Silvia Vanni esordisce con il romanzo grafico Ramo | Recensione La BAO Publishing continua a lanciare sul mercato nuovi talenti italiani, cercando sempre di concentrare la sua attenzione sul futuro e su chi rappresenterà il domani del mondo fumettistico italiano. In questo caso, parliamo dell’opera di esordio come autrice completa di Silvia Vanni, che con Ramo offre l’occasione ai suoi lettori di porre il focus sulla questione delle relazioni e degli amori perduti. Ramo di Silvia Vanni, un percorso inevitabile Il lutto ha cinque fasi: negazione, patteggiamento, rabbia, depressione, accettazione. Questa suddivisione dei momenti che seguono la perdita di una persona amata c’è stata descritta in questo modo dalla psichiatra svizzera Ross, che ha saputo esprimere in maniera semplice e perfettamente aderente al vissuto di tanti il modo in cui si finisce con l’imparare a vivere con questo vuoto che si forma in seguito ad una morte. Silvia Vanni, in Ramo, ci mostra un sesto stadio generato da una presenza incorporea, un fantasma, il quale aleggia attorno a chi le cinque fasi le sta vivendo e le sta gestendo nel migliore dei modi possibili e che cerca a sua volta di comprendere qual è ora la sua strada, visto che si trova a dover a sua volta accettare un lutto che riguarda se stesso in prima persona. Non sanno bene i nostri protagonisti Omar e Altea dove li condurrà tutto ciò, ma sanno per certo che l’unica cosa che possono fare è continuare a muoversi. «Mi chiamo Omar e, come avrete capito, sono morto. Adesso però questo nome non mi appartiene più veramente. Sono solo il riflesso di Omar. Per cui, potete chiamarmi Ramo». Silvia Vanni sceglie la via della delicatezza, non negando a se stessa e ai lettori la presenza di lati bui in questa storia, evitando di far sembrare la vita tutta “rosa e fiori” e l’amore perduto come qualcosa di irreparabile e perfetto dal primo istante. Mostra il lato umano, quello vero, degli uomini e delle donne, con le loro mancanze, le loro debolezze e i loro inevitabili errori. Tutto questo, una volta sommato, crea l’esito finale che abbiamo modo di vedere con i nostri occhi. Non c’è una vera e propria morale in Ramo, non c’è un finale che raccoglie i pezzi sparsi qua e là durante il tragitto e li racchiude in una nuova forma perfetta, è soltanto un percorso che si fa assieme, esattamente come quello che si è costretti a fare una volta perduto qualcuno. Non troveremo una soluzione al suo termine, una risposta risolutiva a tutti i problemi, né ciò che abbiamo perduto durante ci sarà infine ricompensato o ridato nella sua totalità. Quel che troveremo è una possibilità, uno scorcio su una determinata vita e l’occasione di rivederci con i nostri occhi negli occhi di altri. Fonte immagine: Ufficio Stampa BAO Publishing

“Come i Wanderers vinsero la Coppa d’Inghilterra“, opera scritta dall’autore James Lloyd Carr, è edito dalla Fazi Editore per la collana “Le Strade“. I Wanderers di James Lloyd Carr e la bellezza del sogno Il caso ha voluto che mettessi mano a questa recensione proprio nelle stesse ore in cui il mondo intero, e la città di Napoli in particolare modo, venivano a conoscenza e facevano i conti con la notizia di Maurizio Sarri, padre spirituale del Sarrismo – termine che è entrato a tal punto nell’immaginario comune da divenire parte del Vocabolario Treccani – nuovo allenatore della Fc Juventus. Non è questo il luogo, né vorremmo lo fosse, dove discutere le scelte del mister, noi siamo qui per parlare esclusivamente del libro di Carr, ma non può, chi scrive, fare a meno di notare la divertente similitudine tra questa storia su carta e quella umana. Basta la prefazione del libro per capire in che tipo di lettura ci stiamo imbattendo e già allora bisogna far una scelta. I sognatori, quelli che fino al triplice fischio ci credono, proseguiranno la lettura, mentre coloro che sanno già tutto, che non si lasciano mai toccare dalla vita poiché la conoscono a menadito e nulla li stupisce, potrebbero voler smettere di leggere. Bisogna avere un certo tipo di personalità, di approccio all’esistenza per poter leggere, leggere veramente “Come i Wanderers vinsero la Coppa d’Inghilterra”. Perché la storia di questa squadra, di questa cittadina, di questi uomini è qualcosa per cui tutti coloro che hanno un sogno hanno lottato almeno una volta. Se si è desiderato qualcosa, ma lo si è desiderato veramente, ardentemente allora si divoreranno la pagine, le si bruceranno come si vorrebbero bruciare le tappe della propria vita che ci separano dal nostro agognato obiettivo. Bisogna credere che l’ambizione sia la chiave per ogni successo, bisogna sinceramente pensare che Davide, con la tunichetta e la fionda, possa abbattare il gigante Golia solo grazie alla sua mente, al suo talento, alla sua voglia. Allora si potrà credere a Mr.Fangoss, a Mr. Kossuth e a questa strampalata, imbarazzante, impossibilità alla vittoria, alla squadra di “dreamers”, come li chiamerebbero loro, e alla loro straordinaria storia. Al di là di tutto, al di là del vero o del falso, forse è stato solo una buona lettura, un divertente racconto da fare agli amici al bar, ma solo chi c’è stato e l’ha visto può capire, sapere e dire quanto è stato bello e quanto si sono persi quello che non c’erano. Quindi, al di là del giusto o sbagliato, degli uomini e delle icone, i ragazzi degli Steeple Sinderby Wanderers continueranno a esistere e a giocare il loro calcio impossibile fin quando ci sarà un uomo, anche soltanto uno, che si staglierà solo contro il mondo intero se esso dimenticherà la vera motivazione per cui ogni cosa, dal calcio alla vita, dovrebbe essere fatta: la bellezza.

La collaborazione tra il TAN (Teatro Area Nord) e il Teatro Politeama ha fatto sì che il 27 e il 28 aprile, il pluripremiato UBU Danio Manfredini portasse a Napoli il suo ultimo lavoro teatrale: Luciano.  In scena, oltre a Manfredini, ci sono Ivano Bruner, Cristian Conti, Vincenzo Del Prete, Darioush Forooghi e Giuseppe Semeraro. Luciano, un ultimo atto d’amore La summa. Luciano non è altro che questo, il sunto di un discorso cominciato tantissimi anni fa (con Tre studi per una Crocifissione o, probabilmente, ancora prima) e poi portato avanti, mutato col tempo, cambiato, rivoluzionato per restare al passo con la storia, per capirla e coglierla questa corrente d’innovazione. Il mondo è cambiato, Danio Manfredini pure, ma la sua arte continua a possedere quell’estasi della vocazione ineluttabile. Noi tutti andremo, prima o dopo, mentre il suo teatro resterà. Zampillo di una sorgente lì dove non v’è altro che deserto. Incancellabile dalle menti e i cuori di chi l’ha veduto, l’ha udito, l’ha conosciuto. Danio Manfredini è arte, indubbiamente, eppure bisognerebbe ricordare a molti che resta un uomo di carne, sangue e sogni. Il problema dell’idolo è che quando indica la luna, gli altri non guardano il dito, ma solo lui. Le sue topiche diventano utopiche, per citare qualcuno, e tutto ciò che dice, narra e fa, diventa parte di un contesto più grande, di un meritevole passato che sovrasta il presente e il futuro. Nel narrare il male, nel raccontarla con leggerezza di chi ne conosce il peso specifico e cerca di ridurlo per portarselo alle spalle, la gente ride di gusto e il messaggio è bello che perduto. I mondi creati da Manfredini nei suoi spettacoli, sempre così uniti e aderenti al nostro, per la prima volta appaiono lontani dalla collisione, solamente suoi. Così, mentre il performer assoluto del teatro italiano svolge come sempre più che egregiamente il suo compito sul palco, portando con sé validi compagni a fargli da fondale delle sue emozioni e della sua storia, non si riesce a comunicarci più come le altre volte. Per la prima volta, Danio Manfredini appare lontano, irraggiungibile. Luciano resta un buon spettacolo, anche per i neofiti del maestro che potranno cominciare a coglierne la siffatta bellezza, ma appare irrimediabilmente compromesso nel momento in cui quel palco che è sempre sembrato vicino, ora appare per quel che è: dimensione ristretta all’autore e all’opera. Fonte immagine: Ufficio Stampa.

“Luna Rossa” di Kim Stanley Robinson, autore della fortunata  e pluripremiata “Trilogia di Marte” è qui edito da Fanucci Editore nella collana Narrativa. Luna Rossa, un viaggio dove siamo già stati Caleidoscopico. Appena finito un libro da recensire, mi fermo sempre qualche giorno a pensarci su e a cercare una parola, una singola parola che lo riassuma totalmente e da cui far partire tutto. Un solo termine, secco. Caleidoscopico è la parola chiave per “Luna Rossa” di Kim Stanley Robinson. Come ci avvisa lo strillone in copertina, siamo dinanzi ad un’opera fantasy. Robinson, per chi lo conosce, è uno degli autori fantasy più in auge del momento. Eppure quest’opera vira chiaramente su altre tematiche e stili nel mostrarsi al pubblico, usa gli aspetti fantascientifici come sfondo, prendendo a piene mani da quel mondo immaginario a cui siamo già abituati e educati ormai, senza aggiungerci nulla di veramente nuovo e rivoluzionario. Lontani dal solito brand, dall’idea che maestri come Asimov e Dick ci hanno dato di genere fantascientifico, Robinson scegliere di porre il focus del lavoro su un caso da risolvere, su un colpevole da trovare e un rocambolesco groviglio di personaggi e avvenimenti che sta al lettore districare con cura pagina dopo pagina. Insomma, più che fantasy, direi puro noir. Non troviamo l’azione ad ogni costo in questo libro, né dialoghi da cardiopalma e taglienti come lame, è più uno studio sull’uomo e sul suo spettro emotivo. Una riflessione che l’autore sembra voler fare sul mammifero più diffuso sulla terra, lasciandosi andare spesso a variazioni sul tema e voli pindarici. Non c’è una narrazione diretta e precisa, è un trattato, quello che Robinson fa, e sceglie di farlo con lentezza e parsimonia. Usa un ritmo discontinuo, preme sull’acceleratore e poi frena bruscamente, e concede grandi lezioni antropologiche e storiche al lettore, imponendo così il suo stile e prendendosi in pieno il rischio di condurre lontano il lettore dalla trama principale. Non è un cattivo libro quello che ci troviamo a stringere tra le mani, alla fine. Neppure un libro eccelso, bisogna dirlo. Una lettura assolutamente godibile e di qualità, ma non imprescindibile. Il consiglio è di non pensare di ingoiarlo in un sol boccone, come certi lupi fanno con le bimbe indifese e certi lettori con i libri che hanno amato, ma di sorseggiarlo, come un tè caldo e rilassante nell’ultima ora di luce della giornata, finché non si freddi il giusto per poterne sentire tutto il sapore.

La Bao Publishing non arresta l’invasione di successi sul mercato italiano, lanciando il secondo volume di Haxa, la tetralogia ideata e disegnata da Nicolò Pellizon. Haxa Vol.2, e il cliffhanger d’eccezione Il Cinematic Universe riguardante il mondo dei fumetti a 360 gradi ha cambiato il mondo del cinema, sicuramente, ma anche tante altre cose. Sicuramente la nostra percezione dei supereroi, la nostra idea di plausibile e possibile. Non pensiamo che un uomo possa volare, questo no, ma ci rendiamo conto, adesso, che l’eroe in costume non è senza macchia, non è sempre sicuro di sé e inattaccabile dal punto di vista della sicurezza e della psicologia. Sono uomini, uomini come noi, con solo una straordinaria abilità in più. Ombre d’acqua, seconda parte della tetralogia di Nicolò Pellizzon, è un’analisi a stretto giro sui personaggi in un contesto in cui il personaggio smette di essere protagonista dell’azione, ma si limita a subirla, a viverla. Ogni tavola sembra sul punto di esplodere nelle sue tonalità pronunciate, come se la realtà che Pellizon vuole raccontarci fosse saturizzata fino al suo limite massimo. Fino a far male agli occhi. Chi li segue dal primo volume, sa chi sono questi ragazzi, cosa hanno vissuto e da quale percorso vengono. Li abbiamo visti indeboliti dalla paura, dal terrore di fallire, abbiamo ascoltato i loro sogni e, adesso, li seguiamo mentre compiono lo step successivo, mentre abbandonano definitivamente il guscio protettivo dell’ignoranza per immergersi a pieno petto nella violenza della consapevolezza. Come già riscontrato nel primo volume, sono forti e intraprendenti i personaggi femminili di Pellizon. Sono il focus assoluto dell’opera, non fanno da cornice, né da icona stereotipata pronta all’uso, sono esse stesse la chiave di lettura di Haxa. Senza cadere negli spoiler, concludiamo questa recensione avvisando il lettore che il cammino composto nel primo volume e il finale “devastante” con il quale ci eravamo lasciati, riprende appieno nel secondo, portando lo spettatore ad una ulteriore esplorazione dell’interiorità, sì, ma anche in un meraviglioso viaggio nell’esteriorità, nella cruenta lotta per la sopravvivenza, nello scontro perpetuo e nelle sfide quotidiane che caratterizzano le vita adulta, nelle quali ci si ritrova che lo si voglia o meno.  

Marc Chagall a Napoli, tutti le informazioni Dal 15 febbraio al 30 giugno, la Basilica della Pietrasanta-Lapis Museum di Napoli ospiterà all’interno della sua magnifica cornice la mostra “Chagall. Sogno d’amore” realizzata col contributo di Fondazione Cultura e Arte ed l’organizzazione e la produzione di Arthemisia. Durante la presentazione e la conferenza stampa, abbiamo avuto modo di visitare l’esposizione e fare qualche domanda a Iole Siena (presidente di Arthemisia) e Dolores Dùran Ucar, curatrice della mostra. Marc Chagall, l’adulto col cuore di fanciullo Sono tanti i motivi che ci spingono a visitare una rassegna. La semplice curiosità, il passaparola, l’amore sconfinato per quell’artista, l’interesse didattico. Da spettatore, sono svariate le occasioni che ci portano a passeggiare in silenzio tra le opere e la vita di qualcuno. Qual è però la scintilla, la chiave d’accesso che porta un curatore a scegliere proprio quell’artista? A dedicargli tempo, a curarlo come una seconda madre, scegliendo appositamente ogni opera, allestendo un percorso definito, studiato per permettere a tutti di comprendere appieno la bellezza e la grandezza della sua arte? Cercando di riassumere e concentrare questi quesiti degnamente, abbiamo posto una singola domanda alla curatrice Dolores Dùran Ucar: Perché Marc Chagall? Chagall è uno degli artisti più importanti del ventesimo secolo.  Un artista indipendente, nel senso che quando lui è arrivato a Parigi c’erano le prime avanguardie, il cubismo, il surrealismo e lui non ha preso nessuna di queste strade. Lui desiderava soltanto la libertà. Scegliere le opere, non è così facile. Abbiamo deciso di sottolineare due aspetti: la traiettoria di Chagall, con questo viaggio dal 1925 al 1985 e dall’altra parte, alcune tematiche fondamentali per la sua creazione.  Si è cercato di riprendere tutto quello che secondo noi riprende appieno il pensiero di Marc Chagall. C’è l’amore, l’amore che muove il mondo, come diceva Chagall. L’amore è indubbiamente la più facile, ma non per questo meno coinvolgente di altre, chiave di lettura di questa esposizione dell’artista bielorusso naturalizzato francese. Ma la traiettoria, citata dalla curatrice Dolores Dùran Ucar, è indubbiamente la vera bellezza di questa mostra. Cinque sezioni, cinque punti di partenza diversi che conducono inesorabilmente alla stessa destinazione: la vita e l’arte di Marc Chagall. Se nella prima sezione Infanzia e tradizione russa possiamo osservare tele come Il Villaggio Russo, dove viene mostrata l’indimenticata Russia, è nella quinta sezione che vediamo sbocciare “l’amore che muove il mondo” con tele come Il Gallo Viola o Gli innamorati con l’asino blu. Dietro quello che ci auguriamo sia un grande successo per la cultura e il  pubblico, c’è ancora una volta Arthemisia. Dopo aver portato una straordinaria e visitatissima mostra di Escher al Pan, ora tocca a Chagall. Per questo abbiamo provato a convincere Iole Siena, presidente di Arthemisia, a svelarci i suoi piani. Arthemisia ha “scoperto” finalmente Napoli e sembra che Napoli risponda bene. Quali sono i progetti per la città per il futuro, se può svelarci qualcosa? È scattato un grande amore.  Avevamo un piccolo tentennamento all’inizio, ma i risultati magnifici ottenuti con Escher con circa 140mila visitatori, […]

Dal 5 al 10 febbraio, il Piccolo Bellini ospiterà il vincitore di quattro premi UBU, Danio Manfredini, in scena con l’opera da lui scritta e diretta “Vocazione“, che vede in scena, assieme a Manfredini, Vincenzo Del Prete. Lo spettacolo è prodotto da La Corte Ospitale. Vocazione di Danio Manfredini, cos’è l’attore Quand’è che si raggiunge la performance assoluta? Quando si interpreta ogni sera, per anni, lo stesso identico personaggio e gli si riesce ancora a concedergli la vitalità, l’ingenuità e lo stupore nei fatti di un debutto, di una prova? Quando ci si fa carico di più di un’anima in contemporanea, si prende sulle spalle il dolore, la gioia, la vittoria e la sconfitta di una vasta gamma di maschere e le si porta una sopra l’altra sulla propria? Danio Manfredini è indubbiamente il performer assoluto, poiché riesce nell’impresa di poter essere chiunque, non dimenticando mai di essere se stesso nella sua arte. Sono amari e amareggiati spesso i suoi soggetti, sembrano provenire da realtà teatrali recondite, dimenticate da tutti eppure assolutamente essenziali per la formazione non solo dell’artista, ma dell’uomo. Restano ancorati al tempo e al mutamento costante con fatica, in piedi non per una vera e ferma volontà, ma solo perché non sanno stare in ginocchio. Appare un folle camminatore notturno senza meta l’Amleto, malato e allo stesso tempo unico è l’amore di Kostia e Irina, sono figure erranti. Come cadaveri a cui il rigor mortis ha già fatto visita, appaiono da lontano come sentinelle instancabili, immortali, della condizione umana, ma con uno sguardo più vicino gli si può notare la pelle avvizzire, le rughe solcare ogni angolo e l’anima invecchiare. Apre un uomo, un attore solo che sogna, dopo tanti anni, di interpretare ancora una volta il Lear. L’attore di teatro, di per sé reietto tra gli altri attori, non può vincere questa battaglia col tempo, col corpo e con la totalità che il teatro richiede. Come il calabrone di un nostalgico e impreciso aforisma, non lo sa e recita. Non lo sa e vive.   Vocazione di Danio Manfredini Con Danio Manfredini, Vincenzo Del Prete Collaborazione artistica: Vincenzo Del Prete Progetto musicale: Danio Manfredini, Cristina Pavarotti, Massimo Neri Luci: Lucia Manghi, Luigi Biondi Regia: Danio Manfrendini Produzione: La Corte Ospitale Dove e quando: Piccolo Bellini, dal 5 al 10 febbraio Orari: feriali ore 21:15, giovedì ore 19:00, domenica ore 18:30 Prezzi:18€ intero, 15€ ridotto, 10€ Under29 Durata: 70 min