Eroica Fenice

Dal 4 al 5 agosto 2017 si terrà l’undicesima edizione del Mojoca Festival. Il festival degli artisti di strada ogni anno allieta le serate del piccolo comune di Moio della Civitella (SA) con grandi e validi spettacoli. Durante il primo fine settimana di agosto interverranno oltre cento artisti, circa trenta spettacoli si susseguiranno in contemporanea e saranno a titolo gratuito. Dalle 21.00 alle 2.00 di ognuna delle tre serate sono previste le performance che animeranno vie, vicoli e piazze. (MAPPA MOJOCA FESTIVAL) Un unico grande festival sotto le stelle per riuscire a dar il miglior benvenuto a chi si appresterà a raggiungere il paese poco distante da Vallo della Lucania. Ogni anno il Mojoca riesce ad attrarre nel piccolo borgo circa 35mila spettatori. Ogni attività si svolge nel rispetto dell’area. tutto nella più completa sintonia con il luogo. Durante le giornate del festival vengono infatti rispettati l’ambiente e le persone con un efficiente sistema di ricezione, prevedendo anche un’ampia area campeggio.  Il termine Mojoca deriva dall’unione della parola Moio, il paese cilentano che ospita la manifestazione, e joca, che in cilentano significa gioca. Anagrammando le due parole si ottiene Mojoca, adesso gioca! L’associazione nata nel 2007  è riuscita a rendere sempre più vivo e partecipato il Mojoca Festival per riuscir a far partecipare sempre più artisti provenienti da tutto il mondo. Il Mojoca Festival ha un’organizzazione che non ha nulla da invidiare ai più grandi e noti eventi della nostra penisola. L’associazione che organizza il Mojoca Festival, organizza anche molte attività collaterali che arricchiscono i tre giorni di spettacoli. Durante le ore pomeridiane dalle, 18.00 alle 20.00, avranno luogo le attività laboratoriali attinenti alle arti di strada. Questa sezione è dedicata principalmente ai più piccoli comprende laboratori per costruire oggetti sonori, bolle giganti, giocoleria, teatro, e danze per tutti i gusti. (PROGRAMMA ufficiale) Durante le giornate del Mojoca Festival, gli spettatori potranno anche godere della fiera dedicata all’artigianato. Questo progetto è riuscito a crescere negli anni, riuscendo ad apportare alla manifestazione un grande contributo. È possibile inoltre partecipare al concorso dedicato a chi ha la passione per l’immagine. L’associazione culturale Mojoca organizza per gli appassionati di fotografia “Scatta Mojoca” (link al REGOLAMENTO DEL CONCORSO), dedicato a professionisti e non.  Per giungere a Moio della Civitella durante lo svolgimento della manifestazione, l’associazione ha messo a disposizione un servizio NAVETTA per tutte le serate del Mojoca Festival. Tra gli scopi  dell’associazione Mojoca c’è stato fin dall’inizio quello di rendere il Cilento un crocevia degli artisti di strada. Dal 2009 il Mojoca è infatti socio-promotore della FNAS, Federazione Nazionale Arte di Strada. Pochi sono gli esempi come il Mojoca che riescono a mantenere vivo un centro storico, basandosi soprattutto sul lavoro che include la gran parte dei cittadini del piccolo comune cilentano. Mojoca è un Festival partecipato per riuscir a rivitalizzare un piccolo centro storico. Una grande offerta culturale che rappresenta una strategia vincente per poter rendere Moio della Civitella un grande attrattore.

Fino al 13 luglio presso Palazzo Partanna, la sede dell’Unione degli Industriali di Napoli, sarà possibile visitare la mostra Documentaria realizzata con i patrocini del Ministero dei Beni e delle Attività Culturali e del Turismo e della Soprintendenza Archivistica e Bibliografica della Campania. Il 27 luglio del 1917 fu fondata la prima associazione che fu denominata l’Unione Industriale Regionale. L’associazione nacque anche grazie al periodo positivo per l’economia di tutto il sud Italia, soprattutto grazie alle commesse belliche.  Dopo la soppressione che avvenne il 10 dicembre 1943, l’associazione fu ricostituita il 22 gennaio 1944 e allora prese il nome di Unione Industriali della Provincia di Napoli. Dalla rappresentanza ai servizi di consulenza, l’associazione svolge attività che mirano ai rapporti e alle esigenze delle imprese industriali nelle diverse aree di attività. Quest’anno ricorre il centenario dell’Unione Industriali Napoli ed è la prima associazione del mezzogiorno a tagliare tale traguardo. Il centenario è un evento che vuol riportare al centro dell’attenzione tutto ciò che ha rappresentato la città di Napoli, dalla sua storia al suo ingegno, dalla sua cultura alla visione di un futuro nel quale tutti potranno ritrovare il senso di appartenenza alla città partenopea. Un ciclo di eventi è stato programmato per celebrare la nascita dell’Unione Industriali Napoli, uno di questi è  stato denominato”Documentaria” Al secondo piano di Palazzo Partanna in Piazza Dei Martiri, come un percorso tra storia e cultura, è stata allestita un’esposizione di numerosi documenti che narrano la storia che ha accompagnato l’associazione. Documentaria non è solo un’importante raccolta di documenti che riescono a far rivivere la storia che ha fatto grandi le imprese del mezzogiorno, è anche e soprattutto uno dei tasselli che rendono evidente l’importanza dell’associazione sul territorio campano. Alle fonti documentarie di natura istituzionale infatti sono state affiancate quelle rese disponibili dalle aziende associate alcune delle quali hanno per la prima volta aperto alla consultazione archivi storici strutturati o raccolte di documenti che si relazionano al prezioso materiale fotografico. Per i cento anni dell’associazione si è deciso di accompagnare gli eventi con un’immagine che deve rappresentare il lavoro svolto fino ad oggi e scelta con il concorso denominato “100 anni d’imprese – Unione Industriali Napoli – 1917-2017“. La giuria, composta dall’imprenditore Giovanni Cotroneo, dal Presidente del Gruppo Tecnico Cultura di Confindustria, Renzo Iorio, dal Responsabile del Domenicale del Sole 24 Ore, Armando Massarenti, dal Presidente di Pomilio Blumm, Franco Pomilio e dal critico d’arte Ludovico Pratesi, hanno deciso di premiare Helga Aversa per la sua opera “N’Ovo“. È stato assegnato inoltre  un premio speciale all’opera “Elettronatura” di Roberto Izzo. Le opere vincitrici, assieme a quelle realizzate dai dieci finalisti del concorso, fanno parte anch’esse della mostra Documentaria, ne aprono infatti il percorso con un grande totem  che le racconta. Il presidente dell’Unione Industriali della Provincia di Napoli, Ambrogio Prezioso, ha dato una giusta definizione all’esposizione: «Documentaria  è un ponte tra passato e futuro».

Dopo circa un anno di lavori, si è concluso il restauro della cripta di San Gaudioso della basilica di Santa Maria della Sanità nonché accesso alle catacombe del Santo. La Paranza con le sue guide dà la possibilità ai visitatori di ammirare ciò che racchiude il cuore di Napoli. Una visita ogni ora, tutti i giorni dalle 10.00 alle 13.00. Il biglietto d’ingresso è valido anche per la visita alle catacombe di San Gennaro.  Costato circa 400 mila euro, il restauro ha interessato tutto il succorpo presente al di sotto del presbiterio della basilica. Da qualche settimana si possono ammirare come rinnovati da nuova luce dagli affreschi nelle nicchie ai marmi policromi che adornano la cripta, dove ha riacquistato la sede la madonna alla quale è intitolata la basilica che spesso viene erroneamente indicata come quella d’O Monacone, San Vincenzo Ferrer. La cripta, già ambiente ipogeo, e le catacombe di San Gaudioso, furono scavate nelle lave della Sanità. È costituita da dodici altari affrescati a cavallo del 1700, che raffigurano gli atti eroici dei santi, su un lato gli uomini e sull’altro le donne, ad opera di Bernardino Fera allievo più promettente di Francesco Solimena. Il vecchio ambulacro delle catacombe di San Gaudioso custodisce un importante dipinto scoperto nel 1559, che si dice sanasse i mali del corpo e dell’anima, da ciò Santa Maria alla Sanità. Prima della visita alle catacombe di San Gaudioso, viene celebrato un matrimonio. Il prete spiega ai fedeli che sarà uno dei primi durante il quale gli sposi potranno ricevere la benedizione della Madonna nella cripta da poco restaurata. L’intervento del restauro alla cripta delle catacombe di San Gaudioso è uno dei tanti elementi che costituiscono il riscatto di un quartiere che fu diviso tra chi voleva cambiare città e chi lavora ancora oggi per cambiare la città. Le catacombe prendono il nome da Settimo Celio Gaudioso, detto Gaudioso di Napoli o Gaudioso l’africano, perchè vescovo di Abitine in Tunisia. I Vandali lo vollero morto perchè non si piegò al loro volere, ma la zattera alla deriva sulla quale si trovò, approdò a Napoli dove morì intorno al 452 d.C. dove fu seppellito. Le catacombe nascono tra il IV e il V sec. d.C. ad opera dei fossores che ne scavavano le gallerie e vi seppellirono i morti. I loculi, rispetto alle catacombe di San Gennaro, sono costruiti e non scavati. Le Catacombe erano affrescate per la maggior parte della superficie. Le simbologie presenti nelle catacombe sono molteplici, dalla croce gemmata simbolo del prezzo della passione di Cristo, al quadrato iscritto nel cerchio, l’infinita perfezione di Cristo con la vita dell’uomo che dipende dallo spazio e dal tempo. I cunicoli delle catacombe di San Gaudioso, oggi visitabili, presentano tante nicchie nei muri, i seditoi, scolatoi o in napoletano “cantarelle”. Nel 1600 venne praticata la scolatura. I corpi venivano calati dalla cripta e seduti con il cranio incastrato nelle pareti. La pratica di “schiattarli” ha dato il nome napoletano alla professione del becchino, ‘o schiattamurte. Inoltre brutta cosa […]

Dal primo al 19 giugno al PAN è in esposizione “Noi che siamo carne“, la mostra fotografica di Luca Iovino, in collaborazione con L’Assessorato alla Cultura e al Turismo del Comune di Napoli e ad ingresso gratuito. “Dei bambini giocano sotto il Cristo in croce insanguinato dove i dannati sono rappresentati avvolti dalle fiamme del purgatorio”. Così scrisse Hans C. Andersen in una sua lettera da Napoli, descrivendo ciò che vedeva osservando dalla finestra della sua abitazione in via Speranzella, così come le immagini che Luca Iovino ha portato in mostra descrive parte di un’identità, quella forte che parla di ognuno di noi, radicata fin dalla nascita e che risponde a ciò che fin da sempre appartiene a Napoli e ai suoi popoli. Conosciamo bene il tema delle edicole sante a Napoli, come mai Luca Iovino ha voluto affrontarlo e soprattutto come ha realizzato un racconto fotografico riferendosi ad un tema cosi vasto e complesso? «Il mio intento nella realizzazione di questo progetto è stato quello di raccontare un aspetto così “sociale” della cultura napoletana, il suo rapporto con la fede e quella venatura di misticismo e spiritualità che da sempre lo permea, attraverso l’aspetto urbanistico della città. Quello che mi ha sempre interessato è lo stretto rapporto tra uomo e città. Sono sempre più convinto che i paesaggi urbani raccontino tantissimo dell’essere umano, come l’uomo trasforma il paesaggio che lo circonda e come il paesaggio stesso radicalizzi drasticamente l’uomo, al punto tale da intersecarsi ineluttabilmente. Ciò che resta di quest’incontro rimane latente nelle pieghe della città, sono piccole tracce, impronte che noi lasciamo e che sono destinate a rimanere invisibili, fino a quando non riusciamo a porci la giusta attenzione. Credo che questo atteggiamento mi abbia aiutato in questo progetto a rivedere sotto una luce nuova quel senso di appartenenza al territorio che è insito nel popolo napoletano». Con quale linguaggio hai deciso di intraprendere la strada che ci porta a riconoscere Napoli nei tuoi scatti e, soprattutto, cosa ti ha fatto prediligere un metodo ad un altro? «Sin da quando mi sono avvicinato al mezzo fotografico ho quasi sempre scattato in pellicola, specialmente in bianco e nero, per avere maggior controllo poi in camera oscura. Alla nascita di questo progetto ho trovato naturale affrontarlo in questo modo, quasi per mantenere inalterato il mio approccio al soggetto/oggetto che mi sono poi trovato davanti». Luca Iovino ha voluto rendere visibile ciò che lega tutti noi alla nostra terra Quali e quanti tipi di ricerca hai dovuto affrontare prima di poter riportare alla luce le immagini che ci raccontano di una delle tante identità della città partenopea? «Tendo ad avere un approccio piuttosto culturale quando decido di cominciare un progetto. Cerco letture, documentazioni e riferimenti cinematografici e letterari per assimilare sempre più impressioni che in qualche modo possano influenzare poi il mio sguardo. Nel caso di “Noi che siamo Carne” ho cercato il più possibile di approcciarmi prendendo dei punti di riferimento, dei punctum che secondo me erano il punto nevralgico del rapporto tra il […]

Scampìa Felix nasce con la voglia di contrastare un’immagine. Nasce con la necessità di poter consegnare alle generazioni future il sapere, quello di Felice Pignataro che vive ancora lì a Scampia, nei suoi murales, nelle sue idee, nei volti dei suoi amici, nei sorrisi di chi ha imparato a costruire qualcosa perchè qualcuno gliel’ha insegnato. Il film uscirà ufficialmente il 20 maggio 2017 e sarà proiettato all’Auditorium “Fabrizio De Andrè” di Scampia e sarà disponibile in download on demand dal sito Openddb.it. Francesco Di Martino capì cosa c’è a Scampia e ha voluto raccontarlo con un documentario. Nella pagina web dedicata al film c’è scritto che sei un fotografo freelance, non ti senti regista? «Nasco come fotografo però sono diventato un cineasta, un documentarista – più che regista – con il mio primo documentario. Subito dopo il 2006, seguendo un gruppo di amici per i quali fui il fotografo di scena, scoprii il mondo dell’immagine in movimento, il cinema, e lì, sono rimasto fottuto praticamente!» Come mai hai lasciato così tanto spazio alle immagini, ai suoni, anzichè alle parole, per lanciare la campagna di crowdfunding di Scampìa Felix aperta fino al 19 maggio? «Penso semplicemente che le immagini a volte siano molto più potenti delle parole, quindi la mia scelta di montare il trailer solo con la musica degli ‘o Rom, che tra l’altro è il gruppo napoletano che ha composto  il  brano “Scampìa Felix”, è stata dettata proprio da questo. Ho avuto voglia di far incuriosire la gente che purtroppo ha sempre la stessa idea di Scampia. Non riesco a dimenticare tutte le volte che qualcuno sapeva che andavo a Scampia, al mio ritorno mi chiedeva se era andato tutto bene, se avessi trovato qualche problema, se era vero quello che si dice. Far vedere queste immagini di una Scampia colorata e in festa è stata una delle cose principali su cui ho voluto puntare anche nel trailer, qualcosa che nessuno si aspetta perchè tutti conoscono l’immagine di una Scampia già raccontata». Come sei arrivato a Scampia? «Come sono arrivato a Scampia? Nel 2009 fui invitato al cineforum del Gridas per presentare il mio primo documentario che era da poco uscito. Bisogna ricordare che era il periodo in cui si parlava tanto di Gomorra, il libro di Saviano. Avevo un’idea ben precisa di Scampia: un quartiere difficile, poco sicuro, ovvero ciò che si sapeva. Martina Pignataro e Mirella La Magna, accogliendomi, mi fecero conoscere Scampia, facendomi entrare in contatto con tutte le realtà associative che lavorano lì. Entrai subito in contatto con la figura di Felice Pignataro, il padre di Martina, attraverso le tracce che lasciò e le persone che con lui hanno lavorato a Scampia. Quando rientrai in Sicilia capii che se non fossi mai andato, avrei per sempre avuto un’immagine di Scampia, quella che sempre ci hanno raccontato». Scampìa Felix non è solo un documentario sul carnevale del Gridas, è soprattutto l’immagine della voglia di far conoscere i colori di Scampia Pur non facendo parte della comunità locale di Scampia, come ti sei approcciato a quei luoghi e come hai decodificato […]

IN-TAGLIO è una collettiva che sarà in mostra fino al 15 maggio, curata da Liz Gordon; le opere animeranno Villa Di Donato, in piazza Sant’Eframo Vecchia a Napoli. Presentata da Art 1307, istituzione culturale fondata nel 2007 a Napoli e che si occupa di promuovere le arti visive a livello internazionale, IN-TAGLIO fa emergere la potenza delle abilità manuali degli artisti chiamati in causa: italiani, giapponesi e statunitensi.  Dal 2007 al 2017, dieci anni di attività segnati dal profondo legame con l’arte e gli artisti che ne sono fautori, Art 1307 festeggia con IN-TAGLIO il suo lavoro  Nicola Torcoli, nella grande sala attigua all’ingresso, espone le sue opere che sono il frutto di un lavoro di ricucitura tra parti di tele colorate. Le opere composte da tante strisce colorate raccontano, come con tanti frame, una storia nuova, anche di città immaginarie. Nella stessa sala, il californiano Richard Aber ha portato in mostra i suoi tessuti ricuciti come scandole. Scompone lo spazio cercando di rendere visibili anche le linee sghembe, suggerendo, con le sue policromie, luci ed ombre che sottolineano un lungo lavoro di studio legato alla scomposizione delle superfici in uno spazio a tre dimensioni. Seguendo il percorso suggerito dall’allestimento degli artisti di IN-TAGLIO, si arriva ad una parete dove una lunga linea spezzata viene piegata segnando con i suoi frammenti colorati la scansione temporale per la sua percorrenza con lo sguardo. Syuta Mitomo ci dà la possibilità di creare il nostro viaggio personale, lungo una strada colorata e adeguatamente calibrata allo spazio che lo ospita. Emilia Castioni con il taglio laser seziona le sue fotografie, le rende scomposizioni possibili, con realtà immaginarie che impongono una riflessione verso il surrealismo. Figure mobili escono dalle foto per essere riadattate in paesaggi fittizi. Emergono idee e pensieri quasi onirici. Vengono  mescolate le tecniche per l’elaborazione proprie della fotografia digitale alla realtà tangibile, fuori dallo schermo di un PC. Carla Viparelli con la sua installazione video ci riporta alla visione della necessità di una realtà da ricostruire partendo dalla natura e da ciò che essa ci offre. La ricostruzione dopo la demolizione, l’unione dopo la separazione, sembrano essere i suoi temi nell’intervento per IN-TAGLIO. Come una gradita sorpresa osserviamo con attenzione le opere nella sala d’ingresso, scopriamo di trovarci in un percorso verso le origini. Diane Silver chiude, e apre allo stesso tempo, l’esposizione. I ritagli che fuoriescono dai tubi, quasi come a voler richiamare una fontana monumentale, riportano la sintesi del codice binario. Le sue opere a parete sono un chiaro riferimento alle acque del Mediterraneo che bagnano la città partenopea.

Fino al 10 luglio è in mostra presso il Museo di Capodimonte Picasso e Napoli: Parade a cura di Sylvain Bellenger, Direttore generale del Museo e Real Bosco di Capodimonte, e di Luigi Gallo. La mostra può essere letta come il racconto in primo luogo di un viaggio, la tappa di un percorso che Picasso fece per raggiungere ciò che oggi ben conosciamo. La narrazione è soprattutto la restituzione grafica del periodo di permanenza nell’area napoletana: schizzi, fotografie, dipinti e souvenir. L’insieme di tante fonti d’ispirazione per Parade, ma non solo, basti pensare agli spunti del toro per la Guernica. Parade è un balletto di un sol atto scritto da Léonide Massine, su poema di Jean Cocteau, musiche di Satie e costumi e scenografie di Picasso. La Prima Guerra Mondiale aveva la miccia più che accesa, era il 1917. Picasso lavorò con la voglia di ricercare la soglia di rottura con le avanguardie del primo ventennio del ‘900, con la volontà di riaffacciarsi ad una forma d’arte che necessariamente doveva guardare al futuro con leggerezza, pur strizzando l’occhio al passato, quasi come una forma di adulazione. Picasso, Parade e il nuovo linguaggio Quando Picasso iniziò a lavorare a Parade era il 1916, era già famoso per il suo cubismo, sentì la necessità di parlare d’altro, con un altro linguaggio. I suoi amici Braque e Apollinaire furono chiamati alle armi, e la sua Eva morì improvvisamente. Nell’autunno del 1905 decise di iniziare a lavorare con Cocteau ad un balletto, anche grazie a i legami instaurati nel tempo con i Ballets Russes e l’impresario Sergej Diaghilev. Nella mostra i bozzetti provenienti dal Musèe Picasso di Parigi riescono a far seguire il percorso creativo che portò l’artista alla realizzazione dell’opera. Un cavallo, la ragazzina americana, il cinese, l’acrobata e i managers, sono i protagonisti della Parade rievocando le parate di un tempo, quelle che ritroviamo anche nel mondo felliniano – famosa è quella di Otto e mezzo. Parade è anche la più grande delle opere di Picasso esposta nel salone del Museo di Capodimonte, 17m di lunghezza per 11m di altezza. Il salone da ballo, con le sue pareti decorate e gli immensi lampadari, è tutto dedicato al sipario del balletto che fu messo in scena il 18 maggio 1917 al Théatre du Chalet di Parigi. Picasso durante il suo soggiorno in Italia si stabilì a Roma, visitò anche Napoli assieme al suo amico Cocteau che lo invogliò con una ormai celebre frase: «Sì è vero, a Roma c’è il Papa, ma a Napoli c’è Dio». A Napoli era molto diffuso il teatro di strada, con gli spettacoli di pupi e marionette. Si avvicinarono inoltre all’arte pompeiana e alla tradizione iconografica partenopea. A Napoli Picasso riconobbe il valore dell’antico e riuscì a guardarlo come un tutt’uno con la cultura popolare. Nel sipario di Parade, si ritrova tutto il suo viaggio italiano: la commedia dell’arte, i drappi rossi che fungevano da quinte nelle rappresentazioni con le marionette, le colonne classiche, si scorge persino l’essenza del […]