Martedì 18 febbraio è andato in scena Animali da bar, l’ultimo spettacolo targato Carrozzeria Orfeo al teatro Bellini di Napoli: uno spettacolo divertente, dissacrante, che indaga dentro ognuno di noi ma, soprattutto, mette a nudo le pieghe della società. Sei in sala, seduto, in attesa che lo spettacolo cominci: proprio quando le luci cominciano ad affievolirsi, ecco che una voce fuori campo, maschile e cavernosa, ti avverte con tono di minaccia e utilizzando espressioni molto colorite, di spegnere il cellulare, che lo spettacolo sta per iniziare. Si apre il sipario, e ti ritrovi in uno di quei trasandati e un po’ malfamati bar di provincia, popolato dei suoi tipici animali, o soliti avventori: già Stefano Benni, negli anni 70, con il suo Bar Sport ci aveva illustrato e insegnato tutta l’architettura e la microsocietà presente in questa tipologia di esercizi commerciali e, negli anni, nulla sembra essere cambiato. I personaggi che ruotano attorno a questo bancone sono Mirka, la barista ucraina, appassionata di canzoni e cartoni animati Disney, che per arrotondare affitta il suo utero e fa da badante al vecchio proprietario del bar, un misantropo razzista che ormai non esce più di casa, e del quale, proprio per questo, sentiremo per tutto lo spettacolo solo la voce fuori campo; c’è poi Swarovski, uno scrittore alcolizzato, fallito e nichilista fino all’estremo, costretto dal suo editore a scrivere un libro sulla Grande Guerra; Sciacallo, un giovane ragazzo bipolare storpio che, dietro indicazioni di Mirka, svaligia le case dei defunti; Milo, il nipote del proprietario del bar, imprenditore di un’azienda di pompe funebri per animali di piccola taglia; e infine Colpo di Frusta, un attivista buddista, pacifista e ‘melariano’, padre biologico del figlio che Mirka aspetta, che però subisce le violenze domestiche della moglie. Animal da bar, dal bancone del bar al sottosuolo I sei personaggi ruotano attorno a quel bancone raccontando di sé, delle proprie vite, esperienze, illusioni e speranze per il futuro. Costituiscono un’umanità grottesca, estrema, ma soprattutto cruda. Come in “Memorie dal sottosuolo” di Dostoevskij, i personaggi, uniti dal fatto di essere dei ‘perdenti’ e ai margini delle buone consuetudini della società, analizzano in maniera sempre crudele e senza fronzoli, tutte le azioni e le circostanze che li hanno  portati ad essere quelli che sono: reietti, inetti. Persone profondamente infelici e insoddisfatte, di loro stesse e della società che le circonda. «Il teatro non è altro che il disperato sforzo dell’uomo di dare un senso alla vita» Vale dunque la pena andare a teatro e immergersi in tutto questo? Sì, sì e ancora sì: fatevi prendere per mano da questi strampalati personaggi, veri e propri animali da bar, e fatevi guidare in un viaggio attraverso le pulsioni e i pensieri e i sentimenti più reconditi dell’uomo, mettendo in gioco voi stessi. Magistrale il lavoro degli attori, dei registi, degli autori e di tutti componenti della compagnia teatrale Carrozzeria Orfeo, che annuncia anche un futuro spettacolo in arrivo, in collaborazione proprio con il Teatro Bellini di Napoli. In attesa che […]

In nome del padre, di e con Mario Perrotta, nel cartellone del Piccolo Bellini dal 4 a 9 febbraio, sancisce l’inesorabile declino del patriarcato. Mario Perrotta, con la consulenza dello psicanalista Massimo Recalcati, con In nome del padre indaga la dimensione del rapporto padre-figlio: tale dimensione complessa e in piena crisi è analizzata con profondità e attenzione per le cause, i sintomi e le conseguenze che tale crisi porta con sé. Perrotta regge da solo l’intero dramma vestendo i panni di tre padri, dando voce ad altrettante dinamiche familiari, spostandosi con la sola lingua su e giù per lo stivale e per la scala sociale. Tre padri ischeletriti si aggirano confusi, disorientati e disarmati su una scena essenziale, tra gli scheletri metallici del Discobolo, del Pensatore e del Galata morente. Perrotta è un caporeparto di una fabbrica, veneto, ignorante, un leader sul lavoro, fragile e insicuro in famiglia. Mortificato e svilito da sua moglie, incapace di instaurare un dialogo con il figlio, indirizzato da un amico, si rivolge ad uno specialista. Le cause del silenzio che regna tra lui e il suo Lessandro, questo padre le rintraccia nel dislivello culturale, nella mancanza di una lingua comune che permetta ad un padre dialettofono di dialogare con un figlio ben istruito, nella mancanza di interessi comuni. Ma il problema non è il veicolo della comunicazione, bensì la posizione degli interlocutori: il timore reverenziale del padre verso il figlio nasconde i cocci di una figura genitoriale andata ormai in frantumi. Questo padre non ha la statura morale e psicologica che gli permetterebbe di essere un modello per suo figlio, una guida: nel tentativo di trovare i confini della figura di padre si affida, allora, allo stesso figlio. Perrotta è il padre di Giada, napoletano, marito tradito e a sua volta traditore. Giovane a tutti i costi, fa serata con la figlia e le sue amiche adolescenti, italianizza l’inglese fino a partorire una mostruosa lingua ibrida, uno slang che lo faccia sentire moderno, al passo con le sue frequentazioni. Guidato solo dai consigli dei tarocchi questo padre perde le coordinate, smarrisce i confini netti e invalicabili del rapporto padre-figlio e produce un cortocircuito, una relazione tra pari pericolosamente equivoca, spaventosamente incestuosa. Perrotta è Sciacca, giornalista e intellettuale siciliano, padre ostentatamente illuminista, comprensivo, presente. Sciacca davanti all’atarassica clausura del figlio Virgilio si interroga, si lambicca in congetture, interpretazioni, indagini diagnostiche improbabili e sconclusionate, per poi fermarsi sulla soglia dei silenzi di suo figlio. Sciacca parla ad una porta chiusa e non osa oltrepassarla: è immobilizzato dal terrore, incapace di entrare nella vita del figlio e farsi da guida.  Alessandro, Giada e Virgilio sono figli orfani di modelli, di guide, figli costretti, di fronte alle continue invasioni di campo dei loro padri, a mettere argini, tracciare confini, innalzare mura e barricate. Sono figli affetti da Hikikomori: la loro difesa è l’isolamento, la chiusura rispetto al mondo, una chiusura che lasci intatta la loro purezza, che lasci loro il tempo per trovare se stessi, per tracciarsi una […]

Dal 7 al 12 gennaio le tavole del Teatro Bellini si macchiano di morte e sangue, contaminate da colpe antiche e moderne: in scena l’Antigone di Sofocle (traduzione e adattamento di Laura Sicignano  e Alessandra Vannucci). Tebe.  Antigone, figlia di Edipo, ha ancora negli occhi la morte dei fratelli Eteocle e Polinice: li ha visti uccidersi reciprocamente, l’uno all’assalto, l’altro a difesa della città. Ha nelle orecchie il bando di suo zio Creonte, nuovo sovrano di Tebe, che vuole insepolto, pena la morte, il corpo di Polinice, traditore della città, ma prima ancora fratello di Antigone.  La legge non mi separerà dal mio sangue. Antigone, che ha nel sangue le leggi degli dei, i vincoli dell’amore, lei che ha nel sangue il sangue di Polinice, non accetta quel bando, non può accettarlo. Nessuno può impedire di seppellire un corpo, nemmeno se di un traditore. Nessuno può impedire a una sorella di seppellire suo fratello.  Non pensavo che i tuoi editti avessero tanta forza, che un mortale potesse trasgredire le leggi non scritte ed incrollabili degli dei. Infatti, queste non sono di oggi o di ieri, ma sempre vivono.  Antigone, figlia di Edipo. Creonte, zio di Antigone. Uno scontro insanabile: donna lei, uomo lui. Giovane lei, vecchio lui. Individuo e società, famiglia e stato: forze dominate da leggi proprie che parlano lingue diverse, incapaci di comunicare. Antigone è un’eroina classica eppure estremamente moderna: donna, giovane, che si ribella in nome di leggi non scritte, le sole che per lei contano. Che si ribella al decreto di un uomo prima, ad una società patriarcale poi.  Antigone è un mito fertile: non smette di parlare al presente e di generare riflessioni sulla società di ogni epoca. Un mito che affonda le radici duemila anni fa, eppure non c’è parola pronunciata dagli eroi di Sofocle che non faccia sentire la suo eco in ogni tempo e in ogni dove.  Antigone, che porta nel suo nome, nel suo destino, colpe ataviche, non teme la punizione, la prigionia, la morte. Antigone ribelle, eroica, martire. Una spirale che risucchierà Emone, figlio di Creonte, amante di Antigone; Euridice, moglie di Creonte, madre di Emone. Morte chiama morte. Male genera male.  Ma cos’è il Male? E perché? È il caso, uno scherzo divino, o la punizione per la ὕβϱις (ubris, nda) dei protagonisti, oppure è il destino di tutti?  Potente l’accompagnamento musicale suonato dal vivo da Edmondo Romano. Meravigliosa la scenografia di Guido Fiorato, che rappresenta un contesto postbellico, distrutto, carbonizzato, che nel finale crolla, va in frantumi come l’animo di chi sopravvive. Come l’animo di Creonte, sopraffatto dal nichilismo, dal vuoto, dalla sconfitta delle sue stesse scelte, dall’utilizzo eccessivo della ragione che, come lui stesso dice, genera nient’altro che morte.  ANTIGONE  di Sofocle con Sebastiano Lo Monaco, Lucia Cammalleri, Egle Doria, Luca Iacono, Silvio Laviano, Simone Luglio, Franco Mirabella, Barbara Morselli, Pietro Pace.   Fonte immagine: http://www.teatrobellini.it/spettacoli/311/antigone

Recensione dello spettacolo di Giuseppe Massa “Miracolo”, con Glory Arekekhuegbe, Gabriele Cicirello e Paolo Di Piazza (Tram, 12 settembre) L’odore persistente di pesce. La bara incatastata in un mare di plastica, stereotipi, non soluzioni. Le parole a fiume. Un fiume di parole che racchiudono essenze, paradossi e favole del nostro non Paese. Raccontare in maniera canonica, trama alla mano, “Miracolo” della compagna dei Sutta Scupa sarebbe una missione fallimentare. Troppi ingarbugli siciliani, riferimenti, provocazioni, domande e risposte senza un vero corrispettivo. Ma viaggiare intorno a questa piccola meraviglia teatrale si può. Basta dimenticare da dove si è partiti e cominciare sul riflettere sul dove, se, e come arrivare. Sì, perché lo spettacolo andato in scena ieri al Tram ha interpolato un microcosmo di disagio che però ha un suo punto di partenza: il problema dell’immigrazione. “Miracolo” di Giuseppe Massa, due uomini morti e una bara viva al Tram Su una scenografia glabra, con il disegno luci pronto ad intervallare il rumore petulante delle sirene portuali, due becchini portano nervosamente una tomba. Pesante e ingombrante, quel peso sta divertendo per loro davvero insostenibile. Nel loro cimitero non c’è più posto, ma quell’immigrato morto da qualche parte bisogna pur metterlo. Non lo si può buttare, come il pesce prima ucciso e poi sventrato a morsi, usando il feretro come tavolo. Il suo puzzo, come quello di quel cadavere, è persistente, rimane nelle narici e nelle coscienze per tutta la durata della rappresentazione. Ma a differenza del corpo che anima la lisca, quel cadavere umano è grosso, è ingombrante, non lo si può trasformare in altro, dagli nuova collocazione. Cosa si può fare allora? Andare su Marte e lasciare il problema in sospeso, sarebbe un’idea. Incidere una canzone triste o magari una allegra così da coprire il silenzio, tra una danza e una pennicchella, una simpatica alternativa. Oppure, più semplicemente, perché non alzare il tappeto e nascondere tutto? Alla fine, ne arriveranno altri, in qualche modo bisogna pur fare. Nessuna di queste soluzioni pare davvero risolvere il problema ai due ottusi becchini, ai due ottusi italiani: servirebbe proprio un Miracolo. Ma in mondo che partorisce morte in un mare di plastica, neanche Dio può davvero salvarci. ————– drammaturgia e regia di Giuseppe Massa con Glory Arekekhuegbe, Gabriele Cicirello, Paolo Di Piazza scene e costumi Mela Dell’Erba luci Michele Ambrose suono Giuseppe Rizzo aiuto drammaturgo Giuseppe Tarantino assistente alla regia Marco Leone assistente alla produzione Elena Amato Compagnia Sutta Scupa  

Travestita di un turbinio di luci e immagini dal profumo anni ’80, va in scena al Teatro Bellini la favola cruda e autentica di Skianto, spettacolo scritto e diretto da Filippo Timi e portato in scena con le canzoni di Salvatore Langella. Lo spettacolo affronta con amara ironia il tema della disabilità mostrando allo spettatore il suo punto di vista più autentico, quello di un ragazzino che cerca di riaggiustare la sua smisurata vita interiore dentro i limiti che il corpo e il mondo esterno gli impongono. Il racconto parte dai primi istanti dell’esistenza di Filippo, il concepimento, dipinto come la corsa di uno spaurito e ingenuo “girino” fino all’abbraccio finale che spazza via tutta la concorrenza; poi i primi momenti felici della neonata famiglia, nei quali lo stupore e l’incanto, che sempre accompagnano un bimbo appena nato, vengono incrinati dalla scoperta dell’anomalia. Filippo è un bambino nato “con la scatola cranica sigillata”, il suo cervello, prigioniero di una scatola rigida e immutabile, non potrà consentirgli il pieno controllo del suo corpo e con esso dell’intera sua esistenza. Filippo è dunque prigioniero del suo corpo nei cui movimenti non riesce ad incanalare tutti i suoi desideri e le sue emozioni più intime. Il suo orizzonte materiale è limitato alle pareti grigie della sua cameretta e all’orto sotto la statale che faticosamente raggiunge con l’aiuto dei genitori. Filippo è ancora prigioniero dell’immagine che tutti hanno di lui, dai genitori ai parenti: un bimbo che “sembra normale, ma è speciale” e come tale non può seguire lo sviluppo naturale delle sue sensazioni e pulsioni ma è relegato ad una dimensione ultratemporale, immutabile e sigillata. Ma guardando attraverso i suoi occhi, si scopre una sconfinata dimensione interiore che non riesce a trovare espressione e condivisione con la realtà esterna. I desideri e i sogni di Filippo, le emozioni e le pulsioni che lo agitano sono umanissime ed esplodono davanti agli occhi dello spettatore in uno skianto di colori, immagini e suoni. È dapprima un bimbo, poi un adolescente e ancora un uomo che come tutti attraversa le evoluzioni dell’animo, le piccole passioni, i grandi sogni, gli innamoramenti e il desiderio sessuale. L’orizzonte spirituale di Filippo infrange quello materiale, dentro di lui non c’è traccia di quell’anomalia che il mondo esterno gli dipinge addosso, resta però vivo il dolore e la solitudine dell’incomunicabilità. Con Skianto, Timi dipinge con ironia e leggerezza una favola dura e pura dando voce a voci spesso inascoltate. Tutto è reale ed autentico e quindi vivo, la dimensione familiare espressa nell’utilizzo del dialetto umbro, le emozioni del protagonista scomposte e ricomposte in molteplici forme e colori.  Il racconto di Timi è una corsa su un filo di lana che non si spezza mai, c’è tenerezza e disillusione nell’immagine di un uomo vestito da bambino che mostra tutta la fragilità della sua condizione, c’è analisi critica e comprensione nel ritratto di un mondo chiuso ed impreparato ad accettare la diversità offrendole un orizzonte più ampio e nuove forme di espressione. Fonte […]