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Eroica Fenice

La Tag: teatro bellini contiene 14 articoli

Teatro

La Bella Addormentata al Teatro Bellini: la magia del balletto

L’incanto è reale in sala al Teatro Bellini la sera del 4 Dicembre durante la messinscena della rappresentazione de La Bella Addormentata, con coreografia curata da Fredy Franzutti, scene di Francesco Palma e musiche di  Čajkovskij. La realizzazione del balletto è stata ispirata alla storia del napoletano Gian Battista Basile, il quale aveva scritto una versione di questa fiaba intitolata “Sole, Luna e Talia”, pubblicata poi postuma nel 1636. Tuttavia rispetto alla versione originale, il coreografo ha apportato delle modifiche riadattando e impregnando la storia della magia del Salento. Questa trasposizione geografica, risultato dell’intervento creativo di Franzutti, ha reso ancor più interessante la storia della principessa Aurora, allontanando i fumi del mito dal suo personaggio e dandole un corpo reale e tangibile ai sensi dello spettatore. La storia de La Bella Addormentata copre un arco temporale molto vasto che va dagli ultimi anni ’40 ai primi 2000 e la prima scena che si svela all’apertura del sipario è quella della notte della nascita di Aurora. I colori delle vesti dei danzatori sono scuri quanto quelli delle tenebre, il futuro padre percorre a gran falcate quasi tutta l’area del parco, snervato dall’attesa e dalla paura. Ma a squarciare il velo della notte, insieme all’incedere dell’alba, è un fiocco rosa: è nata Aurora. A ciò segue il battesimo cristiano e successivamente, come da tradizione, un’iniziazione pagana che avrebbe dovuto augurare una buona sorte alla bambina. Per il rito viene chiamata una zingara che, come viene ricordato, non è la maga ufficiale del paese. In mezzo ad una folla confusa, appare la strega Carabosse, l’aria diventa sempre più pesante e intrisa dei fumi del mistero della magia. Nonostante gli altri si fossero dimenticati di chiamarla, anche la chiromante vuole offrire un dono alla piccola Aurora. Si svela sotto gli occhi dei presenti una premonizione: al compiere dei suoi sedici anni, Aurora incontrerà nel suo cammino una tessitrice, si pungerà e per questo morirà. Ma nei sedici anni successivi, cercando di prendere qualsiasi misura precauzionale, la minaccia non sembra essere più una cosa reale. Gli animi si distendono, la vita prosegue felice e i colori dei vestiti si accendono di rosa e celeste. Arriva anche il giorno del sedicesimo compleanno di Aurora. I festeggiamenti sono tanti, la bellezza della ragazza attira gli occhi di molti giovani che la invitano continuamente a danzare e roteare leggiadra sul palco. Arriva anche la maga che porge alla principessa una scatola graziosa al cui interno vi è la terribile tessitrice: una tarantola. Bellissimo l’utilizzo dell’immagine del ragno, caro ai racconti folkloristici pugliesi, che trova una piacevole coerenza con la fiaba. La premonizione trova il suo compimento, ma grazie all’intervento della zingara convocata al battesimo che si svela essere una potente fata, Aurora non morirà e cadrà in un lungo sonno. La storia si riallaccia fedelmente al classico svolgersi degli eventi. Infatti passeranno cinquanta anni prima dell’arrivo di un principe, Ernesto, il quale allontanerà finalmente la minaccia della malefica Carabosse, ormai troppo vecchia per lottare, e darà il bacio […]

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Lo Skianto di Filippo Timi al Teatro Bellini

Travestita di un turbinio di luci e immagini dal profumo anni ’80, va in scena al Teatro Bellini la favola cruda e autentica di Skianto, spettacolo scritto e diretto da Filippo Timi e portato in scena con le canzoni di Salvatore Langella. Lo spettacolo affronta con amara ironia il tema della disabilità mostrando allo spettatore il suo punto di vista più autentico, quello di un ragazzino che cerca di riaggiustare la sua smisurata vita interiore dentro i limiti che il corpo e il mondo esterno gli impongono. Il racconto parte dai primi istanti dell’esistenza di Filippo, il concepimento, dipinto come la corsa di uno spaurito e ingenuo “girino” fino all’abbraccio finale che spazza via tutta la concorrenza; poi i primi momenti felici della neonata famiglia, nei quali lo stupore e l’incanto, che sempre accompagnano un bimbo appena nato, vengono incrinati dalla scoperta dell’anomalia. Filippo è un bambino nato “con la scatola cranica sigillata”, il suo cervello, prigioniero di una scatola rigida e immutabile, non potrà consentirgli il pieno controllo del suo corpo e con esso dell’intera sua esistenza. Filippo è dunque prigioniero del suo corpo nei cui movimenti non riesce ad incanalare tutti i suoi desideri e le sue emozioni più intime. Il suo orizzonte materiale è limitato alle pareti grigie della sua cameretta e all’orto sotto la statale che faticosamente raggiunge con l’aiuto dei genitori. Filippo è ancora prigioniero dell’immagine che tutti hanno di lui, dai genitori ai parenti: un bimbo che “sembra normale, ma è speciale” e come tale non può seguire lo sviluppo naturale delle sue sensazioni e pulsioni ma è relegato ad una dimensione ultratemporale, immutabile e sigillata. Ma guardando attraverso i suoi occhi, si scopre una sconfinata dimensione interiore che non riesce a trovare espressione e condivisione con la realtà esterna. I desideri e i sogni di Filippo, le emozioni e le pulsioni che lo agitano sono umanissime ed esplodono davanti agli occhi dello spettatore in uno skianto di colori, immagini e suoni. È dapprima un bimbo, poi un adolescente e ancora un uomo che come tutti attraversa le evoluzioni dell’animo, le piccole passioni, i grandi sogni, gli innamoramenti e il desiderio sessuale. L’orizzonte spirituale di Filippo infrange quello materiale, dentro di lui non c’è traccia di quell’anomalia che il mondo esterno gli dipinge addosso, resta però vivo il dolore e la solitudine dell’incomunicabilità. Con Skianto, Timi dipinge con ironia e leggerezza una favola dura e pura dando voce a voci spesso inascoltate. Tutto è reale ed autentico e quindi vivo, la dimensione familiare espressa nell’utilizzo del dialetto umbro, le emozioni del protagonista scomposte e ricomposte in molteplici forme e colori.  Il racconto di Timi è una corsa su un filo di lana che non si spezza mai, c’è tenerezza e disillusione nell’immagine di un uomo vestito da bambino che mostra tutta la fragilità della sua condizione, c’è analisi critica e comprensione nel ritratto di un mondo chiuso ed impreparato ad accettare la diversità offrendole un orizzonte più ampio e nuove forme di espressione. Fonte […]

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Battuage: il teatro del battere dei Vuccirìa | Recensione

Battuage: se cercate i Vuccirìa, sono al Piccolo Bellini a dare scandalo fino all’8 dicembre Benvenuti nel Battuage: orinatoi, pareti luride e squallidi specchi davanti ai quali puttane e trans si preparano. Joele Anastasi è Salvatore, una puttana che in poco meno di due ore compie i suoi venti anni e poi spegne 30 candeline su una torta coperta di mozziconi spenti; saluta sua madre, mentre lascia la Sicilia in cerca di fortuna, e poi le dice addio per sempre a distanza di dieci anni. In questo arco di tempo Salvatore, che quelle mille occasioni che millantava a sua madre per renderla orgogliosa non le ha colte, trova nel sesso a pagamento uno straccio di riscatto. Il sesso non è solo un modo per sopravvivere, è il suo modo per stare al mondo, il suo modo per primeggiare. Salvatore non fa la puttana, Salvatore è una puttana. Salvatore è protagonista ingombrante, urlo assordante, materia conturbante, voce narrante dei personaggi che popolano il non-luogo che è il Battuage, il teatro del “battere”. Quello che ci descrive è un mondo di vinti che si fanno strada a fatica tra i cocci infranti delle loro ambizioni, dei loro sogni, dei loro amori naufragati. Nel mondo dei vinti ci si sbrana per un soldo, per un cliente, e rari sono i momenti di compassione, in cui l’uno riconosce nell’altro il proprio stesso dolore. Battuage: una crepa ai confini tra natura e società I Vuccirìa individuano e abitano quella fessura che si apre tra natura e società in cui non ci sono categorie, non ci sono valori, non ci sono ruoli, non c’è genere che distingua un individuo da un altro. È il Battuage, l’angusto e buio interstizio in cui puttane e trans vivono e riescono ad essere, ai loro occhi, ciò che hanno sempre voluto essere. Agli occhi dei più, invece, sono solo “merda fatta di merda”. La loro vita al di fuori di quel limbo è una farsa, un’enorme menzogna, la miserabile vita di una persona nascosta sotto un litro di fondotinta e  un paio di scarpe numero 42. I Vuccirìa e il teatro del grottesco I Vuccirìa si muovono a proprio agio nella dimensione del grottesco che affonda le sue radici in Sicilia; che costringe chi confina con il mare a trasformare una risata in un ghigno, a fare di una tragedia una commedia. Battuage è una declinazione estrema, brutale, cruenta di quel sentimento del contrario che rende dolente ogni risata, triste ogni battuta. E, allora, nel disincantato sarcasmo di un trans una puttana trova un argine al dolore di un amore infranto; in un amplesso coniugale, un fiume di parole smaschera il perbenismo borghese, il cumulo di menzogne su cui si poggia un matrimonio, quella patina di sottomissione e mortificazione che incrosta ogni unione cristiana. Battuage è il lamento di otto personaggi sui volti dei quattro attori dei Vuccirìa Teatro: Joele Anastasi, Federica Carruba Toscano, Ivan Castiglione, Enrico Sortino. Personaggi costretti a mentire, a nascondere, a mortificare o a vergognarsi di […]

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Rumori fuori scena con Valerio Binasco al Teatro Bellini

Divertente, assurdo, erotico. Valerio Binasco porta in scena al Teatro Bellini Rumori fuori scena,  tratto dal testo dell’inglese Michel Frayn. Diventato ormai un cult del teatro contemporaneo, lo spettacolo mette in evidenza le dinamiche, spesso nascoste all’occhio e alla coscienza del pubblico, che intercorrono tra gli attori, il regista e non solo nell’allestimento di una rappresentazione teatrale in chiave tragicamente comica. Il bisogno di usare ossimoro è dettato proprio dal fatto che, da spettatrice, indipendentemente dalle risate al susseguirsi delle scene, rimane sempre una vaga sensazione di inquietudine. In ogni caso Rumori fuori scena è da considerarsi senza alcun dubbio un testo appartenente al genere comico e basa la sua comicità sull’elemento dell’equivoco. Tutto inizia con l’allestimento della messinscena di Niente addosso di Robin Housemonger. Il regista è Lloyd Dallas, interpretato dallo stesso Valerio Binasco, mentre la compagnia è composta dagli attori con le esperienze più disparate: partendo dai professionisti ai “raccomandati”. La quarta parete non viene solo squarciata, non è mai esistita. Con il sipario già aperto e Lloyd/Valerio che scorrazza tra il pubblico, interagendo a tratti con esso, i personaggi iniziano a presentarsi al pubblico in duplice veste: quella dell’attore e quella più propriamente umana e fragile. Il tempo è quello delle prove generali, quindi l’elettricità e la confusione hanno la meglio. Ognuno dei personaggi ha dentro di sé un piccolo dramma interiore che inevitabilmente si riversa con una forza moltiplicata per nove sulla riuscita dell’esecuzione. Prima fra tutti c’è Dotty che, oltre ad aver investito gran parte dei suoi averi sul risultato dello spettacolo, si trova in difficoltà con i continui cambiamenti e l’aggiunta di elementi sulle sue scene. Poi c’è Selsdon con evidenti problemi di alcolismo, Garry che non riesce ad improvvisare, Brooke che, inizialmente, non riesce nemmeno a capire di avere un problema. A ciò si aggiungono gli scandali all’interno della compagnia, alimentati dai pettegolezzi di Belinda che saranno la prima causa dello sfacelo degli equilibri. Verso la fine del primo atto si scopre l’esistenza di un triangolo amoroso e ciò porterà ad un accorciamento ancora più importante della distanza tra finzione e realtà. Nel secondo atto la scenografia fa un giro di 180° e ci ritroviamo dietro le quinte della compagnia. Inizia il debutto dello spettacolo e l’elemento che pervade l’atmosfera è quello della fragilità umana. I rapporti tra gli attori sono gravemente compromessi ed essi rispondono a ciò portando materialmente in scena il proprio malcontento. Il regista è sparito, lasciandosi alle spalle le proprie responsabilità, attuando un vero e proprio ghosting, per poi comparire nuovamente rivestendo non i panni del suo ruolo professionale, bensì quelli di un uomo e i suoi desideri. Il punto di rottura estremo è rappresentato nel terzo atto. I personaggi non esistono più, così come non esiste più la messinscena dello spettacolo. Sul palco prendono finalmente vita le voci degli attori, delle loro persone. La finzione è una maschera troppo debole e non può arginare le debolezze e le fragilità della compagnia. Da rumori fuori scena, si passa ad […]

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Teatro

Notturno di donna con ospiti di Annibale Ruccello

Notturno di donna con ospiti, lo spettacolo Un uomo, alla vigilia dei suoi cinquant’anni, con davanti una torta e una candelina da spegnere. Allo spegnersi delle candeline si accendono i suoi sogni e così l’uomo diventa Adriana, e così le sue labbra si tingono di rosso e l’azzurro della camicia è interrotto dalle perle rosa di una collana. Adriana è sposata con Michele, un metronotte con cui condivide la sua grigia esistenza in una casa a un’ora dal centro. Con cui condivide due figli, presenza evanescente evocata per aneddoti ripetuti quasi come un mantra: “Soltanto che sto un poco preoccupata per Alfredino…oggi teneva un poco di tosse…” Arriva la notte e Adriana, con le sue pantofole fucsia, si aggrappa a canzonette trasmesse per radio e sceneggiati televisivi, uniche ancore per salvarsi dalla monotonia di giornate ripetitive, eppure, proprio per questo, forse rassicuranti. Rassicuranti, eppure, proprio per questo asfissianti. La telefonata con ‘mammà’, la cena da preparare e pure quella tosse di Alfredino, che si sa, i bambini fanno così, corrono, sudano, cadono malati, ma poi tanto passa… Allo spegnersi delle candeline quei sogni che si erano accesi diventano incubi, la profonda solitudine di Adriana, caratteristica dei personaggi di Annibale Ruccello, è violentata da una moltitudine di persecutori, generati della sua stessa mente: l’amica di banco Rosanna, il suo primo amore Sandro, il marito, il padre, la madre, i rimpianti, i rimorsi, i sensi di colpa e quel passato che pesa come una zavorra. Tutti invitati alla stessa festa: il cinquantesimo compleanno di Adriana.  Inizia al Bellini il ciclo su Annibale Ruccello L’allestimento, in scena al Piccolo Bellini di Napoli dal 22 ottobre al 3 novembre, rappresenta uno studio realizzato dal regista Mario Scandale, su una versione non definitiva del testo Notturno di donna con ospiti di Annibale Ruccello. Una versione più onirica in cui molto labile è il confine tra sogno e realtà, tra realtà e immaginazione. Adriana non è un personaggio reale, ma un sogno e il nodo tematico centrale dei figli diventa presenza fantasmatica, emblema della nostalgia di una maternità negata e  la loro uccisione diventa impossibile in quanto essi esistono solo nella mente di un personaggio irrisolto, un uomo disperato, magistralmente interpretato da Arturo Cirillo. Un drammatico viaggio psicologico durato una notte, una festa popolata da personaggi esasperati nei modi e nei costumi, uno spettacolo che commuove, spiazza, turba, disorienta, aprendosi a molteplici forme e interpretazioni.   Notturno di donna con ospiti, studio sulla versione del 1982 di Annibale Ruccello regia Mario Scandale con Arturo Cirillo e con gli allievi diplomati dell’Accademia Massimiliano Aceti, Giulia Trippetta, Giacomo Vigentini, Giulia Gallone, Simone Borrelli Voce padre Giovanni Ludeno Voce madre Antonella Romano   Fonte immagine: https://www.teatrodellapergola.com/evento/notturno-donna-ospiti/

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LA CLASSE di Gabriele Russo al Teatro Bellini

La Bellini Teatro Factory mette in scena dal 15 al 20 ottobre 2019 “LA CLASSE – Ritratto di uno di noi“, diretto da Gabriele Russo su copione di Francesco Ferrara. Si tratta di una rappresentazione metateatrale incentrata sulla descrizione delle vicende del 2011, concernenti l’attentatore norvegese Anders Behring Breivik che il 22 luglio sterminò 77 connazionali. La Factory: un vero lavoro di gruppo La Factory è un progetto dell’Accademia del teatro Bellini che forma, con un percorso triennale attori, registi e drammaturghi. Nasce dalla volontà di scardinare l’elaborazione dello spettacolo teatrale dall’individualità per fare spazio a una dimensione collettiva dell’opera. Proprio questa necessità di dar voce al gruppo diviene il punto di partenza del lavoro di Gabriele Russo: si presentano quattordici studenti, aspiranti attori professionisti, che dibattono riguardo la messa in scena di uno spettacolo inerente l’attentato di Oslo. Sin da subito emergono le controversie riguardo alla rappresentazione di una figura e di un avvenimento così brutale e, al contempo, delicato. Se sia giusto comprendere, giustificare o condannare la follia umana diventa il cardine delle discussioni dei ragazzi-attori che, nonostante le diverse opinioni, sono accomunati dalla vulnerabilità dei vent’anni. La personalità di ognuno di loro tenta in più momenti della rappresentazione di prendere il sopravvento ma viene stroncata, nell’istante della massima tensione, dal richiamo alla realtà teatrale. Alcuni, a tratti, ne restano imprigionati, come schiacciati tra l’imponenza del personaggio che tentano di rappresentare e la difficoltà che questa interpretazione comporta. L’intensità è continuamente attenuata dall’abbattimento della quarta parete che mostra i ragazzi nella loro quotidianità di allievi. Così, le discussioni riguardo l’attentato si alternano a quelle di carattere personale, senza mai sminuire nessuno delle due. L’evoluzione della tensione tra luci ed ombre diretta da Gabriele Russo La messa in scena non è mai banale. L’attenzione spazia tra i vari livelli di discriminazione: comincia dalla paura del rifiuto del singolo individuo, tocca la violenza più vicina a noi, riconosciuta nella Camorra, poi incontra l’ostilità verso l’estraneo, incarnata nella banalità delle controversie calcistiche, fino a giungere al terrorismo nella concezione odierna. Questa evoluzione è accompagnata da un efficace gioco di luci, sostenuto dall’utilizzo delle torce degli smartphone: l’apice dell’azione è espresso dal buio, mentre la luce ritorna insieme alla realtà teatrale. Grande supporto è poi fornito dalla musica, che spazia dalle più importanti melodie classiche, fino al neomelodico e all’heavy metal. Sono affrontati i vari momenti che precedono e seguono l’attentato: la preparazione, l’ultimo abbraccio tra Breivik e sua madre, i tentativi di fuga delle vittime, il processo. La comprensione dello spettatore prosegue, quindi, di pari passo all’elaborazione dello spettacolo. Questo non conduce mai alla fissazione di un ruolo perché gli attori si interscambiano continuamente tra i vari personaggi. Quest’ elaborazione ci permette di interrogarci su quanto sia complesso immedesimarsi in un personaggio così controverso e, contemporaneamente, ci trasporta nella difficile comprensione delle sfaccettature della psicologia umana, senza darci una risposta, mostrandoci i vari punti di vista, trasformando anche noi in attori-personaggi, oltre in che possibili vittime dell’attentato, toccandoci nel profondo della nostra […]

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Teatro

Ennio Coltorti ne Il sogno di Nietzsche al Piccolo Bellini

Il 12 ottobre, il Teatro Piccolo Bellini di Napoli ha spalancato le sue porte a Eroica Fenice, per introdurla nelle vie tortuose della mente tanto controversa quanto affascinante di Nietzsche, inerpicatesi neIl sogno di Nietzsche, lo spettacolo di Maricla Boggio, con la regia di Ennio Coltorti, in scena insieme a Adriana Ortolani e Jesus Emiliano Coltorti. Il sogno di Nietzsche è uno spettacolo che ti droga. Ti lascia sniffare un’atmosfera onirica contenente le visioni allucinatorie di Friedrich Wilhelm Nietzsche, intento a rivivere alcuni dei momenti che hanno segnato la sua gioventù. L’aroma della musica classicheggiante che aleggia nell’aria annebbia la vista e fa battere forte il cuore, fino a farlo esplodere in un irrefrenabile impulso alla vita. Il sogno di Nietzsche mostra il teorico dell’eterno ritorno, incarnatosi in Ennio Coltorti, estremamente simile a lui, attraverso una lente d’ingrandimento che vede il filosofo amare, soffrire e reagire. Ennio Coltorti e Il sogno di Nietzsche: Lou Salomé come figura centrale Lou Salomé, interpretata da Adriana Ortolani, è una donna bellissima, dotta, indomabile, piena di fascino, spregiudicata, anticonformista, distruttiva, quasi demoniaca. Una donna capace di legami appassionati, che sceglie di vivere l’amore fino in fondo, dotandolo di slancio intellettuale oltre che fisico, una donna che seduce e abbandona gli uomini perché l’amore rischia di diventare esigenza di possesso e smania di approvazione. Una donna brillante e dall’intelligenza rara, che scardina i luoghi comuni dell’Ottocento. Una donna promotrice precoce del concetto di libertà individuale come vero scopo della vita. Un vero uragano di vita. L’intesa tra Nietzsche e Salomé è perfetta, ma Lou è una farfalla che non si lascia mai catturare e quando il sole tramonta se lo lascia alle spalle volando più forte, arrivando a toccare il cielo con le ali. Con la sua spassionata libertà, la sua bellezza semplice, ma magnetica, Lou porta scompiglio in Europa infrangendo i cuori di uomini eccezionali, tra cui Nietzsche. Lou intende realizzarsi esclusivamente attraverso lo studio. Approda a Roma, dove conosce il filosofo tedesco Paul Rée (Jesus Emiliano Coltorti), il quale si invaghisce di lei che, però, ricambia l’attrazione solo a livello intellettuale proponendogli, perciò, un sodalizio culturale. Rée parla a Nietzsche di questa donna straordinaria e lo invita a conoscerla. Lou propone ai due filosofi una sorta di collaborazione paritaria dedita allo studio non sbilanciata da rapporti sessuali. Si viene a delineare, così, un triangolo, una sorta di “Trinità” intellettuale che, noncurante della mentalità ottocentesca, decide di andare a convivere. Anche Nietzsche non sarà immune al fascino di Lou e perderà la testa, così Il sogno di Nietzsche ci restituisce un’immagine intima e quasi tenera del filosofo. Nietzsche, filosofo solitario, frainteso sia al suo tempo che dopo, è celebre per la radicalità delle sue tesi. La sua opera, troppo spesso ridotta a slogan fascistoidi e mero “paraculismo” per condotte amorali, è in realtà frutto di un pensiero che ruota tutto intorno all’amore per gli uomini. Un amore duro e tirannico, che si presta a interpretazioni fuorvianti e aberranti, ma un sentimento puro e veramente […]

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Teatro

La nuova stagione teatrale del Bellini

Mercoledì 5 giugno, presso il Teatro Bellini, si è tenuta la conferenza stampa per la presentazione della nuova stagione teatrale 2019/2020. Una stagione fuori dagli sche(r)mi, come fuori dagli schemi è stata la conferenza stampa: balli, canti, gag esilaranti e perfino un dj set hanno caratterizzato la serata, tra vivacità e allegria. Il teatro è condivisione, apprendimento costante della vita attraverso un filtro magico. La serata di presentazione della prossima stagione teatrale ha voluto rispecchiare pienamente la perenne gioia di vivere il teatro, portando attori e spettatori a partecipare mescolandosi in un’unica festa. Musicisti, artisti, attori, cantanti, tutti uniti per incoraggiare gli spettatori a prendere parte all’afflato vitale che sospinge gli uomini su e giù dal palco. In quest’occasione il Bellini è stato adornato a festa: vignette rappresentanti i singoli spettacoli sono state appese ai palchetti circostanti la scena. Questo grazie alla collaborazione tra il teatro e la scuola italiana di Comix, la quale per la nuova stagione ha realizzato appositamente le rappresentazioni, in un connubio che ricorda tanto il dialogo tra arti diverse che però rientrano sempre nella definizione di “visive”. La stagione teatrale 2019/2020 del Bellini Tra contemporanei e classici, passando per l’ attualità, la nuova stagione strizza l’occhio a molteplici tematiche, proponendo al pubblico una vasta scelta. Si parte da Le cinque Rose di Jennifer di Enzo Moscato, reinterpretato da Daniele Russo, per poi passare a grandi classici come Draculadi Bram Stoker con Sergio Rubini e l’Antigone di Sofocle.  Altri grandi nomi come quelli di Isa Danieli e Enrico Ianniello, impegnati nell’interpretazione di un testo spagnolo, e Filippo Timi in Skianto; e ancora, Massimo Popolizio sulle scene con Il nemico del popolo, di Henrik Ibsen.  Infine una trasposizione teatrale della graphic novel di Zerocalcare, Kobane e il grande ritorno di Dignità autonome di prostituzione, uno spettacolo irriverente e decisamente sui generis. Anche per il piccolo Bellini sarà una stagione interessantissima: Il sogno di Nietzsche, Battuage, Ferdinando, La resa dei conti, Stranieri. E poi ancora Massimo Recalcati e Mario Perrotta ne Il nome del padre. Inoltre, il teatro Bellini si impegna da sempre nel sostegno dei giovani che vogliono intraprendere la carriera attoriale. A loro viene dedicato il progetto Bellini Teatro Factory dal nome Take Four, a cura di Gabriele Russo. Tanti nomi importanti, ma anche tanti debutti interessanti per un cartellone all’insegna della novità coniugata perfettamente alla tradizione teatrale e della letteratura. Una fucina di creatività ed eleganza culturale che diffonde costantemente novità indimenticabili. Per avere maggiori informazioni circa il cartellone e le date potete consultare il sito internet del Teatro: http://www.teatrobellini.it   Crediti immagine: www.teatrobellini.it

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Teatro

Ritratto di donna araba che guarda il mare di Davide Carnevali

Ritratto di donna araba che guarda il mare: culture diverse e popoli che si sfiorano tra amore e odio Quello di Davide Carnevali, autore di “Ritratto di una donna araba che guarda il mare”, è un testo che ti colpisce dritto sulla bocca dello stomaco come una scarica mortale di mitragliatrice, e ti lascia agonizzante sul bagnasciuga di una spiaggia che costeggia i lembi di qualche città vecchia, una città che esiste soltanto nelle fantasie più allucinate. “Ritratto di donna araba che guarda il mare”, in scena al Teatro Piccolo Bellini dal 26 al 31 marzo, interpretato da Alice Conti, Michele Di Giacomo, Giacomo Ferraù e Giulia Viana,  vincitore nel 2013 del Premio Riccione per il Teatro, e scritto da Davide Carnevali, è un’elegia che si stempera nell’acquerello di un ritratto, un bozzetto che ha le tinte espressionistiche di un tramonto violaceo, e che ritrae il volto di una donna araba che offre il volto e gli occhi all’acqua, nutrice immemore di vita. L’acqua contiene e plasma la parola essenziale, minimale e levigata, come il fluire di un rivolo o di un rigagnolo, e si tramuta poi in onda anomala che si scaglia nelle pupille degli spettatori che osservano questo placido dramma di acqua e di vita. Ritratto di donna araba che guarda il mare di Davide Carnevali : la parola, essenziale e densa di possibilità La parola, calibrata e fremente di venature, è il terreno di incontro e scontro tra due culture differenti, tra due storie di vita dai colori tremendamente opposti, eppure combacianti. Vi è lei, la giovane donna araba, rannicchiata nel suo buio angolo di palcoscenico, vestita di contraddizioni, fragilità e interpretata magistralmente da una Alice Conti composta nella sua ponderata drammaticità, inquieta nel suo caos ben misurato: la donna araba non è solo rannicchiata, ma a tratti si staglia sul palcoscenico, giganteggia e narra la sua storia, come se respirasse da quello stesso mare della città vecchia, quel mare di cui i suoi occhi sono pieni. C’è poi il suo contraltare maschile, un misterioso straniero, un uomo europeo in viaggio per lavoro e approdato in quel lembo di Nordafrica: dalle sue mani si sprigiona un bozzetto idilliaco ed elegiaco, un taccuino su cui è tratteggiato il volto di ossidiana della donna araba. Il loro incontro è giocato sul filo dell’alfabeto, che compone parole che costruiscono una geometria dell’incontro, dell’amplesso, dello sfiorarsi e del ritrarsi. La giovane donna lancia la sua porzione di parole dalla sua metà del palco, e le fanno eco le parole di forma uguale e contraria, dell’uomo europeo, insieme creano un accordo dissonante di sinonimi e contrari che si toccano prepotentemente e costruiscono l’integrità della storia. Geometria delle parole, geometria dell’incontro e geometria della diversità. Geometria e geografia, come la geografia del plastico di una città vecchia formata da pagine sgualcite e ingiallite, che girano vorticosamente e sono accarezzate da una cinepresa, e che fabbricano l’architettura di un locus virtuale, proiettato nell’alterità della mente, che ricrea spazi di ombre, luci e chiaroscuri. La città […]

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TITO/GIULIO CESARE, la parodia del potere, l’atroce morte del tiranno

Mercoledì, 13 marzo al Teatro Bellini è andato in scena TITO/GIULIO CESARE, due riscritture originali di due tragedie di Shakespeare, contenuti in due atti dello stesso spettacolo: il primo atto, “TITO” è una riscrittura della prima tragedia di Shakespeare “Tito Andronico” di Michele Santeramo e la regia di Gabriele Russo con Roberto Caccioppoli, Antimo Casertano, Fabrizio Ferracane, Martina Galletta, Ernesto Lama, Daniele Marino, Francesca Piroi, Daniele Russo, Leonardo Antonio Russo, Filippo Antonio Russo, Isacco Venturini e Andrea Sorrentino; il secondo atto “GIULIO CESARE. Uccidere il tiranno” è una riscrittura del “Giulio Cesare” di Shakespeare di Fabrizio Sinisi e la regia di Andrea De Rosa con Nicola Ciaffoni, Daniele Russo, Rosario Tedesco, Isacco Venturini e Andrea Sorrentino. TITO/GIULIO CESARE, due riscritture che dialogano tra di loro fra parodia, metateatro e  rappresentazione della violenza Una fervido clima di tensione si annida tra gli anfratti del palcoscenico. Una faglia recide il tronco greve della tradizionale tragedia shakespeariana e segna una frattura da cui zampillano i bagliori di una contemporaneità che è nella sua essenza una reiterazione di meccanismi che sono rimasti indenni. Il potere arido, la tirannia, la violenza emergono dalle faglie del palco e sono costanti nelle due riscritture e negli adattamenti, seguendo meccanismi che sono rimasti inalterati. Gli spettacoli dei registi Daniele De Rosa e Gabriele Russo sono nella loro essenza profondamente attuali, anche ponendo in auge due classici shakespeariani. Colgono aspetti particolari dei meccanismi del potere e della violenza ad essa correlata, ponendo una lente d’ingrandimento che abbia uno spessore universalistico. Eradicano dalle svariate implicazioni di tipo prettamente drammatico, poetico, psicologico di William Shakespeare e delle sue canonizzate tragedie dei fenomeni che possono essere considerati universali e perpetui nella società, espandendoli come una enorme macchia d’olio con una regia mirata a infondere e dimostrare l’epifania di meccanismi che oggi più che mai sembrano interessarci di prima persona: il potere e le implicazioni più truculente che in esso si nascondono, la tirannia, l’autoreferenzialità, l’ossessione verso il carisma e l’apparenza, l’annichilimento della società. Non è un caso che il Tito di Russo sia un personaggio atipico, che abbia perso tutto l’orgoglio da condottiero del Tito Andronico shakespeariano e sia divenuto un uomo pigro, stanco, inetto che, dopo la  campagna contro i goti e dopo aver portato con sé i prigionieri, abbia voluto congedarsi dagli uffizi del potere, ignaro del popolo che lo avrebbe voluto imperatore, e ora vorrebbe solo starsene comodo su una poltrona a leggere e ad ascoltare musica leggera. Questo Tito non conserva nulla di ciò che caratterizza un condottiero romano: tutte le sue azioni e decisioni sono prese quasi controvoglia, senza una particolare ragione, ma solamente perché è costretto a esserlo per uno status quo ben impostato. Tito ha lo sguardo cinico, divorato dal tedio, tormentato dal senso di responsabilità che non sente nemmeno più suo. Difatti, Tito risulta essere un inetto, tanto da decidere di affidare le sorti dell’impero a Saturnino. Non risulta difficile, dunque intravedere in questo Tito l’uomo contemporaneo, annegato nel nichilismo. Tito è un condottiero […]

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