Viaggiare in continenti e mondi nuovi pur restando fermi. È questa la sensazione che pervade il corpo e la mente dopo aver ascoltato live Azul, un progetto partenopeo di inediti, ideato da Marilena Vitale (Fede ’n Marlen) e Dario di Pietro, accompagnati da Enrico Valanzuolo alla tromba e Riccardo Schmitt alla batteria e percussioni. Live d’esordio nel cuore del Vomero, allo Slash+, per presentare il primo EP omonimo, composto da 6 brani, prodotto da Apogeo Records in distribuzione dal 6 dicembre sia in copia fisica, che in forma digitale. Già il nome della band sposta il baricentro percettivo: Azul è infatti una parola berbera (Tamazight) che significa “Vieni verso il mio cuore”; in queste quattro lettere è racchiuso il profumo di Napoli, la scoperta di luoghi sempre nuovi, l’idea di apertura e mescolanza tra culture e vite. In un panorama musicale che pone l’accento sull’io, Azul sposta la chiave di lettura sul “noi”, cittadini del mondo. È una musica senza confini, quella di Azul: una musica che ha il giusto balance di parole e parte strumentali, un mix perfetto per poter essere trasportati in una dimensione diversa dal mainstream europeo, lontana dal cantautorato, lontana dal preconfezionato. Azul ha una sonorità che brilla e si fa riconoscere prepotentemente; nell’ EP infatti è proprio il suono a delinearsi traccia dopo traccia, fino a diventare il marchio distintivo dell’intero progetto. È un disco impregnato di musicalità, costruito da strumenti che si incastrano gli uni agli altri, ognuno al suo posto, eppure talmente ben amalgamati da non poter pensare un arrangiamento diverso. La voce di Marilena è un prezioso regalo, arriva diretta, senza bisogno di interpreti, in una lingua sempre diversa, che impasta lo spagnolo, il napoletano e l’italiano, creando una connessione di culture e di modus vivendi. Marilena guida l’ascoltatore attraverso le sue parole, poi lascia spazio agli strumenti, che prendono per mano e portano in nuove atmosfere; basta chiudere gli occhi, aprire le orecchie per iniziare un viaggio. Sul palco non soltanto alla voce e chitarra Marilena Vitale, alla chitarra Dario di Pietro, alla batteria Riccardo Schimtt e alla tromba Enrico Valanzuolo, ma anche il bassista Mirko Grande. Dopo aver presentato le sei tracce dell’EP, Azul si cimenta in alcune cover come “Talisman” di Rosana, e “Quizás, quizás, quizás” di Osvaldo Farrés, che raccontano il background musicale del progetto, chiudendo con Anda Levanta, un brano non presente nel disco, molto ritmato e ballabile, che come suggerisce il titolo è un invito al “muoversi e vivere”. Al centro del live c’è il divertimento: sguardi tra i musicisti, richiami, codici, che rendono piacevole l’esibizione e confermano l’idea di un progetto volto allo scambio. I sei inediti dell’EP vengono eseguiti nello stesso ordine della tracklist; il primo è Multiverso, unico brano interamente in italiano, che senza intro, apre le porte ed invita nel mondo musicale di Azul, nel quale Marilena è cantastorie, mentre la tromba è filo conduttore di melodia. Segue Contestas, la canzone che emana più luce, sicuramente ascoltandola si compie un viaggio: si cercano ricordi […]

1995, Sicilia: sono queste le coordinate spazio temporali di Gian Marco Castro, pianista dall’età di 11 anni, compositore di premiate colonne sonore e di musica contemporanea. Ha all’attivo un EP “Healing” e un album intitolato Out of the past, uscito con l’etichetta discografica INRI Classic: due tasselli di un puzzle che aspetta il proprio completamento con un concept album. Al centro di questa trilogia, il tema del viaggio: un viaggio che interseca ispirazioni e esperienze, fondendo il modello di piano solo all’elettronica. Gian Marco Castro, come ti sei avvicinato alla composizione? Cosa significa per te comporre? Ho iniziato come pianista ed ho intrapreso lo studio del pianoforte ad 11 anni, quando frequentavo le scuole medie. Sono poi entrato al conservatorio e da quel momento c’è stato un cambio repentino di idee: mi sono dapprima avvicinato alla composizione, poi alle colonne sonore e alla musica contemporanea, approcciando un nuovo percorso di studio fatto di elettronica e elettroacustica. A 18-19 anni ho composto demo per colonne sonore: è così che ho conosciuto Riccardo Cannella, regista di Palermo, con cui ho collaborato per alcuni suoi lavori. Grazie a lui ho avuto modo di ascoltare Richter, appassionandomi sempre più alla musica contemporanea; infatti è dal 2016 che scrivo brani strumentali contemporanei. Out of Past è il mio ultimo album, secondo di una trilogia che ha come tematica il viaggio e che aspetta il 2020-2021 per concludersi con l’ultimo progetto: un concept album. Riguardo la composizione, per me è un continuo trasformare le mie emozioni in musica; tutto influenza la mia ispirazione ed il mio stile compositivo: i luoghi che visito, le persone, gli eventi, ciò che mi circonda. Gian Marco Castro, uscire con INRI Classic è un grande biglietto da visita. Quali sono stati i passi che ti hanno permesso questa collaborazione? Ero su Instagram, sono incappato nelle stories di Levante, siciliana come me, di cui apprezzo tanto la musica; curioso di sapere da quale etichetta fosse prodotta, ho poi avuto modo di scoprire che la INRI aveva anche un reparto neoclassico. Così ho inviato il materiale alla INRI Classic, credendo fosse un messaggio spedito per caso, invece dopo circa due mesi ho ricevuto una risposta: erano interessati alla mia musica e mi hanno richiesto altre demo. Da lì un contratto, un’esperienza molto entusiasmante, che mi ha dato fiducia, perché quando un’etichetta così importante apprezza la tua musica, davvero avverti di essere sulla strada giusta. La mia idea era quella di produrre un EP, la INRI mi ha chiesto un album e per me è stata un richiesta positiva: ho arricchito il mio progetto, trasformandolo con brani composti appositamente, che ormai sono i preferiti di tutto il disco. Se dovessi scegliere due brani del tuo album per far entrare l’ascoltatore nel tuo mondo, quali sceglieresti? Sceglierei Through your eyes poiché è un brano piano solo: sono nato come pianista, il pianoforte è la base della mia musica;  affiancherei a questa scelta Fall is coming, un brano che ha il pianoforte, ma anche gli archi, […]

Mostra del Cinema di Venezia: la 76esima edizione Appuntamento annuale a Venezia Lido per la Mostra Internazionale d’Arte Cinematografica, che arriva alla sua 76esima edizione ed assegna il prestigioso Leone d’oro a Joker di Todd Phillips con tanto di ovazione a Joaquin Phoenix per la sua interpretazione. Venezia, quest’anno più degli scorsi anni, è fotografabile come un insieme di lingue, nazioni, personaggi uniti dall’universalità del linguaggio cinematografico, ma al contempo la 76esima edizione si ricorderà per le tematiche e  le vicende d’interesse mondiale affrontate. In un contesto culturale come quello della Mostra del Cinema di Venezia, poco prima della cerimonia di apertura, il red carpet è stato occupato da 300 attivisti per il clima, che hanno posto l’attenzione sul tema delle Grandi Navi in laguna, ed ancora, a chiusura del Festival, l’attore romano Luca Marinelli ha dedicato il premio ricevuto, la Coppa Volpi per la miglior interpretazione maschile, a tutte le persone in mare che salvano le vite umane, ricordando ancora una volta la delicata faccenda umanitaria che da tempo affligge l’intera Europa. La giuria, presieduta dalla regista argentina Lucrecia Martel, ha assegnato a Ji Yuan Tai Qi Hao il premio per la Miglior sceneggiatura, No. 7 Cherry Lane; Ariane Ascaride vince la Coppa Volpi per la miglior interpretazione femminile con Gloria Mundi; Roman Polanski vince il Gran premio della giuria, per il film J’accuse. Il film vincitore del Leone d’oro (Joker), che uscirà nelle sale italiane il prossimo 3 ottobre, ha come protagonista Joaquin Phoenix, che interpreta il famoso antagonista di Batman. Ambientato nel 1981 è il racconto di Arthur Fleck, un comico squattrinato di Gotham City, passato alla storia come Joker. A suggellare l’eleganza della 76esima edizione, Alessandra Mastronardi, madrina della Mostra del Cinema: perfettamente calzante nel ruolo, durante la serata conclusiva ha aperto le premiazioni con un discorso semplice quanto veritiero: «Non pensavo che sarebbe stata un’esperienza così potente. Io auguro a tutti di tenere stretti i ricordi, le poesie, i personaggi e i paesaggi di questa edizione del festival. Proprio come farò io, che ho capito, una volta di più, perché faccio il mestiere dell’attrice: per emozionare». Look eterogenei e variegati, attori ed attrici che si sono avvicendati sul red carpet stregando obbiettivi a colpi di stile e sorrisi: dall’abito rosso fiammante di Scarlett Johansson, che con i capelli sciolti effetto bagnato tirati all’indietro e trucco smokey ha dominato l’esercito di fotografi, a Kristen Stewart, attesissima al Lido, che ha mescolato il suo stile punk rock di sempre con un abito lungo di Chanel a stampa floreale. Quest’anno colpisce particolarmente anche la presenza di influencer, invitate dai brand, che hanno raccontato attraverso le proprie stories di Instragram l’esperienza del Red Carpet, favorendo così l’integrazione di una fetta di pubblico che ha sempre visto la Mostra del Cinema di Venezia come un evento troppo lontano e irraggiungibile. Un esempio è stato il Red Carpet di Annie Mazzola (influencer e speaker radiofonica per Radio 105) e Cristina Fogazzi, conosciuta dai più con il nome di Estetista Cinica, che domenica 1 settembre hanno sfilato sull’amato tappeto rosso grazie […]

Atacama!, l’ultimo progetto musicale di Alessio Arena è un disco “pieno”: pieno di lingue, di tematiche differenti, di emozioni contrastanti. La sua comunicazione è una comunicazione pura, che non ha bisogno di tanti segnali e indicazioni; ne è testimonianza la pluralità di lingue che utilizza nel suo ultimo disco: la presenza di italiano, spagnolo, napoletano diventa uno strumento potentissimo in grado di amalgamare suoni e musicalità, come se l’autore conoscesse il segreto della ricetta perfetta per coinvolgere chi ascolta. Questo è il quarto disco del cantascrittore ed è stato pubblicato da Apogeo Records (Napoli), edito da Upside srl, distribuito invece da Altafonte Records. Diversi arrangiatori hanno lavorato per scegliere quali fossero i vestiti migliori da cucire addosso alle canzoni di Alessio Arena, tra questi Giovanni Block, Toni Pagès, Rocco Papìa, Bruno Tomasello e Luigi Esposito. Il mix perfetto è proprio la compresenza della diversità, non solo linguistica, ma anche dei luoghi dove il disco ha preso forma: Cile, Barcellona, Napoli, che si fondono in undici tracce. Intervista ad Alessio Arena Se dovessi descrivere questo nuovo album con tre aggettivi, quali sceglieresti e perché? Ibrido, perché unisce tradizioni musicali apparentemente distanti, onesto, perché l’ho inciso così come l’avevo immaginato, senza preoccuparmi di scrivere canzoni ammiccanti, urgente come molte delle tematiche che canto: l’infanzia, il presente, la giustizia sociale, l’amore. Asse Italia – Spagna, come nasce il connubio napoletano, italiano, spagnolo? Quale lingua senti più tua? Sono nato a Napoli, ma da quando avevo sei anni mi sono sempre diviso tra l’Italia e la Spagna, avendo una madre che viveva lì. La mia lingua naturale è il napoletano, quelle culturali, apprese quasi in contemporanea, e che uso parimenti nei miei dischi e nei miei romanzi, sono l’italiano e lo spagnolo. Dove nasce la tua scrittura? Addo’ ‘a ggente me sente. Come vedi il panorama musicale italiano? Quali differenze riscontri con il linguaggio musicale spagnolo? La deriva sociale e culturale di cui tanto si parla in Italia, con il fiorire molesto di movimenti di estrema destra e di un pensiero unico e degradante che affolla i social, è un problema anche spagnolo. Però io vivo in Catalogna e mi pare si debba fare un discorso diverso rispetto al resto del paese. Qui c’è una scena musicale molto viva, e non vanno per la maggiore solo i gruppi buoni per un’estate, ma anche molti progetti con un discorso originale e compromesso. Due canzoni da suggerire a chi non ha mai ascoltato il tuo ultimo lavoro. “Diablada”, una canzone in napoletano costruita su una ritmica tipicamente cilena. E “El hombre que quiso ser canción” (L’uomo che volle essere canzone), una specie di ninnananna dedicata a Federico García Lorca. Perché hai scelto l’Italia, Napoli in particolare, per registrare il tuo album? La storia della registrazione di questo album è piuttosto avventurosa e dura almeno tre anni. Di questa personale Odissea, Napoli non è altro che l’ultima spiaggia. Ma il racconto di “Atacama!” è iniziato nel deserto cileno, poi a Santiago del Cile, dove ho inciso con […]

Appunti sulla felicità, così si intitola il terzo disco di Jacopo Ratini, cantautore eclettico, che attraverso questo nuovo lavoro discografico ha dato vita ad un cantautorato pop, intenso e riflessivo. Appunti, storie da post it, proprie e di altri, raccolte in undici tracce che analizzano tante sfaccettature della vita: dall’accettazione del dolore, alla casualità e causalità, dal focus sui rapporti interpersonali al valore dei silenzi. L’artista romano comincia l’attività di cantautore nel 2007, vincendo numerosi premi e festival nazionali di musica d’autore: Musicultura, il Premio Lunezia, il Tour Music Fest, il Roma Music Festival, Musica Controcorrente, il Premio Note Verdi, il Premio Franco Califano, il Premio Roma Videoclip e Sanremo Lab. Nel 2010 approda al Festival di Sanremo, nella categoria Nuove Proposte con il brano “Su questa panchina”. Ad oggi, ha tre dischi all’attivo: “Ho fatto i soldi facili” (Universal 2010), “Disturbi di Personalità” (Atmosferica Dischi 2013) e “Appunti sulla felicità” (Atmosferica Dischi 2018). Jacopo Ratini è un artista poliedrico, in quanto non solo cantautore, ma anche ideatore del Salotto Bukowski: un reading-musicale tra teatro e canzone, in cui le poesie di Charles Bukowski s’incontrano con gli artisti che hanno reso grande la canzone d’autore italiana. Direttore artistico del Mons a Roma e docente di songwriting. Intervista a Jacopo Ratini Appunti sulla felicità è il tuo terzo album, uscito a Novembre 2018. È un disco che va ascoltato più volte, perché altrimenti si resta nello strato superficiale delle emozioni e non si arriva in fondo, capendo in tutto e per tutto il senso. Partiamo dal titolo: perché Appunti sulla felicità? Che cos’è per te la felicità? Nel titolo ho voluto inserire la parola appunti, perché questo album è un diario di frasi, aforismi, appuntati su post it, che pian piano sono diventati strofe, special, ritornelli. Per quanto riguarda la parola felicità, mi piaceva che rientrasse nel titolo perché io la intendo nell’accezione di serenità vissuta all’interno di un percorso costellato di tappe positive e negative. La felicità è fatta di momenti di vita, routine, abitudini. La somma di tutti questi momenti porta poi alla felicità globale. Devo dire che negli ultimi anni ho imparato ad apprezzare anche i momenti no: prima li allontanavo per paura di star male, adesso invece anche in queste situazioni negative cerco di accogliere ogni cosa e di viverla come parte integrante. Mi aiuta ad accettare la vita e me stesso. Prendere di petto la vita, elaborare un lutto, tornare a sorridere, capire chi nella nostra vita è per noi casa. Tutto autobiografico, oppure ci sono pezzi di storie altrui? Per te cosa è più difficile scrivere: ciò che è dentro di te o quello che è degli altri? Quando ero più piccolo mi veniva più facile parlare di altri: prendevo spunto dalle storie altrui, invece adesso avendo percorso parecchia strada, avendone fatte di cose importanti in questi ultimi anni, avendo vissuto separazioni, lutti, ho cambiato prospettiva. La fine di una storia d’amore, un lutto fisico sono distacchi che possono essere traumatici o che comunque ti cambiano […]

Sugli schermi del cinema, così come in tv, nelle foto, si avvicendano immagini, ricordi a colori o in bianco e nero. Stavolta sono stampati in formato 16:9 e racchiusi in un disco folk, rock firmato per l’etichetta Apogeo Records, autoprodotto, suonato e cantato da Antonio Manco. Uscito due mesi fa, il 15 marzo 2019, Sedici:noni, il nuovo disco di Antonio Manco, descrive canzoni come se fossero fotografie in polaroid, da trasportare in giro per il mondo. L’anima viaggiatrice, che ha bisogno di esprimere tutto il suo mondo interiore, in questo disco esce fuori a 360°, anche supportata da un sound deciso, con toni blues mescolati ad un rock anni ’70, senza tralasciare quello spirito sempre più folk. Sedici noni, dimensione delle foto, del cinema. Coniugare due arti, intrecciandole insieme. Manco, da dove nasce questo disegno? Più che accomunare due arti, è stato naturale utilizzare un’espressione appartenente al mondo della fotografia, questo perché io sono molto legato alle foto, che siano il ricordo di viaggi, oppure legate a un’esperienza di vita di altra natura. L’idea è nata proprio dal voler evocare un ricordo, in particolar modo il ricordo di un viaggio. Quindi c’è stata una volontà più che artistica, umana. Ascoltando le tracce dell’album, una di seguito all’altra, mi sono reso conto di questo legame fotografico e che ogni singola traccia appariva come una singola foto. Il titolo dell’album è nato dopo, nella fase finale. Stavo cercando un titolo, così ho pubblicato su Facebook alcune foto di panorami, ed scrivendo in descrizione: “titolo dell’album?” Un amico, per prendermi in giro, mi dice: “sedici noni” ed io “sei un genio!” Quindi, non è venuto da me, anche se l’idea l’avevo dentro. Ciò di cui ero sicuro era come dovesse suonare l’album: il sound del blues, del folk non poteva mancare. Oltre il ricordo del viaggio, che è facilmente riconducibile come filo rosso dell’album, c’è qualcos’altro che collega i vari brani? La sensazione di rivalsa, che segue un periodo di malinconia, di difficoltà: tocchi il fondo, ma poi inizi a voler risalire e questo ti porta a compiere degli eccessi, poiché hai fame di quello che ti sei perso, e cammini, ma cammini nella direzione opposta: alzi il gomito, fai tardi, arrivi all’estremo. Poi ti fermi. Per me è questo il filo conduttore dell’album: la risalita. Due brani del disco che consiglieresti all’ascoltatore? Da quando è uscito l’album -ed ho avuto modo di vederlo anche in alcuni live- ci sono stati molti feedback positivi per il brano Necessità infernale… anche Federica Vezzo, la frontwoman dei Federa e Cuscini mi ha più volte ripetuto questa preferenza; un’altra canzone, questa volta a gusto mio, a cui sono molto affezionato per mood, è Alibi in Vetro. Manco, qual è stata la canzone più complessa da scrivere? Per scrivere Resilienza ho avuto difficoltà: si tratta di scrivere di battaglie interiori ed è una canzone che sento ancora molto addosso, nonostante sia passato tempo. Capita a volte che alcuni brani dopo un po’ non li senti più sulla […]

Festival di Sanremo 2019: analisi della seconda serata.   “Io non guardo Sanremo” così esordisce la maggior parte della popolazione italiana, ma poi a conti fatti gli ascolti si percepiscono e si quantizzano come positivi, inserendosi in un bilancio altrettanto favorevole dato dal mondo social. Twitter, post, sondaggi sulle stories di Instagram hanno invaso le home di qualsiasi italiano, creando una catena di commenti, scambi di pareri e soliti diverbi. La settimana santa della musica italiana è iniziata e come fosse Carnevale, ogni persona davanti allo schermo della propria TV si traveste da giudice, commentando allo sbaraglio, ipotizzando previsioni, dando pareri e stilando classifiche ed è giusto che sia così, perché in fondo è questo Sanremo: una kermesse canora che attorno a sé ricerca movimento al grido di battaglia “l’importante è che se ne parli”. Prima di commentare la seconda serata, mi sembra doveroso fare una precisazione: Se con Spotify, ai primi secondi di intro, scegliamo cosa sia congeniale alle nostre orecchie e cosa no, con le canzoni di Sanremo dobbiamo deglutire dopo tre minuti e mezzo, ma sopratutto dobbiamo cercare di salvare il buono, se esiste. Siamo davanti ad una kermesse canora, niente di meno niente di più: attraverso questo variopinto quadro di artisti non si rappresentano i gusti musicali degli italiani, per quello ci pensa la Viral 50 di Spotify, ma si rappresenta una fetta di cantanti e cantautori all’attivo sulla scena italiana, niente di più niente di meno. Festival di Sanremo 2019, la seconda serata Sulle note di Noi No si apre la seconda serata del Festival di Sanremo 2019. Una marea di ballerini, vestiti di grigio con i cappucci sulle teste si muovono in una coreografia che fa risaltare rose bianche strette nelle mani dei performer. Baglioni ricorda anche in questa seconda serata che il 69° festival di Sanremo è il festival dell’armonia. Presentati Virginia Raffaele e Claudio Bisio si dà il via con i primi dodici artisti in gara.  Achille Lauro: Non giudicate dalla copertina, perché Achille Lauro non è solo riuscito a stonare anche con l’autotune, ripetendo maniacalmente Rolls Royce, è molto molto altro. Ci troviamo davanti ad un pezzo che non ha voglia di complicarsi la vita, con perenni richiami che rimano tra di loro: Marilyn, Amy. Un riff ben strutturato, glam e per certi versi rock; una voce fuori dal coro. Non sarà bel canto, ma direi che il bel canto l’Italia l’ha lasciato da molto tempo. Einar: A riprendere le fila della tradizione italiana c’è Einar, con un classicone sanremese spento e poco coinvolgente. La linfa del pop italiano sembra aver avuto una battuta d’arresto o semplicemente a Sanremo Giovani si è scommesso sul cavallo sbagliato. Prima gag tra Bisio e Baglioni, punteggiatura e canzoni. Intrattenimento che rende palese un’unica affermazione. Ma quanto è espressivo Bisio?  Il Volo: Mi correggo, questa è la tradizione italiana. Noi italiani agli occhi del mondo siamo Il Volo e tutto quello che è il loro universo musicale. Per noi un cantato superato, ma in fondo sono pur sempre […]