Travestita di un turbinio di luci e immagini dal profumo anni ’80, va in scena al Teatro Bellini la favola cruda e autentica di Skianto, spettacolo scritto e diretto da Filippo Timi e portato in scena con le canzoni di Salvatore Langella. Lo spettacolo affronta con amara ironia il tema della disabilità mostrando allo spettatore il suo punto di vista più autentico, quello di un ragazzino che cerca di riaggiustare la sua smisurata vita interiore dentro i limiti che il corpo e il mondo esterno gli impongono. Il racconto parte dai primi istanti dell’esistenza di Filippo, il concepimento, dipinto come la corsa di uno spaurito e ingenuo “girino” fino all’abbraccio finale che spazza via tutta la concorrenza; poi i primi momenti felici della neonata famiglia, nei quali lo stupore e l’incanto, che sempre accompagnano un bimbo appena nato, vengono incrinati dalla scoperta dell’anomalia. Filippo è un bambino nato “con la scatola cranica sigillata”, il suo cervello, prigioniero di una scatola rigida e immutabile, non potrà consentirgli il pieno controllo del suo corpo e con esso dell’intera sua esistenza. Filippo è dunque prigioniero del suo corpo nei cui movimenti non riesce ad incanalare tutti i suoi desideri e le sue emozioni più intime. Il suo orizzonte materiale è limitato alle pareti grigie della sua cameretta e all’orto sotto la statale che faticosamente raggiunge con l’aiuto dei genitori. Filippo è ancora prigioniero dell’immagine che tutti hanno di lui, dai genitori ai parenti: un bimbo che “sembra normale, ma è speciale” e come tale non può seguire lo sviluppo naturale delle sue sensazioni e pulsioni ma è relegato ad una dimensione ultratemporale, immutabile e sigillata. Ma guardando attraverso i suoi occhi, si scopre una sconfinata dimensione interiore che non riesce a trovare espressione e condivisione con la realtà esterna. I desideri e i sogni di Filippo, le emozioni e le pulsioni che lo agitano sono umanissime ed esplodono davanti agli occhi dello spettatore in uno skianto di colori, immagini e suoni. È dapprima un bimbo, poi un adolescente e ancora un uomo che come tutti attraversa le evoluzioni dell’animo, le piccole passioni, i grandi sogni, gli innamoramenti e il desiderio sessuale. L’orizzonte spirituale di Filippo infrange quello materiale, dentro di lui non c’è traccia di quell’anomalia che il mondo esterno gli dipinge addosso, resta però vivo il dolore e la solitudine dell’incomunicabilità. Con Skianto, Timi dipinge con ironia e leggerezza una favola dura e pura dando voce a voci spesso inascoltate. Tutto è reale ed autentico e quindi vivo, la dimensione familiare espressa nell’utilizzo del dialetto umbro, le emozioni del protagonista scomposte e ricomposte in molteplici forme e colori.  Il racconto di Timi è una corsa su un filo di lana che non si spezza mai, c’è tenerezza e disillusione nell’immagine di un uomo vestito da bambino che mostra tutta la fragilità della sua condizione, c’è analisi critica e comprensione nel ritratto di un mondo chiuso ed impreparato ad accettare la diversità offrendole un orizzonte più ampio e nuove forme di espressione. Fonte […]

Divertente, assurdo, erotico. Valerio Binasco porta in scena al Teatro Bellini Rumori fuori scena,  tratto dal testo dell’inglese Michel Frayn. Diventato ormai un cult del teatro contemporaneo, lo spettacolo mette in evidenza le dinamiche, spesso nascoste all’occhio e alla coscienza del pubblico, che intercorrono tra gli attori, il regista e non solo nell’allestimento di una rappresentazione teatrale in chiave tragicamente comica. Il bisogno di usare ossimoro è dettato proprio dal fatto che, da spettatrice, indipendentemente dalle risate al susseguirsi delle scene, rimane sempre una vaga sensazione di inquietudine. In ogni caso Rumori fuori scena è da considerarsi senza alcun dubbio un testo appartenente al genere comico e basa la sua comicità sull’elemento dell’equivoco. Tutto inizia con l’allestimento della messinscena di Niente addosso di Robin Housemonger. Il regista è Lloyd Dallas, interpretato dallo stesso Valerio Binasco, mentre la compagnia è composta dagli attori con le esperienze più disparate: partendo dai professionisti ai “raccomandati”. La quarta parete non viene solo squarciata, non è mai esistita. Con il sipario già aperto e Lloyd/Valerio che scorrazza tra il pubblico, interagendo a tratti con esso, i personaggi iniziano a presentarsi al pubblico in duplice veste: quella dell’attore e quella più propriamente umana e fragile. Il tempo è quello delle prove generali, quindi l’elettricità e la confusione hanno la meglio. Ognuno dei personaggi ha dentro di sé un piccolo dramma interiore che inevitabilmente si riversa con una forza moltiplicata per nove sulla riuscita dell’esecuzione. Prima fra tutti c’è Dotty che, oltre ad aver investito gran parte dei suoi averi sul risultato dello spettacolo, si trova in difficoltà con i continui cambiamenti e l’aggiunta di elementi sulle sue scene. Poi c’è Selsdon con evidenti problemi di alcolismo, Garry che non riesce ad improvvisare, Brooke che, inizialmente, non riesce nemmeno a capire di avere un problema. A ciò si aggiungono gli scandali all’interno della compagnia, alimentati dai pettegolezzi di Belinda che saranno la prima causa dello sfacelo degli equilibri. Verso la fine del primo atto si scopre l’esistenza di un triangolo amoroso e ciò porterà ad un accorciamento ancora più importante della distanza tra finzione e realtà. Nel secondo atto la scenografia fa un giro di 180° e ci ritroviamo dietro le quinte della compagnia. Inizia il debutto dello spettacolo e l’elemento che pervade l’atmosfera è quello della fragilità umana. I rapporti tra gli attori sono gravemente compromessi ed essi rispondono a ciò portando materialmente in scena il proprio malcontento. Il regista è sparito, lasciandosi alle spalle le proprie responsabilità, attuando un vero e proprio ghosting, per poi comparire nuovamente rivestendo non i panni del suo ruolo professionale, bensì quelli di un uomo e i suoi desideri. Il punto di rottura estremo è rappresentato nel terzo atto. I personaggi non esistono più, così come non esiste più la messinscena dello spettacolo. Sul palco prendono finalmente vita le voci degli attori, delle loro persone. La finzione è una maschera troppo debole e non può arginare le debolezze e le fragilità della compagnia. Da rumori fuori scena, si passa ad […]

La Bellini Teatro Factory mette in scena dal 15 al 20 ottobre 2019 “LA CLASSE – Ritratto di uno di noi“, diretto da Gabriele Russo su copione di Francesco Ferrara. Si tratta di una rappresentazione metateatrale incentrata sulla descrizione delle vicende del 2011, concernenti l’attentatore norvegese Anders Behring Breivik che il 22 luglio sterminò 77 connazionali. La Factory: un vero lavoro di gruppo La Factory è un progetto dell’Accademia del teatro Bellini che forma, con un percorso triennale attori, registi e drammaturghi. Nasce dalla volontà di scardinare l’elaborazione dello spettacolo teatrale dall’individualità per fare spazio a una dimensione collettiva dell’opera. Proprio questa necessità di dar voce al gruppo diviene il punto di partenza del lavoro di Gabriele Russo: si presentano quattordici studenti, aspiranti attori professionisti, che dibattono riguardo la messa in scena di uno spettacolo inerente l’attentato di Oslo. Sin da subito emergono le controversie riguardo alla rappresentazione di una figura e di un avvenimento così brutale e, al contempo, delicato. Se sia giusto comprendere, giustificare o condannare la follia umana diventa il cardine delle discussioni dei ragazzi-attori che, nonostante le diverse opinioni, sono accomunati dalla vulnerabilità dei vent’anni. La personalità di ognuno di loro tenta in più momenti della rappresentazione di prendere il sopravvento ma viene stroncata, nell’istante della massima tensione, dal richiamo alla realtà teatrale. Alcuni, a tratti, ne restano imprigionati, come schiacciati tra l’imponenza del personaggio che tentano di rappresentare e la difficoltà che questa interpretazione comporta. L’intensità è continuamente attenuata dall’abbattimento della quarta parete che mostra i ragazzi nella loro quotidianità di allievi. Così, le discussioni riguardo l’attentato si alternano a quelle di carattere personale, senza mai sminuire nessuno delle due. L’evoluzione della tensione tra luci ed ombre diretta da Gabriele Russo La messa in scena non è mai banale. L’attenzione spazia tra i vari livelli di discriminazione: comincia dalla paura del rifiuto del singolo individuo, tocca la violenza più vicina a noi, riconosciuta nella Camorra, poi incontra l’ostilità verso l’estraneo, incarnata nella banalità delle controversie calcistiche, fino a giungere al terrorismo nella concezione odierna. Questa evoluzione è accompagnata da un efficace gioco di luci, sostenuto dall’utilizzo delle torce degli smartphone: l’apice dell’azione è espresso dal buio, mentre la luce ritorna insieme alla realtà teatrale. Grande supporto è poi fornito dalla musica, che spazia dalle più importanti melodie classiche, fino al neomelodico e all’heavy metal. Sono affrontati i vari momenti che precedono e seguono l’attentato: la preparazione, l’ultimo abbraccio tra Breivik e sua madre, i tentativi di fuga delle vittime, il processo. La comprensione dello spettatore prosegue, quindi, di pari passo all’elaborazione dello spettacolo. Questo non conduce mai alla fissazione di un ruolo perché gli attori si interscambiano continuamente tra i vari personaggi. Quest’ elaborazione ci permette di interrogarci su quanto sia complesso immedesimarsi in un personaggio così controverso e, contemporaneamente, ci trasporta nella difficile comprensione delle sfaccettature della psicologia umana, senza darci una risposta, mostrandoci i vari punti di vista, trasformando anche noi in attori-personaggi, oltre in che possibili vittime dell’attentato, toccandoci nel profondo della nostra […]

Mercoledì 5 giugno, presso il Teatro Bellini, si è tenuta la conferenza stampa per la presentazione della nuova stagione teatrale 2019/2020. Una stagione fuori dagli sche(r)mi, come fuori dagli schemi è stata la conferenza stampa: balli, canti, gag esilaranti e perfino un dj set hanno caratterizzato la serata, tra vivacità e allegria. Il teatro è condivisione, apprendimento costante della vita attraverso un filtro magico. La serata di presentazione della prossima stagione teatrale ha voluto rispecchiare pienamente la perenne gioia di vivere il teatro, portando attori e spettatori a partecipare mescolandosi in un’unica festa. Musicisti, artisti, attori, cantanti, tutti uniti per incoraggiare gli spettatori a prendere parte all’afflato vitale che sospinge gli uomini su e giù dal palco. In quest’occasione il Bellini è stato adornato a festa: vignette rappresentanti i singoli spettacoli sono state appese ai palchetti circostanti la scena. Questo grazie alla collaborazione tra il teatro e la scuola italiana di Comix, la quale per la nuova stagione ha realizzato appositamente le rappresentazioni, in un connubio che ricorda tanto il dialogo tra arti diverse che però rientrano sempre nella definizione di “visive”. La stagione teatrale 2019/2020 del Bellini Tra contemporanei e classici, passando per l’ attualità, la nuova stagione strizza l’occhio a molteplici tematiche, proponendo al pubblico una vasta scelta. Si parte da Le cinque Rose di Jennifer di Enzo Moscato, reinterpretato da Daniele Russo, per poi passare a grandi classici come Draculadi Bram Stoker con Sergio Rubini e l’Antigone di Sofocle.  Altri grandi nomi come quelli di Isa Danieli e Enrico Ianniello, impegnati nell’interpretazione di un testo spagnolo, e Filippo Timi in Skianto; e ancora, Massimo Popolizio sulle scene con Il nemico del popolo, di Henrik Ibsen.  Infine una trasposizione teatrale della graphic novel di Zerocalcare, Kobane e il grande ritorno di Dignità autonome di prostituzione, uno spettacolo irriverente e decisamente sui generis. Anche per il piccolo Bellini sarà una stagione interessantissima: Il sogno di Nietzsche, Battuage, Ferdinando, La resa dei conti, Stranieri. E poi ancora Massimo Recalcati e Mario Perrotta ne Il nome del padre. Inoltre, il teatro Bellini si impegna da sempre nel sostegno dei giovani che vogliono intraprendere la carriera attoriale. A loro viene dedicato il progetto Bellini Teatro Factory dal nome Take Four, a cura di Gabriele Russo. Tanti nomi importanti, ma anche tanti debutti interessanti per un cartellone all’insegna della novità coniugata perfettamente alla tradizione teatrale e della letteratura. Una fucina di creatività ed eleganza culturale che diffonde costantemente novità indimenticabili. Per avere maggiori informazioni circa il cartellone e le date potete consultare il sito internet del Teatro: http://www.teatrobellini.it   Crediti immagine: www.teatrobellini.it

Mercoledì, 13 marzo al Teatro Bellini è andato in scena TITO/GIULIO CESARE, due riscritture originali di due tragedie di Shakespeare, contenuti in due atti dello stesso spettacolo: il primo atto, “TITO” è una riscrittura della prima tragedia di Shakespeare “Tito Andronico” di Michele Santeramo e la regia di Gabriele Russo con Roberto Caccioppoli, Antimo Casertano, Fabrizio Ferracane, Martina Galletta, Ernesto Lama, Daniele Marino, Francesca Piroi, Daniele Russo, Leonardo Antonio Russo, Filippo Antonio Russo, Isacco Venturini e Andrea Sorrentino; il secondo atto “GIULIO CESARE. Uccidere il tiranno” è una riscrittura del “Giulio Cesare” di Shakespeare di Fabrizio Sinisi e la regia di Andrea De Rosa con Nicola Ciaffoni, Daniele Russo, Rosario Tedesco, Isacco Venturini e Andrea Sorrentino. TITO/GIULIO CESARE, due riscritture che dialogano tra di loro fra parodia, metateatro e  rappresentazione della violenza Una fervido clima di tensione si annida tra gli anfratti del palcoscenico. Una faglia recide il tronco greve della tradizionale tragedia shakespeariana e segna una frattura da cui zampillano i bagliori di una contemporaneità che è nella sua essenza una reiterazione di meccanismi che sono rimasti indenni. Il potere arido, la tirannia, la violenza emergono dalle faglie del palco e sono costanti nelle due riscritture e negli adattamenti, seguendo meccanismi che sono rimasti inalterati. Gli spettacoli dei registi Daniele De Rosa e Gabriele Russo sono nella loro essenza profondamente attuali, anche ponendo in auge due classici shakespeariani. Colgono aspetti particolari dei meccanismi del potere e della violenza ad essa correlata, ponendo una lente d’ingrandimento che abbia uno spessore universalistico. Eradicano dalle svariate implicazioni di tipo prettamente drammatico, poetico, psicologico di William Shakespeare e delle sue canonizzate tragedie dei fenomeni che possono essere considerati universali e perpetui nella società, espandendoli come una enorme macchia d’olio con una regia mirata a infondere e dimostrare l’epifania di meccanismi che oggi più che mai sembrano interessarci di prima persona: il potere e le implicazioni più truculente che in esso si nascondono, la tirannia, l’autoreferenzialità, l’ossessione verso il carisma e l’apparenza, l’annichilimento della società. Non è un caso che il Tito di Russo sia un personaggio atipico, che abbia perso tutto l’orgoglio da condottiero del Tito Andronico shakespeariano e sia divenuto un uomo pigro, stanco, inetto che, dopo la  campagna contro i goti e dopo aver portato con sé i prigionieri, abbia voluto congedarsi dagli uffizi del potere, ignaro del popolo che lo avrebbe voluto imperatore, e ora vorrebbe solo starsene comodo su una poltrona a leggere e ad ascoltare musica leggera. Questo Tito non conserva nulla di ciò che caratterizza un condottiero romano: tutte le sue azioni e decisioni sono prese quasi controvoglia, senza una particolare ragione, ma solamente perché è costretto a esserlo per uno status quo ben impostato. Tito ha lo sguardo cinico, divorato dal tedio, tormentato dal senso di responsabilità che non sente nemmeno più suo. Difatti, Tito risulta essere un inetto, tanto da decidere di affidare le sorti dell’impero a Saturnino. Non risulta difficile, dunque intravedere in questo Tito l’uomo contemporaneo, annegato nel nichilismo. Tito è un condottiero […]