Serenvivity è lo spettacolo del duo Ebbanesis, composto da Serena Pisa e Viviana Cangiano, due giovani cantanti napoletane in ascesa nel panorama musicale italiano. Lo spettacolo, fra musica, canto e comicità, è in scena al Teatro Sancarluccio il 14 e il 15 novembre, nella meravigliosa cornice della Napoli alla moda di Via dei Mille. Ebbanesis: un progetto nato per gioco su internet La storia delle Ebbanesis è il perfetto esempio di come la nuova società delle comunicazioni e dei social network possa favorire l’emergere di differenti stili e forme artistiche: le due cantanti si sono fatte conoscere dal piccolo pubblico social grazie ad alcuni video su Faceboook, nei quali riarrangiavano pezzi della tradizione musicale, soprattutto partenopea, fra il serio e il faceto. In queste piccole, casalinghe performance, le Ebbanesis in favore di camera, voci più chitarra, divertivano un ristretto gruppo di spettatori, inserendo dei jingle all’americana su pezzi che hanno fatto la storia di Napoli (uno fra tanti, Carmela di Sergio Bruni, che diventa uno swing, o Ragione e sentimento di Maria Nazionale, presenti anche fra i pezzi di Serenvivity). In questo panorama si incastonano perfettamente alcuni pezzi inediti, come Pe’ mme di Alessio Bonomo e Marzo cu ‘tte della stessa Serena Pisa, che per la loro dolcezza e profondità completano il caleidoscopio di emozioni di uno spettacolo fuori dai canoni. All’origine del successo in ascesa per le Ebbanesis, dunque, qualche video su internet, alcune presenze in tv, qualche collaborazione che ha permesso loro di farsi notare in contesti più disparati, dalla partecipazione a Tu si que vales, alla richiesta di Maurizio De Giovanni, scrittore napoletano, di musicare Rondinella in occasione di una lettura d’opera, fino alla pubblicazione di un video con Fanpage con un medley sanremese, per non parlare di una serie di concerti sul territorio campano e internazionale . In Serenvivity le due talentuose promesse raccontano questi ed altri aneddoti che hanno segnato il loro percorso professionale. Le Ebbanesis in Serenvivity Le due cantanti si presentano sul palchetto del Sancarluccio nella massima sobrietà: una chitarra, un leggio, un baule per appoggiare alcuni essenziali oggetti di scena. Vestite con eccentrici abiti vintage, che ricordano un po’ le pin-up di un tempo, le Ebbanesis dimostrano che un palco non ha bisogno di grandi luci per mettere in evidenza il talento: sono le loro voci a fare da padrone sulla scena, i loro sorrisi e gli intermezzi per presentare i singoli pezzi, che donano un’aria di freschezza e comicità all’intero spettacolo. In Serenvivity si palesa non solo il talento, ma uno stile del tutto personale, una linea artistica spontanea ma ben definita, una volontà di portare avanti un progetto che ha tutte le carte in regola per imporsi anche all’esterno della nostra regione. In quell’ora e mezza di emozione e divertimento, le Ebbanesis stravolgono la tradizione, la rigirano a vantaggio di un sapore comico fra démodé, americano, grottesco, tragico. In Serenvivity trova posto non soltanto la musica della storia di Napoli, ma anche una rivisitazione in napoletano di Volevo un gatto […]

Il teatro dell’assurdo di Harold Pinter è tornato a Napoli con lo spettacolo “C’è qualcuno alla porta” di Andrea Lucchetta e Luigi Siracusa. Scopri come è andata! L’incomunicabilità, la distorsione dei ricordi, l’assuefazione da dinamiche perverse e ridondanti. I testi di Harold Pinter sono colmi di paradossi, illogicità, beffe, ed è proprio questo a renderli moderni, specchi circensi di un mondo distopico e multiforme. Oggi come ieri, ieri come domani, gli abitanti della Terra si muovono dentro cerchi concentrici e viziosi, dalla quale potrebbero fuoriuscire soltanto in due modi: tenendosi per mano o guardandosi dentro. Entrambe le prospettive risultano troppo complesse, quasi perverse, e questo comporta una cronica assuefazione al nulla. In ambo gli atti, in ambo i racconti di Harold Pinter portati brillantemente in scena ieri sera al Teatro Nuovo di Napoli, questa defezione morale risulta centrale. Nel primo,  “Il Calapranzi”, i due killer (Marco Fanizzi e Vincenzo Grassi) non sanno dare un nome e una forma al luogo in cui si trovano per compiere il loro lavoro. Attendono, quasi come Didi e Gogo con Godot, qualcuno che non conoscono, che dovrà pagare per qualche motivo con la morte. A loro non spetta fare domande, solo eseguire. E nel frattempo vagano in quello spazio quadrato, una cucina priva di cibo ed utensili, e hanno come unico contatto con il mondo un “paniere” contenente ordinazioni che non potranno soddisfare e un telefono meccanico, emblema di una comunicazione interrotta con l’esterno. Harold Pinter secondo Andrea Lucchetta e Luigi Siracusa Le difficoltà e le incomprensioni sono, invece, il perno di “Vecchi Tempi”, testo più maturo del premio Nobel Harold Pinter e che ha visto in scena Cecilia Bertozzi, Michele Enrico Montesano e Sofia Panizzi. Il triangolo amoroso tra Kate, Deeley e Anna è scaleno. Nessuno dei lati, nessuna delle prospettive combacia con l’altra. Un cortocircuito di ricordi, accompagnati da versi di canzoni accennate, costituisce un intreccio narrativo pregno di note silenti, di non detto, di lasciato intendere. Non c’è un solo svolgimento, ma un fiume di ricordi ad estuario, non c’è un solo finale possibile, ma una serie di copia e incolla confusi che denotano il dramma delle società attuali. La domanda che lo spettacolo, con l’ottima regia del duo Lucchetta – Siracusa, lascia sottintesa è:” c’è speranza?”. A questa domanda Harold Pinter non risponde, così come gli spettatori dei suoi drammi.

Il Piccolo Bellini dal 23 al 28 ottobre ospiterà la compagnia teatrale Vucciria Teatro, che presenterà in scena “Io, mai niente con nessuno avevo fatto“. L’opera, scritta, diretta e interpretata da Joele Anastasi, vede inoltre in scena Enrico Sortino, Federica Carruba Toscano. Lo spettacolo è prodotto da Fondazione Teatro di Napoli – Teatro Bellini. “Io, mai niente con nessuno avevo fatto” di Joele Anastasi e l’amore che uccide Se è nelle vostre visioni cinematografiche, di sicuro non avrete potuto dimenticare i movimenti di danza frenetici, rabbiosi per le strade dell’immaginaria provincia inglese di Everington di Billy nel film “Billy Elliot”, in cui mostrava allo spettatore quel suo tormento interiore, quella sua manifestazione di un’interiorità divisa tra ciò che si aspetta da lui e tra ciò che esso desidera, incorniciata dalle note di “Town Called Malice” dei The Jam. Era difficile la vita per lui, figuriamoci per un ragazzino puppo della Sicilia degli anni ’80. Suddivisa, frammentata da un continuo, intenso e selezionato gioco di luci, il teatro concettuale dei Vucciria e lo spettacolo di Joele Anastasi ci mostra, come a voler incastonare diversi pezzi fondamentali di quel che è pur sempre un distorto mosaico. La storia di Giovanni, Rosaria e Giuseppe, tre vittime della vita e delle circostanze, che si muovono gravanti del peso di una società che li indica come colpevoli di essere ciò che semplicemente sono. Bisogna far plauso ai Vucciria, di essersi addentrati in un marasma oggigiorno presente e che finisce puntualmente con l’essere bollato come “momento buio del passato”. Il rancore cresce e il rifiuto della diversità di esso si alimenta e lievita altrettanto, nelle metropoli si nascondono i mostri, confondendosi tra le migliaia di genti mentre nelle province, meno trafficate, esplodono in tutto il loro malessere. Eppure la “miglior gioventù” continua a venire fuori, il nuovo avanza ed ha una voglia e una forza di sognare indomabili, che neppure il peggior stigma (che sia esso la malattia o l’omosessualità) può fermare. Allora si danza, si salta qua e là, attendendo solo di stare appena un po’ meglio, per partire, andare lontano. Fin dove il sogno ci spinge.

Le disgrazie di Flavio, secondo appuntamento per l’edizione 2018 del Festival di Commedia dell’Arte I viaggi di Capitan Matamoros – Drammaturgie della scena. Recensione dello spettacolo. Forse non tutti sanno che lungo il decumano inferiore, all’incrocio di Via Benedetto Croce e Via San Sebastiano, c’è una chiesetta che – spettatrice silenziosa della movida napoletana che anima la non lontana Piazza Bellini –  è in queste sere teatro di uno spettacolo tutto suo. Si tratta della Chiesa di Santa Marta e lo spettacolo – andato in scena mercoledì 17 ottobre e in replica giovedì 18 alle ore 20:30 – è Le disgrazie di Flavio, commedia dell’arte tratta da un antico scenario della raccolta di Flaminio Scala. Alla scoperta della Chiesa di Santa Marta Visto l’obiettivo con cui nasce il Festival I viaggi di Capitan Matamoros – quello di valorizzare luoghi storici di Napoli non sempre fruibili al grande pubblico – prima della messa in scena, l’associazione Artes – Restauro e Servizi per l’Arte ha permesso agli spettatori di scoprire qualcosa in più su quest’affascinante location. La visita guidata nella Chiesa di Santa Marta, compresa nel prezzo del biglietto, si è tenuta in tre lingue: italiano, inglese e spagnolo. Se da un lato questo ne ha allungato non di poco i tempi, dall’altro ha consentito anche ai numerosi turisti stranieri presenti di poter scoprire qualcosa su Napoli e la sua storia che – probabilmente – non è presente in nessuna guida turistica. L’edificio è stato fondato nel XV secolo e fortemente voluto dalla regina Margherita di Durazzo d’Angiò che a Santa Marta era legata sia per ragioni personali (si dice che la vita delle due donne avessero molte cose in comune) sia per ragioni religiose e politiche (la santa era – ed è tutt’ora – molto venerata in Provenza, luogo da cui proveniva la regina). Inizialmente gestita dalla Confraternita dei Disciplinati di Santa Marta cui facevano parte tanti nobili e viceré, la Chiesa ha conservato a lungo tra le sue mura una testimonianza storica importantissima: il Codice di Santa Marta. Ora conservato all’Archivio di Stato, il Codice è prezioso sia perché documenta il succedersi delle dinastie e delle case regnanti su Napoli capitale, sia perché testimonia l’evoluzione della cultura figurativa meridionale. Ma soprattutto la sua storia è interessante perché il manoscritto scampò miracolosamente all’incendio e al saccheggio del 1647 che, nella chiesa, distrussero tutto: cose e persone. Qui, infatti – prima di trovare la morte per mano degli spagnoli – cercarono rifugio un gruppo di persone che avevano partecipato alla rivoluzione di Masaniello e i cui scheletri sono ancora conservati nella cripta sottostante. Dopo che la guida ha condotto gli spettatori anche lì, un Pulcinella ha però “interrotto” la visita: era ora di pensare ad altre disgrazie, quelle – tutte da ridere – di Flavio. Alla scoperta della Commedia dell’Arte Le disgrazie di Flavio appartiene squisitamente al genere della Commedia dell’Arte. Rimasta popolare fino alla metà del XVIII secolo, ha reso famosa la commedia italiana in tutto il mondo; più che di un genere di […]

Il Museo del Sottosuolo di Napoli per una notte si è trasformato nell’inferno di Dante. Scopri come è andata. “…Dinanzi a me non fuor cose create se non etterne, e io etterno duro. Lasciate ogni speranza, voi ch’intrate” Dopo aver incantato oltre 700mila spettatori nelle edizioni realizzate nelle Grotte di Pertosa e di Castelcivita, lo spettacolo L’Inferno di Dante, ideato e coordinato da Domenico Maria Corrado, è tornato in scena ieri sera al Museo del Sottosuolo di Napoli. In questo luogo senza tempo che nasce come acquedotto greco – romano per poi essere riscoperto come rifugio antiaereo durante il secondo conflitto mondiale, le porte dell’eterna dannazione hanno accolto oltre 50 persone per uno spettacolo che non ha certamente deluso le enormi aspettative. C’era comunque da aspettarselo perché l’associazione Tappeto Volante è specializzata proprio nel mettere in scena rappresentazioni teatrali che si coniugano in maniera armoniosa con gli ambienti. Ma andiamo con ordine. L’Inferno di Dante è uno spettacolo itinerante turistico-divulgativo basato sulla prima cantica della Divina Commedia e racconta, quindi, della discesa del Sommo Poeta tra i cerchi infernali. Durante il suo cammin tra la perduta gente, con la guida del suo fido maestro Virgilio, il fiorentino incontrerà (e noi con lui) indimenticabili personaggi le cui gesta vivono ancora oggi grazie al suo capolavoro. Museo del Sottosuolo di Napoli: dal buio alle stelle  Sono tre gli atti e altrettante le sale del Museo del Sottosuolo in cui l’azione scenica prende vita. Superati i 106 gradini, il pubblico viene accolto da una spettacolare coreografia a cui segue l’ingresso di uno smarrito Dante. Il suo senso di angoscia acuito dalla presenze delle tre fiere viene spazzato via dall’arrivo di Virgilio che indica agli stanti la strada che conduce alla porta infernale. Da qui in avanti, il susseguirsi di emozioni contrastanti si fa tambureggiante. Amore e speranza, nell’ascoltare Beatrice, timore reverenziale nei confronti di Minosse e Caron, “Dimonio dagli occhi di bragia”, e poi pietà nel vedere Francesca abbracciata a Paolo. I due cantano stretti l’uno all’altro e stringono il cuore dei presenti e quello del poeta. Nella sala “Delle Riggiole”, la situazione si fa più angosciante e claustrofobica. Cerbero e Medusa cercano di ostacolare il cammino al gruppo, senza riuscirci. Il volere divino è troppo forte. La terza sala, invece, ha tre indiscussi protagonisti: Ulisse, il Conte Ugolino e il male incarnato, Lucifero. Interessante è la caratterizzazione che viene fatta di quello che fu l’angelo più bello di Dio. Egli, infatti, non compare in scena, ma viene rappresentato con un filmato che mostra l’olocausto, il fungo atomico e molte altre tragiche vicende che hanno avuto come protagonista l’assenza di umanità. L’inferno di Dante, in conclusione Un viaggio, un incredibile viaggio quello di ieri sera al Museo del Sottosuolo di Napoli. Lo spettacolo itinerante “L’Inferno di Dante”  non può che essere riassunto così. Tutto, dall’umida quanto affascinante ambientazione, agli attori e figuranti che hanno saputo incarnare con realismo e vitalità i loro ruoli, dalle musiche di Enzo Gragnaniello alla scelta di attenersi fedelmente al testo, tutto è stato funzionale alla buona riuscita di questa discesa mano nella mano con Dante Alighieri […]