“Quello che rimane“, edito per la categoria “Narrativa Straniera“, è un’ulteriore tassello del puzzle di pubblicazioni che la casa editrice Fazi Edizioni ha elaborato per le opere della scrittrice statunitense Paula Fox. “Quello che rimane” di Paula Fox, il mito dei miti Bastano pochissime pagine, le prime, di questo lavoro testuale di Paula Fox per far saltare alla mente un vecchio mito greco, forse, uno dei più vecchi in assoluto, ovvero il mito del vaso di Pandora. Per chi avesse un momentaneo vuoto, Pandora, creatura dal corpo di donna resa bellissima e pericolosa dalla collaborazione degli dei dell’Olimpo, i quali le avevano fatto ognuno dono di una eccezionale qualità, venne mandata da Zeus, nel tentativo di proseguire la punizione del titano Prometeo, colpevole di aver rubato a questi il fuoco e averlo donato agli uomini. Sarà lei ad aprire il vaso, regalatole da Zeus stesso con l’ammonizione di non aprirlo mai, e a liberare quelle disgrazie e quei mali che, fino a quell’istante, erano stati sconosciuti all’uomo. Il vaso donato dagli dei a Pandora come il gatto che appare appena per una manciata di pagine iniziali, che è, per sacrosanto diritto acquisito, diretto co-protagonista dell’opera intera, pigmalione dell’evoluzione dei fatti e della storia e della vita di qualcuno. Non un uomo, questa volta ma, in maniera ancor più affascinante, un piccolo animale che in qualche modo sconvolge l’esistenze di un’altra donna, una borghese dell’America di fine anni settanta, la vita di Sophie Bentwood, rea di aver soltanto provato a darle un pò di latte, impietosita dal suo vagabondare. Il vaso si è aperto e gradualmente ne escono fuori tutti i mali finora ignoti ai signori Bentwood. Tutto comincia con un graffio, un semplice, piccolo, seppure potenzialmente letale, taglio sulla pelle che a volerlo guardare attentamente, con cura, apre la visuale su quello squarcio di gran lunga più oneroso che è la sistematica vita dei Bentwood, dei loro amici e della società americana della loro contemporaneità. Se infetta è la ferita, e quindi letale, di sicuro di meno non può esserlo per conseguenze diretta la vita e l’esistenza di chi la ferita la porta addosso. Ambientato in una realtà assolutamente collocabile e tangibile, l’opera di Paula Fox tocca dei picchi di puro surrealismo, dove due persone, i Bentwood, abitano lo stesso spazio, condividono lo stesso tetto e consumano il medesimo cibo, eppure sono così vicini e così lontani da non ricordarsi che, persino, il più piccolo e innocuo taglio può rivelarsi letale. Pagina dopo pagina, evento dopo evento, questa distopica e surreale coppia, sembra più che consumare la loro vita, quella di qualcun’altro, di qualcuno a loro accanto, magari di sopra o di lato, ma mai, mai veramente vicino.

Continua la stagione del Teatro Stabile di Napoli, continua la stagione del Teatro Mercadante. In scena, dal 17 al 22 aprile, troviamo “Il Deserto dei Tartari“, opera letteraria di Dino Buzzati, qui riadattata e diretta da Paolo Valerio, per la produzione del Teatro Stabile del Veneto – Teatro Nazionale e con un nutritissimo cast in scena: Leonardo De Colle, Alessandro Dinuzzi, Simone Faloppa, Marina La Placa (theremin), Marco Morellini, Roberto Petruzzelli, Mario Piluso (pianoforte e fisarmonica), Christian Poggioni, Stefano Scandaletti, Paolo Valerio. Il Deserto dei Tartari, l’eclissi di un uomo Il 17 dicembre 1819, Giacomo Leopardi scrive a Giordani, parlando, in tale lettera, della fanciullezza: “Dato che l’andamento e le usanze e gli avvenimenti e luoghi della mia vita sono ancora infantili,  io tengo afferrati con ambe le mani questi ultimi avanzi di quel benedetto e beato tempo in cui dov’io sperava e sognava la felicità […] è finito il mondo per me e per tutti quelli che pensano e sentono; sicché non vivono fino alla morte se non quei morti che restano fanciulli tutta la vita” Si può riassumere in tal modo la vita di Giovanni Drogo, la creatura di Dino Buzzati, il giovane tenente con appena un piede fuori dalla fase più pura della fanciullezza, destinato, senza averlo nemmeno chiesto, a raggiungere quella dislocata, isolata Fortezza Bastiani. Il viaggio è arduo, trovare la Fortezza sembra complesso; sarà guidato, proprio come tocca a tutti i figli, da qualcuno più in alto di lui ed una volta lì, nonostante il suo desiderio di fare subito ritorno in città e alla vita, invitato a restare, a passare almeno un po’ di quel suo tempo che, quando si è giovani, sembra infinito. L’adattamento e la regia di Paolo Valerio non regala grosse emozioni, ma, va detto, neppure disastrose delusioni. Valerio sembra scegliere di muoversi sul teso filo del racconto, prendendo a piene mani dalla potenza poetica e narrativa dell’opera di Buzzati, senza voler infilare al suo interno troppo di proprio. Rinarrando, si potrebbe dire, ciò che è stato già narrato una volta. Ci mostrano, Valerio e i suoi attori, quel che Buzzati voleva mostrarci. Questo curioso, variegato gruppo di uomini stipati e stretti in un confine da cui sembra non debba mai passare nessuno, eppure, proprio come Vladimiro e Estragone di Beckett attendevano e credevano fermamente nell’arrivo di Godot, costoro credono nello scoppiare di un imminente guerra. Sia che fossero di guardia, o a sbrigare le loro faccende o a maledire, rigirandosi nel letto, il fastidioso e perenne tintinnio della cisterna dell’acqua che non li faceva dormire, tutti loro aspettano, incessantamente, quel qualcosa che hanno atteso tutta la vita.  

Dal 27 febbraio al 11 marzo, il Teatro San Ferdinando ospita una produzione stessa dello Stabile di Napoli; “EdenTeatro”, opera di Raffaele Viviani, qui diretta dal regista franco-argentino Alfredo Arias, con un cast folto e di qualità. EdenTeatro, Viviani e l’Eden La definizione corretta di MetaTeatro è quella di “Teatro nel teatro”, ovvero l’espediente narrativo e teatrale la cui natura fittizia viene subito dichiarata, rompendo, apparentemente, il confine tra palco e platea. Eden Teatro, qui diretto da Arias, non rientra pienamente in questa definizione, ma si concretizza più nell’idea di MetàTeatro, ovvero un teatro a pezzi, diviso, intervellato da una forma di MetàMusical, in cui gli attori, tirando a sé l’attenzione, il plauso e l’occhio del pubblico, svolgono una finzione dettata e precisa in una più aperta e dichiarata rappresentazione mendace. C’è una sottile, minimale e quasi assente quarta parete a dividere queste dive per una notte, meretrice e venditrici di una forma d’arte eterea e impalpabile, con sfumature di fasullo, a voler imitare l’amore stesso, dal reale. Quello a cui il pubblico assiste è un infinito caffé-concerto, in cui l’inizio e la fine si confondono, mischiano e intrecciano fino a rendere improbabile una corretta comprensione di quale siano il capo e la coda di questo folkloristico entourage di tragicità quotidiane. Arias, dopo il lavoro su “Circo equestre Sgueglia”, sembra opzionare per uno stile registico in cui gli attori hanno pieno possesso del palco e del destino di ciò che vediamo, una sortita inattesa per un classico di Viviani, in cui le maestranze sono chiamate a misurarsi con le proprie capacità e i propri limiti, provando a ripetere quel senso ultimo di desiderio e di necessità assoluta che accompagna una semplice recita per ognuna di loro nell’Eden. Proprio per questo, non si può non far un plauso al nutrito gruppo di attori, che, tra interpretazioni cori e cambi repentini di ritmo, si carica sulle proprie spalle il peso della recita. Una coralità spezzettata, in cui il lavoro del gruppo si constata e tocca anche nei continui momenti in cui sono i singoli a dover dirigere solo l’orchestra umana messa su da Arias. Passandosi continuamente un invisibile testimone, il cast vive l’attimo con fatica e con ardore, con fanciullesco ardore e esperta amara ironia, concendendo al pubblico in sala una replica di quel sentimento di debutto che toccava le anime in passaggio all’Eden Teatro, ricettacolo di vuote esperienze e ricca sgraziatezza, in cui ogni attimo che viene nella vita di ognuno sembra essere il più importante.  

Dopo il lavoro svolto insieme per il debutto dell’artista romano con “Demone Dentro” (qui la nostra recensione), il fumettista Mattia Iacono e Tunué Edizioni continuano a collaborare, producendo, per la collana Prospero’s Books, una nuova opera grafica: Macumba. Macumba del fumettista Mattia Iacono, solo quel che è “La morte non è | nel non poter comunicare | ma nel non poter più essere compresi” – Pier Paolo Pasolini Abituati, durante l’esistenza, a pensare al trapasso come qualcosa di assolutamente terribile, concediamo ad esso un posto soltanto nel più remoto dei nostri pensieri. Così come si conservano e rimandano, certi compiti ingrati, ad un infinito domani. Eppure, che ci piaccia o meno, esso arriva per tutti, prima o dopo. Spesso, fin troppo spesso, non al termine di un lungo percorso, bensì in maniera improvvisata e brutale, senza alcun segnale o anticipazione. Non c’è, nella vita di molti, un punto alla fine di un lungo periodo, ma una semplice riga che si distorce all’improvviso, una frase il cui fine resta ignoto sulla pagina bianca del tempo. Opta, Mattia Iacono in Macumba, per una visione sulla fine come qualcosa di quotidiano, senza grossi fronzoli o platealità, concede al lettore solo un piccolo abbozzo sull’esistenza del suo protagonista, solo un lampo, solo un giorno per lasciar comprendere ad esso e a noi quanto sta accadendo e sta per accadere. Decide di ripetere la realtà dei fatti per ciò che è. Si aiuta, e non poco, con uno stile di disegno che sa far risaltare le sue capacità di colorista, aprendo grossi solchi dentro la pagina, non optando per un disegno iper-dettagliato o realistico. Lasciando tutto il viaggio su quei toni onirici e concentrando l’attenzione sui personaggi e la loro deriva. Segue il loro percorso la sua matita come una camera percorre il cammino dell’attore principale senza mai perderlo. Nessun lungo flashback riassuntivo, nessun monologo esistenziale o esistenzialista o qualche disamina totale della propria vita, né del protagonista e né di chi lo accompagna. C’è su queste tavole, con sapienza colorate e gestite per creare lì attesa e lì curiosità, solo una realtà abbozzata, un morso di vita, una possibilità e, perciò, la semplice e pura realtà. Che si può ripetere ovunque, in qualsiasi momento e trovare, in essa, almeno una particina di quel che siamo noi. Poche ore, solo poche ore tratteggiate su un foglio bianco per mettere in mostra quel che è, solo quel che è e nulla più.

Il  Teatro Trianon continua il suo nuovo percorso, dando adito e scena alle nuove espressioni artistiche del territorio campano. Dal 25 al 29 gennaio, ad occupare il palco del Trianon, troviamo una delle figure più di spicco della teatralità partenopea, il drammaturgo/regista/attore Enzo Moscato, il quale si esibisce, per la prima volta, nello stesso luogo che ispirò un suo omonimo testo nel 1983, con lo spettacolo “Ritornanti”. Ritornanti, indietro per prendere la rincorsa Tre leggii. Questo è ciò che viene anticipato allo spettatore, entrando in sala. Solo tre leggii. Passa qualche istante, le luci, come di consuetudine, scemano lentamente e in quel buio, poco nitidamente, una prima figura si staglia mobile sul palco. Così comincia Ritornanti. Tre monologhi, tre scene tratte da tre opere differente.  Tutto è trino, tranne Enzo Moscato. E il suo compagno di viaggio, Giuseppe Affinito. Ritornanti mette in scena una modalità di fare teatro che lentamente, proprio come certi respiri di cui Moscato parla riferendosi alla sua opera, sta diventando un ritorno, un percorso di cui si rifanno tutti i passi, seppur già percorsi. Si voglia per la scarsa capacità, tranne in alcuni ovvi casi, di trovare copiosi produttori o la risposta, il risultato ad una lunghissima stagione di esosità scenica a scarso di una narrativa che, da un po’, occupa il teatro italiano. Fatto sta che, un po’ alla volta, a teatro, si sta tornando semplicemente a parlare. Abbandonati i maestosi e mastodontici, e spesso superflui, orpelli scenici, è la voce, l’unica, giusta e sacrosanta depositaria del palco. Ri-narrando, ri-raccontando, Moscato ci conduce nel suo mondo, in quella realtà di cui esso è narratore da sempre, la realtà degli ultimi. E tiene banco con questi tre momenti apparentemente separati, eppure così evidentemente uniti, oltre che da una compresenza temporale, da un filo invisibile, sottile, nato per unire, da un capo all’altro, i leggii e quindi le storie. Trasmettendo, tra di loro, quel tanto di energia necessaria a restare vivi. Nulla è nuovo, nel suo senso etimologico più stretto, in questa opera eppure a sentirle, magari per l’ennesima volta, certe parole, un nuovo significato, una nuova idea si affacciano a quel labirinto chiamato mente. Rifiutando-solo l’autore sa quanto volutamente- questa forma di “ricerca” inteso come estetica, questo “ritorno” alla semplicità, a ciò che si può ripetere, diviene forma fisica dell’obiettivo primo del teatro: non ripetere vita, ma esserlo.

Drinking at the movies è la prima opera della fumettista americana Julia Wertz, pubblicata dalla casa editrice Eris Edizioni, per la collana “Kina“. Presentato a Lucca Comics&Games 2017, il lavoro della Wertz è stato inserito nella lista delle 50 graphic novel imprescindibili da Abebooks ed è stata nominata per gli Eisner Awards nel 2011. Drinking at the movies, il patire dell’essere Partire o restare? Questo, di solito, è il classico quesito esistenziale pronto a stagliarsi come la più imponente delle ombre su una determinata fase dell’esistenza umana: la post-adolescenza. Concluso il dovuto percorso scolastico, nella società odierna non sono pochi quelli che, vista la forte crisi economica e lavorativa, non trovano altra possibilità di cercare altrove ciò che vogliono, mentre altri decidono di abbandonare la “tranquillità casalinga” con lo scopo di confrontarsi con se stessi, di capire quali sono le proprie capacità una volta presa in mano la propria indipendenza. Un filone conosciuto, lungo, lunghissimo, forse anche troppo, quello in cui si infila Drinking at the movies di Julia Wertz. Quello delle opere semi-autobiografiche, in cui il narratore, attraverso gag e cruenta realtà, mostra al lettore la fine della fanciullezza del protagonista e l’entrata nel mondo degli adulti. Il merito di quest’opera è  la non banalità delle riflessioni e degli avvenimenti. Un percorso tutto in salita è quel che attende la protagonista, pronta, ad ogni angolo, a cadere rovinosamente e con imbarazzo in un insuccesso apparentemente senza via d’uscita. Non è semplicemente una ragazza con poca fortuna, la nostra protagonista, è bensì la “sfigata per eccellenza”. Ciò che non va nel suo vissuto, allunga le mani persino in quello delle persone che la circondano, quasi a voler dar dimostrazione ad una filosofia di pensiero per cui la realtà circostante influenza la propria. Non c’è nessuna eclatante vittoria o distruttiva sconfitta in questa graphic novel, ma la semplice e quotidiana vita. Anche New York, ormai punto d’incontro di tantissime opere, sembra quasi latitare dalla narrazione, appare sonnecchiosamente come sfondo di un centro narrativo più dilagante e che coinvolge l’intero pianeta: la crescita personale. Il punto smette d’essere la vita a NY o Roma o Parigi, ogni cosa avviene uguale come in ogni altra città, o quasi. È il lento mostrarsi della matassa, il districarsi dei rapporti famigliari, tra desiderio e netto rifiuto, sono la bramosia del vivere e la sua paura, i malanni quotidiani, le piccole vittorie che sembran minuscole e le insignificanti sconfitte che appaiono macigni. Quel desiderio, a tratti nascosto, sopito e a tratti apertamente dichiarato, di arrendersi, fare i bagagli e tornare da dove si è venuti, quel lì in cui la vita appare improvvisamente più semplice e la voglia di combattere per ciò che si vuole, di non darla vinta proprio a nessuno. Nè alla paura, né al dolore e nemmeno a se stessi.

Dal 18 novembre al 25 febbraio, la Basilica di San Giovanni Maggiore a Napoli, ospiterà “Van Gogh Immersive Experience“, una mostra multimediale e interrativa, con lo scopo di far letteralmente immergere il visitatore nelle opere dell’artista olandese attraverso il 3D mapping. Van Gogh Immersive Experience, immergersi nell’arte Lo scetticismo. Nota corrente di pensiero filosofico-esistenzialista, occupa da tempo l’animo umano, diciamo dai tempi in cui ci si chiedeva se poi, alla fine, si sarebbe rivelata utile questa scoperta del fuoco. Scivoloso, liquido, esso è capace di scorrere e insidiarsi in qualsiasi mente, dalla più semplice a quella più articolata. Perché tutta questa trafila? Perché uno potrebbe pure chiederselo, mentre è in fila per vedere dei quadri proiettati su un telo, cosa sta facendo. Ad essi, si può rispondere solo in un modo: non è convenzionale ciò che vi accingete a vedere. Non applica e non sottostà a nessuna regola tipica delle mostre, né per scelte stilistiche né espositive. È colore, semplice e puro colore. Macchia il corpo, lo attraversa e lo coinvolge all’interno dell’opere e del momento,  pura catarsi artistica in cui, per pochi istanti, lo spettatore non visita le opere, nè le vive, ma le forma, le rappresenta e crea. È, esso stesso, l’opera. Una risposta contemporanea, etica ed estetica, a chi, incautamente, chiede al visitatore di possedere il famoso “background“, di portarsi da casa la propria cultura come fosse una merenda, per poter interagire con le opere e con l’autore, altrimenti di difficile digestione. Ciò di cui si necessità qui è solo il tempo. Quel tempo che ci si ripromette sempre di trascorrere a fare solo quel che si ama, che sia esso finire finalmente quel famoso libro o vedere quel film o visitare quella mostra. Ecco, si armi il visitatore di tutto quello di cui dispone, per stendersi a guardare la Notte Stellata prendere lentamente forma, come si consumasse dinanzi ad esso, accompagnata da una sottile e intensa colonna sonora. O stagliarsi sopra il Campo di grano con corvi, assaporando la stesura pittorica del maestro olandese e la sua arte proprio come se si fosse la sua tela. Tirando le somme, l’Immersive Experience non può, e non vuole, in alcun modo tentare di sostituire la magia allocata nei musei, il solo rumore delle suole che scricchiolano nel suggestivo silenzio delle sale, il piacere di poter osservare, quasi toccare, le croste di opere che son qui da molto tempo prima di noi e che ci resteranno per tantissimo altro tempo dopo ancora. Ma è una valida innovazione, una novità, un viaggio, di quelli che ti restano impressi nella mente per quanto fossero leggeri e spenseriati.