Si è esibito domenica 12 al Kestè di Napoli il comedian romano Valerio Lundini. Con il suo spettacolo Penultima Tappa del Tour Mondiale, Lundini ha portato in scena una comicità noir e surreale fatta di scene quotidiane e luoghi comuni. Valerio Lundini, un comedian dalla risata intuitiva “A volte cerco di raccontare cose che mi sono accadute rendendole divertenti”. Valerio Lundini “gestisce” un’ora e più di spettacolo con uno stile estremamente personale. Gli episodi di vita personale, protagonisti dello show, sono narrati attraverso una naturalezza impacciata mista ad un tono lento e surreale. Lo spettatore deve addentrarsi nei tempi comici di Valerio Lundini che si esprimono con una voce volutamente imprevista. L’italiano medio è il bersaglio preferito di Valerio, il classico cittadino grottesco che si crogiola nella sua ignoranza infastidendo coloro che gli sono attorno. Nel quiz a premi Duce non Duce, un irritato presentatore prova a dialogare con Giovanni da Guidonia, un giocatore tipo che non si sforza di capire il senso del gioco a cui sta partecipando ma approfitta dei cinque minuti di notorietà che la radio gli concede per parlare della sua vita e dei suoi amici. Nell’approfondimento giornalistico di una puntata di Ted Talk, un presentatore altezzoso ci spiega quanto siano diventati dannosi per la nostra società i social network. L’uso smodato di Facebook e delle altre piattaforme vincola la vita dell’essere umano fino ad imprigionarla in una cella. L’impossibilità dell’uomo di staccarsi dalla dipendenza dai social è un allarme dal quale dobbiamo fuggire. Anche in questo pezzo comico lo stereotipo dell’utente normale è oggetto di sberleffo. Il tono serioso e sconcertato di Lundini suscita una risata indotta nello spettatore, causata principalmente da tempi scenici imprevisti. Brillante è la gag sui tabù che mortificano il concetto di sesso nella nostra società. Il comedian ci spiega quanto sia irrazionale far passare per normale il messaggio che ruota attorno alle relazioni serie e rendere immorale la naturalezza dei rapporti sessuali. E lo fa attraverso una narrazione ribaltata che intreccia i ruoli e i significati dei contenuti. Una Stand Up Comedy metateatrale ed alternativa La peculiarità della comedy di Valerio Lundini sta tutta nella sua capacità di rendere metateatrale il proprio spettacolo. Lo show di Valerio è fatto di sketch supportati da video ed immagini. La sua “narrazione nella narrazione” serve a far cadere la quinta parete del palcoscenico. Ma anche il velo della realtà circostante svanisce davanti ai nostri occhi, per rendere più comprensibile il no sense che ci circonda. Tra giornalismo da sciacalli, eccessivi atteggiamenti della comunità contemporanea e prese di posizione di nicchia, Valerio Lundini propone una comicità poco italiana. Punta ad uno stile internazionale che si pone a metà strada tra il gusto retrò e quello futuristico. Ed è per questo motivo che il gradito ritorno di Lundini a Napoli appoggia pienamente il lavoro sperimentalista che il Kestè sta effettuando sulla Stand Up Comedy. Puntare sulla comicità naturale per dare voci a narrazioni coinvolgenti e giovanili. Riunirsi davanti ad un comedian è oggi, per il pubblico, sinonimo […]

Si è esibito nella serata di ieri, alla stand up comedy del Kestè, il comedian rumeno Dragos Cristian. L’ilarità made in Est Europa ha attirato un pubblico prevalentemente inglese. La English Comedy, infatti, non ha catturato l’attenzione del pubblico partenopeo che si è presentato nella sala inferiore del locale del centro storico in un numero inferiore rispetto a quello del pubblico estero. La comicità di Dragos tra barriere culturali e incomprensioni «Vengo dalla Romania, il Messico dell’Europa». Dragos Cristian inizia con queste parole lo show Hungry Hungry Dragon. Le sue origini e le difficoltà che ha dovuto incontrare nei numerosi viaggi per il mondo sono i protagonisti di uno spettacolo di un’ora incentrato sui luoghi comuni dell’Est Europa. Dragos ironizza sul Cristianesimo Ortodosso professato nella sua nazione: «Quella religione per la quale tu credi in Dio ma Dio non crede in te»; sul suo nome: «Dragos è un nome che nemmeno Google riconosce e quando dico agli Europei occidentali che mi chiamo così, tutti mi chiedono se mi sento forte come un drago. Ma io penso di avere l’attitudine di un labrador» e sulla restrizione di genere che vige in Romania: «L’anno scorso nel mio paese c’è stato un referendum contro i matrimoni gay. Ma in Romania i matrimoni gay sono già illegali. Se dici a tuo padre che sei gay, questo corre subito in chiesa a chiedere un miracolo per te».  Il comico confessa di aver imparato l’inglese attraverso la televisione e di aver incontrato numerose difficoltà di comunicazione quando si è trasferito in Inghilterra. «Il mio paese è considerato in maniera negativa. Ma questo non è del tutto vero, anche se da poco Instagram ha creato il filtro ‘Romania’ che è in grado di togliere la luce della felicità dai tuoi occhi».  Dragos si sofferma spesso sull’incapacità di provare emozioni degli Est europei, sottolineando il fatto che gli italiani manifestano apertamente i propri sentimenti. Ci sono anche delle similitudini tra il Sud Italia e l’Est. Accostamenti che l’attore scopre proprio sul palco. «Nel mio paese, mia madre tiene sempre in salotto una vetrina in cui ci sono dei piatti ben puliti e ludici che però nessuno usa mai». Il pubblico gli fa notare che anche nel meridione italiano accade lo stesso fenomeno e nessuno sa spiegarsi il perché. Ma Dragos è ancora inesperto riguardo alla cultura italiana e infatti la omette del tutto dal suo show. La comicità può abbattere i pregiudizi? Tra luoghi comuni e pregiudizi insormontabili, Dragos ci racconta soprattutto di quanto sia stato difficile per lui socializzare con gli Europei e i popoli di oltreoceano. In Germania è stato etichettato come “europeo estremo”, in america come colui che ha bisogno di bere perché la vita è sempre stata dura nei suoi confronti e in Asia come esperto di culture degli uomini dalla pelle bianca. Ma quali sono i veri problemi relativi ai pregiudizi e alle barriere culturali? Sembra difficile abbattere, ancora oggi, un pensiero innato nei confronti di chi è diverso da noi. E solo grazie […]

La Rondine (la canzone di Marta) è il primo allestimento in lingua italiana dell’opera dell’autore catalano Guillem Clua. Tradotto da Martina Vannucci e adattato da Pino Tierno, il testo porta in scena un’accesa denuncia verso il terrorismo e l’omofobia. Gli attori Lucia Sardo e Luigi Tabita sono diretti magistralmente da Francesco Randazzo al Piccolo Bellini. Marta e il suo dolore, Matteo e il suo amore. Francesco Randazzo dirige La Rondine L’incontro tra la severa insegnante di canto Marta e il giovane Matteo avviene nella casa impolverata della donna. I tendaggi bianchi coprono i mobili e il pianoforte dell’appartamento di Marta, trincerata nel dolore per la perdita del figlio Dani. Il ragazzo è stato ucciso in un attentato terroristico in un bar per gay, provocato da un pazzo omofobo. Matteo, che non rivelerà la sua vera identità fino alla fine della scena, vuole imparare a cantare per bene la canzone La Rondine, così da poterla cantare ad alta voce alla commemorazione di una persona a lui molto cara. La purezza di Matteo traspare dai suoi occhi accesi e innamorati, mentre il dolore di Marta è simboleggiato dagli abiti che indossa. La veste nera sta a significare il lutto, la giacca rossa il sangue versato dalla vittima. Durante tutto lo spettacolo la donna si tormenta soprattutto perché si rende conto di non essere stata in grado di comprendere i sentimenti del suo amato figlio, di averlo abbandonato a un destino crudele. “Cosa identifica la nostra umanità? Il dolore, il percepire il dolore degli altri”. Sarà proprio Matteo ad insegnare a Marta a capire quel dolore che tanto la spaventava. I simboli dell’odio e del ricordo spiegati al pubblico I simboli del terrorismo, dell’omofobia e del ricordo sono presenti durante tutto lo spettacolo. E vengono costantemente spiegati al pubblico. Dolore, orrore, spavento, impotenza, solitudine e rabbia ci arrivano dalle parole di Matteo, un ragazzo che ha scelto di vivere la sua vita di omosessuale alla luce del sole ma che ha dovuto combattere per l’affermazione dei suoi diritti e di quelli della persona che ama. Marta, invece, è annebbiata dal dolore. La sua casa è immersa nella polvere, coperta dai veli dei ricordi che le impediscono di comprendere la realtà che la circonda. Il rifiuto verso la cruda verità è la conseguenza del timore di non essere stata una buona madre. Dal Bataclàn all’attentato di Nizza, dalla strage del bar Pulse di Orlando alle morti causate dalla stessa mano terrorista sulle Ramblas di Barcellona,  c’è tutto questo nel soggetto dell’opera di Clua ma, soprattutto, c’è la paura che le persone provano per ciò che è diverso da loro. Una madre può abbandonare suo figlio solo perché questo è gay? Purtroppo sì. Oggi la società è ancora accecata da un odio a dir poco inspiegabile verso i diversi. Si muore per motivi banali, legati alla razza, alla religione, all’orientamento sessuale. Si muore soprattutto a causa dell’ignoranza. Il messaggio dell’opera di Clua è un simbolo di ribellione ma soprattutto di comprensione. Siamo ancora in tempo, possiamo […]

Sarà in scena al Teatro Assoli fino a domenica la rivisitazione della tragicommedia plautina Anfitrione diretta da Teresa Ludovico. Una compagnia di giovani attori composta da Michele Cipriani, Irene Grasso, Demi Licata, Alessandro Lussiana, Michele Schiano di Cola e Marco Falcomatà propone in chiave moderna la famosa opera dell’autore latino incentrata sul concetto di identità.   Anfitrione di Teresa Ludovico: Giove, la metamorfosi e gli affanni degli umani Il matrimonio tra Anfitrione e la bella Alcmena è il frutto di una storia d’amore sentita ma travagliata. Nella belligerante Tebe i due giovani amanti vivono una passione travolgente e segnata dagli eventi familiari. Giove osserva, dall’alto dell’Olimpo, le vicende dei giovani mortali e decide di mescolarsi ai loro affanni. Come fare per entrare in scena nel migliore dei modi? Suo figlio Mercurio gli suggerisce di trasformarsi in un uomo con le sembianze di Anfitrione stesso e di sedurre la bella Alcmena. Durante una notte che dura tre volte il padre degli dei si unisce carnalmente alla donna seminando in lei un figlio. E Anfitrione, che nel frattempo era partito per una spedizione armata, torna a casa in preda allo stupore. Non crede ai racconti di sua moglie su quella notte di passione infinita consumata tra loro due. Pronto a dare di matto, si rende conto che essere il padre putativo del figlio di Giove è un onore e che da lì la sua vita cambierà per sempre. Ercolino sarà un semidio che farà grande la storia di Tebe. Sulla sfondo delle trame amorose e sessuali troviamo il frustrato servo Sosia e la sua compagna, insieme al musico di palazzo.   Plauto e quell’incertezza identitaria che dura da 2000 anni Chi siamo e come ci riconoscono gli altri? Quanto restiamo fedeli a noi stessi? Col concetto di tragicommedia Plauto dimostrava, nell’antica Grecia, quanto gli affanni degli uomini siano frutto di ilarità e disperazione. Gli dei che ci osservano dall’alto sono affascinati dalle vite degli uomini, vogliono mescolarsi con queste ma al contempo ne assorbono solo la parte migliore. La passione di Anfitrione per Alcmena gli infetta l’anima fino a condurlo alla follia. Perseguitato dai fantasmi del suo passato, l’uomo si sente perso davanti al presunto tradimento della moglie.  Gli specchi mobili sul palco, protagonisti assoluti della scena, ci portano in dimensioni parallele. Quante sono le immagini che rimanda la nostra presenza in questa vita? La depersonalizzazione si accentua grazie all’utilizzo coreografico di luci soffuse. Il povero Sosia sente, infatti, di aver smarrito la propria identità. Vittima degli eventi e di una pavida condotta morale, perde completamente le proprie energie vitali in un monologo accorato. I lussuriosi abitanti dell’Olimpo si animano con la loro brama di edonismo. L’eccentricità di Mercurio accende la nostra percezione. Sembra impossibile staccare gli occhi dal suo sguardo magnetico. Giove è invece un burlone della carne. L’ombra dorata sul suo volto ci ricorda che alcuni limiti possono essere superati solo da chi è nel pieno equilibrio delle proprie facoltà. Lo spettacolo diretto da Teresa Ludovico è un gioco contemporaneo […]

Chi vive giace di Roberto Alajmo sarà in scena al Mercadante di Napoli fino al 3 febbraio. Con la regia di Armando Pugliese e le musiche di Nicola Piovani, il Teatro Biondo di Palermo porta sui palchi italiani uno spettacolo che si interroga sul senso della vita e della morte. Una tragedia urbana sconvolge le vite di due famiglie sicule, portandole a scavare dentro al senso dell’esistenza. L’umorismo noir della scrittura di Alajmo regala allo spettatore un senso di ilarità condito dall’angoscia per la prospettiva futura che attende tutti gli esseri umani. Chi vive giace di Roberto Alajmo, tra la Terra e il regno dei morti La metafisica esistenziale della teatralità sicula incanta il pubblico. Le parole dense di significati nascosti e summe sull’esistenza riempiono le voci degli attori: David Coco, Roberta Caronia, Roberto Nobile, Stefania Blandeburgo e Claudio Zappalà interpretano un dramma familiare nostrano. Una tragedia urbana ha strappato la vita alla giovane Sanguetta e tormenta i giorni del vedovo Santuzzo, rimasto da solo a combattere contro la vita. L’uomo dialoga con la moglie che lo ascolta e gli dà consigli dall’aldilà. Perdonare l’assassino della sua amata? Fare vendetta? Cosa è più giusto? La giovane donna resta seduta in una angolo, con una benda sugli occhi, avvolta in un abito bianco il cui candore si scontra con le pareti nere della scena. Dall’altra parte dello spazio illusorio c’è il ragazzo (chiamato Fango) che ha compiuto l’omicidio in maniera quasi involontaria. Suo padre è in preda alla disperazione mentre sua madre, dal regno dei morti, continua a proteggerlo e giustificarlo come solo una madre del sud Italia sa fare. “Quando è destino è destino, dice la donna in un ghigno di onnipotenza. La cecità in cui ci immerge la vita di tutti i giorni è simboleggiata da una benda che copre gli occhi dei morti i quali però, ora, sono chiamati a rispondere alla domande dei loro cari. Solo chi è passato nell’altra dimensione può sapere cosa è meglio fare, per quanto la vita terrena gli abbia ancora lasciato addosso un pavido atteggiamento. “Chiudete li occhi e non ci pensate più”. Tra metateatro e lezioni di lingua siciliana Quando le due famiglie coinvolte nel dramma si incontrano e scontrano in una dimensione parallela, la nebbia che offusca la prospettiva tra la vita e la morte appare evidente ai nostri occhi. Dove sono gli attori? Nella realtà o nell’irrealtà? La predominanza del dialetto siculo è la peculiarità più accattivante del soggetto di Roberto Alajmo. Le terminologie presenti nel vocabolario dei personaggi si materializzano in un oggettivismo dei sensi e delle azioni. Se il ragazzo che ha commesso l’omicidio è chiamato Fango perché si è macchiato di un delitto, la donna vittima della tragedia è costantemente additata con il termine di Meschina. La sua meschinità, infatti, sta nell’ingenuità che l’ha portata a farsi uccidere. Tra analisi dei dialoghi e dei pensieri e gli intrecci delle parole, i personaggi ci mostrano quanto l’essere umano viva nell’attesa di morire. Il ribaltamento del senso dei nostri giorni […]

Il Gioco dell’Amore e del Caso sarà in scena al TRAM di Napoli fino al 6 gennaio. La celebre commedia illuminista dell’autore francese Pierre de Marivaux, adattata per il pubblico dal regista Mirko Di Martino, mette in scena i fraintendimenti degli uomini e le ragioni del caso. Sul palco troviamo Antonio Buonanno, reduce dal successo de L’Amica Geniale, nei panni del nobile padre Orgone e Antonella Liguoro, Tommaso Sabia, Alessia Thomas e Gabriele Savarese che interpretano quattro giovani i cui sentimenti vengono stravolti dal caso. Giocare è sinonimo di agire: l’Amore è frutto di un’azione Tutto è pronto in casa del nobile Orgone per l’arrivo del promesso sposo di sua figlia Silvia, il giovane Dorante. La ragazza è però dubbiosa, vuole essere certa di desiderare l’uomo che sposerà e soprattutto di essere desiderata da lui stesso. E così inscena “una commedia delle parti” grazie all’aiuto del padre e della cameriera Lisetta. Sarà Silvia a interpretare il ruolo della cameriera e Lisetta a far finta di essere la padrona di casa. Solo così la giovane promessa sposa potrà capire se Dorante nutre dei sentimenti veri nei suoi confronti e se le sarà fedele per la vita. Ma il gioco si presenterà più fitto di quanto la ragazza possa immaginare. Anche Dorante, infatti, ha chiesto al suo servo di scambiarsi i ruoli e così, appena arrivato in casa dell’amata, dà inizio a una serie di fraintendimenti e comici momenti che avranno fine solo quando si vedrà costretto a confessare i propri sentimenti. Il Gioco dell’Amore e del Caso: quattro giovani in preda all’irrazionalità dell’Amore e guidati da un padre regista Il ruolo di Orgone è fondamentale per la risoluzione del misunderstanding. L’uomo, infatti, è il solo che conosce tutti i fatti. Sa che anche Dorante vuole mettere alla prova Silvia e per questo finge di essere un servo. Potresti fare a meno di parlarmi d’amore. E tu potresti fare a meno di farmi innamorare. Nemmeno la differenza di ceto sociale, di stile e portamento induce i quattro giovani a fuggire dalle grinfie della “fiera dei Sentimenti”. L’Amore è un essere istintivo che combatte la Ragione. I giochi lo divertono ma fino ad un certo punto. I colori pastello e crema degli abiti dei giovani rispecchiano la loro innocenza davanti ai poteri del dio della passione. Per quanto possano armarsi di furbizia e mefistofelici piani, la potenza del dio è così forte da spazzare via ogni loro resistenza. Solo Orgone potrà guidarli attraverso il percorso che gli è stato assegnato. L’uomo, infatti, copre i ruoli di padrone di casa, regista della storia, spettatore divertito e padre premuroso. Ed è proprio questo sua ultima immagine che ci colpisce. L’interpretazione di Buonanno, infatti, va messa a confronto con quella di “padre padrone” che interpreta nella fiction L’Amica Geniale. Le urla di disprezzo e superiorità di genere del cruento uomo napoletano sono qui sostituite da risatine buffe, quasi isteriche e in preda al divertimento masochista. Il senso di protezione che egli nutre nei confronti della figlia è […]

Moby Dick di Herman Melville inaugura la stagione di collaborazione tra il Museo del Sottosuolo di Napoli e la compagnia teatrale il Demiurgo. La “sfida immorale” tra il capitano Achab e la grande balena bianca Moby Dick è andata in scena a 25 metri di profondità nel cuore del Centro Storico. Il celebre romanzo di Melville prende vita in uno scenario angusto ed evocativo. Moby Dick , in fondo al mare e dentro alle nostre paure  Perché Achab è così ossessionato dalla Balena Bianca? Da piccoli ci siamo posti questa domanda dopo aver letto il romanzo Moby Dick. Un libro che i nostri professori ci consigliavano di leggere quasi come se fosse una mera lettura per ragazzi. Eppure quella lotta impari tra l’uomo e la bestia ci è sembrata sempre colma di disperazione. Tocca ad Ismaele, giovane e ambizioso marinaio, sciogliere i nodi di un viaggio ai confini dell’ignoto. Le umide pareti dell’Ipogeo Greco-Romano sito a piazza Cavour (adibito a ricovero durante gli anni della guerra) riflettono le verdi luci della rabbia di Achab. Un capitano mutilato che ha deciso di spendere la propria vita per la ricerca e la cattura di Moby Dick. L’entusiasmo di Ismaele è il giusto motore che accende gli animi della truppa. Il gelo del mare aperto si materializza nelle nebbioline di fumo che i quattro attori emettono dalle proprie bocche. L’umidità della location conferisce maggiore veridicità alla rappresentazione. Il buio e la claustrofobica resa dello spazio circostante sono la messa in scena migliore per il momento teatrale. Ottanta minuti di immedesimazione nella scoperta e nel superamento delle paure dei quattro uomini di mare. “Adesso si dà un nome alle balene?”. “Centinaia di marinai si vantano di averla uccisa ma è sempre riapparsa”. Se Achab si lascia quasi accecare dalla bramosia, le urla degli altri marinai, persi in mezzo al mare, sono un tentativo di ribellione verso la condizione di incapacità umana. Gli uomini vedono nella balena bianca l’impossibilità di catturare e distruggere le loro angosce. Un’interpretazione densa di pathos per Il Demiurgo Franco Nappi è il capitano Achab. Un uomo ormai solo e disperato. Il suo rintanarsi nel fondo della nave lo allontana dal pubblico che è pronto a riaccoglierlo quando riappare con veemenza sulla scena. A bordo della nave Pequod c’è anche Gaetano Migliaccio, un giovane Ismaele dallo sguardo acceso. A metà strada tra l’ingenuità e la sfrontatezza, Ismaele si fa carico di una storia irrazionale. Con loro viaggiano Quequeeg, interpretato da Angelo Sepe e il primo ufficiale Starbuck, interpretato da un poco convincente Antonio D’Avino. Gli spettatori sussultano e si allarmano insieme agli attori, immaginando di essere con loro su quella barca. Poche strutture di scena (qualche corda e una tela bianca) sono adatti alla rappresentazione minimale di un viaggio senza timore verso la scoperta dell’ignoto.