Presentato in anteprima mondiale al Toronto International Film Festival, Tonya è nelle sale italiane dal 29 marzo. Basato sulla storia vera della pattinatrice sul ghiaccio Tonya Harding, il film, diretto dal regista australiano Craig Gillespie, ne ripropone la vita da quando era bambina fino ai primi anni ’90 che la videro coinvolta in uno scandalo che le costò la carriera. La pellicola alterna avvenimenti passati, con una Tonya bambina (interpretata dalla giovanissima e dotata Mckenna Grace) spronata al limite dell’ossessivo dall’anaffettiva madre LaVona (Allison Janney) a impegnarsi sempre più nel pattinaggio; alle interviste nel presente ai protagonisti svolte in seguito agli accadimenti che accesero i riflettori sulla Harding. Passano gli anni e Tonya (Margot Robbie) è un’adolescente problematica e competitiva che non riesce ad accettare di essere discriminata, durante le gare, a causa delle sue umili origini che non le consentono di presentarsi al meglio alle competizioni come, invece, potevano permettersi le sue avversarie benestanti. È durante questo periodo che la ragazza incontra Jeff Gillooly (Sebastian Stan), di qualche anno più grande di lei, che sposerà dopo poco tempo e con il quale resterà, nonostante i continui maltrattamenti e violenze, per poi divorziare da lui nel 1993. Ma è l’anno seguente a essere cruciale per la storia di questa giovane promessa del pattinaggio. Infatti, pur di partecipare ai campionati nazionali per i quali l’America aveva un’altra stella come sua rappresentante – Nancy Kerrigan (Caitlin Carver) – Tonya, d’accordo con Jeff e aiutati dall’amico di lui Shawn Eckhardt (Paul Walter Hauser), assoldano un uomo per ferire la rivale al ginocchio così che lei potesse prenderne il posto. Soltanto in seguito si seppe cosa avevano fatto e fu per questo motivo, più che per le sue prodezze sportive, purtroppo, che il nome di Tonya Harding è ancora oggi ricordato. Talento e ambizione: la storia di Tonya Harding Portare sul grande schermo le vicende di un personaggio problematico non è mai un’impresa semplice. Craig Gillespie, aiutato dall’interpretazione eccellente della Robbie oltre che degli altri attori – Allison Janney, grazie a questo film ha vinto, tra i premi più importanti, l’Oscar e il Golden Globe come Migliore attrice non protagonista – è riuscito a mostrare in maniera impeccabile le tante e controverse sfaccettature della vera Tonya Harding. Quest’ultima viene presentata per quello che è stata senza alcuna modificazione né degli atteggiamenti – aggressivi, irriverenti, di vittima oltre che di carnefice – né delle azioni che, se da un lato le valsero il riconoscimento di essere stata la prima americana a eseguire il difficilissimo triplo axel durante una competizione ufficiale, dall’altro la portarono dall’ascesa a una rovinosa caduta come risultante di un’ambizione smodata e incontrollata affamata di gloria. La figura della Harding suscita emozioni diverse e contrastanti tra loro nello spettatore – compassione, simpatia, pena, insofferenza – che si alternano o coesistono in base a ciò che sta passando in quello specifico periodo della sua esistenza e anche in virtù di chi le sta accanto influenzandola. Alla fine, ci si trova a essere tra l’assoluzione per […]

Pubblicato dalla casa editrice AmicoLibro, Il violinista del diavolo e altri racconti è la suggestiva raccolta, di racconti appunto, del giovane scrittore sardo Marco Conti. Basati tutti su storie vere, i nove racconti hanno come sfondo una società problematica, fatta di ombre piuttosto che di luci nella quale si inseriscono le vicende più disparate di decadimento e impoverimento morale dei personaggi che le popolano. Introdotti dalle note de L’avvelenata del cantautore modenese Francesco Guccini, i racconti dell’autore quartese si susseguono uno dietro l’altro senza sosta lasciando al lettore un sapore amaro nel cuore scaturito dall’impietosa presa di coscienza del fatto che ognuno di noi provoca e subisce sofferenza. Grazie a una prosa cinica, secca e pungente – Conti non ha nessuna intenzione di impietosire chi legge o tantomeno ergersi a moralizzatore – si scivola da una storia all’altra con enorme facilità proprio perché, anche se diverse, sono collegate tra di loro. Accanto al Violinista del Diavolo, l’altro grande testimone delle vicissitudini dei protagonisti è Dio. Dio, o chi per lui, che osserva le sue creature subire ogni sorta di crudeltà senza far nulla; Dio, o chi per lui, che resta sordo al loro grido d’aiuto; Dio, o chi per lui, che tutto può ma nulla fa e lascia che la disperazione, l’ingiustizia e la violenza imperino senza freni inquinando e distruggendo vite umane. Il violinista del diavolo e altri racconti di Marco Conti, storie di contemporanei abbandoni e solitudini Impregnato in ogni parola e frase di una realtà talmente cruda e forte da risultare quasi insostenibile, l’opera di Marco Conti colpisce in pieno, investendoli, i sensi e le coscienze di chi la legge. Ogni racconto, infatti, costringe a fare i conti con quella che, ormai, è la quotidianità che ci circonda fatta di abbandono e solitudine ingigantiti, perché costantemente nutriti, dall’indifferenza dei tanti verso il disagio sociale dei troppi. Eppure, in ogni storia, una traccia di Speranza – l’antica Speme cantata e invocata dagli autori delle diverse epoche e delle varie correnti letterarie – è lì, accanto ai disperati protagonisti narrati dal Violinista del Diavolo in attesa di un insperato intervento che, chissà, potrebbe sopraggiungere non tanto da Dio quanto da “chi per lui”. Da ciò, ben si capisce l’influenza nel libro di Marco Conti del suo altro lavoro – o vocazione – di assistente sociale dedito agli altri e speranzoso di un cambiamento possibile ma di difficile attuazione perché, la storia lo insegna, “L’uomo è lupo per l’altro uomo” e ne Il violinista del diavolo e altri racconti questa espressione calza a pennello in ogni racconto in esso contenuto.

Candidato a ben tredici premi Oscar, vincitore di due Golden Globes e del Leone d’oro come Miglior film alla Mostra internazionale d’arte cinematografica di Venezia, La forma dell’acqua – The Shape of Water è l’ultimo incredibile lavoro diretto dal regista messicano Guillermo del Toro, uscito nei nostri cinema il 14 febbraio. Elisa Esposito (Sally Hawkins), muta sin da bambina, è impiegata come addetta alle pulizie in un laboratorio governativo nella Baltimora del 1962. Insieme alla sua collega Zelda (Octavia Spencer) è testimone dell’arrivo di una creatura anfibia (Doug Jones) catturata dal colonnello Strickland (Michael Shannon) per essere studiata dagli scienziati che vi lavorano. Mossa dalla curiosità e dalla solitudine, Elisa inizia a instaurare un legame con questo essere che, a poco a poco, impara a conoscere fino a innamorarsene. Organizzata la fuga con l’aiuto dell’amica, del vicino Giles (Richard Jenkins) e del Dottor Hoffstetler (Michael Stuhlbarg), dopo aver saputo dell’intenzione di eliminarlo perché considerato un mostro, Elisa decide di nasconderlo nel suo appartamento aspettando il momento propizio per rendergli, anche se a malincuore, la libertà. La forma dell’acqua – The Shape of Water, l’amore di Guillermo Del Toro non ha forme Affascinato da Il mostro della laguna nera, un film horror fantascientifico in bianco e nero del 1954 diretto da Jack Arnold, Guillermo del Toro ha dichiarato di aver creato il suo come finale per la storia di Gill-Man e Kay, i protagonisti della precedente pellicola. Scegliendo gli anni della Guerra fredda con gli Stati Uniti in perenne contrasto con la Russia, del Toro mostra al pubblico quanta fosse l’ambizione americana e quanto grande fosse il desiderio da parte della Nazione intera di primeggiare sui suoi avversari non badando a spese per i propri esperimenti e non risparmiandosi in termini di orrori pur di raggiungere i propri obiettivi. È in questa gara senza esclusione di colpi che trovano spazio temi come la lotta per l’affermazione dei diritti di una donna di colore – Zelda – all’interno di una società bianca e di un matrimonio dove a dominare è l’uomo, l’emarginazione degli omosessuali – è il caso di Giles – e la possibilità per gli ultimi di vivere secondo i propri desideri senza dover sottostare a delle assurde regole imposte da altri. E, infine, l’amore tra diversi osteggiato da chi non comprende che, questo sentimento, non conosce confini, forme e generi perché imprevedibile e non certo controllabile o ascrivibile a un qualcosa di definito e prefissato. Questo concetto viene ben descritto da una meravigliosa poesia citata nel film: “Incapace di percepire la tua forma, ti ritrovo tutto intorno a me. La tua presenza mi riempie gli occhi del tuo amore, onora il mio cuore perché sei ovunque.” La forma dell’acqua – The Shape of Water è, prima ancora che un film fantastico dai contorni drammatici, un’opera dedicata all’amore, l’amore vero che va oltre tutto e tutti assumendo a volte forme inusuali e inaspettate ma non per questo meno profonde di quelle considerate tradizionali.

Pubblicato dalla casa editrice Aracne lo scorso giugno nella collana NarrativAracne, Disordine e ordine è il secondo romanzo dello scrittore campano Alessio Tropeano. Ambientata in un irreale paesino montano situato nell’entroterra abruzzese, la storia ha per protagonista, nonché voce narrante, il parroco Don Luca Pacioli. A quest’ultimo viene affidato il non facile compito di tener nascosto al piccolo Mattia, genio della matematica, l’identità del suo vero padre e il misterioso legame che si cela dietro le sue origini strettamente connesse alla materia che tanto lo appassiona. Aiutato nell’impresa dalla madre del bambino, l’intrigante e seducente nobildonna Laetitia de Sorbis, e da Maria, la signora che gestisce l’osteria dove è solito andare a mangiare, Don Luca resta sin da subito affascinato dal ragazzino e dal suo mondo fatto di numeri e congetture. Mattia, che nel corso della storia cresce divenendo una calamita per adulti e coetanei grazie al suo essere così unico – proprio come un numero primo, è tormentato e risente molto della separazione dei suoi genitori e sembra trovare conforto soltanto nei suoi amati calcoli, nella relazione con la bella e intelligente Annarita e, in particolar modo, nell’interesse a ritrovare il manoscritto di un prete nel quale sarebbero contenute alcune delle soluzioni ai problemi matematici ancora irrisolti. Don Luca e Mattia si dedicheranno così a un’avvincente ricerca durante la quale non mancheranno emozioni e sorprese. Disordine e ordine : il sottile confine tra il mondo onirico e quello reale secondo Alessio Tropeano Alessio Tropeano popola il suo romanzo di enigmi – sogni che rasentano la realtà, numeri e figure alquanto ambigue dai contorni talora definiti e più spesso indefiniti – intrigando il lettore che, pagina dopo pagina, si lascia coinvolgere da quella che è una narrazione irreale. La ragione viene spesso messa a dura prova da fatti e spiegazioni che hanno dell’incredibile e che, fermandosi a una lettura superficiale, sembrano non avere alcun nesso logico e un filo conduttore a legarli gli uni agli altri. Eppure, grazie a un’attenta e più profonda analisi, quello che appare come un caos di parole, pensieri e situazioni, prende forma dando all’apparente disordine un ordine. L’autore, ricorrendo all’onirico, al surrealismo e a una giusta dose di colpi di scena, crea e plasma l’argomento della sua opera la cui principale attrattiva è l’essere al di sopra dei canoni letterari convenzionali. Disordine e ordine, per questi motivi, è un lavoro al quale conviene approcciarsi lasciando da parte la razionalità lasciandosi liberamente andare a un sogno dove è l’inconscio a farla da padrone.

In programmazione nelle sale italiane dal 18 gennaio, L’ora più buia (Darkest Hour) è l’ultimo film diretto dal regista e produttore cinematografico inglese Joe Wright. È il 1940, la Germania nazista di Hitler procede l’avanzata bellica alla conquista dell’Europa Occidentale ed è allora, nel maggio di quell’anno, che il Primo ministro inglese in carica Neville Chamberlain (Ronald Pickup) rassegna le sue dimissioni in favore di Winston Churchill (Gary Oldman). Quest’ultimo si trova a dover prendere una tra le decisioni più importanti e sofferte per il suo Paese in quel preciso momento storico: negoziare la pace con il nemico tedesco o continuare la guerra con la consapevolezza di dover sacrificare un alto numero di vite umane pur di difendere la libertà della Nazione. Supportato dalla moglie Clementine “Clemmie” (Kristin Scott Thomas) e dalla sua dattilografa Elizabeth Layton (Lily James), osteggiato dal suo stesso partito – i Conservatori – e da un’inizialmente scettico re Giorgio VI (Ben Mendelsohn), il nuovo Primo ministro dovrà fare appello a tutto il suo carisma e alla sua forza per superare l’ora più buia della sua intera carriera. L’ora più buia di Joe Wright:“sangue, fatica, lacrime e sudore” nella speranza di un’“ora più bella” Presentato al Telluride Film Festival lo scorso settembre e, in seguito, al Toronto International Film Festival, la pellicola ha ricevuto numerose candidature a diversi premi dell’ambito cinematografico compresi i Golden Globes dell’8 gennaio. A questi ultimi, il premio Oscar Gary Oldman ha conquistato, proprio grazie alla sua formidabile interpretazione nel lavoro di Wright, il premio come Miglior attore in un film drammatico. Oldman ha più che meritato la vittoria di questo prestigioso premio non soltanto perché ha vestito i panni del protagonista del film ma, soprattutto, perché in quei panni si ci è talmente immedesimato da dare l’impressione di trovarsi realmente di fronte al controverso, particolare e sagace Primo ministro britannico. All’attore il regista ha poi affiancato colleghi – in particolar modo la Thomas – che, con la loro bravura, hanno contribuito a esaltarne il valore recitativo con una naturalezza disarmante. Ottima, infine, la scelta di riportare nei dialoghi le parole pronunciate dal vero Churchill durante alcuni dei suoi discorsi rivolti ai parlamentari della Camera dei Comuni (House of Commons) tra i quali, indubbiamente, spiccano il primo dopo aver accettato l’incarico assegnatogli: “Non ho altro da offrirvi che sangue, fatica, lacrime e sudore. […] Se chiedete quale sia la nostra politica risponderò: di muover guerra, per terra, mare e aria, con tutto il nostro potere e con tutta la forza che Dio ci dà […] Se chiedete quale sia il nostro obiettivo vi rispondo con una parola: la vittoria, la vittoria ad ogni costo, la vittoria malgrado ogni terrore, la vittoria per quanto lunga ed aspra possa essere la via; perché senza vittoria non vi è sopravvivenza.” E, ancora di più, le parole conclusive a quello immediatamente precedente l’imminente aggressione della Germania all’Inghilterra: “Stringiamoci dunque al nostro dovere e comportiamoci in modo che se il Commonwealth e l’Impero britannico dureranno per un migliaio d’anni gli uomini diranno […]

Disponibile sulla piattaforma di streaming Netflix dal 12 gennaio, Milada è il film biografico sulla politica e attivista per i diritti umani cecoslovacca Milada Horáková. Siamo negli anni ’30 a Praga dove la giovane giurista Milada Horáková (Ayelet Zurer), membro del partito socialista nazionale cecoslovacco prima e impiegata presso il dipartimento delle attività sociali poi, è anche attivista dei diritti civili e delle donne. Sposata con il compagno di partito Bohuslav Horák (Robert Gant) e madre della piccola Jana, durante l’occupazione nazista del suo Paese del 1939 aderisce al movimento clandestino della resistenza divenendone uno dei membri più importanti. Arrestata l’anno dopo dalla Gestapo e condannata a morte, successivamente, la sua pena viene trasformata in ergastolo con il seguente trasferimento, insieme al marito, nel campo di concentramento di Theresienstadt e poi in altre prigioni tedesche rimanendo in stato di reclusione per cinque anni. Milada, finita la guerra, entra attivamente in politica e sotto il regime comunista, viene nuovamente incarcerata con l’accusa di spionaggio per poi essere condannata all’impiccagione nel 1950. Milada è l’omaggio cinematografico a un simbolo di rara coerenza Diretto dal giovane regista cecoslovacco David Mrnka il film segue passo passo – rimanendo fedele ai fatti storici dell’epoca oltre che a quelli vissuti dalla protagonista – l’evolversi di ciò che una donna, colpevole di essere fedele ai propri principi, fu costretta a subire e sopportare durante anni di indicibili e indescrivibili difficoltà e instabilità non soltanto per quanto riguardava la politica. Quest’ultima viene aspramente criticata perché, d’altronde, un’ingiustizia resta comunque tale a prescindere dall’ideologia o il movimento politico durante la quale sia stata perpetrata. Nel caso della Horáková – ma nella storia si trovano esempi simili se non peggiori – l’ingiustizia subita pesa il doppio. Ottima l’interpretazione dell’acclamata e talentuosa attrice israeliana Ayelet Zurer che, grazie a un’intensa espressività, ha realmente fatto sua la parte assegnatale riuscendo a trasmettere tutta la forza e la determinazione possedute da Milada. Ben curati, inoltre, i costumi, le musiche e le ambientazioni così come i dialoghi che rappresentano un indubbio valore aggiunto per la pellicola. Milada si presenta in tutta la sua drammaticità agli occhi dello spettatore che ne riconosce e apprezza l’omaggio a una martire divenuta uno dei tanti simboli della lotta contro qualsiasi forma di vessazione e oppressione a livello nazionale e internazionale; una donna, figlia, sorella, moglie e madre che, svestitasi di tutti i suoi ruoli, ha sacrificato la sua vita pur di rimanere coerente al proprio sentire con una dignità e un coraggio tutti umani ma nient’affatto comuni.

Uscito nelle sale italiane il 28 dicembre, Coco è l’ultimo film prodotto da Pixar Animation Studios e distribuito da Walt Disney Studios Motion Pictures candidato ai prossimi Golden Globes dell’8 gennaio. Miguel Rivera, un bambino messicano che vive nella città di Santa Cecilia, è cresciuto in una famiglia di calzolai nella quale è stata bandita la musica. La motivazione di questa decisione estrema,risale alla trisavola Imelda, rimasta sola con la figlioletta Coco dopo che il marito ha deciso di andarsene per inseguire il suo sogno: diventare un musicista di successo. Coco è la bisnonna di Miguel ed è l’unica, malgrado l’età avanzata, a mantenere ancora vivo il ricordo del padre scomparso. Durante la celebrazione del Día de Muertos – la tradizionale festa messicana in onore dei defunti – Miguel scopre, riconoscendone la chitarra da una vecchia foto, che il suo trisavolo altri non è che il famoso Ernesto de la Cruz, il suo idolo. Intenzionato a partecipare a una gara per talenti, il ragazzino incorre però nelle ire della nonna che, per impedirglielo, rompe l’unica chitarra in suo possesso. Tuttavia, Miguel non si perde d’animo e decide di prendere in prestito dal mausoleo di de la Cruz il suo strumento ma, al primo accordo, si ritrova nel mondo dei morti in compagnia del fedele Dante, un randagio che rimarrà al suo fianco durante tutto il suo fantastico viaggio. Coco di Lee Unkrich: famiglia, musica e ricordi Diretto da Lee Unkrich con Adrian Molina come co-regista, Coco, ultimo film Disney, è un omaggio animato alla famiglia. Quest’ultima è al centro dell’intera pellicola con i suoi contrasti, le sue aspettative, i suoi doveri e, soprattutto, con la grande importanza data al rispetto per ogni suo componente, vivo o morto che sia. La continuazione dell’esperienza familiare di Miguel, grazie all’incontro con i parenti scomparsi, serve a introdurre la tematica del regno dell’oltretomba. Quest’ultima non è certo nuova al grande schermo. Un valido predecessore è sicuramente Il libro della vita, altro film d’animazione del 2014 prodotto da Reel FX Animation Studios, diretto da Jorge R. Gutierriez e interamente incentrato sul Día de Muertos; eppure, la pellicola della Pixar non teme confronti. Tra canzoni, ambientazioni fantastiche, alebrijes fluo – creature del folklore messicano -, un divertente omaggio alla pittrice Frida Khalo, genuine risate e intensi momenti di commozione, il film ha davvero una marcia in più. Coco di Lee Unkrich è un coloratissimo viaggio che ha inizio con la voglia di un ragazzino di inseguire un sogno sfidando la disapprovazione della sua famiglia, quella stessa famiglia che (ri)scoprirà e riuscirà a riunire, nella vita così come nella morte, grazie a una passione che lo anima perché radicata nel suo sangue.