Frida Kahlo a Napoli con la mostra Il “Caos Dentro” | 11 settembre  – 9 gennaio | Palazzo Fondi “Frida Kahlo – Il Caos dentro” è la mostra che omaggia la figura di una delle più esuberanti e geniali artiste messicane, che ha debuttato a Napoli sabato 11 settembre 2021 e sarà visitabile fino al 9 gennaio 2022. L’esposizione, realizzata dalla società Navigare, con patrocinio comunale, prende vita negli spazi di Palazzo Fondi, seguendo il progetto di rigenerazione urbana temporanea sviluppato e realizzato nel 2018 da Urban Value srl insieme a Demanio e Comune. Frida Kahlo a Napoli con la sua Casa Azul L’esposizione è organizzata in sezioni tematiche che ricreano fedelmente i tre principali ambienti di Casa Azul, attraverso un viaggio nella caotica e colorata esistenza della pittrice messicana: la camera da letto, che fu a lungo anche il suo studio creativo a causa dei gravi problemi alla spina dorsale, l’atelier che mostra i mobili e il materiale pittorico utilizzato da Frida e, infine, il giardino, popolato da animali, figure azteche immersi nel giallo e nel blu, mentre tra le pareti si scorge la teca blu su cui spicca l’iscrizione bianca “Frida y Diego vivieron en esta casa 1929-1954”. Le stanze sono state riprodotte in ogni minimo dettaglio, dagli arredi tipici della cultura messicana agli oggetti quotidiani – fotografie, quadri, pagine del diario, lettere – di Casa Azul, dove Frida visse sino alla morte, dando così l’opportunità allo spettatore di avvicinarsi con curiosità e sensibilità al mondo pittoresco nel quale visse e si formò. I dipinti della  Kahlo celebrano la forza, la determinazione, il coraggio di una donna che ha trovato nella propria arte il modo per accogliere ed esprimere il proprio dolore. In mostra ci saranno anche alcuni dei dipinti originali mai esposti prima da collezioni private, tra cui il “Ritratto di Frida” che Diego Rivera, marito e compagno della pittrice messicana, disegnò nel 1954, e “Piden aeroplanos y les dan alas de petate”, un olio su cartone del 1938 proveniente da una collezione privata di Madrid. Ad accompagnare la visita 15 celebri autoritratti riprodotti in formato digitale con la tecnica modlight. L’esibizione si conclude con la proiezione del film di animazione tridimensionale “Frida Kahlo – Il Viaggio”, proiettato in una speciale sala cinema 10D, con effetti speciali multisensoriali. Frida Kahlo rappresenta il simbolo dell’avanguardia artistica, culturale e politica messicana, che trovava espressione anche nel suo stile di abbigliamento. Attraverso di esso esprimeva non solo la propria personalità e femminilità, ma anche la storia, la tradizione, i valori messicani. La predilezione per i capi tipici della cultura tehuana messicana trova espressione nella mostra a Palazzo Fondi grazie all’ampia galleria di modelli ispirati al vestiario di Frida, curata dalla fashion designer messicana Milagros Ancheita. La mostra “Il Caos Dentro” propone inoltre un omaggio di sette artisti contemporanei, autori di altrettanti busti in gesso dipinti, quello stesso busto che per tutta la vita usò per sostenere la colonna vertebrale estremamente danneggiata a seguito dell’incidente di cui rimase vittima all’età di 18 anni. L’esposizione è stata anticipata il 10 settembre […]

La mostra Blind Art dell’artista Giacomo Pietoso al PAN (20 agosto-1 settembre), a cura di Anna Esposito e Monica Picardi. «Per creare arte non c’è bisogno della vista, è sufficiente una visione». L’artista non vedente Giacomo Pietoso concentra in un aforisma lo spirito della sua opera. Dal 20 agosto il PAN (Palazzo delle Arti Napoli) ospita i suoi quadri, ma Pietoso non si dedica solo alle arti figurative. Gli acrilici intrattengono un rapporto imprescindibile con la scrittura. Poesia e pittura trovano la comune origine nello stato d’animo dell’artista: Pietoso definisce la sua arte distintiva, emozionale. I due linguaggi, poetico e pittorico, sono un mezzo di rappresentazione della bellezza che lo circonda. Giacomo Pietoso ha perso la vista in un incidente. L’artista descrive l’evento traumatico come un momento necessario di svolta: «benedico quel giorno, quando ho preso in mano la mia vita». L’incidente e la disabilità hanno portato con sé un insegnamento necessario: bisogna vivere, non sopravvivere. L’artista acerrano è diventato così un esempio di forza e uno dei talenti di cui la sua città continua con fierezza a testimoniare l’opera. L’esposizione temporanea al PAN raccoglie quarantadue opere di Giacomo Pietoso provenienti da dodici collezioni: Mrs. Dream ha per protagonista una figura femminile libera, che vaga leggera in campi di grano e in sottoboschi; Vita raccoglie le rappresentazioni di una natura fresca, i cui elementi perdono i loro contorni definiti, confondendosi con i sottofondi colorati; nella collezione Primavera prevale il glicine, che viene associato ai suoni stagionali in un’armonia sinestetica. Di maggiore complessità la collezione Musica, nella quale sono raccolti alcuni ritratti di strumentisti. Come per Primavera, la pittura è associata al suono: uno dei quadri è dedicato alla canzone Ehi Joe. A ogni strumento è associato un suono, e a ogni suono è associato uno specifica tecnica compositiva: si passa dal caos ispirato dai toni jazz de La trombettista e de La sassofonista con il turbante, allo sfondo monocromatico che contorna La flautista e L’uomo che suonava il violino. La seconda sala è dedicata alle opere di gusto partenopeo. Alla collezione Massimo Troisi, che ha per oggetto il film Il postino, si associano le collezioni Presepe, Colori di Napoli, Il caffè, Pulcinella, Vele al mare. La seconda sala è anche sede delle figure dai toni carnevaleschi delle Ninfe e della collezione Alberi della vita. L’opera di Giacomo Pietoso è oggi raccolta in un catalogo già acquistabile in libreria, edito da Giorgio Mondadori per la collana di arte e letteratura. Ai quaranta dipinti si affiancano quaranta poesie e aforismi dell’artista. Il titolo del libro, L’albero della vita, riprende un soggetto ricorrente nella pittura di Pietoso: la natura. Lia Bronzi, a proposito di tale immagine, ricorda che l’albero, come l’uomo, attraversa le diverse stagioni della vita. Nel canto XVIII del Paradiso di Dante, l’albero di cui parla Cacciaguida si nutre dalla cima e non dalle radici, producendo frutti e non perdendo mai le foglie. Allo stesso modo l’albero di Pietoso simboleggia la spiritualità e la forza estensiva verso l’alto che continua ad […]

Il teatro prende un respiro profondo e riparte, il palco si prepara ad essere calcato, gli spettatori in religioso silenzio, la trepidazione degli inizi è accompagnata da uno scenario che non può non lasciare a bocca aperta; Villa delle Ginestre è arroccata su di una collina, lo Sterminator Veseveo le guarda le spalle e lo sguardo può naufragar poi verso il mare e dolcemente approdare sull’Isola di Capri e sulle sorelle Ischia e Procida. Qui Giacomo Leopardi visse i suoi giorni estremi, al riparo dalla pandemia di colera che affliggeva Napoli negli anni ’30 dell’ottocento, e in questa quiete riflettere sul conflitti che continuano ancora oggi ad affliggere gli uomini. Sempre a Napoli decide di pubblicare le sue Operette morali, brevi componimenti che raccolgono in battute sagaci le riflessioni che, sparse, erano già racchiuse nel suo Zibaldone.  Il demiurgo, in collaborazione con il Teatro Tram, decide di mettere in scena il 20 giugno scorso queste satire, così come le intendeva il poeta recanatese, nel luogo che accolse il poeta nei suoi ultimi giorni, lo stesso che ispirò la composizione del poema La Ginestra, sfruttando però delle satire l’efficacia performativa come ben riassume Mirko De Martino che, assistito da Angela Rosa D’Auria, dirige lo spettacolo. In scena Antonio D’Avino e Nello Provenzano che in abiti consunti e stinti, come quelli di chi la vita l’ha attraversata e ne porta i segni visibili, danno vita a dieci delle ventiquattro operette. Le Operette morali: il sorriso amaro e l’incanto leopardiano Sempre due i protagonisti dei conflitti proposti ne Le Operette Morali leopardiane, e gli attori D’Avino e Provenzano, nelle stesse vesti, riescono magnificamente a calarsi in corpi e anime distinte; duelli a suon di contrasti, che bene gli attori riescono a rendere vivi, enfatizzando le parole, qualche volta adattandole al contesto attuale, rendendo evidente quanto Leopardi abbia ancora da insegnare al nostro tempo e a quelli futuri. Come non tremare di fronte all’interpretazione del Dialogo di un venditore d’almanacchi e di un passeggere, che sembra narrare del tempo presente, dove ciò che spinge gli uomini è quasi esclusivamente la speranza in un futuro migliore, contro ogni previsione rivelatasi puntualmente fallace.  Lo gnomo e il folletto di D’Avino e Provenzano restano nei cuori; il loro dialogo è appassionante e sagace, oltre che spaventosamente attuale; nella narrazione leopardiana che li vede protagonisti, gli uomini sono tutti scomparsi dalla Terra, non a causa di una pandemia, bensì perché si sono uccisi a vicenda; la loro scomparsa però non ha comportato la fine della vita sulla terra; il sole continua a splendere, i mari non si sono prosciugati, la natura vive beatamente anche senza l’uomo. Questa una delle tematiche che prepotentemente ritorna nel pensiero leopardiano; la natura è indifferente alle sorti dell’uomo, e l’errore di quest’ultimo è credere che invece ella sia al suo servizio. Nel dialogo tra la Natura e un islandese, vediamo come proprio l’uomo che maggiormente fuggiva la Natura, si ritrova ad incontrarla in uno dei suoi viaggi nel cuore dell’Africa; l’intensità delle parole del […]

Pensare a Raffaello vuol dire immergersi in un mare di armonia, delicatezza e intimità. Non a caso il pittore rappresenta un profilo unico e iconico all’interno della storia dell’arte italiana e mondiale. In occasione dei cinquecento anni dalla sua morte, prenderà vita dal 10 giugno al 13 settembre una mostra, con lo scopo di valorizzare il patrimonio raffaellesco del Museo, intitolata: “Raffaello a Capodimonte: l’officina dell’artista”. Essa è a cura di Angela Cerasuolo e Andrea Zezza a cui, com’è stato più volte ricordato alla conferenza stampa del 10 giugno, va integrato un valore aggiunto: si tratta del lavoro interdisciplinare e intersettoriale che ha accompagnato, e accompagna tutt’ora, la mostra. L’evento, infatti, ha coinvolto numerosi profili lavorativi, tra cui ricordiamo storici, chimici e restauratori. Per quanto riguarda l’intersettorialità, invece, sottolineiamo la presenza di diversi enti, come musei e università. Così facendo il Museo di Capodimonte risulta essere un laboratorio, una fucina sempre accesa e dinamica. E in effetti anche l’aria che si respira già all’interno del cortile ne risente positivamente, assumendo una sfumatura che sa di ritorno, seppur parziale, alla normalità. La piccola grande mostra, come l’ha definita il direttore del Museo e Real Bosco di Capodimonte Sylvain Bellenger, si articola in tre sale, ciascuna delle quali rappresenta una sfumatura diversa del genio Raffaellesco. Si parte, nella prima sala, dai maestri a cui un diciassettenne Raffaello guarda con attenzione e, a tal proposito, citiamo le parole che Giorgio Vasari, pittore e storico dell’arte, gli dedica: “Raffaello da Urbino, il quale studiando le fatiche de’ maestri vecchi e quelle de’ moderni, prese da tutti il meglio, e fattone raccolta, arricchì l’arte della pittura di quella intera perfezzione, che ebbero anticamente le figure di Apelle e di Zeusi e più”. Passando poi alla seconda sala, vero nucleo delle opere raffaellesche del Museo di Capodimonte, si entra in contatto con la straordinaria versatilità dell’artista, col suo continuo sperimentare e con il lungo cammino percorso nella sua breve e folgorante carriera. A pochi metri l’uno dall’altra, dunque, si possono ammirare i frammenti di una pala d’altare (la Pala di San Nicola da Tolentino), il Ritratto di Alessandro Farnese, un quadro da stanza (la Madonna del Divino Amore) e, infine, il cartone preparatorio del Mosè e il roveto ardente. L’ultima sala si snoda fra opere e falsi. In particolare ricordiamo la Madonna della gatta, attribuita inizialmente a Raffaello per poi essere considerata il capolavoro di Giulio Romano, suo allievo alla bottega. Le indagini diagnostiche, altro valore aggiunto della mostra, hanno portato alla luce la particolare stratificazione dell’opera e le diverse tappe del complesso iter compositivo: radiografie, riflettografie e MA-XRF ci mostrano l’evoluzione del quadro. Un esempio è dato dai volti dei personaggi principali, già dipinti negli strati inferiori per poi essere completamente trasformati nella stesura finale. C’è inoltre un dettaglio nella Madonna della gatta che ci fa capire l’elevata preparazione di Giulio Romano e la sua meticolosità nella cura dei dettagli. Non ve lo sveliamo, perché siamo sicuri che lo troverete osservando l’opera! Vi lasciamo con […]

Apre da domani, 4 febbraio 2021, nel cuore di Napoli, in via Toledo 66, la nuova galleria Spot home gallery con l’intento di diffondere e promuovere la fotografia contemporanea e le sue contaminazioni con altri linguaggi espressivi attraverso mostre, proiezioni, incontri e workshops. La galleria, nata da un’idea e a cura di Cristina Ferraiuolo, fotografa napoletana, inaugura con la mostra collettiva Andamento Lento, dedicata a Napoli, scenario e pretesto di una fotografia che si colloca in quel magico spazio tra realtà e finzione. (Opening: 4 – 5 – 6 – 7 febbraio 2021 prenotazione obbligatoria su www.spothomegallery.com) Otto artisti, provenienti da diverse parti del mondo, esporranno, per la prima volta a Napoli, una selezione di immagini realizzate nella città partenopea, appartenenti a più estesi lavori di ricerca o anche a progetti puntuali. Otto piccole mostre in un’unica esposizione composta da oltre 100 immagini e da un’installazione audiovisiva in uno spazio dedicato. Fotografi con linguaggi e scritture differenti tra loro ma accomunati da un approccio alla fotografia intesa come espressione soggettiva ed emotiva del proprio modo di essere e di vivere il mondo. Il fotografo americano Michael Ackerman si immerge nel ventre più oscuro di Napoli, svelando una umanità dolente ritratta con la sincerità di chi sente di appartenervi. Per il norvegese Morten Andersen Napoli diventa una delle sue Untitled.Cities, progetto ispirato alla fantascienza, nel quale egli, trasfigurando la realtà, crea nuove metropoli di fantasia. Il napoletano Luca Anzani nelle sue immagini stranianti della serie Amartema fa dell’aleatorio un elemento chiave della sua sperimentazione in camera oscura provocando sistematicamente l’errore attraverso l’uso di supporti di scarto e chimici esausti o impropri. Lo svedese Martin Bogren tra le tappe del suo progetto Italia ritorna più volte a Napoli, restituendone immagini oniriche e senza tempo, che evocano la dimensione interiore del suo viaggio. Lorenzo Castore, fotografo fiorentino, presenta l’installazione audiovisiva Sogno 5#, progetto realizzato insieme ad Irene Alison, un racconto di amore e di scoperta, di ricerca e di memoria di un luogo dimenticato di Napoli, l’Ospedale Psichiatrico Leonardo Bianchi, a oltre trent’anni dalla sua chiusura ufficiale. Stone butterfly di Cristina Ferraiuolo è un lungo lavoro di ricerca personale sull’incandescente universo femminile che abita le strade della sua Napoli. Il newyorkese Adam Grossman Cohen, sfocando i confini tra fotografia e film, tra passato e presente, sceglie di fermare singoli fotogrammi di filmati Super 8 girati a Napoli molti anni addietro, restituendoci fotografie che abitano un tempo fluido. Il francese Richard Pak con la sue serie Les Fiancés (I Promessi Sposi), fotografa le auto parcheggiate in fila sui marciapiedi e ci invita ad immaginare gli amanti di via Alessandro Manzoni nascosti dietro le loro tende di fortuna. “Andamento lento è una storia di amicizia e di fotografia, di cui faccio parte – racconta Cristina Ferraiuolo -. Ho scelto di presentare una ‘famiglia’ di fotografi nella quale i legami affettivi si intrecciano a corrispondenze artistiche, a un modo di immergersi nel mondo con occhi e cuore aperti. Lavori realizzati nell’arco di oltre vent’anni a Napoli […]