“Questo libro è per tutti. Perché tutti dovrebbero interrogarsi su chi sono, per darsi l’opportunità di vivere l’unica vita che hanno nel miglior modo possibile. E il modo migliore lo si conquista soprattutto con la consapevolezza di sé. Per chi ha fatto un percorso di psicoterapia. Per chi sta pensando di intraprenderlo. E anche per chi vuole solo conoscere un po’ di più della psicoterapia”. Sono le parole incipit della prefazione di “Un viaggio chiamato psicoterapia”, il nuovo libro di Alessandra Parentela e Michela Longo, edito da CTL Editore Livorno e vincitore del premio Miglior Opera Prima al Festival della Cultura di Catania Etnabook 2020. Le autrici si definiscono “due donne che si sono incontrate per caso” ma, come ribadiscono, è proprio il caso talvolta a far iniziare delle storie che lasciano il segno: Un viaggio chiamato psicoterapia ne è la dimostrazione. Prima di addentrarsi nelle 156 pagine che compongono il libro, vi è una filastrocca chiamata “Filastrocca dei mutamenti” scritta da Bruno Tognolini, che ben riassume il fine di un percorso come quello psicoterapeutico e lo esprime in una forma fanciullesca, che rende il concetto ancor più ricordabile. Segue poi la definizione, ovvero ciò che si intende per psicoterapia e successivamente la ramificazione dell’indagine, sviscerando questioni come il perché iniziare una psicoterapia e quali siano gli obiettivi. Fino a circa metà del libro, le redini sono mantenute da una professionista, la psicoterapeuta che attraverso schemi e semplici metafore cerca di far comprendere anche a chi non conosce l’universo della terapia, gli effettivi benefici della stessa e soprattutto specifica il punto di vista e di espressione dello psicoterapeuta. A fare da spartiacque è poi una dedica, che precede la seconda parte del libro, quella che vede protagonista Miki, personificazione di chiunque essere umano si trovi dall’altro lato della scrivania, seduto su di una sedia, un lettino, un divano, pronto a mettersi in gioco, per cercare se stesso. La seconda parte del libro si muove su un binario differente dalla prima: è di impianto narrativo, segue un filo dialogico, mettendo al primo posto l’emotività di un incontro che cambia il modo di percepire la propria vita. La sensazione che pervade, dopo aver letto fino all’ultima pagina, è di curiosità: il mondo della psicoterapia è spesso avvolto da un alone di mistero; i libri da cui attingere fonti sono spesso scritti per chi lavora nel settore, dunque estremamente complessi da affrontare, soprattutto se si è alle prime armi. In questo caso, si è di fronte ad un libro didascalico, descrittivo, funzionale nella prima parte, successivamente narrativo ed emotivo nella seconda. Il connubio tra due scritture così disparate, però, non genera scompenso ai fini della lettura, anzi rende ancora più di ampio respiro il contenuto trattato, alleggerendo anche tematiche più complesse. In una società che ha spesso rinnegato il potere salvifico della psicoterapia, un libro come “Un viaggio chiamato Psicoterapia” può essere un’ottima arma contro la disinformazione; il suo impianto, leggero, brioso, ma meticoloso nell’esposizione, conferma poi la funzionalità della narrazione. Oggi più che mai, con […]

Sanremo 2021 è senza pubblico, con ventisei eterogenei cantanti: un pendolo che oscilla tra gli over 50 che non conoscono metà dei big in gara e gli under 30 che finalmente conoscono più della metà dei big in gara. Ascoltate sul palco tutte le canzoni della 71esima edizione della kermesse ligure, ecco un riassunto di ciò che occhi e orecchie hanno visto e udito nelle scorse due serate di Festival. Arisa, Potevi fare di più: l’identità di Arisa è ancora un punto interrogativo, nonostante sia un’interprete che naviga le acque della musica italiana da tempo. Dopo La Notte, gli altri brani portati in gara non reggono il confronto. E così accade anche per Potevi fare di più: una voce potentissima, per un brano che non la valorizza, a partire dalla scelta della tonalità. Colapesce Di Martino, Musica Leggerissima: la valigia sul letto quella di un lungo viaggio… ah no? Aiello, Ora: bella l’intenzione, soprattutto l’inquadratura pop che Aiello riesce a dare ai suoi brani. Il live è un vero disastro; sarà anche un drago nel letto, ma sul palco Aiello “anche meno!” Michielin-Fedez, Chiamami per nome: lei direttamente dalla serie Netflix “La regina degli scacchi”, lui irrigidito dalla vita come pater familias. Troppe ripetizioni di testo e ridondanze armoniche, eppure avrà vita fuori dall’Ariston. Max Gazzè, Il farmacista: a stento si comprendono le parole di Silente, che a fine song mostra in realtà essere un Leonardo Da Vinci pronto a fare gol in Nazionale.  Noemi, Glicine: Dardust ingentilisce la voce di Noemi supportandola con una produzione elegante e contemporanea. Qualche ingenuità di testo rende il brano meno accattivante. Glicine è però un’ottima sintesi del pop italiano di cui l’Italia va fiera. Inaspettato. Madame, Voce: “Dove sei finita voce?” Canta Madame in uno dei suoi primi live, a piedi scalzi, con un guanto alla Michael Jackson, in grado di cavalcare un palco così potente senza esser mai saliti davvero su di un palco. Il testo e l’interpretazione racchiudono un’inquietudine imponente, talmente palpabile che resta addosso quasi fosse la propria. Maneskin, Zitti e buoni: Franz Ferdinand e altri riferimenti al genere. Sì. Damiano è un animale da palcoscenico, gli altri componenti della band gli stanno dietro, al passo. C’è anche della stoffa e sembra la stiano coltivando con grande cura. Ghemon, Momento perfetto: entra in scena. Ma è proprio lui? Sì, ora però canta in maggiore, il suo momento perfetto, che ha un arrangiamento estremamente forte ed una musicalità funk, soul, r’n’b degna di nota. Il live non è altrettanto perfetto però. Coma_Cose, Fiamme negli occhi: performance tenera, timida, vera. La linea stilistica è sempre molto percepibile e la sincerità comunicata sul palco premia, forse non al primo ascolto. Ma di sicuro premierà poi. Annalisa, Dieci: dieci anni fa ad Amici, Annalisa era una ragazza timidissima con la frangetta rossa. Oggi canta le “dieci ultime volte”, che alla fine ultime non sono mai e sembra sempre manchi qualcosa alle sue canzoni. La voce però è indubbiamente una voce. Francesco Renga, Quando trovo […]

Superhits per cuori infranti è il primo album di Spaghetti Casanova, i cui ingredienti sono voce vintage, ritmica con un cuore rockabilly, parole semplici, ironiche, iconicamente imperniate sul tema più universale che si conosce: l’amore. Un ragazzo con alle spalle live su live, esperienze vivide, musica come compagna di esistenza, che racconta in dieci canzoni il vissuto in campo amoroso, esaltando questo sentimento fino alle stelle, poi scaraventandolo negli abissi dell’umorismo dissacrante; un gradiente di emozioni che sottolinea quanto ampio sia lo spettro dell’amore, ciò che i più grandi poeti definivano motore del mondo. Un giusto bilancio tra musica e testi permette di far scorrere l’ascolto dell’album di Spaghetti Casanova molto velocemente, lasciando un retrogusto dei tempi belli in cui la musica era suonata nei club. Abbiamo intervistato Spaghetti Casanova Come mai hai scelto di mettere al centro del tuo disco l’amore? Non l’ho scelto io di parlare soltanto di amore; non per sembrare un Don Giovanni, ma ho avuto le mie relazioni nel corso del tempo, quando finivano io scrivevo delle canzoni. Si sono sommate tra di loro, mi sono reso conto che avevano lo stesso mood a livello sonoro, così ho deciso di metterle insieme in un unico disco, che è Super hits per cuore infranti. È stato quindi un accumularsi di canzoni. Ora sto avendo tempo per scrivere, e per esempio, il tema ricorrente è la morte; sono canzoni, quelle nuove, più introspettive, che raccontano dell’amore per se stessi, i conflitti interiori, i demoni che abbiamo dentro: sono incentrate sulla persona piuttosto che sul sentimento. Cosa significa per te Super Hits Per Cuori Infranti? Sono consapevole di non fare musica del mercato attuale, ma Super Hits è un modo per dire questo sono io: questo disco è l’evoluzione naturale del lavoro con i Barabba, il gruppo con cui ho suonato. Lì c’era un condividere idee con gli altri, questo progetto invece è stato più lavoro con me stesso, in cui ho scelto io soltanto come suonasse, cosa ci fosse e cosa no. Sicuramente dei Barabba porto dentro la parte ritmica, l’ironia dei brani; di mio ho aggiunto quello che chiamo romanticismo rock ‘n roll, un romantico ma non morboso, non pesante, con ritmi incalzanti e testi contrastanti con la musica. Cosa rappresenta la copertina del disco? Com’è nata? Io sono ossessionato dal porpora, dal viola, ed è stato naturale fosse il colore predominante della copertina. Volevo che venisse rappresentata la discordia dell’amore per eccellenza ovvero Adamo ed Eva, e Manuel mi ha aiutato a realizzarlo, senza mai dimenticare che fosse tutto un po’ retrò. Hai scelto di realizzare dei videoclip per le tue canzoni utilizzando stralci di film… Parto dal fatto che l’idea prevalga sul soldo, nel senso, vorrei cercare di fare il massimo con il minimo, e proprio da qui è nata l’idea dei video, anche perché era difficile un video in questo periodo di covid. Quindi mi sono messo nella condizione di lavorare senza uscire di casa, ed ho trovato nel cinema una giusta linea […]

Andrea Piretti, regista napoletano, laureato in Cinema presso l’Accademia delle Belle Arti di Napoli, è autore e regista di un nuovo corto-documentario intitolato Estate Povera. Ciò che si racconta nel documentario è l’azione svolta da tanti e tanti uomini e donne del napoletano, che preparano, organizzano e distribuiscono pasti per i senza fissa dimora; in particolar modo ci si sofferma su di un unico protagonista, con il quale si ripercorrono le tappe fondamentali del volontariato: dalla preparazione dei pasti, al confezionamento delle buste che poi verranno portate e distribuite ai più bisognosi. In appena 10 minuti si instaura un legame di empatia con il volontario protagonista del corto: Luigi, un uomo  che svolge il suo volontariato insieme alla Comunità di Sant’Egidio, sfamando i senza fissa dimora. Attraverso Estate Povera si entra in contatto con la partecipazione del volontario e la sua voglia di restituire l’umanità al prossimo, senza però cadere e tendere l’ago della bilancia verso un devozionismo maniacale. Ciò che restituisce il corto-documentario di Andrea Piretti è un senso di verità e di equilibrio nel raccontare senza inserire pensiero personale o idea retorica, nella consapevolezza che il documentario ha già in sé una storia, che deve solo essere seguita e raccontata. Abbiamo intervistato il regista di Estate Povera: Andrea Piretti Ciao Andrea, Come ti sei approcciato al mondo che racconti in Estate Povera? In realtà in modo piuttosto semplice. Avevo avuto un primo contatto con dei volontari della Comunità di Sant’Egidio già l’anno scorso. Inizialmente ero partito con l’intento di raccontare le storie dei senza fissa dimora ma poi ho conosciuto altri volontari, vedendo il loro lavoro e il loro impegno, ho deciso che sarebbe stato quello l’oggetto del mio racconto. Come il Covid-19 ha agito sulle riprese e sulla riuscita del tuo corto? In questi mesi purtroppo abbiamo imparato a convivere con il virus praticamente in ogni momento delle nostre giornate. Dal punto di vista lavorativo le difficoltà ci sono state, è indubbio. Come prima cosa l’impossibilità di creare un contatto diretto con le persone che abbiamo conosciuto durante la lavorazione. Nonostante il distanziamento e il continuo uso della mascherina siamo riusciti a trovare in Luigi Musella una persona, oltre che disponibile, anche estremamente empatica. Chi è il volontario che rappresenti? Credi che il volontario possa essere un personaggio che svolge il suo ruolo fuori dall’ambito della devozione? Luigi è una persona straordinaria. Non lo dico solo per il tempo che ha dedicato al progetto, ma per quello che fa quotidianamente. La prima volta che ci siamo visti mi ha detto una cosa che non dimenticherò mai. Ringraziandolo per averci accolto nella comunità e per aver dimostrato subito interesse per il progetto, mi ha detto: “Qui da noi non troverai mai nessuna porta chiusa.” Un pensiero semplice ma secondo me molto potente, soprattutto in un periodo come questo. Rispetto invece al discorso sulla fede la risposta è assolutamente sì. In quel luogo si uniscono volontari di qualsiasi credo e religione. E, inutile dirlo, assistono ogni giorno chiunque si […]

Dieci tracce, per un totale di 38 minuti di ascolto: sono i numeri di riferimento dell’ultimo lavoro musicale di Eduardo De Felice, cantautore napoletano, classe 1981, che ha pubblicato lo scorso 30 ottobre 2020 Ordine e Disordine, un album di ottima fattura, suonato da moltissime mani, denso di armonie leggere ma minuziosamente architettate. Secondo disco per il cantautore, che lascia un po’ in sordina le atmosfere del primo album, maggiormente acustico e radicato al passato, per ingrossare le fila del cantautorato figlio della vecchia scuola romana. Echi di Max Gazzè, Niccolò Fabi, Daniele Silvestri, Riccardo Senigallia, risuonano nella composizione e negli arrangiamenti, continuando a dispiegarsi nella penna del cantautore dallo stile quotidiano ma attento alla dovizia di particolari, a tratti prosastico: non si avverte l’esigenza di una rima dopo l’altra ma di una costruzione lenta e sincera, come quella di un racconto, in cui emerge la verità riga dopo riga. Confessioni, piccoli scorci di realtà sono cuciti su di un suono prettamente cantautoriale, raffinato e gentile; la presenza di numerosi strumenti, tutti rigorosamente suonati da musicisti, immerge l’ascoltatore in un sound che non segue le mode; il segno che il cantautorato non è morto e nonostante cambi e stia modificando forma, talvolta ha bisogno di ripristinarsi nella sua forma originaria: voce, strumenti, necessità di racconto. Già l’ultima traccia del precedente album “È così” vedeva la presenza di Claudio Domestico, in arte Gnut; il secondo disco si riallaccia a questo sodalizio, dato che la produzione artistica e gli arrangiamenti sono proprio del cantautore dell’Ammore ‘O Vero. Il gusto introspettivo del cantautore si mescola alla riflessione dei testi e alla volontà di costituire un album ricco di suoni, generando così un buon mix per un ascolto lineare, efficace e pieno di spunti interpretativi. Ordine e disordine è distribuito da Apogeo Records, registrato al “Kammermuzak” studio di Soccangeles (Napoli) da Carlo Di Gennaro e Giuseppe Innaro; missato al “Peppey Roads” studio (Pozzuoli) da Giuseppe Innaro e masterizzato presso “Arte dei Rumori” studio di Napoli da Giovanni “Blob” Roma. La copertina, fotografia scattata da Aldo De Felice, dimostra essere in linea con lo spirito canonico del disco: la semplicità di vedere le cose per ciò che sono, senza filtri né elucubrazioni mentali. Così come una medaglia, con due facce, Ordine e disordine porta avanti l’idea che, grazie alla musica, i pensieri raggomitolati nella mente possano districarsi, proprio come i rami degli alberi che si levano al cielo. Non è un disco nato per le vendite, è un disco che vive di musica, per questo motivo può permettersi di essere anacronistico, suonato, denso di significato: il fine di questo album non è il mercato ma l’ascolto sincero da parte di un orecchio attento alle parole quanto agli arrangiamenti. Tra i dieci brani la prima traccia, Il dubbio e la certezza, dimostra essere il manifesto di ciò che seguirà nel disco, nonché segno tangibile di ciò che ci si deve aspettare dal lavoro di De Felice. Sottolinea la deriva della scuola romana Sivestri-Fabi, nello stile e […]

Eroi del 2020 , l’album di debutto del cantautore romano  Piro , classe 1991 che, attraverso una scrittura timida e sentimentale, pone l’accento sulla condizione umana che si rifugia nel desiderio di non pensare alla caducità del tempo , ma non può far a meno di vivere tale dissidio interiore. Piro specifica parlando dell’album : “Noi che viviamo tutti i giorni le nostre vite normali, tentando di dimenticarcene per il tempo di una birra, di un concerto, di un bacio. Soprattutto gli eroi di cui parlo sono quelli che continuano a provare sentimenti , che si emozionano per le cose “. Un disco presente, creato e strutturato per fondere ciò che è stato con quel che sarà. Eroi del 2020, intervista a Piro Eroi del 2020: chi sono? Perchè questo titolo per il tuo album? Quando ho scritto “Questo Vento”, la canzone che cita gli “Eroi del 2020”, questi rappresentavano i ragazzi della Roma del 2010, da guardare con la luce ironica degli eroi futuri. Oggi non è cambiato molto, altri ragazzi sono sempre lì e attraverso l’egocentrismo delle loro azioni adolescenziali hanno ancora il mondo in mano. Il fatto che il titolo sembri relativo ai tempi che corrono è casuale e non voluto. Quali sono le influenze presenti all’interno del tuo sound? E della tua scrittura? Per gli arrangiamenti ho pescato molto dall’album “Maximilian” di Max Gazzè: mi ha fatto vedere il giusto compromesso tra il lato pop delle mie canzoni e quello elettronico che ho appena appreso, di cui non ho voluto abusare. Il produttore Lorenzo Ceci ha fatto un gran bel lavoro di cui sono molto soddisfatto. Per quanto riguarda testi e musica mentre scrivevo questo disco ascoltavo molto Battisti, De Gregori, Rino Gaetano e Dalla. Non voglio dire che dovete ritrovarceli, ma sono stati d’ispirazione. Qual è l’elemento imprescindibile della tua musica? Il must have che deve avere ogni tua canzone? La mia musica deve raccontare storie e vuole farlo con l’intenzione di emozionare attraverso l’immedesimazione. Riuscire in questo sarebbe in un certo senso la mia vittoria artistica. Consiglia due canzoni dell’album a chi non ti hai mai ascoltato e raccontaci il perché le hai scelte. “Città D’Oriente” è immediata e tranquilla, la userei come biglietto da visita di questo album. Credo possa mettere d’accordo più ascoltatori. “Come Tutti I Giorni” invece è la canzone di apertura e ci tengo molto perché riesce a parlare di sentimenti sconfinati in un’atmosfera intima, ma allo stesso tempo non scade in un eccessivo romanticismo. Non ho scelto canzoni troppo movimentate, ma qualcuna nell’album la troverete. Quanto è importante il live per te? Qual è il ricordo più significativo di un tuo live che custodisci? Il live è un modo per vedere di persona se una cosa tua sta piacendo, proprio mentre la canti. Gli occhi del pubblico non mentono. E puoi finalmente dare la dimostrazione tangibile che i brani pubblicati sono proprio i tuoi e li puoi rendere anche live, tra l’altro con un impatto emozionale più forte. Se […]

Quarto disco per Flo, cantautrice napoletana dedita alla world music, che nel nuovo album, uscito il 13 novembre, dal titolo 31salvitutti, cuce storie vere attraverso un cantato plurilingue e pone all’attenzione dell’ascoltatore 11 brani: 11 frecce scoccate per fare centro su di un unico bersaglio, la verità. L’album è stato anticipato dal brano L’uomo normale, che ben racchiude l’intento stilistico del disco, in cui la lotta, la forza, la necessità emergono a partire dal titolo, in cui 31 non è soltanto il numero che pronunciano i bambini per far “tana libera tutti”, ma rappresenta anche numerologicamente il riscatto, l’energia, l’espansione, la spontaneità. La produzione artistica è firmata dal francese Sebastien Martel, artista grande conoscitore del meltin pot parigino e della musica africana, che costruisce l’impalcatura di un album nato live per i live. Storie di salvezza, di chi corre, nonostante tutto, verso il muro, l’albero, per battere la mano e gridare: libero io, liberi tutti. Abbiamo intervistato Flo Ciao Flo, 31salvitutti dà l’impressione di perdersi meno nella filosofia e di imporsi di più sul piano pragmatico: ci sono persone in carne ed ossa raccontate, storie. Ascoltandolo si ha la percezione che siano parole vive, che appartengono alla sfera di tutti i giorni e con cui si lotta tutti i giorni. Cambiare produzione, affidandosi Sebastian Martel ed avere un’influenza entra-nazionale in che modo ha agito? Qual era per te l’urgenza da comunicare in 31salvitutti? 31salvitutti è un disco molto diretto, in cui ciò che canto è raccontato in maniera chiara, come se stessi parlando ad una persona in carne ed ossa. È un disco meno evocativo: più che perdersi meno nella filosofia, io penso di non aver voluto ricercare la sensazione dell’impalpabile, ma di puntare su parole vere e dirette. La produzione è stata la conseguenza di questo scrivere così, ho voluto che Sebastian assecondasse la mia idea: quello di 31salvi tutti è un suono urbano, un suono europeo ed io ricercavo questo suono metropolitano. Registrare per la prima volta in presa diretta è sicuramente una chiave di sincerità, schiettezza ma soprattutto verità. Mi viene in mente l’immagine della coralità, più del lavoro di sezione, dove ogni musicista ha un suo peso specifico… Sì, quando lavori tanti anni con una band, si smette di vivere il progetto come se fosse di un solista e quel progetto diventa un marchio: Flo è un suono. Per questo con la mia band abbiamo voluto registrare come quando andiamo sul palco a suonare, anche perché il live è un po’ la nostra arma vincente. Noi siamo musicisti da palcoscenico, facciamo concerti e suoniamo ai festival: c’era bisogno di una verità senza patine di plastica, una verità che dopo 4 dischi sento che potevo permettermi. Accussì scritta con Gnut e Sollo, La Gaviota con il testo di Alessio Arena. Come nascono le canzoni a quattro mani? Quali sono i presupposti necessari secondo te per poter scrivere un brano tra più artisti? Io sono un po’ snob riguardo questo punto. Ho la fortuna di lavorare con persone che mi piacciono; […]