Venerdì 15 febbraio si è inaugurata presso lo Studio Trisorio in via Riviera di Chiaia 215 una personale di Fabrizio Corneli, artista contemporaneo noto per le sue opere realizzate tramite l’ausilio di luci ed ombre, capaci di incantare il pubblico con la loro elaborata leggerezza. L’artista Fabrizio Corneli Nato nel 1958 a Firenze, Fabrizio Corneli studia all’Accademia di Belle Arti ed entra nel mondo dell’arte contemporanea a soli 21 anni partecipando alla mostra itinerante Le alternative del nuovo. Inizialmente si dedica alla fotografia, per poi tralasciare questa disciplina e dedicarsi all’utilizzo della luce come mezzo espressivo, partecipando a mostre in Italia e all’estero, in particolare in Francia, Spagna, Germania e in Giappone, dove realizza installazioni permanenti. In Campania l’artista ha realizzato l’opera Respiro presso la Reggia di Caserta, che anticipa la mostra che si terrà negli appartamenti storici della Reggia nel 2019. La mostra di Fabrizio Corneli allo Studio Trisorio Nella dimensione artistica l’elemento della luce e dell’ombra, principi imprescindibili fra di loro, hanno subito nel corso del tempo una graduale rivalutazione, fino a divenire forma e contenuto nei lavori di Fabrizio Corneli. Difatti le sue opere sono figure plasmate come sculture che, proiettate sulla parete assumono i connotati di immagini bidimensionali. I suoi lavori sono ispirati sia all’arte classica-come il Doriforo di Policleto–, sia al quotidiano -come i ritratti o i paesaggi. La dimensione spirituale, intangibile come la luce stessa, trova espressione nelle sfere di luce colorata che gravitano nello spazio come l’Halo, opera che presenta per la prima volta allo Studio Trisorio sperimentando una dimensione inedita. L’installazione prevede inoltre un intervento sul pavimento dello spazio espositivo ispirato a motivi islamici, ma ripreso da una tarsia del Duomo di Piazza dei Miracoli a Pisa, divenendo un esempio di congiunzione fra diverse culture. Osservando le opere di Fabrizio Corneli si ritorna ad osservare con gli occhi stupiti dell’infanzia elementi ripresi dal quotidiano, che vengono stravolti nella propria essenza tramite la loro stessa composizione. Lo spazio espositivo della mostra di Fabrizio Corneli La mostra sarà visitabile fino al 22 marzo 2019 presso lo Studio Trisorio, nota galleria napoletana che ha già ospitato in passato interessanti rassegne artistiche. La galleria venne inaugurata negli anni ’70 e da allora è divenuta un punto di riferimento per chiunque operi nel settore artistico campano, ospitando mostre di celebri fotografi italiani e non, quali Bill Brandt, Mimmo Jodice, Jan Saudek, Luciano D’Alessandro. Non solo con la fotografia, ma anche con la video arte e il cinema, lo Studio Trisorio ha percorso l’evoluzione dell’arte contemporanea, dando la possibilità con artecinema di godere di un festival che riscuote ogni anno un grande successo di critica e di pubblico, grazie anche alla possibilità di incontri e dibattiti con i registi, artisti e produttori. Fonte foto: https://www.artsy.net/artist/fabrizio-corneli

Come abbiamo annunciato nel numero precedente, la rubrica “Il CULT” è la rubrica di cinema che a cadenza mensile propone un classico della cinematografia, analizzandolo in quattro punti e spiegando gli elementi che lo hanno reso tanto famoso. In occasione della festa di San Valentino, non potevamo non parlare della commedia romantica per eccellenza, colei che ha segnato il punto di svolta del genere e a cui tutte le pellicole “rosa” vengono paragonate: naturalmente stiamo parlando di When Harry Met Sally (Harry ti presento Sally) When Harry met Sally di Robert Reiner Uscito nel 1989 e diretto da Robert Reiner (Stand By Me, Misery non deve morire), il film è stato realizzato con la sceneggiatura di Nora Ephron (C’è posta per te, Julie & Julia), madrina della commedia romantica americana. Ambientato per la maggior parte nella nevrotica città di New York (come l’ha definita il regista stesso), l’opera riesce a divertire e ad emozionare lo spettatore, anche grazie all’atmosfera che richiama alla mente lo stile “alleniano”. 1) La trama originale Nonostante Harry ti presento Sally sia fra i grandi esponenti del genere, il lungometraggio presenta uno sviluppo di trama diverso dalla solita storia d’amore cinematografica: quando Harry (Billy Crystal) e Sally (Meg Ryan) si incontrano per la prima volta non provano un’attrazione istantanea l’uno per l’altro, e si salutano entrambi sperando di non incontrarsi mai più. Nel corso della narrazione assisteremo a numerosi balzi temporali, che ci mostreranno come i due conducano la propria vita guidati dalle proprie esperienze, ricoprendo un ruolo di comparsa nella storia del rispettivo coprotagonista. Anche quando si rincontreranno ad anni di distanza, ognuno con il proprio carico di successi e delusioni, si instaurerà tra di loro un rapporto dettato dal bisogno di compagnia e di distrazione dalla routine, eliminando così il cliché del colpo di fulmine e rimandando per gran parte del film il “gran momento”. Quest’elemento viene sottolineato dalla sequenza di apertura, che mostra diverse coppie di anziani che ricordano il loro primo incontro. 2) Autenticità del racconto All’interno di When Harry met Sally non sono pochi gli elementi narrativi che hanno origine dalla realtà: non solo le storie raccontate all’inizio della pellicola riprendono quelle di persone comuni, ma anche i caratteri dei due protagonisti sono stati modellati sulla base del regista Robert Reiner e della sceneggiatrice Nora Ephron. Le due personalità agli antipodi con diverse concezioni di vita hanno portato sullo schermo due personaggi che hanno convinto il pubblico grazie alla loro sincerità. Inoltre alcune scene sono state improvvisate o ideate dagli attori, costringendo gli altri personaggi ad adeguarsi alla situazione: è il caso della celebre scena del finto orgasmo al ristorante, oppure della sequenza di Sally ed Harry durante la visita al Tempio di Dendur nel Metropolitan Museum of Art. 3) La regia A rendere Harry e Sally una delle coppie più famose del cinema non è stata solo la bravura degli interpreti ma anche la regia di Robert Reiner, capace di far apparire gli attori come due metà dello stesso insieme. Ci riferiamo in […]

Arrivato alla quarta edizione, Innamorati di Napoli è un’iniziativa che permette di visitare luoghi storici della città accompagnati da guide turistiche e personaggi famosi, arricchendo con i propri racconti personali le visite ai monumenti e luoghi d’interesse storico ed artistico. Innamorati di Napoli – l’iniziativa Promosso dall’Assessorato di Napoli, l’iniziativa Innamorati di Napoli è un ottima occasione per andare alla scoperta di luoghi famosi e meno famosi, che assumono grazie ai racconti degli “illustri ciceroni” una nuova veste, più intima e personale. L’iniziativa, che si terrà domenica 17 febbraio, è nata da un’idea dello scrittore Maurizio De Giovanni, e avrà quest’anno come madrina l’attrice Luisa Amatucci, protagonista di Caina (2016), pellicola pregna di attualità e dramma. L’attrice presenzierà alla visita a Palazzo San Giacomo, evento quest’anno arricchito dalla presenza della compagnia La fabbrica di Wojtyla che inscenerà un’imperdibile visita teatralizzata in costumi d’epoca. In linea con la politica d’inclusione adottata dal sindaco Luigi De Magistris, l’evento è stato realizzato in collaborazione con l’Ente Nazionale Sordi, permettendo anche ai non udenti di seguire la visita che sarà tradotta nella lingua dei segni. Anche il Museo di Capodimonte dimostra attenzione verso ogni tipologia di visitatore, con l’evento “Capodimonte tra le mani” un itinerario di tipo tattile – narrativo alla scoperta della Galleria delle Arti e degli Appartamenti Reali; l’iniziativa è parte della rete “Napoli tra le mani”, realizzata in collaborazione con il SAAD (Servizio di Ateneo per Attività di Studenti con Disabilità) dell’Università Suor Orsola Benincasa. I percorsi tattili del Museo e Real Bosco di Capodimonte si inseriscono nelle attività di promozione dell’accessibilità alla cultura e al patrimonio storico e artistico del territorio napoletano, mirando così a migliorare la fruizione e la conoscenza dei luoghi d’arte. I percorsi sono una realtà concreta già da 6 anni. Tra i numerosi personaggi famosi che aderiranno all’iniziativa, fiore all’occhiello è costituito dagli attori “eduardiani” Marisa Laurito, Marina Confalone e Nello Mascia che si occuperanno di visite speciali alla mostra “I De Filippo – il mestiere in scena” , raccontando le esperienze che li legano al Maestro Edoardo De Filippo. A garantire l’ottimo livello della visita è l’Associazione di categoria Guide Turistiche Campania, che affiancherà i ciceroni illustri secondo il calendario pubblicato sul sito del comune di Napoli e sul sito dell’associazione Guide turistiche in Campania dove sarà possibile trovare tutte le info (non solo gli orari ma anche sconti ed entrate gratuite) ed effettuare la prenotazione online ai vari eventi, necessari per la partecipazione. Innamorati di Napoli – il programma Sono più di 40 i diversi eventi legati all’iniziativa che avranno luogo il 17 febbraio 2019 in diverse zone della città. Fra le numerose proposte ve ne sono però alcuni speciali: Mostra “I De Filippo – Il mestiere in scena”  Nella mattina di sabato 16 febbraio, Marisa Laurito farà da guida alla mostra raccontando la sua esperienza personale e di lavoro con Edoardo De Filippo. In seguito saranno Marina Confalone e Nello Mascia a parlare dei loro personali ricordi legati al Maestro. Per l’occasione il prezzo della mostra è di […]

I film che non puoi non conoscere: il CULT Dal 1895 fino ad oggi, il cinema ci ha regalato tantissimi capolavori, capaci di emozionare e di far riflettere. Dal genere drammatico alla commedia, dall’espressionismo tedesco alla serializzazione del cinema, da George Méliès a Quentin Tarantino, la cinematografia ha acquisito in breve tempo sempre maggior spessore guadagnandosi la definizione di “settima arte”. L’impatto che il cinema ha avuto sulla nostra cultura è stato enorme, tanto da portare alcune opere a divenire il simbolo di una generazione. Questi film, ribattezzati con il termine “cult”, rappresentano non solo un importante aspetto della cinematografia ma anche un interessante elemento sociale, imprescindibili per chiunque si ritenga un appassionato del genere. È per questo che da gennaio 2019 nasce la rubrica il CULT, che ripropone mensilmente i film e le serie TV più apprezzate della storia! Analizzandole in 4 punti, scopriamo insieme cosa ha reso queste pellicole l’emblema di una generazione. In occasione dell’uscita del remake di Suspiria di Luca Guadagnino, il primo numero è dedicato al film che l’ha ispirato, opera del maestro dell’horror italiano: Dario Argento. Suspiria di Dario Argento Proiettato nelle sale italiane nel 1977, il film realizzato da Dario Argento è considerato da molti una pietra miliare della sua produzione, segnando il passaggio da uno stampo di tipo poliziesco al genere horror. Ma quali sono gli elementi che lo hanno reso un cult? 1) La fiaba in Suspiria Fin dalle prime sequenze è facile individuare l’influenza che la cultura del nord Europa ha avuto sul regista: un’innocente ragazza costretta a fronteggiare le forze del male, l’Accademia di danza simile ad un castello, la presenza di sortilegi e figure demoniache sono il frutto di un viaggio che Dario Argento ha compiuto in Francia, Svizzera e Germania alla ricerca d’ispirazione. Le ambientazioni sono infatti ricreate sul modello delle fiabe dei fratelli Grimm che, ben lontane dall’essere innocue favole per bambini, continuano ad esercitare fascino sui lettori di ogni età. A dimostrazione di ciò anche le citazioni a Biancaneve della Walt Disney, naturalmente in chiave più grottesca e macabra. 2) La fotografia Anche da un punto di vista tecnico possiamo ritrovare delle analogie con il classico Disney: entrambe le pellicole fanno uso del Technicolor, procedimento che si distingue per i suoi colori saturi ed aggressivi. Proprio la fotografia è uno dei punti forti dell’opera: realizzata da Luciano Tovoli, si avvale dell’uso di luci colorate poste dietro la carta da parati o al di fuori dell’inquadratura, colorando così i protagonisti e le ambientazioni e conferendogli un aspetto irreale. In questo modo lo spettatore si ritrova trasportato in un mondo onirico, richiamando inoltre l’uso che gli espressionisti tedeschi facevano del bianco e nero, metafora delle inquietudini dei  personaggi. 3) L’atmosfera Ciò che ha reso Suspiria un cult è l’inconfondibile atmosfera che Dario Argento è riuscito a ricreare, grazie anche alla scenografia di Giuseppe Bassan. Inizialmente l’idea del regista era di realizzare un film cui le protagoniste fossero bambine, ma la produzione si oppose temendo la censura. Si optò quindi per un abile stratagemma: […]

Nelle sale italiane dal 1 gennaio 2019, Suspiria di Luca Guadagnino è un film che non rispetta le convenzionali regole dell’horror, a favore di una maggior attenzione sui complessi temi della memoria e del senso di colpa. Accompagnati dalla camaleontica Tilda Swinton e l’enigmatica Dakota Johnson, lo spettatore si ritrova immerso in una narrazione che si dimostra singolare e innovativa . Suspiria – La trama Ambientato a Berlino negli anni della guerra fredda, la pellicola narra le oscure vicende che hanno come protagonista Susy Bannion (Dakota Johnson), ambiziosa ballerina che riesce ad entrare nella prestigiosa Markos Dance Academy gestita da Madame Blanc (Tilda Swinton). Ma le articolate coreografie e la bravura delle insegnanti non sono le uniche componenti a rendere la Markos Academy unica nel suo genere: fra le sue mura si cela un antico ed oscuro segreto legato ad un’arcaica setta e alla misteriosa scomparsa di alcune studentesse. Il dottor Kemplerer, inconsapevole di quali forze stia sfidando, cercherà di far luce sul mistero, convincendo anche l’allieva Sarah (Mia Goth) ad aiutarlo nella pericolosa indagine. Suspiria – Non chiamatelo remake Nonostante il film porti il titolo e lo stesso incipit narrativo della celebre pellicola del maestro dell’horror italiano Dario Argento, le due opere sono in realtà molto diverse fra loro, tanto da chiedersi se sia giusto definire l’ultimo lavoro di Guadagnino un remake. Durante lo sviluppo del film si ha l’impressione che il regista abbia realizzato un’opera che si discosta dall’originale non soltanto per un diverso sviluppo di trama, ma sopratutto per i delicati temi che vengono affrontati con l’evoluzione della storia. Se nella pellicola del 1977 il professor Milius e Sarah, interpretati da Giorgio Piazza e Stefania Caselli, hanno un ruolo marginale e di contorno, nel lungometraggio del 2019 i due personaggi assumono un’importanza maggiore, non solo per il loro coinvolgimento attivo nell’indagine ma anche per il loro background. Il regista utilizza il passato dell’anziano psicologo per mostrarci il senso di colpa di una città che avverte ancora gli effetti della dittatura nazista, che si concretizzano nella rappresentazione dell’iconico Muro e nella divisione della città in due sezioni. Suspiria – La regia Dopo il successo di Call me by your name Guadagnino torna al cinema con una fiaba nera dalle tinte storiche. Nonostante le differenze, è chiaro l’omaggio che il giovane regista compie ad un cult del cinema italiano, che, afferma in un intervista, l’ha affascinato fin da ragazzo. Nel film Tilda Swinton (Ave Cesare, A bigger splash), sua musa ispiratrice e già protagonista di diversi film di successo del regista, dimostra tutta la sua abilità recitativa interpretando tre ruoli diversi ma metaforicamente legati fra loro: Madame Balnc, il professor Kemplerer ed Helena Markos. Ciò è stato possibile grazie alla bravura del make up artist Mark Coulier, che trasforma la talentuosa attrice rendendola irriconoscibile. Il film dimostra inoltre il suo valore attraverso un sapiente uso del montaggio e nella realizzazione delle atmosfere, merito anche della costumista Giulia Piersanti. La pellicola si impreziosisce inoltre con la colonna sonora realizzata da Thom Yorke, cantautore […]

Il videogioco può essere considerato come l’ottava arte? È noto che l’arte è suddivisa in sette categorie, che vengono identificate come architettura, musica, pittura, scultura, poesia, danza ed infine cinema. Ma cos’è che rende queste discipline degne di tale nome? Si può trovare risposta a questa domanda consultando il vocabolario, che conferisce alla definizione di “arte” il seguente significato: “attività umana volta a creare opere a cui si riconosce un valore estetico, per mezzo di forme, colori, parole o suoni; complesso delle opere prodotte in un’epoca o paese che denotano l’insieme di caratteri culturali”. Ma a cosa è dovuto il valore estetico? Sicuramente ad un gusto personale, ma anche alla capacità di suddetta opera di suscitare nel fruitore un’emozione legata ad essa. Tutti elementi che possono essere riscontrati anche nel settore videoludico, eppure nonostante ciò permane una forte opposizione nei confronti di questo genere. La demonizzazione del videogioco Non è raro che i videogame siano soggetto di critiche, venendo considerati come un incubatrice di aggressività e solitudine, accusati di alienare dalla realtà chi ne fa uso. Le dichiarazioni del ministro Calenda sono infatti solo l’ultima di una lunga serie di invettive compiute verso questo genere, che viene spesso tirato in causa per episodi di violenza che non hanno nulla a che fare con esso. Complice di questa linea di pensiero è sicuramente un atteggiamento chiuso al progresso e al cambiamento, tanto da farci pensare ai dotti di Salamanca di Umberto Eco, venditori di apocalisse che mettono in guardia il mondo da una minaccia che va contro i “vecchi valori”. Certamente un uso prolungato o eccessivo può comportare seri danni, e la decisione dell’Organizzazione Mondiale della Sanità di inserire la dipendenza da videogame nell’elenco delle malattie internazionalmente riconosciute non solo è una decisione necessaria, ma è anche segno di attenzione verso una problematica che prima veniva ignorata o sminuita. Questo però non dev’essere un motivo per additare il videogioco come la fonte di ogni male, ricordandoci che anche il cinema ai suoi albori veniva considerato dagli stessi fratelli Lumière una “moda passeggera” oppure un “semplice intrattenimento”, come lo definì George Orwell nel saggio Libri contro sigarette. Questi esempi sono utili a dimostrare come la diffidenza o la svalutazione accompagni spesso la nascita di una nuova disciplina. Rivoluzione digitale e nascita dell’OMI: Opera Multimediale Interattiva L’avvento delle tecnologie informatiche nella seconda metà del XX secolo e la conseguente rivoluzione digitale hanno portato ad una crescente tecnologizzazione di ogni aspetto legato all’uomo e alla società, andando ad influenzare anche le attività definite come passatempi. In particolare quest’ultimi rappresentano un importante aspetto non solo della nostra quotidianità, concorrendo allo sviluppo fisico, mentale ed interiore dell’individuo, ma anche di un più alto punto di vista, che potremmo chiamare sociale e pre-culturale, come lo definisce Johan Huizinga nell’opera Homo Ludens. Lo storico dimostra come la cultura (intesa come insieme di valori, usi e costumi) sorga dapprima come un gioco, e che in seguito l’aspetto ludico venga messo in secondo piano celandosi nei fenomeni culturali della società a cui appartiene. Il videogioco esprime questo concetto nella sua piena […]

Il 27 e il 28 dicembre 2018 torna in scena uno dei classici del teatro italiano più famosi di sempre: La locandiera di Carlo Goldoni, con la regia di Mario Autore. Lo spettacolo andrà in scena al TIN – Teatro Instabile di Napoli, ed è rappresentato dalla compagnia teatrale Unaltroteatro. La locandiera – come si innamorano gli uomini di Mario Autore La celebre storia vede protagonista l’affascinante ed esuberante Mirandolina (Federica Pirone), proprietaria di una locanda dove viene corteggiata da ogni cliente, in particolar modo dal Marchese di Forlimpopoli (Gianluca Cangiano) aristocratico decaduto, e dal facoltoso Conte di Albafiorita (Vincenzo Castellone). I due personaggi, opposti sia negli atteggiamenti che nelle tecniche di seduzione, si illudono di poter conquistare la locandiera, che lascia ad entrambi l’illusione di una possibile conquista, in virtù del buon esito dei suoi affari. Il delicato equilibrio viene però spezzato dall’entrata in scena del Cavaliere di Ripafratta (Gaetano Franzese), aristocratico misogino che non nasconde il suo disprezzo per le donne e per chi se ne invaghisce. Ferita nel suo orgoglio femminile, Mirandolina si ripromette di far innamorare il Cavaliere, ricorrendo ad ogni astuzia e persino all’aiuto dell’inconsapevole Fabrizio (Mario Autore), cameriere della locanda anch’egli innamorato della sua padrona. La commedia, che già all’epoca fece scalpore per il ruolo che la figura della donna assume nei confronti dell’uomo, è stata riadattata da Mario Autore, che elimina ogni riferimento storico a favore di una più facile comprensione dello spettacolo. Anche i costumi vengono rielaborati da Federica Pirone con l’intento di eliminare ogni riferimento all’epoca, introducendo però nella scenografia e nella sceneggiatura elementi tipici della cultura partenopea. La rappresentazione riesce infatti a mostrare con ironia il difficile rapporto che vige fra l’uomo e la donna, mettendo in risalto l’astuzia dell’atteggiamento seduttivo femminile e l’incapacità dell’uomo di comprenderlo. Lo spettacolo assume grande importanza anche dal punto di vista sociale, ribaltando la condizione della donna da vittima di violenza a scaltra burattinaia dei sentimenti altrui. La grande novità della commedia consiste però nel ruolo del pubblico, che diviene un vero e proprio personaggio con cui gli attori dialogano nel corso della vicenda e degli sketch comici, come se avessero a che fare con altri avventori del locale. A favore di ciò anche la particolare disposizione della platea, che elimina la classica lontananza degli attori dal pubblico per ricreare un senso di partecipazione. Per favorire l’immedesimazione nella storia, per chi ne avesse voglia vi è la possibilità di partecipare ad un aperitivo che si tiene al locale Mazz in Via dei Tribunali 359, poco prima dello spettacolo, e che vedrà Mario Autore intrattenere gli astanti con canti e chitarra. Foto di Claudia Scuro