Dal 3 all’8 marzo andrà in scena al Teatro Bellini di Napoli lo spettacolo tratto da Kobane Calling, noto fumetto di Zerocalcare che traspone sotto forma di graphic novel il viaggio che l’ha portato nei pressi della città assediata al confine tra Turchia e Siria, dove i Curdi lottano contro le forze del sedicente Stato islamico. Kobane Calling, atipico reportage tra leggerezza e brutalità Da Rebibbia a Rojava, in una terra che ricorda le pianure dell’agro pontino, Michele Rech, alias Zerocalcare, intraprende un viaggio insieme ad un gruppo di volontari per unirsi alla resistenza curda. Da questa esperienza nasce Kobane Calling, fumetto che ha venduto 120.000 copie, vincitore del Premio Micheluzzi, tradotto in otto lingue e trasformato in uno spettacolo teatrale dal regista Nicola Zavagli che, con la commistione di “siparietti surreali” e scene di brutale realtà, conferisce alla narrazione un ritmo dinamico e coinvolgente. I 13 attori in scena (plauso all’eclettico Alessandro Marmorini e a Lorenzo Parrotto nei panni di Zerocalcare) danno vita ad una recitazione corale in cui si alternano dramma e commedia, dialetto romano e lingua curda, citazioni pop e cartoons: il tutto genera un atipico reportage che tra una risata e l’altra porta lo spettatore a riflettere sulla brutalità dell’uomo contro se stesso e sull’indifferenza verso una realtà che non ci tocca da vicino. La lotta curda non è una semplice guerriglia locale ma una battaglia decisiva per uomini e donne che hanno a cuore l’umanità e che combattono per un futuro in cui violenza e devastazione vengano sostituite da speranza e solidarietà. Perché sto qua? è un interrogativo incessante, che fa rumore nel buio della notte, quando si è soli con i propri pensieri e si avverte solo la voce di una dei volontari che parla su Skype con il fidanzato. Per la prima volta sento che il centro del mondo è qui in Kurdistan. Com’è possibile localizzare il centro del mondo in un altopiano del Medio Oriente che non è nemmeno riconosciuto come Stato? Perché se perdono loro, perdono tutti. E allora tutto acquista un senso, il tramonto annuncia l’alba di un nuovo giorno, di un altro passo verso l’umanità. Perché in fondo correre da una parte all’altra per accatastare sacchi di riso e cous cous ti dà quell’adrenalina che non proverai mai stando chiuso nella tua stanza davanti alla console. Rompere il filo spinato, aprire canali umanitari, tendere la mano sono le uniche armi contro la disumanità dilagante, in un mondo in cui un padre gioca con la propria figlia facendola ridere all’esplodere di una bomba. La mise en scène si è conclusa con un commovente saluto ad Ayşe Deniz Karacagil, detta cappuccio rosso, la ragazza turca che è morta lottando contro l’Isis.   tratto da Kobane calling di ZEROCALCARE edito da BAO Publishing un progetto di Lucca Crea a cura di Cristina Poccardi e Nicola Zavagli adattamento e regia Nicola Zavagli con Massimiliano Aceti, Luigi Biava, Fabio Cavalieri, Francesco Giordano, Carlotta Mangione, Alessandro Marmorini, Davide Paciolla, Lorenzo Parrotto, Cristina Poccardi, Marcello Sbigoli e con giovani attori […]

Il 19 febbraio ha fatto il suo debutto al Teatro Mercadante di Napoli Orgoglio e Pregiudizio; dal romanzo del 1813 di Jane Austen, per la regia di Arturo Cirillo, con adattamento teatrale di Antonio Piccolo, lo spettacolo, che resterà in scena fino al 1 marzo, si allontana dalla classica austerità del romanzo, sottolineandone la sagacità dei dialoghi e tagliando fuori dalle tavole del palcoscenico il superfluo, mettendo in scena un’opera che è una commedia musicale, un po’ anche riscrittura e parodia, ma che allo stesso tempo riesce a mantenere in piedi gli aspetti di novità e originalità dell’opera originaria mettendone in risalto le qualità. L’opera di Cirillo prende ispirazione dall’azione teatrale di Annibale Ruccello, come afferma lo stesso regista nonché attore; il confine tra l’ottocento inglese e la Napoli ruccelliana è labile. La scena è essenziale, a spiccare sono i protagonisti dagli abiti sgargianti e i quattro specchi che seguono i movimenti e i tempi di scena in una danza che scandisce i cambiamenti spaziali e quelli relativi all’animo dei personaggi. La musica, infatti, è fondamentale accompagnamento delle azioni, oltre ad essere, anche nel romanzo della Austen, l’espediente per eccellenza dello scambio relazionale tra uomini e donne che “si conoscono danzando, si innamorano conversando“. Tutto cambia, pur restando immutato. Orgoglio e Pregiudizio: la trama I protagonisti della vicenda sono il signore e la signora Bennet (Arturo Cirillo e Alessandra De Santis): lui indolente e disilluso, lei invadente e civettuola, divertono sin da subito per i battibecchi continui, procedono su binari divergenti. La signora Bennet non ha altro desiderio che quello di sposare la sua primogenita Jane (Sara Putignano), con un uomo ricco e facoltoso. Il signor Charles Bingley (Giacomo Vigentini), il nuovo vicino dei Bennet, è l’obiettivo prescelto dalla madre; quale miglior occasione del ballo organizzato a casa Bingley per sfoggiare il suo diamante grezzo, Jane, con la speranza che Bingley se ne innamori al primo sguardo? Al ballo prendono parte anche la secondogenita Elizabeth (Valentina Picello),o Lizzie, denigrata dalla madre per le sue scarse doti estetiche, ma elogiata dal padre che le riconosce le sue doti intellettive, nonché la loro vicina di casa Charlotte (Giulia Trippetta). Bingley sembra subito prediligere Jane e tra i due scatta qualcosa, per la felicità della madre. Al ballo è presente anche un amico di Bingley, il signor Darcy (Riccardo Buffonini), uomo solitario e altezzoso, contrario non solo a quelle manifestazioni di pubblica convivialità, bensì anche alla vicinanza dell’amico con Jane, di condizione sociale ed economica inferiore. Darcy è inoltre scostante e giudica la secondogenita Bennet “appena passabile”, frase che offende profondamente Elizabeth, facendo sorgere in lei un forte astio nonché pregiudizio nei confronti di Darcy. Gli espedienti della signora Bennet per avvicinare la figlia al facoltoso Bingley vanno in porto e quando Jane si ritroverà costretta a casa dell’amato, la sorella Elizabeth non attenderà molto a raggiungerla. In quella casa dovrà passare sotto la lente della sorella di Bingley, Caroline (Giulia Trippetta) e a difendersi dalle stoccate di Darcy. Lizzie è pronta ad ogni […]

Locke & Key, la nuova serie targata Netflix in uscita il 7 febbraio 2020, è tratta dall’omonima graphic novel (genere verso il quale ultimamente la piattaforma sembra essere particolarmente predisposta) scritta da Joe Hill, figlio di Stephen King, e disegnata da Gabriel Rodriguez. Locke & Key: la trama La storia segue le vicende della famiglia Locke, composta da madre e da tre figli reduci dal tragico assassinio del padre, evento che li costringe a trasferirsi nella vecchia casa di famiglia in Massachusetts. Si tratta di una casa antica, sontuosa ed elegante che subito desta all’occhio dello spettatore una sensazione sinistra. Una casa che effettivamente nasconde segreti, non estranei alla memoria del padre di famiglia ormai deceduto. Nella Key House sono presenti molte porte. Ciascuna di esse custodisce un segreto, che può essere svelato solo dalle chiavi giuste. Chiavi nel vero senso della parola: piccoli oggetti di fattura antica ed originale che il piccolo Bode Locke (Jackson Robert Scott) riesce a percepire e a riportare alla luce, insieme alla loro natura magica. Il bambino, dotato di fremente curiosità, inizia ad usare le chiavi con pericolosa disinvoltura, attirando l’attenzione di una misteriosa figura che ne è attratta ed è pronta a tutto per entrarne in possesso. Locke & Key: tra il fantasy e il drama La trama oscilla tra il dramma vissuto dalla famiglia, i cui componenti cercano di affrontare il lutto ognuno a proprio modo, e la fantasia: la madre Ellie (Darby Stanchfield) trova conforto nell’alcool; il fratello maggiore Tyler (Connor Jessup) si rifugia in se stesso, silenziando i suoi sentimenti per adempiere al compito di fratello maggiore; la sorella Kinsey (Emilia Jones) risulta maggiormente ribelle rispetto al fratello e il piccolo Bode trova, invece, consolazione nella ricerca delle chiavi magiche. Sarà lui infatti il primo a sentirle e, dopo una iniziale incredulità ed una serie di espressioni dubbiose, riuscirà ad aprire le porte su questo mistero anche al fratello e alla sorella. Possibile componente metaforica Chissà che non si possa attribuire proprio alle chiavi l’accesso verso una via di conforto per la tragedia della famiglia Locke! Un modo per superare il dramma e l’eco del passato, visto che il nome dell’antagonista è proprio Eco, il cui ruolo nella vicenda ha come unico scopo quello di rincorrere la famiglia per ottenere le chiavi: come se l’ “eco” di un passato non lontano minasse la via di fuga dei Locke (dal sostantivo “lock” – serratura, blocco), permesso proprio dall’uso delle chiavi stesse. Una componente nella trama che suggerisce questa possibile teoria la ritroviamo nella madre Ellie, che tende a dimenticare le chiavi e la loro importanza nonostante la sua presenza in occasioni collegate alle chiavi stesse. Le ricorderà solo sotto l’effetto di una discreta dose di alcool. Ciò potrebbe sottolineare che la via d’accesso verso il conforto, per la signora Locke, è conseguente all’uso (sbagliato) dell’alcool e che è solo in tal modo che la donna può riuscire a percepire il potere delle chiavi. Conclusione  Concludo la recensione di Locke & Key […]

Con Ferrovecchio va in scena il dramma della solitudine e della disperata urgenza di comunicazione che accomuna due individui ai margini della società. In programma dal 11 al 16 Febbraio al Piccolo Bellini, Ferrovecchio è il primo dei testi della Tetralogia del dissenno firmati da Rino Marino e portati in scena dalla Compagnia Marino – Ferracane. Su una scena piena di oggetti ma spoglia di emozioni, un uomo dall’aspetto vinto e rassegnato attende, intorno a lui i segni inequivocabili di un mestiere e di una vita che non gli appartengono più. Un catino, una poltrona sdrucita, imposte scolorite dal tempo sono il desolante scenario dei suoi pensieri tinti. Alle sue spalle il cigolio di una vecchia bicicletta rompe il silenzio preannunciando l’entrata in scena di un vagabondo senza nome e senza identità. Nenti ha canciatu, nelle parole del vagabondo e nel suo incessante elenco di oggetti e dettagli che gli passano davanti agli occhi, lo spettatore riconosce con maggior forza l’assoluta immobilità della scena. Tutto è fermo ad un istante ben preciso del passato, ad una vita che non esiste più e al momento esatto in cui il legame tra i due uomini e il resto del mondo si è irrimediabilmente spezzato. E nell’immobile lontananza del passato, il vagabondo scava tirando fuori in forma confusa frammenti di ricordi in cui la dimensione temporale sembra assolutamente relativa. Un vagabondare avanti e indietro nel tempo che suona come una sfida al diffidente mutismo dell’interlocutore. Ne nasce, tra i due personaggi, un confronto che oscilla costantemente tra il più duro realismo e il più ironico surrealismo, un dialogo che si sparge come acqua alimentata dalla sorgente agitata del vagabondo, un fiume di parole a cui il barbiere progressivamente si abbandona vincendo le iniziali ritrosie. I due personaggi si scambiano la pelle e i ricordi riconoscendo, l’uno nell’altro, attraverso uno specchio, la profonda solitudine che li accomuna. In fondo e in forme diverse sono entrambi due vagabondi, due esistenze perdute che vivono ai margini del mondo reale, rinchiusi dal resto dell’umanità in una gabbia di incomunicabilità e isolamento. Le pareti del carcere come l’isolamento del disagio mentale sono i muri che il mondo ha costruito intorno a loro, relegandoli ad una dimensione surreale e marginale; le parole che il mondo gli nega ritrovano ora vita in un discorso sconclusionato che, nell’estrema necessità di comunicazione cui dà voce, restituisce senso e vitalità alle loro esistenze sbiadite. Nell’essenzialità della scena emerge vivida la potenza del dramma cui Ferracane e Marino danno voce e la scena di colpo non appare più così spoglia, bensì si riempie di quell’empatia che i due attori riescono a comunicare. La solitudine e il disagio, il rifiuto e la diffidenza, infine il bisogno disperato di comunicazione sono sensazioni tangibili, immagini reali che prendono forma attraverso le parole dei due attori in un’autenticità che solo la madrelingua siciliana sa restituire. Fonte immagine: http://www.teatrobellini.it/spettacoli/332/ferrovecchio

In nome del padre, di e con Mario Perrotta, nel cartellone del Piccolo Bellini dal 4 a 9 febbraio, sancisce l’inesorabile declino del patriarcato. Mario Perrotta, con la consulenza dello psicanalista Massimo Recalcati, con In nome del padre indaga la dimensione del rapporto padre-figlio: tale dimensione complessa e in piena crisi è analizzata con profondità e attenzione per le cause, i sintomi e le conseguenze che tale crisi porta con sé. Perrotta regge da solo l’intero dramma vestendo i panni di tre padri, dando voce ad altrettante dinamiche familiari, spostandosi con la sola lingua su e giù per lo stivale e per la scala sociale. Tre padri ischeletriti si aggirano confusi, disorientati e disarmati su una scena essenziale, tra gli scheletri metallici del Discobolo, del Pensatore e del Galata morente. Perrotta è un caporeparto di una fabbrica, veneto, ignorante, un leader sul lavoro, fragile e insicuro in famiglia. Mortificato e svilito da sua moglie, incapace di instaurare un dialogo con il figlio, indirizzato da un amico, si rivolge ad uno specialista. Le cause del silenzio che regna tra lui e il suo Lessandro, questo padre le rintraccia nel dislivello culturale, nella mancanza di una lingua comune che permetta ad un padre dialettofono di dialogare con un figlio ben istruito, nella mancanza di interessi comuni. Ma il problema non è il veicolo della comunicazione, bensì la posizione degli interlocutori: il timore reverenziale del padre verso il figlio nasconde i cocci di una figura genitoriale andata ormai in frantumi. Questo padre non ha la statura morale e psicologica che gli permetterebbe di essere un modello per suo figlio, una guida: nel tentativo di trovare i confini della figura di padre si affida, allora, allo stesso figlio. Perrotta è il padre di Giada, napoletano, marito tradito e a sua volta traditore. Giovane a tutti i costi, fa serata con la figlia e le sue amiche adolescenti, italianizza l’inglese fino a partorire una mostruosa lingua ibrida, uno slang che lo faccia sentire moderno, al passo con le sue frequentazioni. Guidato solo dai consigli dei tarocchi questo padre perde le coordinate, smarrisce i confini netti e invalicabili del rapporto padre-figlio e produce un cortocircuito, una relazione tra pari pericolosamente equivoca, spaventosamente incestuosa. Perrotta è Sciacca, giornalista e intellettuale siciliano, padre ostentatamente illuminista, comprensivo, presente. Sciacca davanti all’atarassica clausura del figlio Virgilio si interroga, si lambicca in congetture, interpretazioni, indagini diagnostiche improbabili e sconclusionate, per poi fermarsi sulla soglia dei silenzi di suo figlio. Sciacca parla ad una porta chiusa e non osa oltrepassarla: è immobilizzato dal terrore, incapace di entrare nella vita del figlio e farsi da guida.  Alessandro, Giada e Virgilio sono figli orfani di modelli, di guide, figli costretti, di fronte alle continue invasioni di campo dei loro padri, a mettere argini, tracciare confini, innalzare mura e barricate. Sono figli affetti da Hikikomori: la loro difesa è l’isolamento, la chiusura rispetto al mondo, una chiusura che lasci intatta la loro purezza, che lasci loro il tempo per trovare se stessi, per tracciarsi una […]