Eroica Fenice

Dal 27 febbraio al 11 marzo, il Teatro San Ferdinando ospita una produzione stessa dello Stabile di Napoli; “EdenTeatro”, opera di Raffaele Viviani, qui diretta dal regista franco-argentino Alfredo Arias, con un cast folto e di qualità. EdenTeatro, Viviani e l’Eden La definizione corretta di MetaTeatro è quella di “Teatro nel teatro”, ovvero l’espediente narrativo e teatrale la cui natura fittizia viene subito dichiarata, rompendo, apparentemente, il confine tra palco e platea. Eden Teatro, qui diretto da Arias, non rientra pienamente in questa definizione, ma si concretizza più nell’idea di MetàTeatro, ovvero un teatro a pezzi, diviso, intervellato da una forma di MetàMusical, in cui gli attori, tirando a sé l’attenzione, il plauso e l’occhio del pubblico, svolgono una finzione dettata e precisa in una più aperta e dichiarata rappresentazione mendace. C’è una sottile, minimale e quasi assente quarta parete a dividere queste dive per una notte, meretrice e venditrici di una forma d’arte eterea e impalpabile, con sfumature di fasullo, a voler imitare l’amore stesso, dal reale. Quello a cui il pubblico assiste è un infinito caffé-concerto, in cui l’inizio e la fine si confondono, mischiano e intrecciano fino a rendere improbabile una corretta comprensione di quale siano il capo e la coda di questo folkloristico entourage di tragicità quotidiane. Arias, dopo il lavoro su “Circo equestre Sgueglia”, sembra opzionare per uno stile registico in cui gli attori hanno pieno possesso del palco e del destino di ciò che vediamo, una sortita inattesa per un classico di Viviani, in cui le maestranze sono chiamate a misurarsi con le proprie capacità e i propri limiti, provando a ripetere quel senso ultimo di desiderio e di necessità assoluta che accompagna una semplice recita per ognuna di loro nell’Eden. Proprio per questo, non si può non far un plauso al nutrito gruppo di attori, che, tra interpretazioni cori e cambi repentini di ritmo, si carica sulle proprie spalle il peso della recita. Una coralità spezzettata, in cui il lavoro del gruppo si constata e tocca anche nei continui momenti in cui sono i singoli a dover dirigere solo l’orchestra umana messa su da Arias. Passandosi continuamente un invisibile testimone, il cast vive l’attimo con fatica e con ardore, con fanciullesco ardore e esperta amara ironia, concendendo al pubblico in sala una replica di quel sentimento di debutto che toccava le anime in passaggio all’Eden Teatro, ricettacolo di vuote esperienze e ricca sgraziatezza, in cui ogni attimo che viene nella vita di ognuno sembra essere il più importante.  

Dopo il lavoro svolto insieme per il debutto dell’artista romano con “Demone Dentro” (qui la nostra recensione), il fumettista Mattia Iacono e Tunué Edizioni continuano a collaborare, producendo, per la collana Prospero’s Books, una nuova opera grafica: Macumba. Macumba del fumettista Mattia Iacono, solo quel che è “La morte non è | nel non poter comunicare | ma nel non poter più essere compresi” – Pier Paolo Pasolini Abituati, durante l’esistenza, a pensare al trapasso come qualcosa di assolutamente terribile, concediamo ad esso un posto soltanto nel più remoto dei nostri pensieri. Così come si conservano e rimandano, certi compiti ingrati, ad un infinito domani. Eppure, che ci piaccia o meno, esso arriva per tutti, prima o dopo. Spesso, fin troppo spesso, non al termine di un lungo percorso, bensì in maniera improvvisata e brutale, senza alcun segnale o anticipazione. Non c’è, nella vita di molti, un punto alla fine di un lungo periodo, ma una semplice riga che si distorce all’improvviso, una frase il cui fine resta ignoto sulla pagina bianca del tempo. Opta, Mattia Iacono in Macumba, per una visione sulla fine come qualcosa di quotidiano, senza grossi fronzoli o platealità, concede al lettore solo un piccolo abbozzo sull’esistenza del suo protagonista, solo un lampo, solo un giorno per lasciar comprendere ad esso e a noi quanto sta accadendo e sta per accadere. Decide di ripetere la realtà dei fatti per ciò che è. Si aiuta, e non poco, con uno stile di disegno che sa far risaltare le sue capacità di colorista, aprendo grossi solchi dentro la pagina, non optando per un disegno iper-dettagliato o realistico. Lasciando tutto il viaggio su quei toni onirici e concentrando l’attenzione sui personaggi e la loro deriva. Segue il loro percorso la sua matita come una camera percorre il cammino dell’attore principale senza mai perderlo. Nessun lungo flashback riassuntivo, nessun monologo esistenziale o esistenzialista o qualche disamina totale della propria vita, né del protagonista e né di chi lo accompagna. C’è su queste tavole, con sapienza colorate e gestite per creare lì attesa e lì curiosità, solo una realtà abbozzata, un morso di vita, una possibilità e, perciò, la semplice e pura realtà. Che si può ripetere ovunque, in qualsiasi momento e trovare, in essa, almeno una particina di quel che siamo noi. Poche ore, solo poche ore tratteggiate su un foglio bianco per mettere in mostra quel che è, solo quel che è e nulla più.

Il  Teatro Trianon continua il suo nuovo percorso, dando adito e scena alle nuove espressioni artistiche del territorio campano. Dal 25 al 29 gennaio, ad occupare il palco del Trianon, troviamo una delle figure più di spicco della teatralità partenopea, il drammaturgo/regista/attore Enzo Moscato, il quale si esibisce, per la prima volta, nello stesso luogo che ispirò un suo omonimo testo nel 1983, con lo spettacolo “Ritornanti”. Ritornanti, indietro per prendere la rincorsa Tre leggii. Questo è ciò che viene anticipato allo spettatore, entrando in sala. Solo tre leggii. Passa qualche istante, le luci, come di consuetudine, scemano lentamente e in quel buio, poco nitidamente, una prima figura si staglia mobile sul palco. Così comincia Ritornanti. Tre monologhi, tre scene tratte da tre opere differente.  Tutto è trino, tranne Enzo Moscato. E il suo compagno di viaggio, Giuseppe Affinito. Ritornanti mette in scena una modalità di fare teatro che lentamente, proprio come certi respiri di cui Moscato parla riferendosi alla sua opera, sta diventando un ritorno, un percorso di cui si rifanno tutti i passi, seppur già percorsi. Si voglia per la scarsa capacità, tranne in alcuni ovvi casi, di trovare copiosi produttori o la risposta, il risultato ad una lunghissima stagione di esosità scenica a scarso di una narrativa che, da un po’, occupa il teatro italiano. Fatto sta che, un po’ alla volta, a teatro, si sta tornando semplicemente a parlare. Abbandonati i maestosi e mastodontici, e spesso superflui, orpelli scenici, è la voce, l’unica, giusta e sacrosanta depositaria del palco. Ri-narrando, ri-raccontando, Moscato ci conduce nel suo mondo, in quella realtà di cui esso è narratore da sempre, la realtà degli ultimi. E tiene banco con questi tre momenti apparentemente separati, eppure così evidentemente uniti, oltre che da una compresenza temporale, da un filo invisibile, sottile, nato per unire, da un capo all’altro, i leggii e quindi le storie. Trasmettendo, tra di loro, quel tanto di energia necessaria a restare vivi. Nulla è nuovo, nel suo senso etimologico più stretto, in questa opera eppure a sentirle, magari per l’ennesima volta, certe parole, un nuovo significato, una nuova idea si affacciano a quel labirinto chiamato mente. Rifiutando-solo l’autore sa quanto volutamente- questa forma di “ricerca” inteso come estetica, questo “ritorno” alla semplicità, a ciò che si può ripetere, diviene forma fisica dell’obiettivo primo del teatro: non ripetere vita, ma esserlo.

Drinking at the movies è la prima opera della fumettista americana Julia Wertz, pubblicata dalla casa editrice Eris Edizioni, per la collana “Kina“. Presentato a Lucca Comics&Games 2017, il lavoro della Wertz è stato inserito nella lista delle 50 graphic novel imprescindibili da Abebooks ed è stata nominata per gli Eisner Awards nel 2011. Drinking at the movies, il patire dell’essere Partire o restare? Questo, di solito, è il classico quesito esistenziale pronto a stagliarsi come la più imponente delle ombre su una determinata fase dell’esistenza umana: la post-adolescenza. Concluso il dovuto percorso scolastico, nella società odierna non sono pochi quelli che, vista la forte crisi economica e lavorativa, non trovano altra possibilità di cercare altrove ciò che vogliono, mentre altri decidono di abbandonare la “tranquillità casalinga” con lo scopo di confrontarsi con se stessi, di capire quali sono le proprie capacità una volta presa in mano la propria indipendenza. Un filone conosciuto, lungo, lunghissimo, forse anche troppo, quello in cui si infila Drinking at the movies di Julia Wertz. Quello delle opere semi-autobiografiche, in cui il narratore, attraverso gag e cruenta realtà, mostra al lettore la fine della fanciullezza del protagonista e l’entrata nel mondo degli adulti. Il merito di quest’opera è  la non banalità delle riflessioni e degli avvenimenti. Un percorso tutto in salita è quel che attende la protagonista, pronta, ad ogni angolo, a cadere rovinosamente e con imbarazzo in un insuccesso apparentemente senza via d’uscita. Non è semplicemente una ragazza con poca fortuna, la nostra protagonista, è bensì la “sfigata per eccellenza”. Ciò che non va nel suo vissuto, allunga le mani persino in quello delle persone che la circondano, quasi a voler dar dimostrazione ad una filosofia di pensiero per cui la realtà circostante influenza la propria. Non c’è nessuna eclatante vittoria o distruttiva sconfitta in questa graphic novel, ma la semplice e quotidiana vita. Anche New York, ormai punto d’incontro di tantissime opere, sembra quasi latitare dalla narrazione, appare sonnecchiosamente come sfondo di un centro narrativo più dilagante e che coinvolge l’intero pianeta: la crescita personale. Il punto smette d’essere la vita a NY o Roma o Parigi, ogni cosa avviene uguale come in ogni altra città, o quasi. È il lento mostrarsi della matassa, il districarsi dei rapporti famigliari, tra desiderio e netto rifiuto, sono la bramosia del vivere e la sua paura, i malanni quotidiani, le piccole vittorie che sembran minuscole e le insignificanti sconfitte che appaiono macigni. Quel desiderio, a tratti nascosto, sopito e a tratti apertamente dichiarato, di arrendersi, fare i bagagli e tornare da dove si è venuti, quel lì in cui la vita appare improvvisamente più semplice e la voglia di combattere per ciò che si vuole, di non darla vinta proprio a nessuno. Nè alla paura, né al dolore e nemmeno a se stessi.

Dal 18 novembre al 25 febbraio, la Basilica di San Giovanni Maggiore a Napoli, ospiterà “Van Gogh Immersive Experience“, una mostra multimediale e interrativa, con lo scopo di far letteralmente immergere il visitatore nelle opere dell’artista olandese attraverso il 3D mapping. Van Gogh Immersive Experience, immergersi nell’arte Lo scetticismo. Nota corrente di pensiero filosofico-esistenzialista, occupa da tempo l’animo umano, diciamo dai tempi in cui ci si chiedeva se poi, alla fine, si sarebbe rivelata utile questa scoperta del fuoco. Scivoloso, liquido, esso è capace di scorrere e insidiarsi in qualsiasi mente, dalla più semplice a quella più articolata. Perché tutta questa trafila? Perché uno potrebbe pure chiederselo, mentre è in fila per vedere dei quadri proiettati su un telo, cosa sta facendo. Ad essi, si può rispondere solo in un modo: non è convenzionale ciò che vi accingete a vedere. Non applica e non sottostà a nessuna regola tipica delle mostre, né per scelte stilistiche né espositive. È colore, semplice e puro colore. Macchia il corpo, lo attraversa e lo coinvolge all’interno dell’opere e del momento,  pura catarsi artistica in cui, per pochi istanti, lo spettatore non visita le opere, nè le vive, ma le forma, le rappresenta e crea. È, esso stesso, l’opera. Una risposta contemporanea, etica ed estetica, a chi, incautamente, chiede al visitatore di possedere il famoso “background“, di portarsi da casa la propria cultura come fosse una merenda, per poter interagire con le opere e con l’autore, altrimenti di difficile digestione. Ciò di cui si necessità qui è solo il tempo. Quel tempo che ci si ripromette sempre di trascorrere a fare solo quel che si ama, che sia esso finire finalmente quel famoso libro o vedere quel film o visitare quella mostra. Ecco, si armi il visitatore di tutto quello di cui dispone, per stendersi a guardare la Notte Stellata prendere lentamente forma, come si consumasse dinanzi ad esso, accompagnata da una sottile e intensa colonna sonora. O stagliarsi sopra il Campo di grano con corvi, assaporando la stesura pittorica del maestro olandese e la sua arte proprio come se si fosse la sua tela. Tirando le somme, l’Immersive Experience non può, e non vuole, in alcun modo tentare di sostituire la magia allocata nei musei, il solo rumore delle suole che scricchiolano nel suggestivo silenzio delle sale, il piacere di poter osservare, quasi toccare, le croste di opere che son qui da molto tempo prima di noi e che ci resteranno per tantissimo altro tempo dopo ancora. Ma è una valida innovazione, una novità, un viaggio, di quelli che ti restano impressi nella mente per quanto fossero leggeri e spenseriati.

Dal 14 al 19 novembre, il Teatro Bellini ospita in scena “American Buffalo“, testo del 1975, scritto dal premio Pulitzer David Mamet, qui riadattato dallo scrittore partenopeo Maurizio de Giovanni. Lo spettacolo, interpretato e diretto da Marco D’Amore, vede tra i suoi protagonisti, oltre a D’Amore, Tonino Taiuti e Vincenzo Nemolato. American Buffalo, tutto per una moneta Qual è il valore della vita umana? Questione filosofica, da sempre discussa nei migliori e peggiori salotti.  In “American Buffalo” di Mamet, qui riadattato in salsa napulegna da de Giovanni, non si riflette sul suo aspetto economico, come in altri testi, ma ci si concentra su quello spirituale ed esistenziale. Don l’Americano, Bobbi e il Professore, personalità contrastanti, mentalità diverse eppure tutti quanti uniti inossidabilmente allo stesso posto, attratti da quel centro di gravità permanente che è la “puteca” di Don, un rigagnolo di cianfrusaglie e oggettistica, dove, in quella definita dal Professore stesso “proprio una giornata del cazzo”, tutto avviene. I fili tessuti di un destino, scritto dagli stessi interpreti più di quanto possano immaginare, si tirano e cadono, uno dopo l’altro, fino a rivelare ogni aspetto, ogni eccentricità e segreto su quella che è una piccola comitiva di outsider, di uomini soli che cercano di condividerla  e dividersela quella solitudine. Il tempo sembra non esistere all’interno del locale di Don, le ore vengono scandite solamente dalle parole dei personaggi, tutto è perfettamente fermo, stabile e immobile, proprio come l’eterno ritorno di certe realtà urbane, in cui anche il cambiamento sempre già vecchio. L’inesorabilità del finale è palese sin dai primi istanti, quelle vite e la loro rotta sono scrutabili ad occhio nudo, eppure, in qualche modo, l’ambizione dei personaggi resta fermamente sospesa nell’aria per tutto il tempo, una nuvola di sogno, dove esistenze deprivate di qualsiasi successo sembrano volersi distendere a qualsiasi costo. Un plauso va fatto alle interpretazioni singole dei personaggi, pregnanti e sentite. Taiuti, D’Amore e Nemolano sono “se stessi”, caratterizzano, in maniera quasi caricaturale, i propri elementi, non lasciando alcun dubbio allo spettatore su ciò che vede. Un piccolo neo è nella regia di D’Amore, che sceglie di non concedere un’unità sentimentale agli attori in scena, persino lì dove proprio sembra più necessaria, lasciandoli divisi e separati in entità distinte senza concessioni alcune. Così, la Napoli di notte, già decantata da maestri il cui nome è troppo alto per essere pronunciato, si ripete ancora, si consuma all’interno del Bellini, lasciandosi alle spalle una notte di pioggia, di dolore e tormento. Eh sì, lasciandosi dietro proprio una giornata del cazzo.

Dal 3 ottobre al 26 novembre, lo GNAM (Galleria Nazionale dell’Arte Moderna) ospita due mostre parallele su due personaggi chiave per il nostro paese e per l’arte nel suo senso più generale: Palma Bucarelli e Renato Guttuso. Lo Gnam, crocevia dell’arte moderna È necessario cominciare questa riflessione con un grosso prerogativo: lo GNAM è un luogo bellissimo. Uno dei migliori che abbiamo in questo paese, dove l’arte non la si visita semplicemente, ma la si vive e respira, passeggiando all’interno di una delle strutture più affascinanti, dove, a pochi metri l’uno dall’altro, ci si può ritrovare ad ammirare un Klimt e un Van Gogh. Proprio all’interno di quasi oasi culturale, posta nel verde della Villa Borghese, si tiene la mostra parallela su Palma Bucarelli e Renato Guttuso. Palma Bucarelli. La sua Collezione Curato da Marcella Cossu, il percorso mette in mostra l’anima e e la volontà di Palma Bucarelli, direttrice del museo dal 1941 al 1975,  attraverso il suo lascito testamentario allo GNAM stesso di cinquantotto opere. Si legge in esso un’apertura verso l’arte contemporanea, una visione d’ampio respiro, destinata, in qualche modo, ad essere fautrice di un movimento in divenire. Due anime, forti e diversamente uguali, si incontrano lungo le sale, e sono conviventi: una figurativa e una astratta.  Il suo amore, come detto, per l’avanguardia si manifesta con la presenza di lavori come il Senza Titolo di Piero Dorazio o Rivolta di Giulio Turcato, e, proseguendo, ci si può anche imbattere in un ritratto della stessa Bucarelli, ad opera del noto Marino Mazzacurati. Alla lunga lista di nomi e opere nazionali, si aggiungono quelle internazionali, come Passage d’un Chasseur di André Masson o Mother with Child di Henry Moore. Stupendo, a dir poco,  il lavoro grafico di Christo,  il Ponte Sant’Angelo Wrapped del ’69, una piccola chicca  in cui l’artista sognava di incartare il famoso ponte che unisce la città di Roma col Vaticano. Renato Guttuso. Un uomo innamorato. A trent’anni esatti dalla scomparsa di Renato Guttuso, con il lavoro della curatrice Barbara Tomassi, lo GNAM ospita una mostra in cui sono tratteggiati e messi sotto l’occhio di tutti, due caratteristiche principali del noto pittore: la forte energia creatività e una vitalità inarrestabile, incontenibile, che sfocia nel magma estetico delle sue opere. Osservando quadri come La visita della sera o Il merlo o, ancora, Battaglia e cavalli feriti si legge chiaramente una propensione artistica verso i colori accesi, verso un continuo slancio emotivo che da sempre caratterizza il pittore e la sua arte. Mai lontano dai punti salienti della cultura pittorica e non solo, Guttuso ha sempre assistito e fatti suoi i vari accadimenti storici e culturali della sua epoca. Come detto da Alberto Moravia nel 1938, all’interno dei suoi lavori si può percepire “ansioso e sensuale accanimento ad afferrare la realtà nelle sue più segrete e inafferrabili risorse.” Tutte le info sulla mostra, le date e i prezzi qui .