Itaca Reveski – 20:venti, una canzone scritta a cento mani Gianmarco Ricasoli, compositore, produttore e chitarrista romano è l’ideatore di 20:venti, un brano che uscirà il 3 maggio sulle piattaforme digitali, pensato, scritto e composto da più di cento mani durante il periodo di quarantena. Utilizzando come social instagram, Gianmarco ha proposto di scrivere una canzone insieme ai suoi followers, rendendoli protagonisti del brano: attraverso diverse fasi di creazione, il popolo di instagram ha potuto votare riff di chitarra, proporre parole e pensieri per la costruzione di strofa e ritornello, scegliere quale testo fosse più adatto per mettere nero su bianco le emozioni del momento storico che stiamo vivendo. Il progetto si è sviluppato in diverse settimane di lavoro ed uscirà sotto il nome di Itaca Reveski, alter ego artistico di Gianmarco; 20:venti sarà accompagnato da un video, che ancora una volta vedrà partecipare la community di instagram. 20:venti, l’intervista a Gianmarco Ricasoli Scrivere una canzone con l’aiuto dei followers di Instagram. Come nasce l’idea e come hai strutturato l’organizzazione: riff, testo, elaborazione di 20:venti? L’idea nasce un po’ per caso, come quelle idee che quando ti sfiorano per la prima volta, è come se fossero state lì da sempre. Dopo una diretta Instagram all’inizio della quarantena mi è apparso questo pensiero nella mente, “e se invece di fare live streaming mentre suono facessi una live streaming in cui scriviamo un pezzo tutti insieme?”. Poi l’idea si è evoluta e ha cambiato formato, inizialmente ho fatto una storia dove chiedevo di scegliere tra due riff musicali per scrivere una canzone tutti insieme. Pian piano si è evoluta ed è diventata: scelta tra i riff di introduzione, strofa, ritornello, special; pensieri, sensazioni, frasi ed emozioni attraverso il box “scrivi qualcosa” nelle stories (ho guidato tutti attraverso una fase intermedia chiamata “emotional workout” in cui parlavo di film o serie tv che mi ricordavano le emozioni che stiamo vivendo); dopo aver organizzato tutte le frasi e creato quattro testi diversi con le frasi di tutti, torneo tra i testi con due semifinali e una finale. Scelta del titolo con brainstorming collettivo in diretta Instagram e poi sondaggio tra due opzioni. Cosa è significato per te lavorare “da solo” supportato dalle mani e dalle idee di tante persone diverse? Quali sono state le sfide più complesse e quali invece i punti di forza che ti hanno reso sicuro che questa fosse una buona idea? Non ti nego che in certi momenti ho pensato di non potercela fare. Nella fase musicale è stato tutto molto fluido, io creavo due riff e le persone sceglievano quale gli piaceva di più, pensando che sarebbe dovuto venire dopo quello scelto il giorno prima. Nella fase della scrittura del testo ho ricevuto più di 100 frasi. Ho pensato “cavolo, mi sa che mi son messo nei guai, ma guai grossi!”. Ho preso un quaderno, da IG ho ricopiato tutte le frasi, una ad una, per sentirle “mie”. Già questo processo mi ha aiutato a sciogliere dei nodi che […]

Jesse The Faccio, musicista padovano, dal sound lo-fi e dal cuore di cantautore italiano. Verde è il suo secondo album, che racchiude in trenta minuti di ascolto, 11 brani dalle diverse sfumature; si alternano bpm, ritmi, frequenze, mentre due cerniere articolano il disco: due brani omonimi, Verde e Verde pt.2, infatti, stabiliscono la linea dicotomica che l’artista ha voluto tracciare. Il tutto racchiuso in un colore metaforico portatore di speranza. Nel panorama italiano, Jesse The Faccio si inserisce nella scena underground senza cedere al mercato mainstream, rincorrendo sonorità, atteggiamenti, attitudini punk, lo-fi, fuori dal coro. Cosa significa far uscire un disco in questo momento? Avevamo pensato all’uscita del disco e alla sua promozione, senza immaginare potesse accadere una cosa del genere: abbiamo dovuto improvvisare e ci siamo reinventati. Tra una diretta come release party per sponsorizzare il disco, i CD spediti in giro e il suonare il più possibile sui social, posso dire che l’album è stato ascoltato abbastanza, quindi ci è andata bene. Ovvio, rimanere fermi, senza live, che è la miglior promozione possibile, è sicuramente difficile, però si ha tempo per interviste, live in diretta, e bene o male il prodotto gira. Verde, un disco che contiene due singoli omonimi (parte 1 e parte 2) ed una copertina che non poteva non riprendere questo colore. Cosa rappresenta Verde, perché questo titolo? Avevo raccolto materiale negli ultimi anni ed ho trovato un filone spontaneo in tutto ciò che avevo scritto: tanta speranza, vista da entrambe le parti, ovvero sia dalla parte della consapevolezza e della negazione, sia come unico modo per andare avanti. Da lì l’idea di dividere l’album in due: iniziando dalla negazione totale con Verde, il primo brano del disco, scendendo pian piano, percependo sempre più voglia di speranza, arrivando a Verde pt.2, un divisorio, strumentale che porta a credere sempre più. Il titolo l’ho scelto, poiché per noi italiani, il colore della speranza è il verde, quindi si legava bene al mio filone logico. È un disco diviso in due anche a livello sonoro: la prima parte è più vicina al primo album, un’evoluzione direi; la seconda parte è sperimentazione, con l’inserimento di altri strumenti, giocando di più. C’è un attitudine punk in quello che suoni, anche nei testi, in come i brani vengano cantati. Cosa c’è dietro la costruzione di Verde? Quali riferimenti musicali ti hanno spinto a creare questa sonorità? I riferimenti sono i soliti artisti che hanno influenzato anche il disco precedente, sonorità oltreoceano come Mac Demarco ad esempio; in più c’è il suono dell’Inghilterra in questo album: il post punk inglese degli Idles e degli Shame, che ho ascoltato tanto. La mia è un’attitudine intrinseca, che nasce spontanea nel momento in cui parto da chitarra e voce, poiché sento nella mia mente già quella direzione di suono, anche nei brani più lenti, proprio perché è dentro il mio modo di cantare. Quando ho arrangiato la prima parte del disco, avevo già le idee molto chiare, dato che conosco bene la mia attitudine, […]

«Siamo di fronte ad un lavoro, che live può avere un ottimo riscontro, anche per la scelta degli strumenti, che ben si presta all’esecuzione dal vivo», così scrivevo tempo addietro, nella recensione del disco Acini di Paolo Saporiti. Ad oggi, un concerto live è diventato un vero e proprio disco, fisico e digitale, suonato in trio, in maniera asciutta come il cantautorato vuole. Uscito il 21 febbraio per Orange Home Records, Acini Live è realizzato da Paolo Saporiti insieme al chitarrista Alberto Turra e il batterista Lucio Sagone. L’album è frutto di un live, registrato in presa diretta, che dà la possibilità di comprendere il respiro di una sessione dal vivo di Saporiti: attraverso i commenti dei brani, il rumore di sottofondo, gli scricchiolii degli strumenti, ci si immerge in qualcosa che va oltre l’acustico. Cosa c’è dietro Acini nella versione live? Qual è stata l’esigenza di fare una versione diversa da quella in studio? L’aspetto di questo disco è una forma di celebrazione a quello che è successo. Acini era un disco campionato, fatto in studio, ciò che mi interessava di più era portarlo in giro, insieme al chitarrista Alberto Turra e al battterista Lucio Sagone. Live dopo live sono arrivato, insieme ai musicisti, ad una qualità della sensazione molto alta, avvertivo il bello che accadeva sul palco. L’idea, quindi, è stata quella di fissare un momento, abbastanza inconsapevole di quale sarebbe stato il risultato; sicuramente ero convinto di quello che stava succedendo e di quello che io e gli altri stavamo suonando, ma la riprova del voler stampare l’album in questo modo è stata ascoltare il disco ed essere sicuro di star camminando per la strada giusta. Come affronti un live? Quali canzoni non possono mancare mai, e cosa non può mancare mai in un tuo live? Mi piace molto essere sul pezzo, vale a dire, suonare i brani del disco che ho composto; ho sempre suonato anche canzoni di lavori futuri e ripreso dai dischi vecchi, facendo una scelta tra diversi brani che mi piacciono. Un esempio è Rotten Flowers, che non è presente nel disco live a causa di un problema tecnico. Sono solito, a fine concerto, staccare l’alimentazione e finire in acustico, ed è valso anche per questo concerto qui: ero solo con la chitarra in mezzo al pubblico, ma purtroppo il condizionatore era acceso ed ha disturbato la registrazione. In un mio live non può mancare questa versione acustica; si può condividere l’emozione sottile, è un nuovo linguaggio, che provoca e trasforma: abbassando la soglia del rumore, la gente ti concede un nuovo modo di suonare. Un cantautore, deve essere una persona che chitarra e voce riesce a sostenere una situazione, quindi suonare con gli strumenti che hai. C’è un rituale che fai prima di salire sul palco, come acquisti la concentrazione prima di buttarti nell’esperienza del live? Vari rituali: dato che arrivo dal teatro, sono passato dal tai-chi, continuando con il training di stampo teatrale. In questo momento, mi concedo una sambuca prima […]

Un palcoscenico privo di scenografia, invaso da una luce azzurra proiettata sullo sfondo, che tratteggia, attraverso il gioco d’ombre, una figura al centro della scena: una donna, dai capelli legati, con le mani lungo i fianchi, che recita, senza l’esigenza di una dizione perfetta, puntando alla battuta, alla risata, utilizzando l’arma più efficace per ottenere un risultato positivo: il racconto della quotidiana verità. È Geppi Cucciari ad indossare i panni dell’unica monologante dello spettacolo Perfetta, scritto e diretto da Mattia Torre in scena la Teatro Diana di Napoli lo scorso 27 gennaio; la protagonista è una venditrice d’automobili, moglie di un uomo-pianta, apatico e gentile, madre di due figli e sopportatrice di una suocera gastronomicamente invadente, che racconta con straordinaria semplicità quattro martedì del mese, quattro giorni che scandiscono le fasi del ciclo mestruale di una donna, rendendola sempre diversa nel modo di approcciare alla vita privata ed alla vita lavorativa. La stessa comica sarda preannuncia, dopo un breve excursus sul traffico che avvolge i pensieri, quale sarà la modalità di narrazione dell’atto teatrale: sarà la sola a raccontare quattro martedì che compongono un mese, affrontati in misura delle fasi del ciclo, decretando come la macchina perfetta che rende la donna diversa dall’uomo, cambi e regoli gli stati d’animo, le passioni, il raggiungimento degli obbiettivi. Si parte con un cambio di luci, un rosso sempre più fiammante colora lo sfondo, segnando l’inizio della prima fase ciclica: giorno 7, fase: mestruazioni. Sull’onda del “non devo piangere”, “non devo piangere” e “puntualmente piango, ho il ciclo da un’ora”, Geppi Cucciari racconta com’è vivere durante i giorni del mestruo, descrivendo con vivacità e poca attitudine alla sopportazione tutto ciò che la circonda: a partire dal marito, definito un uomo pianta, che non si aspetta più nulla dalla vita, forse per questo a tratti moralmente superiore, rispetto alla nevroticità della moglie, continuando con Carmen, la collaboratrice domestica, in grado di rispondere esclusivamente con un passivo “si signora”, proseguendo con il luogo di lavoro, in cui la difficoltà a concludere la vendita di macchine è data dall’insofferenza dettata dal ciclo stesso, che rende la donna “immersa nell’acqua” senza possibilità di respiro, terminando con la suocera a cena, depressa e ammiratrice della cucina partenopea al punto di propinare una genovese tale da “deprezzare l’immobile”. Fortuna vuole che i giorni passino e il calendario segni il 13 del mese, la seconda fase, chiamata follicolare. Tutto è in rinascita, si apprezza il bello, si aspetta senza batter ciglio, anche il fioraio lento lentissimo nel confezionare i fiori; ogni possibilità di successo è resa possibile: Geppi racconta di vendere macchine su macchine, utilizzando tecniche persuasive che si muovono al motto di “quest’audi ha ucciso la sinistra italiana, tutti hanno iniziato a dire la voglio pur io”; così descrive quella che è la primavera tra le quattro fasi del ciclo: uno sbocciare di desideri, una manciata di sì, che si conclude con un marito-pianta utilizzato come “oggetto sessuale a mio piacimento”. La terza fase risponde al nome di ovulatoria ed […]

Monologhi è il primo EP di Ivo Mancino, cantautore di Pozzuoli, classe 1998. Composto di 5 canzoni registrate unplugged presso Apogeo Records, l’album è un racconto teatrale, nudo e crudo, fatto di pensieri diversi e prospettive differenti, intessuto di cantautorato italiano, chitarra e voce, malinconia del passato, necessità di mostrare di avere una voce, una voce che dice e sa cosa dire. Intervista ad Ivo Mancino Un EP acustico, voce e chitarra, anacronistico nell’era del suono elettronico, del riempimento di ogni spazio all’interno di un brano. Come nasce l’idea di un EP unplugged? Esigenza o scelta? Dall’esigenza è nata una scelta. Trovandomi da solo a suonare e non avendo musicisti che mi accompagnano, ho deciso di dirigermi verso canzoni autosufficienti, cercando di arrangiarle in modo che bastassero da sole, nude e crude, come erano nate. L’ho scelto anche per una questione di gusto: ho sempre prediletto quel tipo di rappresentazione intima del cantautorato, chitarra e voce, poiché sono cresciuto ascoltando cantautori che si esibiscono unplugged. Infine, perché la mia performance live potesse essere fedele al mio EP, Monologhi. Quali aggettivi utilizzerebbe Ivo Mancino per descrivere la tua musica? Perché? 
È difficile, secondo me, azzardare incasellamenti riguardo la musica. Credo che la mia musica sia varia ma, più che utilizzare aggettivi, azzardo, dicendo i sentimenti che porto nelle mie canzoni: malinconia e speranza. Un po’ tutti noi cantautori ci trasciniamo questo velo di malinconia che pervade ogni musica e ogni testo, in fondo l’arte nasce da un dolore e da una mancanza. L’importante è sapere che c’è uno spiraglio di redenzione, appunto la speranza che tutto possa cambiare ed andare nel verso giusto. Qual è il compito del cantautore in questo secolo? Tu che obiettivi ti sei prefissato? Credo che il cantautore si sia un po’ perso: io l’ho sempre visto come un artigiano, uno scrittore di libri, un pittore. L’artigiano si è perso dietro Poltrone e Sofà, lo scrittore nei Talk Show stile Barbara D’Urso, il pittore nelle grafiche pubblicitarie. Il cantautore dietro certe cifre stilistiche discutibili o, forse, dietro un tipo di musica funzionale. Metto in discussione la parola cantautore, dove già dal nome, il centro erano gli argomenti: un determinato tipo di musica e parole. Oggi, il compito del cantautore è ritornare ad avere una certa autorevolezza ed importanza, senza essere anacronistico. Io, da cantautore, racconto storie, senza pormi obiettivi, perché è un’urgenza, un’emergenza che parte da me, con la speranza che gli altri la recepiscano: un amo che io getto, affinché l’altro possa cogliere nel piccolo, nel dettaglio, una breccia. La tua voce ha molte sfumature blues, si possono percepire anche nella costruzione melodica ed armonica diverse influenze. Quali sono i pilastri musicali da cui attingi? Quanto è importante per te avere dei riferimenti? Il blues è la musica dell’anima ed io sono cresciuto ascoltando blues; in primis perché sono un appassionato di chitarristi di questo genere: ho ascoltato BB King, Stevie Ray Vaughan ed anche il loro modo di cantare mi ha influenzato… mi viene da […]

Viaggiare in continenti e mondi nuovi pur restando fermi. È questa la sensazione che pervade il corpo e la mente dopo aver ascoltato live Azul, un progetto partenopeo di inediti, ideato da Marilena Vitale (Fede ’n Marlen) e Dario di Pietro, accompagnati da Enrico Valanzuolo alla tromba e Riccardo Schmitt alla batteria e percussioni. Live d’esordio nel cuore del Vomero, allo Slash+, per presentare il primo EP omonimo, composto da 6 brani, prodotto da Apogeo Records in distribuzione dal 6 dicembre sia in copia fisica, che in forma digitale. Già il nome della band sposta il baricentro percettivo: Azul è infatti una parola berbera (Tamazight) che significa “Vieni verso il mio cuore”; in queste quattro lettere è racchiuso il profumo di Napoli, la scoperta di luoghi sempre nuovi, l’idea di apertura e mescolanza tra culture e vite. In un panorama musicale che pone l’accento sull’io, Azul sposta la chiave di lettura sul “noi”, cittadini del mondo. È una musica senza confini, quella di Azul: una musica che ha il giusto balance di parole e parte strumentali, un mix perfetto per poter essere trasportati in una dimensione diversa dal mainstream europeo, lontana dal cantautorato, lontana dal preconfezionato. Azul ha una sonorità che brilla e si fa riconoscere prepotentemente; nell’ EP infatti è proprio il suono a delinearsi traccia dopo traccia, fino a diventare il marchio distintivo dell’intero progetto. È un disco impregnato di musicalità, costruito da strumenti che si incastrano gli uni agli altri, ognuno al suo posto, eppure talmente ben amalgamati da non poter pensare un arrangiamento diverso. La voce di Marilena è un prezioso regalo, arriva diretta, senza bisogno di interpreti, in una lingua sempre diversa, che impasta lo spagnolo, il napoletano e l’italiano, creando una connessione di culture e di modus vivendi. Marilena guida l’ascoltatore attraverso le sue parole, poi lascia spazio agli strumenti, che prendono per mano e portano in nuove atmosfere; basta chiudere gli occhi, aprire le orecchie per iniziare un viaggio. Sul palco non soltanto alla voce e chitarra Marilena Vitale, alla chitarra Dario di Pietro, alla batteria Riccardo Schimtt e alla tromba Enrico Valanzuolo, ma anche il bassista Mirko Grande. Dopo aver presentato le sei tracce dell’EP, Azul si cimenta in alcune cover come “Talisman” di Rosana, e “Quizás, quizás, quizás” di Osvaldo Farrés, che raccontano il background musicale del progetto, chiudendo con Anda Levanta, un brano non presente nel disco, molto ritmato e ballabile, che come suggerisce il titolo è un invito al “muoversi e vivere”. Al centro del live c’è il divertimento: sguardi tra i musicisti, richiami, codici, che rendono piacevole l’esibizione e confermano l’idea di un progetto volto allo scambio. I sei inediti dell’EP vengono eseguiti nello stesso ordine della tracklist; il primo è Multiverso, unico brano interamente in italiano, che senza intro, apre le porte ed invita nel mondo musicale di Azul, nel quale Marilena è cantastorie, mentre la tromba è filo conduttore di melodia. Segue Contestas, la canzone che emana più luce, sicuramente ascoltandola si compie un viaggio: si cercano ricordi […]

1995, Sicilia: sono queste le coordinate spazio temporali di Gian Marco Castro, pianista dall’età di 11 anni, compositore di premiate colonne sonore e di musica contemporanea. Ha all’attivo un EP “Healing” e un album intitolato Out of the past, uscito con l’etichetta discografica INRI Classic: due tasselli di un puzzle che aspetta il proprio completamento con un concept album. Al centro di questa trilogia, il tema del viaggio: un viaggio che interseca ispirazioni e esperienze, fondendo il modello di piano solo all’elettronica. Gian Marco Castro, come ti sei avvicinato alla composizione? Cosa significa per te comporre? Ho iniziato come pianista ed ho intrapreso lo studio del pianoforte ad 11 anni, quando frequentavo le scuole medie. Sono poi entrato al conservatorio e da quel momento c’è stato un cambio repentino di idee: mi sono dapprima avvicinato alla composizione, poi alle colonne sonore e alla musica contemporanea, approcciando un nuovo percorso di studio fatto di elettronica e elettroacustica. A 18-19 anni ho composto demo per colonne sonore: è così che ho conosciuto Riccardo Cannella, regista di Palermo, con cui ho collaborato per alcuni suoi lavori. Grazie a lui ho avuto modo di ascoltare Richter, appassionandomi sempre più alla musica contemporanea; infatti è dal 2016 che scrivo brani strumentali contemporanei. Out of Past è il mio ultimo album, secondo di una trilogia che ha come tematica il viaggio e che aspetta il 2020-2021 per concludersi con l’ultimo progetto: un concept album. Riguardo la composizione, per me è un continuo trasformare le mie emozioni in musica; tutto influenza la mia ispirazione ed il mio stile compositivo: i luoghi che visito, le persone, gli eventi, ciò che mi circonda. Gian Marco Castro, uscire con INRI Classic è un grande biglietto da visita. Quali sono stati i passi che ti hanno permesso questa collaborazione? Ero su Instagram, sono incappato nelle stories di Levante, siciliana come me, di cui apprezzo tanto la musica; curioso di sapere da quale etichetta fosse prodotta, ho poi avuto modo di scoprire che la INRI aveva anche un reparto neoclassico. Così ho inviato il materiale alla INRI Classic, credendo fosse un messaggio spedito per caso, invece dopo circa due mesi ho ricevuto una risposta: erano interessati alla mia musica e mi hanno richiesto altre demo. Da lì un contratto, un’esperienza molto entusiasmante, che mi ha dato fiducia, perché quando un’etichetta così importante apprezza la tua musica, davvero avverti di essere sulla strada giusta. La mia idea era quella di produrre un EP, la INRI mi ha chiesto un album e per me è stata un richiesta positiva: ho arricchito il mio progetto, trasformandolo con brani composti appositamente, che ormai sono i preferiti di tutto il disco. Se dovessi scegliere due brani del tuo album per far entrare l’ascoltatore nel tuo mondo, quali sceglieresti? Sceglierei Through your eyes poiché è un brano piano solo: sono nato come pianista, il pianoforte è la base della mia musica;  affiancherei a questa scelta Fall is coming, un brano che ha il pianoforte, ma anche gli archi, […]