolo, Rodiòn Romànovič Raskòl’nikov. Inizia così il viaggio nella vicenda e nel vortice delirante di ossessioni del personaggio uscito dalla penna di Fëdor Dostoevskij che ieri, al Teatro Bellini di Napoli, aveva le movenze e la voce di un incredibile Luigi Lo Cascio. L’uccisione di Alena Ivànovna, una vecchia usuraia, la premeditazione dell’omicidio, ma soprattutto gli effetti emotivi, fisici e mentali che ne seguono. Delitto/Castigo è un racconto tormentato della presa di coscienza della colpa. Un romanzo polifonico in cui ogni personaggio rappresenta in qualche modo un’idea, un’ossessione, un punto di vista. In cui la realtà, attraverso il racconto in terza persona, è continuamente interrotta e aggredita dalla voce interiore del protagonista. A un altrettanto incredibile Sergio Rubini sono affidate le voci degli altri personaggi. Lo vediamo in scena, con il suo eclettismo e inconfondibile carisma, ora come Marmeladov, ubriacone che beve per affogare i suoi dolori, ora come Aleksàndrovna Raskol’nikova, madre del protagonista, ora come Arkadij Ivanovič Svidrigajlov. Delitto/Castigo, a volte l’uomo è straordinariamente, appassionatamente innamorato della sofferenza Una riuscitissima lettura a due voci, che mette a nudo la natura dell’animo umano nei suoi istinti più estremi, eternamente in bilico fra Male e Bene, Giusto e Sbagliato, eternamente incerta fra il dubbio nichilistico e la fede. È evidente il conflitto interiore del protagonista che tenta di convincersi che l’omicidio della vecchia, con cui ha liberato dal giogo molti poveri creditori, non solo non è condannabile e non dovrebbe procurargli alcun pentimento, ma costituisce la dimostrazione della sua appartenenza a una categoria superiore, autorizzata a vivere e ad agire al di sopra della legge comune, perché le sue azioni, anche quelle condannate dalla morale, hanno come fine ultimo il bene collettivo. Eppure in lui affiorano i sensi di colpa e il terrore di essere scoperto e, infine, la rassegnazione di essere non un grande uomo, ma un pidocchio e, come tale, di meritare una punizione. Un conflitto che genera un contagioso stato febbrile, una scissione, uno sdoppiamento e forse la consapevolezza inconscia che Raskol’nikov rappresenta ognuno di noi, o meglio, è nascosto in ognuno di noi. Perdersi tra i capitoli di una delle più grandi opere letterarie mai scritte, accompagnati dalla maestria di due grandi attori, Lo Cascio e Rubini, giganti nel panorama attoriale italiano. Due ore in cui si susseguono parole e gesti, gesti e parole, che, a tratti, hanno connotati onirici, dove è l’arrivo improvviso di un suono, un rumore di passi, una lama di luce, un grido a rendere tutto reale.  Una chiave sensoriale con cui […]

Il sinuoso vortice della scala del Palazzo Mannajuolo e un movimento ellittico, quasi una vertigine. Un viaggio nei misteri di un delitto e nella mente tortuosa e misteriosa di una donna: Adriana (Giovanna Mezzogiorno). Un’anatomopatologa a disagio con i vivi che, una sera, per caso, incontra lo sguardo seducente e provocatore di Andrea (Alessandro Borghi) con cui vive un’intensa notte di passione in cui sogno e realtà si fondono per poi sfociare in un risveglio spaventoso e destabilizzante. Ritroverà il suo amante sul suo tavolo di lavoro. Proprio dalla morte del fugace amante parte il pretesto per raccontare una città complessa. “Ho raccontato il mio personale viaggio stordito e abbagliato dentro Napoli. L’ho fatto attraverso una donna, perché Napoli, ai miei occhi, è femmina”. Così Napoli è diventata Adriana. Promettenti le premesse di Napoli velata, opera ultima del regista stambuliota Ferzan Özpetek, uscita nelle sale il 28 dicembre 2017, distribuito da Warner Bros. Erotismo e mistero, passato e presente che si intrecciano in una storia di ossessioni, ambientata negli scorci segreti di una Napoli borghese, elegante ed esoterica. Una Napoli viscerale e superba, donna e madre, anzi matrigna che divora i suoi figli. Eppure il risultato finale non convince. Le corde sottili dell’erotismo e del mistero stridono con un eccesso visivo e acustico di ingredienti napoletani. Sanno di troppo le digressioni folkloristiche, sa di troppo poco la caratterizzazione dei personaggi. “Racconto i segreti di una città che conosce oro e polvere, una città profana e sacra allo stesso tempo. E dentro alla cornice del thriller esplode una potente storia d’amore”. Ozpetek attinge a un campionario di immagini davvero suggestivo: il chiostro del Museo di San Martino, dove si gioca alla tombola vajassa, la Cappella del Principe di San Severo, dove è esposto il Cristo velato, la scalinata della Farmacia degli Incurabili, il Museo Archeologico e i tanti vicoli di Napoli. Fotogrammi potentissimi di una città che anche da sola, priva di vivi, presunti morti e fantasmi, ha tanto da raccontare. Napoli velata, una personale interpretazione del regista turco Tante le parole che si sono spese intorno a Napoli velata. Tanta la curiosità e l’aspettativa prima. Tante le reazioni e le opinioni divergenti poi, tra gli amanti di Özpetek, pronti a difenderlo sempre e comunque e quanti storcono il naso fissando i titoli di coda di un film che, alla pretesa di addentrarsi nei misteri di Napoli, risponde con una scrittura approssimativa e abusando, forse, di troppi clichè.

La chiamavano bocca di rosa metteva l’amore, metteva l’amore. La chiamavano bocca di rosa metteva l’amore sopra ogni cosa. Dopo il loro esordio alla Galleria Toledo, tornano a Napoli i Vucciria Teatro, brillante compagnia siciliana che stavolta calca il palco del Teatro Piccolo Bellini, dal 12 al 17 dicembre, portando in scena Immacolata Concezione, nato da un’idea di Federica Carruba Toscano. Sicilia, anni ’40. Un mercato e urla da banco. Un campanaccio che sfrega sulla pelle di un corpo inaspettatamente nudo. La pelle di Concetta (Federica Carruba Toscano), figlia di un pastore che la baratta con una capra da latte. Lavata, profumata e vestita viene offerta allo sguardo e al desiderio di uomini lussuriosi. Il bordello di Donna Anna (Joele Anastasi, che ha curato anche la regia e la drammaturgia) sarà la sua nuova casa. Le regole del bordello, i suoi nuovi comandamenti. Una dimensione popolare, quasi ancestrale quella di Concetta. Concetta e la sua innocenza. Concetta e la sua purezza più eccitante di un orgasmo. Concetta e la sua incoscienza che seduce gli uomini più del suo seno prosperoso. Lei, che non sa cosa sia l’amore, lo semina. Lei, che non sa cosa significhi fare l’amore, insegna a farlo, pur restando vergine. Ma cosa avrà di tanto speciale questa nuova arrivata che tutti si contendono? Cosa farà mai a questi uomini che, in un viavai continuo, scaldano la sua alcova e la vogliono ancora e ancora e ancora? Proprio lei, una ragazza silenziosa, inconsapevole del suo corpo e ancora estranea ai piaceri dell’età adulta, riesce a dare forma ai desideri inespressi di ogni suo cliente. E anche ai suoi, in una calda sera d’estate, dove, tra musica e vino, si perde tra le braccia di Turi (Alessandro Lui), raccogliendo in un amplesso l’amore di lui, e dimenticando il decimo comandamento del bordello di Donna Anna. Da capra per scannare diventa capra da latte. Ma per le capre da latte non c’è spazio nel bordello, in quelle quattro mura in cui sembrano dissolversi gli schemi sociali e i giochi di potere. In quelle quattro mura in cui anche Don Saro (Enrico Sortino), signorotto locale, padrone di tutto e di tutti, è soggiogato dal candore di questa ragazza che finirà i suoi giorni aggiungendo vita alla vita. E che diventerà santa quando sarà davvero di tutti, di Angelo, del fruttivendolo, di Don Saro, di Padre Gioacchino (Ivano Picciallo), di Turi e di tutti quelli che la ricorderanno, inebriandosi di quell’amore che lei, nutrita di incoscienza e ignoranza, voleva insegnare. Senza voi altri io non sono niente, sono qua e vi aspetto. Senza speranza non ci resto. Voglio tramutare il male, ci voglio insegnare l’amore. E mi ficiru santa perché li ho guardati negli occhi per la prima volta. Perché gli ho detto che cu’ mia potevano piangere e potevano ridere e di nuovo piangere e arrestati uomini. U me nomi è muri. Iu sugnu Immacolata. Immacolata Concezione. Iu sugnu Immacolata. Immacolata Concezione I Vucciria Teatro, che con Immacolata Concezione sono stati tra i […]

Area metropolitana di Tolosa. Una scena spoglia. Una cattedra, banchi, sedie, una finestra. Spettatore silenzioso, un albero da frutto che impassibile assiste, anno dopo anno, alle vicende degli alunni, di questi piccoli apprendisti della vita, e alla loro vita che scorre dentro e fuori le finestre. “Una scuola di intonaco e ventisei occhi che mi guardano”. Al centro della scena, il signor Ardèche, insegnante di professione, che, come ogni anno, sa che si sentirà un pesce fuor d’acqua, lui che vorrebbe solamente insegnare ai suoi alunni la bellezza e la poesia, sa che sarà chiamato ad altri doveri. E come ogni anno, armato di pazienza, ironia e rassegnazione dovrà fare da paciere, in quel crogiolo di culture e religioni che è la sua classe, nel cuore dell’esplosiva banlieue di Les Izards, ai margini dell’area metropolitana di Tolosa. Un ruolo, quello del Professor Ardèche, che sembra cucito addosso a Fabrizio Bentivoglio, artista di rara intensità e sensibilità, tra i cui capelli, le mani, lo sguardo malinconico, ci sono gli anni ’90, il tempo dei reduci, dei disillusi, dei disorientati. Cucito così bene, che, dopo pochi minuti, non lo vediamo più, vediamo solo Ardèche, che, con un divertente monologo, intriso di cinismo, presenta la sua classe, la sesta C. Tredici alunni, un campionario umano che lui, con affetto e ironia, ribattezza con nomignoli, ogni anno sempre gli stessi: il “Panorama”, con la testa sempre tra le nuvole e il banco con vista su mondo, l’”Invisibile”, anonimo per antonomasia, il “Raffreddore”, il “Boss”, la “Missionaria”. Bambini di undici anni che popolano le sue lezioni, con i cui genitori il Professore si confronta ogni settimana, il giovedì, dalle 11 alle 12: l’ora di ricevimento. Un’ora che sa essere tanto breve, quanto interminabile. Un concentrato di tensioni e stress, contro cui non possono nulla nemmeno le tisane al tiglio. L’ora di ricevimento, storie di incontri-scontri culturali L’ora di ricevimento, nata dall’occhio attento e della straordinaria penna di Stefano Massini, racconta, come osserva Michele Placido, che ne ha curato la regia, i cambiamenti e l’evoluzione del tessuto sociale non solo italiano, ma europeo, in cui diventa naturale e necessaria la messa in discussione del modello educativo di una classe intellettuale borghese sempre più spiazzata dai cambiamenti epocali della recente storia contemporanea.  Un interessantissimo spaccato sociale, in cui ci si sente chiamati in causa, ancora di più se insegnanti lo si è nella vita reale e di fronte a quella scarna scenografia, fatta di sedie e banchi, quasi ci si sente a casa. Viene naturale farsi carico del difficile destino del Professor Ardèche, condannato a una società, a una scuola, a una classe dove sembra non ci sia più posto per la poesia, per la bellezza, sbiadite su uno sfondo dominato da scontri sociali e lotte identitarie. Dove sembra non ci sia posto se non per il disincanto e la sconfitta. “La verità è che alla fine io perdo”. Giù il sipario.   L’ora di ricevimento, in scena al Teatro Bellini, dal 7 al 12 novembre. di Stefano Massini […]