Eroica Fenice

Recensione dei Tre dialoghi e il racconto dell’Anticristo di Vladimir Solov’ev (Fazi editore, 2017): la verità “al di là del bene e del male” Dare alle stampe un libro quale I tre dialoghi e il racconto dell’Anticristo di Vladimir Solov’ev (1853-1900) da parte della casa editrice Fazi può essere vista come un’operazione provocatoria, oltre che divulgativa. Se, in generale, è nelle corde di Fazi editore la missione di diffondere in Italia la voce di intellettuali stranieri come Gore Vidal (et alia), la pubblicazione dei Tre dialoghi e il racconto dell’Anticristo può essere considerato come un atto volto a suscitare una certa polemica. Considerando l’idea sottostante l’intero libro, che ruota intorno la concezione di verità e menzogna in materia religiosa riflessa nella vita quotidiana, l’intento di Fazi editore sembra quello di voler innescare nella mente il dubbio; un dubbio coerentemente costruito allo scopo di poter fornire un metro di giudizio sulla propria identità di individuo religioso e individuo laico. Verità e menzogna: i Dialoghi di Solov’ev Vladimir Solov’ev intende la verità religiosa come la genuina manifestazione del credere in qualcosa di trascendente scevra da costruite sovrastrutture che nel tempo ne vadano a modificare e quindi a tacere il messaggio primigenio. È possibile dedurre come per Solov’ev la menzogna discenda genealogicamente dalla verità arcaica, storpiata nel corso delle epoche, andando così al di là di una manicheistica concezione del bene e del male. Le azioni, le decisioni degli uomini ha ragione di fondarsi, dunque, non su una rappresentazione che l’uomo stesso ha del bene e del male, su quella unica e verace che risiede nell’intelligenza divina. Per Solov’ev, inoltre, la verità di Dio diviene correlativo oggettivo della giustizia universale che valica gli ostacoli di una morale artefatta e fatta di sillogismi. A titolo di esempio si legga nel Primo dialogo la narrazione del Generale (pp. 25-27), in cui oltre la sottigliezza del teologo si arricchisce del nitore dello scrittore. Nel narrare le vicende della Guerra Turca del 1877, il Generale rievoca l’orrendo spettacolo delle torture perpetrate dalle tribù ottomane ai danni dei villaggi inermi e il fervore per aver massacrato i sacrileghi ottomani adempiendo alla volontà divina che non manifestava pietà verso chi non l’aveva provata. A una tale visione delle cose si contrappone, poi, la figura del Principe, che fonda il suo «ottimismo morale» (p. 29) su una concezione alienata della parola di Dio, rimproverando al Generale la mancata sepoltura offerta ai morti ottomani. Emblematica è la risposta del Generale: «Ma insomma, decidetevi! Prima dite che una persona malvagia è come una bestia irresponsabile, mentre ora, secondo voi, un basci-buzuk che si mette ad arrostire un bambino può rivelarsi un buon ladrone evangelico! E tutto questo soltanto per non sfiorare il male in alcun modo, neanche con un dito. Secondo me, invece, non è importante che in ogni persona ci siano germi sia del male sia del bene, ma quale dei due domini sull’altro» (p. 28). Oltre queste affermazioni comunque tendenziose, si può leggere il pensiero di Vladimir Solov’ev per cui la […]

Si deve a Fazi editore la possibilità di vedere tradotto in Italia il romanzo L’età dell’oro dell’intellettuale americano Gore Vidal (1925-2012). Dopo Giuliano, con L’età dell’oro (trad. it. Luca Scarlini, Roma, Fazi, 2017) Fazi editore dà il via alla pubblicazione del romanzo storico di Vidal con l’ultimo dei sette romanzi della saga Narratives of Empire (in ordine: Burr, Lincoln, Il candidato, Impero, Hollywood, Washington D.C., L’età dell’oro). Narratives of empire racconta, attraverso contraddizioni e fenomeni sociali, la nascita e l’ascesa dell’America a prima potenza mondiale. L’età dell’oro di Gore Vidal, ovvero la storia come propaganda L’età dell’oro di Gore Vidal si apre con una nota profondamente ironica e polemica, tipica della personalità dell’intellettuale americano. Per comprendere ciò è necessario storicizzare questa sorta di incipit del romanzo: 4 novembre 1939. Poco meno di due anni prima dell’entrata in guerra dell’America in seguito all’attacco di Pearl Harbor da parte dei giapponesi (7 dicembre 1941). Nelle pagine di Vidal si percepisce il clima di tensione che divide un paese isolazionista ma con faville di interventismo. A farsi portavoce di tali idee sono esponenti della politica americana del tempo, ma la ironia, si diceva, la vena polemica, si esprime in una nota amara nel momento in cui, sulla base dell’opinione pubblica, della Democrazia, il potere politico afferma che “la gente fa sempre come gli si dice. Non hanno scelta” (p. 24). Emerge in questa frase la chiave di lettura dell’intero romanzo che si fonda sull’idea di una libertà, per così dire, assente del popolo americano, influenzato e quindi manovrato dal potere politico. In L’età dell’oro Vidal mette in mostra la sua idea dell’anti-democraticità del governo americano andando così a definire anche una pessimistica concezione della Storia. La Storia, difatti, si costituisce delle cause e degli effetti delle azioni degli uomini tutti; diversamente, per Vidal, la Storia risulta essere un concetto inafferrabile per il popolo in quanto manovrato dai poteri alti. Si può quindi giungere ad affermare che la storia, nel caso specifico dell’America (secondo il progetto di Narratives of empire), non è vera, ma è riflesso di una realtà sapientemente simulata e manipolata. Tutto questo si evince in particolar modo alle pagine dedicate da Vidal ai momenti relativi all’attacco a Pearl Harbor da parte dei giapponesi. L’America, secondo le disposizioni del presidente Franklin Delano Roosevelt (alla vigilia del suo quarto mandato), sarebbe entrata in guerra solo in seguito ad un attacco. Vidal esprime come attraverso l’ultimatum proposto dal segretario americano Cordell Hull, la così detta Hull note (26 novembre 1941, p. 30) l’America avesse praticamente fornito al Giappone la prospettiva di attaccarla. In altre parole, secondo Vidal, la Casa Bianca si aspettava un attacco da parte dei giapponesi, salvo poi presentarlo al pubblico come inaspettato, il quale necessariamente doveva avere come reazione degli statunitensi la guerra. Dalla resa incondizionata del Giappone in seguito alle bombe atomiche su Hiroshima e Nagasaki (6 e 9 agosto 1945), ebbe poi inizio la propaganda anticomunista della Guerra fredda. Tutto questo, per Vidal, pone le basi della potenza dell’impero americano: un impero […]

Dal giorno 11 al 14 gennaio 2017 il palcoscenico del Nuovo Teatro Sancarluccio ospita lo spettacolo Semi. Peccato non esiste più l’amore platonico di Marina Cioppa e Michele Brasilio e prodotto da Vulìe Teatro. Dal titolo si evince come esso affronti la tematica conflittuale tra uomo e donna. Si tratta di un conflitto che nasce, piuttosto che da una fisiologica differenza tra uomo e donna, da quella difficoltà comunicativa che si instaura in generale tra gli individui. La riflessione che in Semi si pone circa rimpianto per l’amore platonico, un tipo di affetto, cioè, che si nutre di se stesso senza chiedere nulla in cambio all’oggetto del desiderio, sembra mirare, inoltre, all’analisi di quel profondo individualismo che regna nella realtà contemporanea. Semi: tra amore e rapporto di coppia al giorno d’oggi. Due chiacchiere con Michele Brasilio e Marina Cioppa Semi. Peccato non esiste più l’amore platonico è un titolo che porta alla mente la complessità del rapporto di coppia nell’epoca contemporanea. Parlateci dello spettacolo. Marina Cioppa: Complessità è un eufemismo in questo caso. Il rapporto di coppia dei protagonisti Ugo e Claudia è una gara da giocarsi sempre in zona Cesarini, un continuo andirivieni di battute, in perenne contrasto e il finale spiega in parte il motivo. Michele: Il ritmo col quale procedono i dialoghi è molto sostenuto e in qualche modo rimanda alla velocità con la quale oggi si instaurano rapporti e alla superficialità nell’ascoltarsi. Come siete giunti all’idea del rimpianto del cosiddetto amore platonico e cosa intendete con questa locuzione? Marina Cioppa: La conclusione alla quale siamo giunti in ultima fase di scrittura è stata proprio che se l’amore fosse platonico sarebbe più semplice e non ci sarebbe necessità di coabitazione e di condivisione di nessun tipo. Molte problematiche troverebbero esaurimento, oggi invece l’esaurimento è clinicamente diagnosticabile in molti casi. Mettere in scena una tematica così attuale come rapporto di coppia comporta una forte adesione alla realtà. Quanta vita quotidiana prende, appunto, vita in Semi? Michele Brasilio: Tutta. Praticamente tutta. In semi ci sono dialoghi e situazioni che abbiamo osservato, immagazzinato, appuntato e persino vissuto. In Semi è ovviamente esasperato il concetto di coppia, dato che al teatro serve esattamente questo. Quali sono, dal punto di vista registico, i linguaggi con cui vi esprimete in Semi? Michele Brasilio: Dal punto di vista registico ho preferito lasciare spazio alla drammaturgia, pur trattenendo uno stile cinematografico che credo fotografi al meglio la relazione di coppia per come la intendiamo. Per noi è stato molto più importante far nascere il “gioco” tra i due attori (e di conseguenza tra i due personaggi) senza inondare lo spettacolo di spunti concettuali anche visivi. Cos’è cambiato nel rapporto di coppia con il passaggio dal Secondo al Terzo Millennio? Michele Brasilio: Credo che a un certo punto si necessitasse di una modifica antropologica, nella stessa misura in cui ci si lasciava alle spalle l’idea del piccolo spazio, del paesino, del quartiere come unico spazio scibile. Così anche la coppia ha avuto bisogno di rinnovare la sua posizione storicamente convalidata. […]

Entrare al TRAM (Teatro Recitazione Arte Musica) significa addentrarsi nel cuore di Napoli. Le sue scalinate, illuminate da luci soffuse, discendono nella terra fino a portare lo spettatore nell’anima del teatro. Ad accoglierci è il Direttore artistico e fondatore della compagnia del Teatro dell’Osso Mirko Di Martino, che ci ha spiegato quale sia l’idea portante del TRAM: una linea che riesca a coniugare insieme drammaturgia e memoria popolare con un certo sperimentalismo, che sappia farsi comprendere dal pubblico. In particolare, la drammaturgia di Di Martino affronta temi quali la memoria e l’identità dei suoi personaggi attraverso uno scavo profondo della loro coscienza, i quali diventano pretesti per analizzare tematiche universali. Accanto a questo tipo di approccio vi è anche una certa forma di sperimentazione, allo scopo di proporre nuovi linguaggi fruibili di comunicazione, di cui è felice esito la rassegna da lui stesso ideata Vissi d’Arte, che coniuga teatro e arti figurative, e il cui più recente risultato è stato lo spettacolo Explodin Plastic Wharol, che ha aperto magnificamente questa seconda stagione del TRAM. Il TRAM di Mirko Di Martino: le diverse scelte drammaturgiche Nella tua biografia artistica si articola in un passaggio biunivoco dalla drammaturgia alla direzione teatrale. Raccontaci se e come la direzione artistica del TRAM abbia influito sulla tua scrittura drammaturgica. È vero che l’apertura del TRAM ha influito sulla scrittura drammaturgica perché per la prima volta ho avuto l’occasione di pensare a uno spettacolo, in particolare Exploding Plastic Wharol, che è nato appositamente per questo posto. Fino a quel momento i miei spettacoli erano legati a quelli che erano i miei interessi generali, o alle possibilità produttive, o all’interesse del Teatro dell’Osso, ma non al luogo specifico. Nel momento in cui abbiamo per la prima volta pensato a uno spettacolo che doveva nascere qui e stare qui per un certo periodo di tempo, siccome il TRAM ha anche una struttura abbastanza particolare, proprio come edificio teatrale, allora c’è stata un’influenza non tanto nella scelta del tema, ma sull’idea dello spettacolo che sarebbe dovuto nascere. Non influisce ovviamente tanto sullo stile, né sui temi, ma certamente influisce invece sull’idea di un testo che viene pensato già per un certo tipo di allestimento. In particolare Wharol è stato pensato e scritto proprio per essere messo in scena in quel modo che ha suggerito il TRAM stesso. Difficilmente potrebbe essere messo in scena in un’altra maniera e anche, con certe difficoltà, in un altro posto, in quanto è nato esattamente qui. Più in generale, il fatto di avere la direzione artistica influisce sulla scrittura, dovrei dire in maniera negativa, nel senso che lascia meno tempo per la scrittura, ed è difficile conciliare le due cose perché scrivere è un’attività a tempo pieno; anche perché raramente capita di iniziare a scrivere un testo di cui si è convinti fin dall’inizio, se è già quello che si vuol fare. In genere, è più una ricerca. Si comincia da un’idea, se ne valutano tante, se ne abbandonano tante altre, ci si torna su, […]

Attraversando le affollate vie di Spaccanapoli, frastornato da mille colori e mille voci, lo sguardo si posa di luogo in luogo fino a toccare, attirato dal suo sommesso luccichio, uno dei tanti gioielli che ornano questi vicoli, ovvero la Chiesa dell’arte della seta dei Santi Filippo e Giacomo. Insieme con altri complessi religiosi come ad esempio la Basilica della pietà dei Turchini in via Medina la Chiesa dell’arte della seta dei Santi Filippo e Giacomo costituisce parte di quel patrimonio nascosto e a lungo dimenticato che risiede a Napoli alla luce del sole. Per questo, l’opera dell’associazione Respiriamo Arte è di pregevole interesse in quanto, dal 2015, si occupa di mantenere vivo l’interesse verso questo splendido complesso, di cui alcune aree erano in pieno abbandono e chiuse al pubblico da trent’anni. Respiriamo Arte nella Chiesa dell’arte della seta L’azione dell’associazione è fondata sul concetto di recupero e di valorizzazione di quella parte del patrimonio storico e artistico napoletano che versa in condizioni di abbandono. In questo modo Respiriamo Arte si è impegnata a proporre al pubblico, in tutto il suo splendore, la Chiesa dell’arte della seta, reintegrandola nel circuito culturale volto alla diffusione del patrimonio architettonico e artistico napoletano. Il lavoro dei ragazzi di Respiriamo Arte ha reso accessibili nuovi ambienti del Complesso quali la sagrestia settecentesca, prima adibita a mero deposito; il cortile; e la parte sotterranea, da cui sono stati riportati alla luce alcuni reperti archeologici. Il tutto è valorizzato tramite l’organizzazione di visite guidate, tenute dagli stessi membri dell’associazione Respiriamo Arte, fondate su precisa basi documentarie e bibliografiche, a testimoniare proprio l’impegno dell’associazione e il valore storico della Chiesa dell’arte della seta dei Santi Filippo e Giacomo. La Chiesa dell’arte della seta: un po’ di storia La Chiesa dell’arte della seta nasce in seguito all’istituzione a Napoli della Corporazione dell’ Arte della seta nel 1477, dando così inizio alla ufficiale diffusione  dell’arte serica nel pieno Rinascimento napoletano. Questa Corporazione, a cui si deve la costruzione della chiesa dedicata ai Santi Filippo e Giacomo, riunì in questo modo, sotto la sua egida, le numerose bellezze dell’arte serica meridionale. Arricchita di suggestioni barocche nel corso di tutto il secolo del Seicento, l’arte della seta è stata poi messa in secondo piano. Grazie all’attività di Respiriamo Arte, non solo la chiesa ha ripreso ad essere aperta al pubblico; ma  lo studio e lo scavo archeologico della giovane associazione ha permesso di riportare alla luce anche numerose testimonianze dell’alto livello dell’arte serica napoletana, un’arte che, seppur in precedenza dimenticata, resta sempre intrecciata nelle trame della cultura della città.

Approda a Napoli dal lontano Oriente la mostra L’Esercito di Terracotta e il Primo Imperatore della Cina. La mostra, prodotta dalla giovane società di comunicazione LiveTree e curata da Fabio Di Gioia, è stata inaugurata il 24 ottobre 2017, e sarà possibile ammirarla fino al 28 gennaio 2018 presso la Basilica dello Spirito Santo, in via Toledo 402 a Napoli. L’esposizione comprende gli oggetti, i marmi e le statue scoperti nella necropoli dedicata al primo imperatore della Cina Qin Shi Huangdi, la cui storia risale a più di due millenni fa. Egli fu colui che pose le basi per la struttura governativa cinese che a tratti sopravvive ancora ai giorno nostri. L’Esercito di Terracotta e il Primo Imperatore della Cina comprende esposizioni che fanno sì che gli astanti possano instaurare un intimo rapporto con l’idea del mondo ultraterreno così com’era percepito all’epoca quasi mitica a cui appartengono i rarissimi reperti. LA GENESI DELL’ESERCITO DI TERRACOTTA E L’IDEA DI IMMORTALITÀ Tutti i reperti, il vasellame, le decorazioni e gli utensili esposti in occasione della presente esposizione, che rappresenta una Prima italiana, si configurano come una sorta di “bagaglio” che l’imperatore Qin Shi Huangdi portò con sé nel misterioso viatico che lega il mondo dei vivi a quello dei morti. Quasi alla maniera delle usanze egiziane, per cui si accompagnavano al sarcofago dei grandi faraoni oggetti che potessero agevolare il trapasso e glorificarne l’assunzione tra gli dèi, i numerosi manufatti rispecchiano l’idea per cui nel mondo delle ombre l’Imperatore avrebbe continuato una sorta di manifestazione del suo potere regale; di qui gli oggetti di uso quotidiano come il vasellame, o i carri, o le armi, o le armature, tutto riprodotto con precisione. Il viaggio nel mondo degli spiriti diviene così un grande viaggio in cui si manifesta la consapevolezza, o il desiderio, dell’immortalità dell’uomo. Questa particolarità si esprime, inoltre, nella sapiente scelta del luogo prescelto per ospitare la mostra, ovvero la Basilica dello Santo Santo. Costruita nel XVI secolo, e trasformata nel corso delle epoche e degli stili architettonici fino al Settecento, per cui ad oggi si presenta secondo una architettura e decorazione neoclassica, pur conservando reminiscenze del suo passato manierista e barocco, la Basilica, come ha infatti osservato Susy Stracchino dell’Associazione Medea Art, impegnata nella costituzione dell’esposizione, instaura con la mostra L’Esercito di Terracotta e il Primo Imperatore della Cina un rapporto di silenziosa sacralità. L’ESERCITO DI TERRACOTTA E IL TURISMO CULTURALE Il lavoro di allestimento della mostra si inserisce perfettamente nel contesto napoletano, andando a confluire in quella messe di eventi culturali che soprattutto nell’ultimo periodo stanno dando lustro culturale alla capitale partenopea. Una Napoli come crocevia di culture che è in grado di attirare una forma di turismo diversa da quella tradizionale. Come ha osservato nella detta conferenza Virginia Gangemi, Professore Emerito dell’Università Federico II, la mostra dà la possibilità alla città di Napoli di favorire quello che è il turismo colto, che sa andare oltre le attrazioni convenzionali, complice anche il periodo invernale che vedrà attiva l’esposizione, e […]

Uscita di emergenza di Manlio Santanelli ritorna al Teatro San Ferdinando a più di trent’anni di distanza dalla sua prima rappresentazione nel 1980, interpretata da Bruno Cirno e Nello Mascia. Dal 18 ottobre al 5 novembre la commedia santanelliana calcherà ancora le assi del San Ferdinando, e sarà interpretata da Claudio Di Palma, che ne cura anche la regia, e Mariano Rigillo. L’allestimento si avvale delle scene di Luigi Ferrigno, dei costumi di Marta Crisolini Malatesta, delle luci di Gigi Saccomandi e delle musiche di Paolo Coletta. Uscita di emergenza, o la fuga delle parole Come Di Palma ha sottolineato durante la presentazione dello spettacolo tenutasi nel foyer del Teatro Mercadante, la sua interpretazione si basa su di un critico «svuotamento delle parole», il quale diviene riflesso del caos comunicativo in cui annega la società contemporanea. Oggi si dicono parole “ovvie” e parole “bastarde” (nel senso etimologico dei termini) che sono state svuotate dei loro significati primordiali profondi; esse da sentimenti divengono rumore, un rumore che testimonia una inevitabile e tragica dissoluzione di valori. Questo, anticipa Di Palma, si esplica nel momento in cui «un grande lastrone marmoreo, forse staccatosi dalla parete di un’antica chiesa, o teatro, schiaccia la statua del Corpo di Napoli». In questo senso si rappresenta simbolicamente la devastazione, quasi un’apocalisse, degli antichi equilibri che reggevano tradizioni, parole ed affetti. Si tratta di una rottura di equilibri che sembra essere ripresa dalla celeberrima scena eduardiana di Natale in casa Cupiello in cui Ninuccia distrugge il presepe di Lucariello sancendo l’annientamento dell’armonia familiare e per estensione della città ideale che esso rappresentava nella concezione di Luca Cupiello. Quello della rottura degli equilibri è un discorso che, come sottolinea Santanelli, è «vicino al binomio tra eros e tanathos». Amore e morte sono, nell’humus napoletano, due fratelli che camminano lungo un labile confine. Ecco, ancora, il senso drammatico e tragico della distruzione dei valori che si esprime nella potente battuta «non c’è più religione, non c’è più teatro, non c’è più città». La dissoluzione dei valori passa, dunque, per la dissoluzione del linguaggio in quanto lo sfogo dei due protagonisti, Cirillo (Claudio di Palma) e Pacebbene (Mariano Rigillo), come specifica Rigillo, si fonda soltanto sul rumore, che diviene sonno emotivo. I personaggi in questo modo tentano “un’uscita di emergenza” dalla dissoluzione attraverso le parole; tuttavia la distruzione del passato e dei suoi testimoni decreta in questo modo la sconfitta del dialogos e il trionfo del vuoto. Metafisiche al teatro Va inoltre segnalato che nell’ambito della nuova stagione si terranno incontri di preparazione al teatro che offriranno spunti di riflessione su determinati spettacoli presenti nel cartellone. Tali incontri (tutti a ingesso libero) saranno tenuti da Gianni Garrera, studioso fine, curatore, tra le varie cose, delle opere estetiche di Kierkegaard  per i Classici del pensiero BUR e dei suoi Diari per Marcellina. Garrera, peraltro drammaturgo e traduttore del Direttore del Teatro Stabile Napoli (Teatro Nazionale della Campania) propone così le sue intelligenti divagazioni con con lo scopo di preparare o arricchire il bagaglio culturale dello spettatore […]