Festival di Sanremo 2019: analisi della seconda serata.   “Io non guardo Sanremo” così esordisce la maggior parte della popolazione italiana, ma poi a conti fatti gli ascolti si percepiscono e si quantizzano come positivi, inserendosi in un bilancio altrettanto favorevole dato dal mondo social. Twitter, post, sondaggi sulle stories di Instagram hanno invaso le home di qualsiasi italiano, creando una catena di commenti, scambi di pareri e soliti diverbi. La settimana santa della musica italiana è iniziata e come fosse Carnevale, ogni persona davanti allo schermo della propria TV si traveste da giudice, commentando allo sbaraglio, ipotizzando previsioni, dando pareri e stilando classifiche ed è giusto che sia così, perché in fondo è questo Sanremo: una kermesse canora che attorno a sé ricerca movimento al grido di battaglia “l’importante è che se ne parli”. Prima di commentare la seconda serata, mi sembra doveroso fare una precisazione: Se con Spotify, ai primi secondi di intro, scegliamo cosa sia congeniale alle nostre orecchie e cosa no, con le canzoni di Sanremo dobbiamo deglutire dopo tre minuti e mezzo, ma sopratutto dobbiamo cercare di salvare il buono, se esiste. Siamo davanti ad una kermesse canora, niente di meno niente di più: attraverso questo variopinto quadro di artisti non si rappresentano i gusti musicali degli italiani, per quello ci pensa la Viral 50 di Spotify, ma si rappresenta una fetta di cantanti e cantautori all’attivo sulla scena italiana, niente di più niente di meno. Festival di Sanremo 2019, la seconda serata Sulle note di Noi No si apre la seconda serata del Festival di Sanremo 2019. Una marea di ballerini, vestiti di grigio con i cappucci sulle teste si muovono in una coreografia che fa risaltare rose bianche strette nelle mani dei performer. Baglioni ricorda anche in questa seconda serata che il 69° festival di Sanremo è il festival dell’armonia. Presentati Virginia Raffaele e Claudio Bisio si dà il via con i primi dodici artisti in gara.  Achille Lauro: Non giudicate dalla copertina, perché Achille Lauro non è solo riuscito a stonare anche con l’autotune, ripetendo maniacalmente Rolls Royce, è molto molto altro. Ci troviamo davanti ad un pezzo che non ha voglia di complicarsi la vita, con perenni richiami che rimano tra di loro: Marilyn, Amy. Un riff ben strutturato, glam e per certi versi rock; una voce fuori dal coro. Non sarà bel canto, ma direi che il bel canto l’Italia l’ha lasciato da molto tempo. Einar: A riprendere le fila della tradizione italiana c’è Einar, con un classicone sanremese spento e poco coinvolgente. La linfa del pop italiano sembra aver avuto una battuta d’arresto o semplicemente a Sanremo Giovani si è scommesso sul cavallo sbagliato. Prima gag tra Bisio e Baglioni, punteggiatura e canzoni. Intrattenimento che rende palese un’unica affermazione. Ma quanto è espressivo Bisio?  Il Volo: Mi correggo, questa è la tradizione italiana. Noi italiani agli occhi del mondo siamo Il Volo e tutto quello che è il loro universo musicale. Per noi un cantato superato, ma in fondo sono pur sempre […]

Nel 2008 cavalcava il palco di X Factor, classificandosi in quarta posizione; nel 2010 trionfava a Sanremo Giovani con il brano Il linguaggio della resa. Ha poi iniziato un proprio percorso artistico come cantante ed autore, firmando numerosi brani interpretati da stelle del pop italiano: Laura Pausini, Marco Mengoni, Giorgia, per citarne alcuni. È Tony Maiello, classe 1989, cantautore pop. Il suo ultimo singolo è Tutta Colpa Mia, in rotazione nelle radio, disponibile su tutte le piattaforme online. Un linguaggio moderno, che non cede ai compromessi storici del panorama musicale odierno; una penna semplice, raffinata, che mantiene alto lo standard della musica pop italiana. Dal primo EP Ama Calma, ad oggi con la pubblicazione del singolo Tutta colpa mia. Come si è evoluta la composizione di testi e musica, quali sono le influenze musicali che hanno accompagnato Tony Maiello? L’evoluzione è principalmente a livello testuale, mentre per la musica mi ha sempre affascinato la musica RnB. È normale, più vai avanti, più immagazzini informazioni, nuove idee che rielabori: c’è un vissuto molto più forte. Il mio modo di scrivere e di raccontare è cambiato con le esperienze un po’ più difficili che ho dovuto vivere. Le mie influenze sono l’ R ’n’ B, un esempio è Alicia Keys, mentre per quanto riguarda l’italiano ascolto Jovanotti, poi sono nato negli anni di Tiziano Ferro e quindi inevitabilmente anche lui è tra le mie influenze. Sei autore di brani cantati da Laura Pausini, Giorgia, Mengoni. Come è iniziata la strada del autorato? L’essere un autore è nato in maniera abbastanza forzata. Ho scritto per molti artisti, una tra tutte Laura Pausini, l’ultimo singolo con Biagio “il Coraggio di Andare” porta la mia firma. Ero andato in una casa discografica per presentare il mio progetto e mi hanno detto così non sarei andato da nessuna parte, ma avrei potuto provare un’altra strada, quella dell’autorato. Ho chiesto di darmi la mail di Laura Pausini e mi hanno risposto che ero pazzo, invece eccomi qui. È una cosa bella della mia vita, che però non ho scelto. Come nasce una canzone scritta per altri artisti? Io quando scrivo scrivo per me, in funzione della mia voce, non della voce degli altri. A me non piace vedere la musica come catena di montaggio. Scrivo per me, poi successivamente lo cantano gli altri. Sono un cantante, prima di essere un autore, quindi stando anche dall’altro lato, so che ad un’artista piace sperimentare, per cui cerco di dare all’artista per cui scrivo sempre qualcosa di nuovo. È uscito l’ultimo tuo singolo: Tutta colpa mia. Ormai la musica non è più fatta di album ma di singoli. Come la pensi a proposito? La musica oggi viene masticata e buttata come una caramella, quindi se c’è una cosa a cui mi sono piegato è il mercato. L’album esce lo stesso, ma con un singolo di lancio puoi sondare prima il terreno; conviene alla produzione per capire la portata dei dischi da stampare. Il singolo può entrare in una classifica di Spotify […]

In occasione dell’uscita dell’album Memorandum, intervista a Fabiana Martone, cantante attiva nel panorama napoletano con diverse esperienze e progetti (per citarne alcuni il quartetto al femminile Sesèmamà e la collaborazione con i Nu Guinea). Memorandum è il nuovo album di Fabiana Martone, realizzato mediante una campagna di crowdfunding, che le ha permesso di registrare, produrre e distribuire 11 tracce. Il disco, pubblicato da SoundFly con distribuzione Self, è stato presentato lo scorso 11 novembre alla Feltrinelli di Napoli. Memorandum ha visto Fabiana Martone nelle vesti di “autrice, arrangiatrice, direttore artistico, e produttrice artistica ed esecutiva”, supportata nella realizzazione di questo progetto da Luigi Esposito e Bruno Tomasello. Nella scrittura dei testi la cantante è stata affiancata da diversi autori: Ciro Tuzzi, Marco d’Anna, Emanuele Ammendola, Luca Di Maio, Alessio Arena, Umberto Lepore, Salvatore Rainone e da Bruno Savino di SoundFly. Fabiana Martone e Memorandum Il mondo di Fabiana Martone è colorato di un’atmosfera rarefatta che si sostanzia attraverso una voce carismatica. Tutto è perfettamente incastonato: la stretta consonanza tra testi, melodie ed armonie è il vero asso nella manica di questo lavoro. Si avverte nota dopo nota, brano dopo brano, la volontà di portare avanti un progetto, di rendere realtà qualcosa che già esisteva ed andava solo trasformato in musica. Una bella magia potersi lasciar trasportare dalle undici canzoni di Memorandum, aventi un ciclo tematico nel quale si susseguono i momenti di una giornata: dalle canzoni del mattino (Geopolitica sentimentale, Memorandum e Niente ‘e che), si giunge poi alle tracce del dopo pranzo (Me passa ‘o genio e L’albero di Carnevale), continuando con quelle della sera (Sospesi a Corso Malta, Era solo avere, Citofonare Martone) e, completando quasi il cerchio con il pezzo di una notte insonne (La quadratura della luna), si termina con le canzoni dei sogni (Il fuoco e Sirena). In Memorandum vi è la partecipazione di un ricco team di musicisti (Fabrizio Fedele, Emiliano Barrella, Luigi Scialdone, Lorenzo Campese, Gabriel D’Ario, Francesco Fabiani, Davide Maria Viola, Derek di Perri, Michele Maione, Lino Cannavacciuolo, Marco D’Anna, Rainone e Lepore  e gli stessi Esposito e Tomasello), che hanno reso l’album ancora più variegato ed emozionale. Il cerchio di Memorandum si chiude con una preziosa novità all’interno del disco, in quanto l’album contiene un artbook con undici tavole (una per ogni canzone) realizzate da vari artisti, illustratori, disegnatori e pittori (Martina Troise, Cyop e Kaf, Nikkio, Clelia Leboeuf, Nando Sorgente, Nicola De Simone, Dario Protobotto, Vincenzo Aulitto, Alexandr Sheludko, Alessandro Rak), i quali hanno avuto la possibilità di trasferire l’interpretazione dei brani di Memorandum in una forma d’arte differente dalla musica. Memorandum, un monito da scolpire nella testa, un album da ascoltare con calma, per assorbirne messaggi, passaggi e vibrazioni positive. Quattro chiacchiere con Fabiana Martone Come nasce questo disco e quali sono state le influenze musicali che hanno segnato Memorandum? Era una mia idea da un po’ di tempo, quella di provare a fare un disco io, piuttosto che realizzare una collaborazione con qualcuno. Già avevo registrato dischi, il primo da solista, il secondo come cantante, il terzo in cui […]

“Mi dicevano ‘prendi allo stomaco’ ed io non sapevo se fosse una cosa positiva o negativa. Allora ho mandato due mie canzoni ad alcuni premi per cantautori e li ho vinti tutti”. (Maldestro) È uscito il 9 novembre il nuovo album di Maldestro, Mia madre odia tutti gli uomini, pubblicato da Arealive e distribuito da Warner Music. Anticipato dai singoli Spine e La felicità, il disco si profila come l’album più autobiografico scritto dall’artista, che ha deciso di spogliarsi degli abiti del narratore delle vite altrui per dar vita a un disco che vede l’io al centro dei riflettori. Tra in-store e concerti in tutta Italia, Maldestro si profila come un paroliere e cultore della parola, in grado di aggiungere con la sua voce malinconica, una forza comunicativa dal grande potenziale, che trasforma il valore del singolo in verità universale. L’intervista a Maldestro Mia madre odia tutti gli uomini, perché questo titolo? Quali ricordi e quali emozioni hai deciso di incidere in questo album? Il titolo è nato dopo aver registrato il disco, in modo naturale. Ho scelto di scrivere di alcuni avvenimenti della vita che mi hanno segnato e con il titolo “Mia madre odia tutti gli uomini” avevo la possibilità di spiegare cosa si raccontasse nell’album. È un titolo che rappresenta l’intenzione autobiografica di questo lavoro. Infatti se si ascolta la prima traccia, già si può comprendere che ho fatto percorso, durato un anno e mezzo, in cui hanno scritto canzoni su canzoni, con la volontà di raccontare della mia vita, senza nascondermi nelle storie di altri, come invece è successo negli album precedenti. Dal primo album pubblicato, ad oggi, con la pubblicazione del singolo La Felicità. Cosa è cambiato in Maldestro e di quale messaggio oggi ti senti di essere portavoce? Ho acquisito una maggiore consapevolezza, umana piuttosto che artistica: questi anni mi hanno portato alla decisione di spogliarmi completamente e scrivere un album dove si raccontasse di me. La parola portavoce mi rende responsabile, io non mi sento così; credo che la bellezza stia nello scrivere qualcosa di autobiografico, e nonostante questo, le persone riescano a immedesimarsi. Un miracolo, un regalo e un premio, poiché il proprio vissuto diventa universale. Maldestro, raccontaci due tracce del disco che non vorresti passassero inosservate all’ascoltatore. Due tracce che rappresentano a pieno il disco: Spine, perché stilisticamente, se potessi, mi piacerebbe scrivere sempre come ho fatto in Spine: in quel pezzo sono riuscito a comporre quella che io chiamo “canzone teatrale” a cui sono molto legato. Poi, La felicità, perché prende per mano tutte le canzoni e chiude il cerchio: dal dolore, si passa per l’accettazione del dolore, per poi arrivare alla felicità. La produzione artistica è affidata a Taketo Gohara, che ha firmato lavori di Brunori Sas, Motta, che fanno parte, come te, di tutta una fetta di artisti della canzone d’autore. Cosa significa essere cantautore oggi? Quali sono i suoni che si cercano e quali sono i punti chiave di questo genere, oggi nel 2018? Per fortuna, nonostante le […]

Fresco vincitore della Targa Tenco come interprete di canzone, Fabio Cinti riporta in auge, dopo 37 anni, “La voce del padrone”, un lavoro pregiato e sperimentale del maestro Franco Battiato. Il cantautore siciliano, avanguardista, schieratosi tra i demistificatori dei luoghi comuni, riuscì proprio con l’album dell’81 a raggiungere il milione di copie vendute. Il nuovo disco del cantautore laziale Fabio Cinti, invece, riveste “La voce del padrone” con un abito sinuoso impreziosito da viole e violini, tessuto senza cambiare la stoffa musicale di Battiato, creandone però un “adattamento gentile”. La casa discografica è Private stanze. Dato il preambolo, sembrerebbe una scelta pericolosa, quella di riproporre classici della storia di Battiato in una nuova chiave, eppure già al primo ascolto, come una piacevole sorpresa, questa nuova visione colpisce le orecchie. Allora è d’obbligo definire la scelta di Cinti, non una scelta pericolosa, ma un’idea avanguardisticamente coraggiosa. Le strade di Fabio Cinti e Franco Battiato già si erano congiunte nel 2013, quando il cantautore laziale aprì alcune date del tour “Apriti Sesamo”, continuando il sodalizio quando Cinti incise “Devo”, una canzone firmata da Franco Battiato. Prosegue così, attraverso La voce del padrone: un adattamento gentile, questo stimolante connubio. Il lavoro di Fabio Cinti: più di un album di cover Sarebbe riduttivo definire questo disco come un album di cover, poiché l’intento non è quello di incidere versioni alternative dei brani contenuti nel lavoro di Battiato; ritengo infatti che sia appropriato il termine usato dallo stesso Cinti per il titolo, proprio perché il cantautore, prestando giuramento di fedeltà agli arrangiamenti melodici originali, ha eliminato tutto quello che è sintetico, aggiungendo una propensione orchestrale, dovuta al quartetto d’archi, un coro che spunta in varie tracce, un pianoforte onnipresente.  Nell’arrangiamento, si nota una complessità musicale, principalmente dovuta all’assenza di strumenti ritmici come la batteria e le chitarre, ma data anche dall’assenza dei sintetizzatori, che riempivano a loro modo il disco del ’81. La complessità viene a materializzarsi nel momento in cui si riconoscono come protagonisti della parte ritmica il pianoforte e il quartetto d’archi: ci troviamo davanti ad un disco che ha cucito la melodia come se si trattasse di un brano classico, aggiungendo poi una voce pulita, che ne cambia il senso e ci riporta alla verità, ovvero che si tratta pur sempre di un adattamento ad un disco degli anni ’80.   Le collaborazioni per lo sviluppo dell’opera La produzione artistica, così come gli arrangiamenti, sono curati dallo stesso Cinti, che ha voluto al suo fianco per la realizzazione di questo album la violinista Vanessa Cremaschi, la violoncellista Giovanna Famulari, anch’esse protagoniste dell’arrangiamento musicale. Gaia Orsoni alla viola, Elena Cirillo al violino – e che violino, dato che collabora da qualche anno a questa parte con De Gregori -, Andrea Vizzini al pianoforte sono gli altri tre componenti che saturano le valenze per quanto riguarda i musicisti scelti e gli strumenti utilizzati per la stesura del disco. Sette tracce, che permettono di comprendere il mondo di Battiato, pur essendo lontani anni luce dall’idea musicale […]

Ritorna Paolo Saporiti, con Acini, album prodotto da Goodfellas Records, a distanza di tre anni dall’ultimo lavoro da solista. Paolo Saporiti nel suo nuovo lavoro comprime frequenze e algoritmi musicali, in un registro suadente, attraverso una chitarra che arpeggia e racconta, completando il quadro con un rullante che scandisce i quarti. La voce malinconica equilibra gli arrangiamenti decisi, mantenendo sempre controllo e balance. Il titolo Acini riprende un romanzo inedito di suo padre Acini d’Uva: al centro del racconto uno stato d’animo, che come un filo rosso continua a pervadere le dieci tracce dell’album. La marca cantautoriale si manifesta attraverso i testi, raffinati e senza cripticità, ma anche attraverso il predominio della chitarra, strumento chiave del cantautorato classico italiano, nonché di tutto il disco di Saporiti. La chitarra è infatti artigianale negli arrangiamenti, estremamente classica e quadrata all’interno delle dinamiche, fin troppo canonica negli intro delle varie tracce. Colpiscono invece le doppie voci, i minuscoli controcanti, che dalla sordina riescono a restituire un senso di completezza ad una musica che vaga con quell’attitudine acustica, tra i tanti nomi di cantautori minimal, chitarra, voce e batteria. Siamo di fronte ad un lavoro, che live può avere un ottimo riscontro, anche per la scelta degli strumenti, che ben si presta all’esecuzione dal vivo; è un prodotto standard, che sacrifica i bpm per mantenere intatta la fragranza dei testi, che non sono assolutamente corollario alla musica, ma addirittura dettano legge, divenendo la vera forza espressiva dell’album. Siamo un passo indietro rispetto alla contemporaneità, lontano anche dalla percezione più acustica di cui si serve sempre meno spesso la musica fruibile oggi; ma chissenefrega delle playlist Spotify e delle musicalità radiofoniche, questo disco diventa un bell’ascolto perché ci riporta alla musica italiana anni ’90, con una punta di idealismo della scuola romana – Fabi, per intenderci- e  con un’alchimia con il passato. Proprio come polaroid, scattate all’improvviso cogliendo solo alcuni istanti, le canzoni di Saporiti ci mostrano solo in parte inizi, abbandoni, silenzi, tradimenti, perché poi lasciano che sia l’ascoltatore a dare una chiave di lettura diversa: Saporiti ci dà la sua visione dei temi trattati, cogliendo alcuni frammenti e fotografando piccoli dettagli, senza svelare troppo, senza però tessere tutto in una tela aggrovigliata e complessa. Attraversano il lavoro anche le idee di Christian Alati, calcando la mano in Che cosa rimane di noi, America, Amica Mia e Arrivederci Roma. I Il tappeto sonoro dell’album è affidato alla batteria di Cristiano Calcagnile, mentre la voce di Saporiti mantiene sempre una grazia ed un controllo costante. Nessun climax, anche se la parte del disco più “saporita” è la finale, con le ultime tre tracce, Cambieremo il mondo, che affronta e scaglia il dito contro i giustizieri social; la lunga, lunghissima Le passeggiate notturne del re, ballata che incrocia in maniera velata un briciolo di rock e la poesia crepuscolare novecentesca; epilogo affidato a La mia luna, pop al punto giusto, che non strafà, ma incastra arrangiamento, melodia, metrica testuale in maniera impeccabile.  

Volgono al termine gli Emmy Awards 2018, che nell’edizione di quest’anno hanno visto tornare con prepotenza, dopo un anno di assenza, la serie TV Game of Thrones, la quale ha guidato le nomination della serata, aggiungendo al suo curriculum ben 22 nomination. La serie è stata seguita immediatamente da Saturday Night Live e Westworld, con 21 nomination ciascuno. Mentre The Handmaid’s Tale, la distopica serie TV, ha ottenuto 20 candidature per la seconda stagione, tra cui quelle per Elisabeth Moss e Samira Willey. Tra le svariate novità e sorprese della cerimonia, vi è la supremazia di Netflix, che per la prima volta domina la scena degli Emmy Awards 2018 attraverso 112 nomination contro la stimata Hbo, che quest’anno concorre per 108; da qui è possibile comprendere la grande rivoluzione di Netflix che, con passo sempre più celere, spopola non solo come piattaforma digitale, ma anche come produzione e format. Per le Limited series, con 18 nomination c’è The Assassination of Gianni Versace: American Crime Story; invece come serie comica, la più candidata è Atlanta.  Prodotta da Amazon, la iperpremiata La fantastica signora Maisel, ha sbaragliato davvero ogni concorrenza, vincendo cinque Emmy Awards: miglior serie brillante, miglior attrice con Rachel Brosnahan, miglior attrice non protagonista con Alex Borstein, miglior sceneggiatura e miglior regia con Amy-Sherman Palladino, già sceneggiatrice e creatrice di due serie cult come Pappe Ciccia e Una mamma per amica. Tra le candidature come miglior attrice comedy vi era anche Megan Mullally, per l’amatissimo Will and Grace, che anche stavolta resta all’oscuro e senza premi. Allo show targato HBO,  il già citato Game of Thrones, conosciuto dalla popolazione italiana come “Il trono di spade”, è stato riconosciuto uno dei premi più ambiti, ovvero Miglior serie drammatica ed ancora una volta il folletto, Peter Dinklage, in perenne nomination (la settima), ha ricevuto  per la terza volta il premio di Miglior attore non protagonista. Clairy Foy è la migliore attrice protagonista drammatica, un premio davvero meritato, anche perché dalla prossima stagione di The Crown, la Foy dovrà smettere di indossare le vesti della regina Elisabetta II. Prima nomination per un’attrice di origine asiatica, Sandra Oh, con Killing Eve, alla quale non arriva tra le mani nessun premio, nonostante la bravura eccezionale che da sempre la contraddistingue. Miglior attore protagonista in una serie drammatica è stato conferito a Matthew Rhys, per The Americans, avvincente racconto dell’America durante i tempi della Guerra Fredda. Nelle edizione 2018 degli Emmy Awards non poteva mancare un momento da ricordare e incorniciare nella storia della manifestazione: Glenn Weiss, regista dell’Ultima Notte degli Oscar, durante il suo discorso di ringraziamento ha sorpreso tutti i presenti, chiedendo alla fidanzata Jan Svandsen di sposarlo. Emmy Awards 2018: tutti i premi Miglior serie drammatica Game of Thrones Miglior film TV Black Mirror – USS Callister Miglior miniserie The Assassination of Gianni Versace: American Crime Story Miglior serie comedy The Marvelous Mrs. Maisel Miglior programma animato Rick and Morty – Cetriolo Rick Miglior attore protagonista in una serie drammatica Matthew Rhys, The Americans Miglior attrice protagonista in una serie drammatica Claire Foy, The Crown Miglior attore […]