Jalna è un romanzo dell’autrice Mazo de La Roche, il primo di un’amatissima saga familiare che ha conquistato migliaia di lettori con undici milioni di copie vendute. Jalna: una trama che travolge e trascina nella lettura Anni venti, i protagonisti del romanzo sono gli Whiteoak, una famiglia inglese di origini vittoriane trapiantata in Canada alla fine dell’800, in una tenuta coloniale dell’Ontario che prende il nome dalla città di Jalna in India. La capostipite della famiglia è la quasi centenaria Adeline, di origini britanniche, che ha trascorso la prima parte della propria vita insieme al defunto marito Philip, in India, proprio nella città di Jalna. La prima parte del romanzo si basa proprio sui primi anni dei coniugi Whiteoak, facendo riferimento ai motivi che li hanno spinti ad imbarcarsi per due mesi con una neonata e al loro successivo sbarco in Quèbec, per poi arrivare definitivamente nell’Ontario. L’autrice presenta e descrive i personaggi del celebre romanzo con ironia, con uno stile divertente e classico; tutto risulta molto pacato grazie ad una narrazione semplice che si tinge di quotidianità, con la presenza di minuziose descrizioni, piuttosto dettagliate, che riescono ad appassionare sin dall’inizio. Spesso si percepisce nelle descrizioni, soprattutto dei personaggi, ma anche negli ambienti cui essi si muovono, un vago senso di malinconia, espresso abilmente con delle semplici metafore dal gusto amaro. Nella descrizione dei personaggi, minuziosa e dettagliata, l’autrice fa riferimento anche alla componente psicologica che li caratterizza, in modo che il lettore possa in un certo senso riconoscersi in quelle identità, seppur storicamente lontane. D’altronde, pur essendo un romanzo scritto cento anni, fa, Jalna risulta sorprendentemente attuale. Nella struttura del romanzo e mentre si prosegue nella lettura, ciò che sicuramente colpisce il lettore è la presenza di molti elementi naturali, tra questi, prati, uccelli, animali, che arricchiscono l’ambiente familiare nel quale i protagonisti si muovono. Il libro è delizioso, caratterizzato da mille colori, un vero e proprio viaggio attraverso le parole,  attraverso una prosa leggera, ma a tratti incalzante, con elementi allusivi, densi di emozioni, sospiri, rammarichi e baci rubati, tutto inserito in una mescolanza di sensazioni. Jalna è un poema squisito, incentrato su una continua ispirazione, così come l’amore per Alayne, una delle protagoniste del libro, che arriva quasi prepotentemente a destabilizzare l’ordine e la tranquillità della famiglia. Alayne è  una donna in carriera, che riesce ad ammaliare un po’ tutti, con una sottile malizia. Grazie alla sua presenza, si percepiscono e man mano si delineano, una serie di elementi che si configurano come i più significativi del libro. Indubbiamente, l’amore è uno dei temi cardine del romanzo, ma l’autore fa riferimento ad un amore paziente, apparentemente impossibile, ma anche  delicatamente eloquente, come un pensiero che sfiora, e che allo stesso tempo  si allontana. Il pensiero di essere felici per essere felici, dunque, pensare alla felicità per raggiungerla e poi viverla. Al centro di tutto, la famiglia, all’interno della quale, i personaggi si muovono, esprimendo quasi un senso di irreprensibile impossibilità al distacco; è come se ognuno di […]

Dopo l’Unità d’Italia, emerse sempre più un dibattito-diatriba piuttosto grave e ancora oggi evidente, che gli storici definiscono “questione meridionale”, ossia il divario economico, tra il Nord del paese, più sviluppato e il Sud, meno sviluppato. Ancora oggi, la cosiddetta “questione meridionale”, è studiata ed analizzata non solo perché ancora  attuale, ma soprattutto perché interessante dal punto di vista socio-culturale. L’espressione “questione meridionale”, utilizzata nella storiografia italiana per indicare la difficoltà del mezzogiorno d’Italia, rispetto alle altre regioni del Paese, in particolar modo quelle del nord, fu utilizzata per la prima volta nel 1873 dal deputato Antonio Billia. La situazione relativa alla “questione meridionale”, denotava un forte immobilismo che le nuove istituzioni politiche non avevano affrontato, e in alcuni casi ignorato, derivante da una serie di vecchi privilegi, sorretti da un antiquato orientamento sociale e culturale in senso stretto. L’arretratezza del Mezzogiorno, pur non apparendo come un fenomeno unico e circoscritto, imponeva che la cosiddetta “questione meridionale”, al contempo causa e conseguenza dei limiti di sviluppo sociale, economico, culturale, dello Stato stesso, non potesse essere spiegata senza tener conto dell’influenza dei vari fattori e delle concatenazioni storiche, politiche e sociali, che avevano contribuito a determinarla. Nel corso del tempo, studiosi, storici, poeti e intellettuali hanno espresso la propria opinione circa una questione così tanto discussa, dai mille aspetti, spesso controversi e complicata al tempo stesso. Tra gli altri, Umberto Saba, poeta e scrittore, fu colui che disegnò con un aforisma breve, ma fortemente evocativo, l’identità propria della questione meridionale: “costituzionalmente la questione meridionale, non è una questione, è un modo, che vale un altro, di essere”. Un fenomeno di così grande portata storica, spiegato da Umberto Saba, intellettuale di spicco, noto esponente della letteratura italiana, in una frase densa di significato storico e perfettamente collimante con quanto ancora oggi si afferma circa la cosiddetta “questione meridionale”. L’attualità della questione meridionale La questione meridionale, ha disegnato nel corso del tempo, i confini non solo di un’epoca, ma anche della mappatura geografica della Penisola, “dividendola” in due parti distinte; ognuna con la propria identità, con le proprie ragioni, professioni, ideologie e sembianze. In quest’ottica, le analisi di tipo storico-filosofico, sono necessarie per comprendere quanto è stato e quanto è considerato ancora attuale e vivo. Antonio Gramsci nel 1926, si dedicò alla stesura di un saggio, rimasto incompiuto e intitolato “Alcuni temi della questione meridionale”, pubblicato poi a Parigi nel 1930. L’opera si configura come il culmine di una esperienza personale e politica, la consapevolezza, che la questione meridionale non potesse essere risolta con rimedi specifici, ma fosse un caso a sé. Come è possibile notare, ritorna, quasi prepotentemente, la doppia identità di una questione destinata a segnare l’intero territorio italiano. La “questione meridionale” intesa come modo e al contempo come caso a sé. Riconoscere i caratteri propri della questione stessa, significa determinare una rapida rottura con le tradizioni con le quali essa ha convissuto; riconoscere i limiti e le caratteristiche di un dato storico, ma anche culturale e sociale, significa definire i contorni di una “frattura […]

Jack Vettriano, o meglio Jack Hogan, nasce a Methil il 17 novembre 1951 ed è un pittore scozzese di origini italiane, onorato da Elisabetta II d’Inghilterra con l’Ordine dell’Impero Britannico. Il riconoscimento da parte di Elisabetta II d’Inghilterra è per i servizi resi alle arti visive in Gran Bretagna, ma esso è anche strettamente collegato alle vendite dei suoi quadri alle celebrità. Quello di Jack Vettriano è un successo ottenuto con fatica, nel corso del tempo; il pittore nasce in Scozia da una famiglia di origini italiane; vive in povertà e ed è costretto ad abbandonare gli studi. Comincia presto a lavorare, cambia diversi lavori e a ventuno anni, la fidanzata di allora, gli regala degli acquerelli, il dono destinato a cambiargli l’esistenza. Il giovane Vettriano da quel momento, prese a dedicarsi costantemente alla pittura, ricopiando con pazienza i quadri di Edward Hopper e degli impressionisti, firmandosi “Jack Hoggan”, non riuscendo però per molti anni a sfondare. La svolta avvenne con l’ammissione alla mostra annuale della Royal Scottish Academy, nel 1988. I visitatori, colpiti dalla sua tecnica, acquistarono tutte le opere esposte in un solo giorno. A quel punto il pittore decise di adottare lo pseudonimo con il quale è conosciuto: Jack Vettriano; si crede che lo pseudonimo del pittore nasca in realtà da una storpiatura del cognome della mamma, ma non si hanno informazioni dettagliate a conferma di ciò. Un dato è certo, da quel momento, la carriera di Jack Vettriano cresce notevolmente, con un successo esponenziale. Al centro delle opere del pittore, il tema dell’amore, a volte romantico, altre sensuale, altre frustrante, altre ancora fatale. I soggetti rappresentati sono donne eleganti, immensamente belle, raffinate, desiderio di uomini mediterranei, immersi in relazioni spesso clandestine, perverse e sensuali al tempo stesso. Un’arte apparentemente semplice, ma che in realtà, ad un’analisi più approfondita, sottolinea una forte solitudine, che nasce nei contorni dei personaggi ritratti, spesso soli, angosciati. Una sensualità dalle movenze eleganti, capaci di scatenare in chi le osserva pulsioni nascoste e intime. Al successo internazionale dell’artista si è aggiunto di recente anche quello italiano, e case editrici quali Adelphi, Sellerio e Rizzoli hanno utilizzato le riproduzioni dei quadri del pittore per libri, calendari e poster. Quello di Jack Vettriano è uno stile artistico senza tempo, che colpisce i suoi numerosissimi fans, nonostante frequentemente la critica lo additi semplicemente con l’etichetta di “artista erotico”, senza andare oltre. In realtà, il pittore italo-scozzese Jack Vettriano ha più volte affermato che le proprie opere nascono da esperienze di vita personali, dagli incontri con donne seducenti e sensuali, anche terribilmente ammaliatrici. Tutto ciò è inserito in un desiderio probabilmente nostalgico del passato. Il contesto e l’ambientazione delle opere di Jack Vettriano sono riconducibili agli anni cinquanta, rievocati con sensaulità e romanticismo e nei quali il pubblico del pittore si riconosce. Uno dei dipinti più conosciuti di Jack Vettriano è “Il maggiordomo cantante”, dove una domestica e un maggiordomo, nascosti sotto un ombrello per ripararsi dal sole, osservano un uomo e una donna che ballano. Naturalmente, menzionare […]

Il Tesoro di San Gennaro è unico nel suo genere.  Ha una storia di ben settecento anni ed è diventato immenso grazie alle numerose donazioni. Si è  mantenuto intatto senza mai subire spoliazioni e senza che i suoi preziosi fossero venduti. A proteggerlo, la Deputazione della Real Cappella del Tesoro, organizzazione laica voluta da un voto della Città di Napoli il 13 gennaio 1527 deputata prima alla sovrintendenza sulla costruzione della Cappella dedicata al Santo nel Duomo di Napoli, poi alla difesa della collezione da minacce esterne. Ancora oggi formata da dodici famiglie che rappresentano gli antichi “seggi” di Napoli. San Gennaro è il Santo più venerato e conosciuto al mondo, con numerosissimi devoti, e un tesoro a lui dedicato, unico e meraviglioso; fu nominato ufficialmente vescovo e martire patrono di Napoli, nel 1980 da Papa Giovanni Paolo II. Il Tesoro di San Gennaro rappresenta la storia di Napoli, un ambito quasi infinito che va al di là di ogni religiosità, e che colora di entusiasmo il popolo partenopeo. Per capirne l’immensa portata e valore, storico, religioso e culturale, basti pensare che il Tesoro di San Gennaro è più ricco delle collezioni reali di Russia e Inghilterra. Il fulcro di cotanta bellezza inizia dal “busto d’oro e d’argento” che custodisce le ossa del cranio, voluto da Carlo II d’Angiò, e dalla teca che conserva le ampolle del suo sangue, chiesta esplicitamente da Roberto d’Angiò. Ai due capolavori citati, si sono poi aggiunte, nel corso del tempo, altre meravigliose opere; tra queste la “mitra gemmata”  realizzata dall’orafo Matteo Treglia nel 1713; la mitra è un copricapo vescovile, realizzato con rubini, smeraldi e diamanti con un peso complessivo di ben diciotto chili. Altro oggetto di straordinaria bellezza è la leggendaria “collana” creata da Michele Dato nel 1679 e arricchitasi fino al 1879 di altre pietre preziose con le donazioni di regnanti di tutta Europa. Entrambe le opere furono fatte su commissione della Deputazione della Cappella del Tesoro di San Gennaro per il busto Reliquiario del Santo. Meritano d’esser menzionati anche il “Manto di San Gennaro”, ricoperto e impreziosito con pietre preziose e smalti raffiguranti le insegne araldiche del casato, e il “calice” con coperchio chiamato “Pisside” in argento dorato. Peculiarità e caratteristica unica del tesoro di San Gennaro è che esso, così come le ampolle contenenti il sangue del Santo, appartengono esclusivamente alla città di Napoli e dunque al popolo, che ne è custode e garante, e lo conserva intatto da secoli. A tal proposito infatti, un documento del 1527, attesterebbe un “patto” che il popolo napoletano, stipulò con San Gennaro. Il patto prevedeva la costruzione di una Cappella, in onore del Patrono di Napoli, una volta cessata la terribile epidemia di peste che si era diffusa in tutto il regno. Trascorsi parecchi secoli, accanto alla Cappella, fu realizzata un’altra struttura, che contenesse tutto l’immenso patrimonio devoluto al Santo, ossia il Museo del Tesoro di San Gennaro. San Gennaro, definito dai napoletani “faccia gialla“, denominazione che nasce dal colore appunto giallo, del busto-reliquia; […]

Marcus Malte, pseudonimo di Marc Martiniani, è uno scrittore francese il cui successo, almeno sino ad oggi, è legato al genere poliziesco. Con “Il ragazzo”, edito da Fazi Editore, lo scrittore Malte, cambia decisamente rotta, inoltrandosi in un ambito completamente diverso. Trama e sinossi del romanzo di Marcus Malte “Il ragazzo”, è un romanzo ambientato agli albori del Novecento; ha per protagonista un ragazzo senza nome che si aggira per le campagne della Francia meridionale. Non ha mai visto altro essere umano se non la propria madre, che porta sulle spalle. La donna, moribonda, chiede che le proprie ceneri siano sparse in mare, e il figlio decide di assecondarne la volontà. Dopo ciò, il ragazzo senza nome s’incammina alla scoperta del mondo e degli uomini che lo popolano. Prova ad avvicinarsi ai suoi simili, nonostante non sappia parlare, e non conosca nessun linguaggio per comunicare con gli altri. Nel suo lungo percorso costellato di tante iniziazioni, girerà la Francia insieme a Brabek, l’orco dei Carpazi, lottatore filosofo; scoprirà i segreti del sesso grazie a Emma, che per lui sarà amante, sorella e madre al tempo stesso; conoscerà la barbarie e la follia dell’uomo durante la guerra, dove tornerà selvaggio fra le trincee e si farà un nome per la sua brutalità, indirizzata stavolta ai suoi simili. Soltanto alla fine, abbandonati gli strati di forte violenza cieca e riguadagnato il suo stato di purezza originale, potrà finalmente sentire, forte, l’odore della madre e, con esso, il richiamo del mare. Con “Il ragazzo“, Marcus Malte presenta un romanzo notevolmente profondo che in Francia è stato un grande successo: pubblicato da una piccola casa editrice indipendente, ha vinto il prestigioso Prix Fémina e ha raggiunto i vertici delle classifiche. L’autore si inserisce nella tradizione e nel mito dell’enfant sauvage con una voce originale, dando vita a un’importante riflessione su cosa significa essere uomo e ricordandoci come eravamo, come siamo stati e come potremmo tornare a essere. Una storia coinvolgente, nella quale, il protagonista, pur non parlando, si rivolge e arriva al lettore, in modo profondo e diretto. Il protagonista senza nome, “Il ragazzo”, è al contempo un animale, uno spirito della foresta, un demone, una creatura della quale non si comprendono pienamente le caratteristiche. La narrazione procede dettagliatamente, grazie all’abile penna di Marcus Malte, il quale riesce a proporre un libro, costituito da quattro capitoli, contrassegnati dalla presenza di date, diverse tra loro. Ogni capitolo rappresenta una storia, e in ognuno di essi il ragazzo senza nome prova sensazioni, emozioni differenti, in un pullulare di caratterizzazioni ambientali, sentimentali, sociali e culturali. Ovviamente, sembra quasi scontato affermarlo, il tema principale del libro: “Il ragazzo”, che ne ricorda anche il titolo; ragazzo senza nome, e senza un linguaggio, che si configura come personaggio e protagonista del romanzo. Un dualismo che consente allo scrittore di spaziare con le parole, in una cornice narrativa dinamica e variegata, nella quale   trovare risposte, analizzare le varie avventure che caratterizzano il protagonista. “Il ragazzo” è una rappresentazione e al contempo […]

La gioia di vivere è un celebre dipinto di Henri Matisse del 1906; l’opera è conservata a Merion, presso the Barnes Foundation. Henri Matisse è il rappresentante più conosciuto del fauvismo. Il movimento dei Fauves è il contributo francese alla nascita dell’espressionismo. I fauvisti, tendevano ad abolire la prospettiva e l’utilizzo dei chiaroscuri, preferendo pennellate libere ed esplosive. Uno dei dipinti più noti di Henri Matisse, è La gioia di vivere, che rappresenta un vero e proprio sconvolgimento del pensiero pessimista che accompagnava numerosi artisti del tempo. Così come suggerisce il nome del famoso dipinto, La gioia di vivere, è un nuovo modo, non più negativo, di guardare ed osservare l’esistenza. Lo stesso Matisse, durante la propria esistenza, cercò di raggiungere una condizione di piena felicità e gioia, fondamentali a qualsiasi essere umano, per vivere bene la propria vita. Dunque, proprio quest’ottimismo, questa voglia di positività, si legge nelle opere del pittore, il quale mescola colori allegre e strutture semplici, che contribuiscono a creare un dinamismo che va oltre il semplice sguardo complessivo. L’opera rappresenta dei nudi femminili dipinti a macchie, senza rispettare i colori naturalistici. Nel dipinto Henri Matisse ripropone il tema di Cèzanne delle bagnanti, elaborandolo secondo la propria visione personale, posizionandole in uno scenario innocente, dalle sembianze paradisiache, all’interno del quale l’umanità gioiosa si muove, danzando gioiosamente. All’interno del dipinto, uno dei fattori da sottolineare, è l’uso di colori piuttosto innaturali; infatti, si può notare a tal proposito, l’uso del colore rosa, sia per raffigurare un albero, sia alcune parti del corpo umano, per sottolineare una sorta di fusione uomo-natura. I critici d’arte, suppongono che l’utilizzo “sbagliato” dei colori, sia in realtà il modo, attraverso il quale Matisse, invitava chi osserva, a guardare il bello attraverso la semplicità, senza lasciarsi schiacciare da dinamiche predefinite, dalla quotidianità. La gioia di vivere, rappresenta un’immagine mitica del mondo come vorremmo che fosse, dove non esistono differenze tra mondo naturale e umano e tutto è armonico. Uomo e natura si fondono in una sorta di ritorno al primitivo. Sullo sfondo, Matisse, propone il ritmico motivo del girotondo, immagine dinamica della visione propria dell’artista. Le figura immerse in una sorta di vortice, sembrano quasi elevarsi al cielo. I colori, il dinamismo, quelle figure, esprimono gioia e sinuosità al tempo stesso, caratteristiche proprie dell’identità artistica del pittore. La tecnica è leggermente puntinista e per questo motivo l’opera fu criticata da Signac, che lo definì «un dipinto con colori ripugnanti».  Henri Matisse è stato con Pablo Picasso, suo rivale e amico, un grande maestro della pittura del XX secolo. Si è dedicato ai nudi, ai paesaggi e al tema della felicità di vivere: «Bisogna guardare tutta la vita con gli occhi di un bambino», amava dire. In realtà, quella di Henri Matisse rappresenta un’estrema semplicità definibile lineare, un linguaggio plastico e sinuoso al tempo stesso, del tutto nuovo per l’arte occidentale; tutto ciò è realizzato grazie ad una riduzione cromatica così sottile che gli consentì di raggiungere quella dimensione spirituale da lui tanto desiderata. La […]

Da dove nasce e perchè la denominazione Campania Felix? La Campania è una terra antichissima, ricca di storia e cultura, che nel tempo non ha mai smesso di sorprendere, testimone ancora oggi di un passato glorioso che la rende unica nel mondo. La letteratura antica riguardante la storia e l’identità vera e propria della Campania e delle relative caratteristiche geografiche è particolarmente vasta, sono numerose le testimonianze (alcune frammentarie) sulle accezioni toponomastiche attribuite alla regione. Polibio, storico greco, individuò i punti di forza dell’eccellenza della regione: la fertilità, la bellezza, la vicinanza al mare, la possibilità di fruire di scali; e fu Plinio a definirla con un attributo ancora oggi spesso citato ed utilizzato, dall’immenso valore simbolico, destinato a grandissima fortuna, ossia “Campania illa Felix”; essa comprendeva territori che si estendevano dalle pendici del Monte Massiccio (a nord) fino a lambire l’area flegrea e vesuviana (a sud). In seguito alla divisione Augustea, l’Italia fu divisa in undici regioni o province, raggruppando il Lazio e la Campania, dal Tevere fino al Sele, con a capo Capua (Capoa), escludendo la porzione dell’Irpinia e precisamente la zona inferiore delle attuali provincie di Benevento e Avellino, che andarono a far parte della Puglia e della Calabria. Per questo motivo Plinio distingueva la Campania Antiqua, cioè quella del primo periodo, meno estesa e collocata intorno a Capua, dalla Campania Nova, quella della divisione augustea, che comprendeva anche una parte del Lazio, cioè la Campania di Roma. Dunque, la Campania antica (Antiqua) andava dalle pendici del Monte Massico, al Nord, fino ai Campi Flegrei a Sud. Fu Plinio il Vecchio a parlare di “Campania Felix”, sia per sottolineare la fertilità della regione, sia per distinguere la Campania antica, cioè la Campania di Capua, dalla Campania “nuova”, la quale, comprendeva una porzione dell’attuale Lazio. Attualmente, delle terre un tempo appartenenti alla Campania Felix è rimasto ben poco, eccetto le testimonianze di un passato glorioso. Plinio il Vecchio, in realtà, non fa riferimento esclusivamente al suolo, particolarmente fertile e adatto alla coltivazione, ma la scelta di associare l’aggettivo “Felix” al nome della regione sembrerebbe nascere da una vera e propria esigenza di dare un valore distintivo alla Campania, notevolmente estesa. La denominazione di Campania Felix fa riferimento al territorio chiamato “Terra Leborina”, citata nella “Carta anonima del Regno di Napoli”, detta “Della libreria della stella”, del 1557. Campania Felix, un’accezione ancora usata La denominazione ancora in uso di “Campania Felix” conferita alla Campania in epoca romana rimanda a quell’ampia fase di unificazione politica che vide un territorio di ampie dimensioni rifondato come un’unica grande struttura agricolo-urbana, a seguito della guerra annibalica che segnò la confisca dell’ager campanus ai Capuani sconfitti. Ossia l’inizio della fase di unificazione politica che successivamente diede luogo ad una vera e propria attività globale di rifondazione agricola, basata sulla sua suddivisione in centurie, che nei secoli ha acquisito la valenza di struttura permanente di supporto ai vari insediamenti. In Campania esiste un patrimonio in cui il passato si presenta in tutte le sue possibili […]