Il 2 marzo, nella splendida DAFNA Home Gallery di Danilo Ambrosino, è stata inaugurata la mostra fotografica di Ana Gloria Salvia dal titolo Signos Sinérgicos. Le opere rimarranno esposte fino al 3 aprile negli spazi della galleria in Via Santa Teresa degli Scalzi 76. Il progetto espositivo dell’artista rivendica la fotografia come scrittura, dove ogni singolo frammento dell’opera diviene parola ed enigma per il fruitore. Quest’ultimo è invitato a fare un viaggio nel mondo dei segni, dove “l‘analisi dettagliata degli elementi che compongono il ritmo nel poema rivela una matematica sottilissima, un’architettura di coincidenze perfette della quale il poeta non è cosciente.“ Ana Gloria Salvia ci pone un indovinello dove la risposta non è mai univoca. “Risposta che può nascere solo dall’anima e da una buona dose d’intelligenza“. Ana Gloria Salvia: dialogo sinergico L’artista franco-cubana, in un buon italiano, ci ha concesso una breve intervista. Come nasce questo progetto? L’idea dei “Segni Sinergici” nasce dalle mie esperienze. Ho studiato alla Sorbona di Parigi dove ho conseguito una laurea in Filologia Romanza, poi ho continuato gli studi con un dottorato in Storia. La conoscenza dell’evoluzione storica comparata delle lingue neolatine è servita anche come riflessione sul tema del rapporto del singolo-moltitudine, individuo-comunità. Qual è il valore simbolico dei “ Segni Sinergici?” Questa mostra ha un alto valore simbolico ed i “Segni Sinergici” hanno la capacità di valorizzare il tratteggio casuale; che sia un fiore, un corpo, una sagoma o una ripetizione numerica non importa. Il tutto è organizzato in una griglia ordinata, dove, in uno spazio ben definito, i soggetti instaurano fra loro un dialogo sinergico. L’ordine simbolico che si viene a creare fra i segni è il risultato della combinazione di taluni elementi con altri, offrendo all’osservatore la possibilità di soffermarsi, necessariamente, sulla totalità del processo creativo. È possibile con uno sforzo trovare una risposta univoca davanti all’enigma? Non credo proprio, “sarebbe innocente cercare una risposta univoca”. Ben augurante è immaginare che il fruitore dell’ opera, andando via, trovi le risposte nella sua anima.

Il 23 febbraio, nella splendida Galleria di Francesco Annarumma, sita a via del Parco Margherita 43, è stata inaugurata la mostra d’arte contemporanea dal titolo Junk love; sarà possibile visitarla fino al 23 Marzo. La doppia personale vede come protagonisti due giovani artisti: Anna Gramaccia e Simone Zaccagnini. La Galleria Annarumma è nota per aver preferito in passato artisti stranieri di qualità, e la scelta coraggiosa di proporre oggi due artisti italiani – Anna e Simone – è determinata dal desiderio di vincere una scommessa con un mercato ormai esterofilo. Il titolo della mostra “Junk love” è stato scelto dall’intellettuale Scott Elliot, amico di Anna e Simone; il suo pensiero, che fa da accompagnamento al testo, si trova sul retro del comunicato stampa, che va ad interpretare al meglio il sentire dei due giovani. Junk Love: arte made in Italy Francesco Annarumma, gallerista esperto, con professionalità e cordialità ci ha concesso un’intervista sulla mostra Junk love Qual è l’ idea alla base della produzione artistica di Simone e di Anna? I due artisti sono vicini sentimentalmente, ma sul piano del lavoro non potrebbero essere più lontani. Simone Zaccagnini realizza dei lavori estroflessi sia sul piano materiale – perché le sue sono delle sculture bidimensionali – sia sul piano ideale; lavori estrusi, imbottiti di gommapiuma. Le opere si risolvono in delle t-shirt colorate di marca “FuBu”, degli anni ’90, in patches, jeans vintage, espressione di una cultura americana Pop. Opere elaborate e personalizzate con maestria tese a superare i confini del tradizionale linguaggio pittorico per approdare ad una dimensione plastica di stampo industriale. Anna Gramaccia, invece, fa l’operazione inversa. I suoi lavori sono introflessi, cercando nella materia le potenzialità che la materia stessa può esprimere. L’ artista usa pochi materiali essenziali, come fogli di carta sovrapposti, che colora a pennarello. Il procedimento di lavorazione è semplice. Si parte dalla materia finita, la carta, per arrivare alla polpa di cellulosa. Pettina con lamette e taglierini il foglio di carta, che una volta sfibrata acquista un volume morbido come batuffoli di cotone. Batuffoli che, senza soluzione di continuità, ripiegati su se stessi vanno a riempire lo spazio di un’intelaiatura. Il tutto poi è fissato con uno spray plastico che dona alla superficie una granulosità, un senso di pulviscolo. Nei lavori di Anna c’ è uno scavare sotto la superficie delle cose? Il lavoro di Anna è molto introspettivo, uno scavare dentro. C’è una meditazione, un lavoro quasi da amanuense benedettino. Volendolo cercare, c’è un punto d’incontro sul piano concettuale tra i due artisti? Non credo che ci sia, ed il fatto che i due giovani si siano sottratti per ragioni di riservatezza ad un’intervista dice molto del loro carattere. Se di incontro si vuol parlare, allora il loro è stato un incontro d’anime.

Il 17 febbraio scorso è stata inaugurata, nella splendida cornice di Salotto Calabritto, la mostra di Alessandro Ciambrone a cura di Francesca Frendo e Carla Travierso. In occasione dell’opening è stato presentato il prototipo in seta “San Leucio Silk”, del quadro “Esplosioni di colori”, realizzato dalla “Silk and Beyond”. Il Salotto Calabritto ospiterà le opere dell’artista dal 17 al 21 Febbraio 2017. Quando la storia si fa ad arte, Ciambrone ci mette del suo e non perde l’occasione per rivelare, attraverso i suoi lavori, l’idea positiva che lo “straniero” ha di Napoli e dei luoghi di interesse storico. Per mano dell’artista, Partenope è trasfigurata in un carnevale di paesaggi urbani ancora intonsi. Il colore è il solo protagonista dei lavori di Alessandro, non dieci, non cento, ma mille colori, “tirati” su tela come fili di seta di San Leucio. Alessandro Ciambrone: la ricerca della bellezza Alessandro, architetto ed artista, uomo schivo di lodi ci regala una breve intervista: Quando è nata l’ idea di questa mostra? L’idea di questa mostra è nata il primo gennaio, alle nove del mattino, passeggiando sul lungomare il panorama mi ha ispirato per la realizzazione di una tela di cinque metri che voglio donare alla città, perché tutti ne possano fruire. La tua professione di architetto quanto ha influenzato la tua produzione artistica? Nel 2007 sono stato uno dei cinque vincitori al mondo della Unesco Vocation Patrimoine fellowship per un progetto sulla valorizzazione dei siti Unesco in Campania, progetto che ho sviluppato sia come dottorato di ricerca internazionale sia come docente universitario. L’idea che è alla base dell’opera nasce, quindi, dalla mia indagine scientifica che una volta divenuta applicazione è già elemento di promozione della Campania nel mondo. Qual è il futuro dell’ arte e degli artisti nell’epoca della sua riproducibilità tecnica? Come docente universitario di architettura sento la responsabilità di trasmettere ai miei allievi l’importanza del disegno a mano, prerogativa di pochi, oggi giorno. Gli studenti che usano solo il computer hanno smarrito il senso della proporzione e della dimensione, perdendo di fatto tecnicamente l’armonia e la bellezza. Il risultato anche etico è recuperabile solo con un ritorno al passato e con la ricerca della verità che è insita nell’arte. La bellezza salverà il mondo? Sì, ma solo ad un patto: “che gli uomini combattano per salvare la bellezza!”

Quando un gruppo di giovani artisti, vestendo i panni di curatori, realizzano insieme un progetto c’è la forte possibilità che venga fuori qualcosa di nuovo: &ndproject  (AND project). Benvenuti a Napoli, dove si è tenuto, il 10 febbraio scorso, “FIVE Ws”, il primo di un ciclo di cinque eventi artistici, in un appartamento storico del centro. Protagonisti dell’ opening sono quattro artisti: Antonio Maestà, Marta Orlando, Vittoria Piscitelli, Anna Sobczak. Il progetto &nd (AND), curato da Federica Romano, Fabrizio Monsellato, Nicola Piscopo e Salvatore Ricci, si basa sull’ idea di realizzare una piattaforma mobile, in spazi pubblici e privati, finalizzata alla promozione di giovani artisti. “Who?”, la prima delle “Five ws”, è una delle domande che i curatori pongono al fruitore dell’opera da promuovere, rivelando le risposte ad ognuno dei cinque incontri che saranno proposti. Attenzione nel salire le scale strette del civico 143 di Via Santa Lucia, potreste ritrovarvi a fare un salto nel futuro ed essere catapultati in un evento senza precedenti. Una doppia intervista, una al curatore e l’altra ad un’ artista ci offrono la possibilità di comprendere come da un’idea innovativa nasce un progetto vincente. AND project: identità rivelate da giovani artisti Nicola Piscopo, artista e curatore, ci svela l’ identità del progetto &nd: Quando e come nasce &nd (AND project) ? Il progetto è nato diversi mesi fa, con l’ intento di creare una rete con altri artisti e con la volontà di realizzare l’ identità di &nd attraverso un concept che segue la regola cognitiva delle “Five Ws”: “Who?”, “What?”, “When?”, “Where?”, “ Why?”, mettendo in risalto i punti critici che una ricerca comporta, analizzandoli singolarmente. Qual è il filo che lega gli artisti di questo primo ciclo? Il filo conduttore è la casa, intesa sia come luogo in cui si consumano le dinamiche familiari e identitarie del trascorrere del tempo in chiave soggettiva, attraverso l’ avvicendamento delle generazioni, sia come rifugio illusorio dal caos della città e dai rapporti economici tra gli individui. La casa diventa un unico blocco sintetizzato ed al contempo scomposto in una reazione a catena di significati politici ed esistenziali, che accoglie i mutamenti del nostro paese. L’ ospite della casa, fruitore delle opere, dove può trovare risposta alla prima domanda del ciclo di eventi per l’ appunto,Who? Le risposta è facile da trovare se si interrogano gli artisti presenti ogni sera, sulle opere da loro prodotte. Vittoria Piscitelli, artista napoletana, di rara intelligenza e di indiscutibile bellezza, ci apre con un’ intervista le porte del suo universo artistico, offrendoci la possibilità di raccogliere più di una risposta. Come sono stati scelti i tuoi lavori per &nd? (AND project) I miei lavori per questa prima collettiva sono stati scelti in quanto concepiti in un’ idea d’ intimità domestica. Le indagini iconografiche dei miei lavori o il formato, sono sempre stati una ricerca sui rapporti affettivi nella famiglia. Tra i lavori presenti in sala, tre sono di tua produzione. Oltre l’ opera cosa c’ è? Si, infatti, per anni ho lavorato con la carta realizzando collage, […]

  Al Blu di Prussia, in Via Gaetano Filangieri, è stata inaugurata, il 3 febbraio, la mostra Paesaggi Urbani disegni & dipinti di architettura a cura di Mario Pellegrino. Regina della serata è stata la gallerista milanese Antonia Jannone, che ha iniziato il suo percorso nel 1979 concentrandosi su di una espressione artistica fino a quel momento relegata nell’ambito delle professioni, l’ architettura. Ieri come oggi, a Milano come a Napoli, Antonia Jannone porta in mostra lavori di architetti del calibro di Mario Bacciocchi, Mario Botta, Piero Bottoni, Andrea Branzi, Alessandro Busci, Michele Delucchi, Vittorio Gregotti, Franco Raggi, Alessandro Mendini, Aldo Rossi, Ettore Sottsass, Velasco Vitali. Pensieri e parole, Paesaggi Urbani La gallerista che ha curato la mostra Paesaggi Urbani disegni e dipinti di architettura, donna di rara gentilezza, ci ha concesso un’ intervista: Come è nata in lei l’idea – semplice ma geniale, direi – di proporre i disegni ed i dipinti degli architetti come opere d’arte? L’ idea di una mostra non è mia, ma dell’Ordine degli architetti di Milano; il cui Vicepresidente, Franco Raggi, ha voluto riconoscermi – pur dandomi della matta incauta – il merito di essere stata la prima e per ora anche l’ unica gallerista ad essersi interessata ai disegni degli architetti come espressione di vera e propria arte. Ha voluto esaltare questa mia “specializzazione” di nicchia facendomi mostrare all’ Ordine, dove, grazie ad una carrellata lunga quanto i miei anni, ho raccolto più disegni di quelli presenti in sala. L’esperimento ha avuto successo e ho deciso, così, di riproporlo in galleria in termini di vera e propria mostra d’arte per coloro che non avevano avuto la possibilità di conoscerlo all’Ordine; infine, Mario Pellegrino – professionista adorabile, per il quale nutro una enorme stima – mi ha chiesto di portarlo a Napoli. Ho fatto una selezione delle opere raccolte negli ultimi 40 anni ed ho scelto quelle che a mio avviso sono le più interessanti. Fra esse ci sono quelle di Ettore Sottsass, di cui si festeggia quest’ anno il centenario della nascita; di Aldo Rossi, sempre “sulla cresta dell’ onda” per le sue architetture e i suoi libri, e poi i disegni di architetti famosi e seguiti nel periodo fascista. Dispongo di bellissimi disegni e dipinti ed ho voluto mostrarli Al Blu di Prussia. Bacciocchi, che è stato un grande, ha disegnato e realizzato tantissimo nella sua vita, lasciando, peraltro, dei favolosi progetti. Infine ho messo insieme le opere degli architetti più attuali. A Napoli ho voluto integrare questa mia ricerca – questa mia passione per i disegni d’architettura – con artisti che, come me, hanno subito il fascino della città. Sul piano concettuale esiste un filo conduttore che lega questi artisti? Sicuramente l’ amore per il disegno, che ogni artista ha coniugato come meglio riteneva. La sala si riempie di gente che si guarda intorno come in una affascinante città sconosciuta; Angelo Marra l’immortala nei suoi scatti facendone la folla di strade immaginarie ed alle pareti i disegni diventano parole, quelle di […]

Un uomo fugge, è febbricitante e spaventato a morte. Più volte condannato e più volte imprigionato. Assassinato, il suo cadavere viene ritrovato vicino ad una spiaggia al nord di Roma, al pari di Pasolini, sembrerebbe. Si tratta di un noto pittore morto a trentanove anni: Michelangelo Merisi, conosciuto solo come il Caravaggio. Ripercorriamo gli ultimi anni della sua breve ma straordinaria ed unica vita. Siamo a Campo Marzio, è una fresca serata di maggio del 1606. Un gruppo di giovani sta giocando a pallacorda, tra questi c’è anche il pittore. Ha una fisicità robusta, capelli neri e occhi scuri come la pece. Le sue mani sono callose e ruvide. È una testa calda, filo-francese, ed ha molti nemici nel suo ambiente, ma anche amici potenti come il cardinal del Monte. A pallacorda, quella sera, gioca anche un altro giovane, si chiama Ranuccio Tommasoni: è alto, magro e biondo. È un filo-spagnolo ed ha una passione per le donne e per le carte. I due giovani hanno qualcosa che li lega l’uno all’altro: una donna, Fillide Melandroni. Una ragazza conosciuta in tutta Roma. Il gioco si fa duro, il risentimento e la gelosia spingono Ranuccio a far fallo nel gioco al suo rivale in amore. Volano insulti e scoppia la rissa. Michelangelo ha la peggio, prende allora un coltello dallo stivale e colpisce a morte Tommasoni. La fa grossa questa volta, i suoi protettori non possono salvarlo da una condanna alla decapitazione. Deve darsi alla fuga e anche in fretta. La permanenza in città non è più possibile, si sente braccato e chiede aiuto al principe Filippo I Colonna che lo ospita nei suoi feudi laziali e poi copre la sua fuga per Napoli. Caravaggio trova un’accoglienza calorosa nell’ambiente artistico napoletano, anche la nobiltà locale è ansiosa di acquistare prestigio attraverso il possesso di un’opera di Michelangelo Merisi. È il 6 ottobre del 1606, fa ancora molto caldo a Napoli quando sette nobili di una età compresa tra i venti e i trent’anni chiedono a Caravaggio di realizzare la pala d’altare del Pio Monte della Misericordia. Una sua opera avrebbe di sicuro dato lustro alla casata dei suoi membri e prestigio all’Istituzione sorta nel 1601. Michelangelo, per la realizzazione dell’opera, viene pagato 400 ducati. Ha soldi in tasca per vivere e nuovi protettori, ma il suo sonno è disturbato dagli incubi. Lavora incessantemente alla tela: Le Sette opere della Misericordia. L’opera s’inquadra nello spirito controriformistico, in opposizione alla dottrina protestante, in quanto ricorda l’importanza delle buone azioni per la salvezza dell’anima. L’artista combina insieme i soggetti della Madonna della Misericordia e quelli delle sette opere della misericordia corporale in modo originale, non considerando le prescrizioni dello statuto del Pio Monte; come un buon regista gioca con le luci e con le ombre, con la realtà, con i personaggi che sembrano usciti da un presepio napoletano. L’opera è un autentico concentrato di genio e sregolatezza: un successo. Nell’ambiente artistico non si fa altro che parlare di lui, c’è già chi lo prende […]

Nella suggestiva cornice del Complesso Museale di Santa Maria delle Anime del Purgatorio ad Arco, la Galleria Umberto Di Marino ha presentato – giovedì 19 gennaio 2017 – l’ evento di Luca Francesconi “Senza titolo_ Anime del Purgatorio”, a cura di Marianna Agliottone. Nella storia infinita, e infinitamente ricca, della nostra città, la Chiesa di Santa Maria delle Anime del Purgatorio ha un posto speciale, che affascina soprattutto gli etnologi: il culto dei defunti, il rapporto con la morte, quello di una “celeste corrispondenza di amorosi sensi”, che a Napoli assume forme decisamente suggestive. Luca Francesconi è un artista di rara intelligenza, uomo mite ma dalla mente costantemente in viaggio. La sua formazione segue un percorso antico, che parte dall’artigianato per giungere all’arte pura. Con un’autorevolezza garbata e una voce profonda ci ha concesso un’ intervista: Come si inserisce il tuo lavoro in questo luogo sacro, pieno di richiami simbolici? Si inserisce con continuità rispetto a tutti gli altri interventi, in quanto più che un’opera d’arte è un ex voto; un intervento uguale a quello di altre migliaia di persone che prima di me e dopo di me continueranno ad omaggiare le Anime del Purgatorio. Si può affermare che l’installazione della tua opera si fonde con l’ arte sacra? Se per arte sacra si intende uno strumento per pregare non credo; se per arte sacra, invece, si intende qualcosa che sia espressione di una singola spiritualità che si apre verso gli altri allora certamente è possibile. L’arte spesso è spirituale, questo luogo sacro è un invito alla spiritualità. La tua espressione artistica è spirituale? Certamente si! Le chiavi di lettura del tuo lavoro quali sono? Quelle di qualsiasi altra opera d’ arte. All’origine dell’arte credo vi siano due soggetti: l’artista e l’osservatore. Nel momento in cui l’opera del primo determina l’interesse del secondo, si può parlare di arte. Qualsiasi gesto può essere interpretato in senso artistico. Questa nuova installazione va considerata un tentativo, più o meno consapevole, di rinsaldare la relazione tra arte e simbolo? No, perché l’ unico simbolo che in questo luogo esiste è la croce, la passione di Cristo. Tutto il resto è culto, preghiera. Quindi il tuo è un invito alla preghiera? Magari, speriamo! Alla luce di quanto detto si può dire che la tua si avvicina all’arte religiosa più che a quella sacra? Sì, credo sia un ottimo punto di vista, anche perché l’ unica cosa veramente sacra è Dio e chiunque dovesse ergersi in questo senso sbaglierebbe. A Napoli ogni evento, anche la morte, ha una promessa scritta in inchiostro indelebile che, per quanto stampata in piccolo, assicura: la storia continua.