Napoli suona ancora è Il grande progetto sulla Musica ideato da Arealive e sostenuto dall’Assessorato alla Cultura e al Turismo del Comune di Napoli. Attraverso performance online, Napoli suona ancora fonderà due delle iconografiche caratteristiche della nostra città: la bellezza sempre sorprendente di luoghi e siti ormai famosi e l’inimitabile musica napoletana. Inaugurato nel weekend passato da una clip di Francesco Di Bella, ogni giorno con performance alle 14.00 e alle 18.00, Napoli suona ancora presenterà spettacoli musicali realizzati al PAN|Palazzo delle Arti di Napoli, occasionalmente trasformato in una sala concerti. Sarà possibile goderne attraverso le pagine social dell’Assessorato, del progetto e dai canali Youtube dedicati. Marco Zurzolo, Dario Sansone, Maldestro, Roberto Colella, Ebbanesis, Fiorenza Calogero, Flo, Maurizio Capone, Fede ‘n’ Marlen e Gianni Lamagna sono solo alcuni dei nomi che hanno aderito a questo grande progetto che ci permetterà di spaziare tra i generi, che vanno dal jazz al rock, al cantautorato alla musica popolare, e di lasciarci respirare, attraverso suggestive riprese, l’aria di Napoli. Dal 20 gennaio alle performance artistiche registrate si aggiungeranno delle “cartoline digitali”, realizzate in esterno nei più bei luoghi partenopei, con l’intento di promuovere turisticamente il nostro patrimonio culturale e musicale. Ripercorreremo gli stretti vicoli della città fino a giungere al Palazzo dello Spagnolo, passando per la Chiesa della Sanità e il Chiostro di San Domenico percorrendo via Filangieri e, attraversando i cavalli di Piazza Plebiscito, raggiungeremo la collina del Vomero nel Piazzale di San Martino. Senza dimenticarci, ovviamente, del nostro prezioso mare, ripreso da Castel dell’Ovo. Per concedere a un così bel progetto un meritato finale, a fine mese verrà mandato in onda uno show radio-televisivo a cura di CRC, media partner ufficiale, dal titolo “Frequency speciale Napoli suona ancora“, trasmettendo il 30 gennaio i dj-set registrati dalla terrazza del Maschio Angioino e, nella serata di domenica 31, andrà in diretta televisiva un programma creato ad hoc con tanti ospiti ed esibizioni. La città, la musica e molti dei suoi illustri interpreti saranno una boccata d’aria fresca per tutti gli amanti di Napoli e non solo, per un settore gravemente penalizzato, simboleggiando la volontà intrinsecamente napoletana di non lasciarsi mai schiacciare dalle difficoltà. Immagine in evidenza: ufficio stampa

Film sullo sport, dal tennis all’atletica leggera. Lo sport è parte integrante della nostra vita e di molte importanti trame cinematografiche. Ecco alcuni tra i migliori film sullo sport. Film sullo sport: le nostre proposte Formula 1 – Rush È la più celebre tra le storie delle quattro ruote, la più aspra e affascinante lotta tra piloti: Niki Lauda contro James Hunt. Questi due personaggi sono opposti e complementari: il primo è metodico, serio, così concentrato da occuparsi praticamente delle proprie vetture; il secondo è disorganizzato, una vera rockstar, che vive del brivido della corsa pericolosa. Sono proprio i personaggi a rendere affascinante questo film anche per i non appassionati di Formula 1, riportandoci a una storia passata ormai scomparsa in cui i piloti valevano più di qualsiasi sponsor. Tennis – Borg McEnroe Anche in questo caso, il film mette in scena la rivalità tra due grandi sportivi: Björn Borg contro John McEnroe, Svezia vs Stati Uniti. Al centro della storia è la leggendaria finale di Wimbledon 1980 dove per la prima volta questi due tennisti si trovavano uno contro l’altro: Borg, all’apice della sua carriera, cerca la sua quinta vittoria consecutiva sul campo inglese. McEnroe era la stella nascente del tennis mondiale. Ciò che rende speciale questo film, molto dettagliato nella narrazione reale dei fatti, è l’attenzione alla psicologia e alla personalità dei personaggi, che porta alla luce quegli aspetti che appaiono sempre secondari nell’immagine dei grandi campioni. Atletica – Race: il colore della vittoria Questa volta si tratta di una biografia: quella di Jesse Owens, velocista e lunghista afroamericano. Ripercorriamo la sua vita, tutta lavoro e sport, stravolta dall’arrivo dell’allenatore Larry Snyder, che lo sottoporrà a un faticosissimo programma di allenamenti. Tutti i sacrifici di Owens saranno magistralmente ricompensati: vincitore di quattro ori alle Olimpiadi del 1936 di Berlino, premiato sotto gli occhi di un severo Hitler, dopo aver rifiutato di compiere il saluto nazista, Jesse Owens scriverà una storia indimenticabile. Wrestling – The wrestler Il protagonista di questa pellicola è Randy “The Ram” Robinson, un campione degli anni ’80 ormai lontano dall’affascinante mondo del wrestling americano, paragonabile a quello dei grandi attori o delle rockstar, con vizi, sfizi ed eccessi. Al centro della storia, a tratti più o meno tragica, spicca fortemente la passione per lo sport, la dedizione per la propria fatica, la dimensione familiare di un pubblico che sta a guardare, il senso di rivalsa su un ring su cui si prendono botte meno dolorose di quelle inflitte dalla vita. Football – Altra sporca ultima meta Si tratta di un remake di un classico degli anni ’70, “Quella sporca ultima meta”. La storia racconta di Paul Crewe, un ex giocatore di football che, finito in galera, assume l’incarico di allenatore della squadra dei detenuti che dovranno sfidare, in uno scontro con un’importante carica morale, i secondini. Ciò che risulta interessante è come questo film si ponga a metà tra la parodia tipicamente americana, con i ragazzi pon-pon a fare il tifo, e la storia di […]

We are who we are è la nuova serie di Luca Guadagnino, nonché la sua prima prova sul piccolo schermo dopo l’enorme successo di Chiamami col tuo nome. Cominciata il 9 settembre e da poco conclusa, è una miniserie di 8 puntate, prodotta da HBO e Sky, che vanta tra gli sceneggiatori Francesca Manieri, Sean Conway e Paolo Giordano, autore de La solitudine dei numeri primi. L’Italia e il “microcosmo” di Chioggia Quello che Luca Guadagnino ci presenta è un teen drama di livello, arricchito da sviluppi complessi, moderni e all’avanguardia che lo rendono interessante per tutti. Ma, certamente, parla di giovani. Racconta infatti la vita di Fraser (Jack Dylan Grazer), giunto in Italia perché una delle sue madri è stata promossa a Colonello in una base militare americana in Veneto. Il ragazzo irrompe a Chioggia con i suoi vestiti stravaganti, la sua personalità irrequieta e lunatica e un modo tutto personale di percepire le cose. Proprio questo suo essere stridulo entra in contrasto con il microcosmo della base, omologato ed ordinato, che assume spesso i tratti di un luogo di vacanze e di una realtà sospesa e atemporale. Questa eccentricità attrae la figlia perfetta di un retrogrado graduato repubblicano, Caitlin (Jordan Kristine Seamón), che proprio grazie a Fraser comincerà a conoscersi, a capirsi e a mettersi in discussione, cullata costantemente dall’immensa comprensione del ragazzo. We are who we are di Luca Guadagnino: l’adolescenza in tutte le sue dicotomie Ed è così che irrompono le più attuali dinamiche adolescenziali: dal sesso alla musica, dalla droga alla religione, dalle questioni di genere ai contrasti familiari. Alle loro spalle, con dinamiche più o meno invasive, c’è la guerra, lontana ma onnipresente, intrinseca di responsabilità ma anche il più divertente tra i giochi. I ragazzi, insieme al loro gruppo di amici, sembrano vivere perfettamente all’interno di numerose dicotomie, la maturità e l’infantilismo, il matrimonio e i giochi da ragazzini, l’Italia, presentata con immagini meravigliose, e un’America patriotticamente sfrenata, su cui risuonano i discorsi elettorali di Trump non ancora presidente. Come riportato sulle pagine di Vogue, Alice Braga, che interpreta la compagna della madre di Fraser, ha voluto sottolineare, l’importanza di una serie così in questo momento storico. “Mi sono subito entusiasmata per il progetto, nato dalla volontà precisa di portare sugli schermi una storia che tratta i temi dell’identità sessuale fluida degli adolescenti, in modo veramente inconsueto”. “Siamo personaggi che non si vedono spesso in Tv”, ha voluto aggiungere Faith Alabi, che interpreta la mamma di Caitlin. E il valore aggiunto di questa storia sta nella capacità di una ragazza di seguire davvero il suo cuore. Non sempre è facile”. Ancora una volta, Guadagnino dimostra la sua abilità di attraversare le singole sensibilità, di trattare gli stati d’animo, le interazioni più complesse, aderendo agli aspetta più profondi del comportamento adolescenziale, senza mai rinunciare alle meravigliose immagini che ci offre. Fonte immagine: Facebook (Pagina italiana di We are who we are)

È finalmente online il secondo numero di Aura, rivista trimestrale di saggistica umanistica, ideata da Nicola De Rosa con la collaborazione di Sara Gemma. Aura è un opificio orizzontale di scrittura saggistica, in cui gli autori trovano uno spazio per dar voce al proprio interesse in campo letterario e filosofico e si confrontano con compagni di viaggio, ampliando la loro conoscenza degli strumenti della forma-saggio. Aura dà voce a entità come le opere d’arte e i prodotti culturali, che più rischiano la malaugurata riduzione a “cose” di consumo della bulimica società digitale. Aura è un momento di sospensione, di rischiaramento che precede la creazione artistica, ma anche di scardinamento delle certezze circostanti che spesso portano ad una realtà fissa e senza dialettica. In omaggio a questa seconda pubblicazione, abbiamo incontrato gli artefici del progetto di Aura: Nicola De Rosa, laureato in Discipline musicali presso il Conservatorio di Musica “San Pietro a Majella” di Napoli e ora iscritto alla facoltà di Lettere moderne della “Federico II”, e Sara Gemma, attualmente impegnata nella magistrale in Filologia moderna presso l’Ateneo federiciano e da poco ritornata da un soggiorno semestrale presso l’Université de Lorraine di Nancy. Perché Aura? L’aura è una categoria benjaminiana, diciamo che è la componente spirituale dell’opera d’arte. Oggi, nell’epoca della riproducibilità digitale, ci si chiede se l’aura possa animare ancora l’opera d’arte, se si sia dissolta in altre forme, o se abbia abbandonato il campo artistico, della poiesis del per sempre. Come e quando nasce il progetto? Aura è nata da una constatazione: la scrittura saggistica appare trascurata nell’ambito della didattica accademica europea, in cui oggi si scrive o troppo e male o troppo poco. Concretamente, poi, Aura si è realizzata nei mesi in cui, in stato pandemico, il mondo si è praticamente disconnesso dalla realtà per dedicarsi completamente alla virtualità. Sorgeva spontaneo il bisogno di un punto centripeto, la necessità di un riferimento solido all’interno di quella virtualità il più delle volte centrifuga e senza punti di concentrazione. A seguito di questa premessa, come guardate al digitale? L’ambizione di Aura è di porsi nei confronti del digitale con uno sguardo eretico: guardare a una rete di comunicazione che ci appare immateriale, leggera e veloce, comprendendone invece il carico di opportunità e di rischio, affinché venga utilizzata per veicolare dal suo interno un’idea a lei contraria: che la complessità del reale e quindi anche delle manifestazioni artistiche richiedono ben più di un click, che la conoscenza può essere divulgata attraverso il mezzo digitale, ma non delegata a esso, fino ad arrivare a un circolo vizioso che ha come fine la de-responsabilizzazione dell’individuo stesso. Perché scegliere il saggio come genere di divulgazione? Il saggio fa interagire il lettore con l’io dell’autore, col suo bagaglio di conoscenze e di insicurezze. Quando l’autore fornisce delle coordinate testuali in una semplice nota a piè di pagina, è come se il lettore entrasse nella sua officina, rivivendo il momento di selezione, ricerca ed elaborazione di tutti i testi che risorgono all’interno di quello finale. Si […]

La Chanson de Roland è la più importante canzone di gesta epica in antico francese, in varietà anglonormanna, che narra le gesta di Orlando, paladino e nipote di Carlomagno, in lotta contro i Saraceni che avevano, storicamente, occupato la Spagna. Vista la rilevanza dell’opera, i temi trattati sono stati frequentemente oggetto di studio. Particolarmente interessante e moderno appare, rispetto alla tradizionale visione classica della Chanson de Roland, il saggio di Sharon Kinoshita “Pagans are wrongs and Christians are right”: Alterity, Gender and Nation in the Chanson de Roland (‘I pagani hanno torto e i cristiani hanno ragione: alterità, genere e nazione nella Chanson de Roland). La trattazione si concentra sull’analisi delle differenze all’interno del Chanson de Roland che si identificano nella contrapposizione tra Cristiani e Saraceni e nella marginalizzazione delle figure femminili. Kinoshita sottolinea come la differenziazione che viene spesso attribuita ai due gruppi religiosi all’interno dell’opera risieda in realtà solo nelle differenze di credo. Pagani e Cristiani parlano la stessa lingua, presentano la stessa gerarchizzazione di classe e credono in entità superiori e lottano in nome dei loro favori. Questa contrapposizione è enfatizzata dalle posizioni speculari delle uniche due donne presenti nell’opera: da un lato Aude, la cristiana che muore in nome della fedeltà per Orlando, e dall’altro Bramimonde, la regina saracena che è disposta a convertirsi e a rinunciare alla sua stessa comunità. Riporto qui di seguito la traduzione delle parti più importanti del saggio di Kinoshita. Parte I La ChR assume quest’eminenza nell’epica francese per il contesto del XIX secolo, grazie a Gaston Paris: la nascita di un sentimento nazionale francese che mirasse a sostituire l’umiliazione subita dalla guerra franco-prussiana nella Terza Repubblica. In particolare, l’ufficializzazione dell’annessione dell’Algeria, nuova colonia francese in Sud-Africa, sottolineò il ruolo civilizzatore del colonizzatore francese. In generale, l’Europa viene vista come un regno moderno, nazionale e illuminato, in opposizione all’oriente visto come statico, decadente e dispotico. Per sottolineare questa dicotomia, gli europei presero a sostegno le tesi della differenza biologica innata della razza. Bartlett ritiene che nel Medioevo questa differenza non si basasse sulla razza ma sui costumi, caratterizzati dal fatto che questi ultimi potevano, diversamente dai primi, essere cambiati sia di generazione in generazione, sia individualmente. Nonostante nella ChR sia forte il richiamo alla fisionomia ‘nera’, questa rappresentazione non è esemplificativa della visione medievale dello straniero. Le categorie principali sono i Saraceni e i Cristiani. I Saraceni non vengono, tuttavia, identificati con la razza ma con la cultura e per questo risultano quasi indistinguibili dai Cristiani, se non per i nomi. Entrambi parlano la stessa lingua, gli accampamenti hanno gerarchie, immaginano gli dei come dispensatori di favori in cambio di devozione. Fondamentalmente, differiscono solo per la religione. Infatti, come i Cristiani sono definiti tali poiché vassalli di Carlomagno, così ai Saraceni, anche loro nobili vassalli, basterebbe convertirsi per identificarsi completamente nei cristiani. Questo potenziale della conversione non è mai realizzato, quindi tutti i personaggi pagani dell’opera sono destinati a morire, guardando con sospetto la possibilità di cristianizzazione come puro espediente per […]

Roberto Solofria porta lo spettacolo del drammaturgo Pau Miró al Napoli Teatro Festival. Rua Catalana – Femmene comme a me, in scena al Palazzo Fondi di Napoli, il 7 e l’8 Luglio, è uno spettacolo di Pau Miró, con regia di Roberto Solofria, frutto della collaborazione già piena di successo della produzione napoletana-catalana che ha dato forma a spettacoli fortunati, in grado di aprire la strada a una sorta di scrittura transmediterranea. Femmene comme a me è una commedia nera, che racconta di solitudine, di affermazione, di amicizia e fragilità con sincerità e schiettezza, che raggiunge lo spettatore grazie alle splendide interpretazioni di Michele Brasilio, Marina Cioppa, Ilaria Delli Paoli, Roberto Solofria. «Il teatro rinasce con te» è lo slogan d’apertura della tredicesima edizione del Napoli Teatro Festival, inaugurata il primo di luglio, con attenzione alle restrizioni e in rispetto delle regole. Il teatro, come ogni forma d’arte, è certamente un’esperienza intima, da elaborare nella propria coscienza, assorbendo gli impulsi esterni e trasformandoli in proprietà interne. Ma più di tutte le altre, il teatro è l’arte di tutti, da sempre l’espressione più connessa alla collettività. Ma il teatro, in questa nuova realtà che ci viene offerta, si offre alla nostra anima con ancora più chiarezza. La bellezza di Palazzo Fondi e l’intimità della platea e della scena creano un’atmosfera suggestiva e lontana. Ma ciò che abbiamo avanti nello spettacolo con regia di Roberto Solofria è Napoli. Quartieri spagnoli. Lo studio di un avvocato, scarno di arredamenti e pieno di oggetti. Un bunker a metà tra la realtà e un mondo parallelo. Il rifugio di quattro donne, una biologa che lavora in un casello, un’architetta senza lavoro, un’archeologa che pulisce condomini, una maestra appena licenziata. Quattro “femmene comme a me”, perse tra le loro dinamiche sociali e familiari, schiacciate dalle responsabilità e arrese a queste. La prima a nascondersi lì è l’architetta, che esce di casa, determinata a non tornarci più, lasciando un marito e un figlio, decisa a non guardarsi indietro ma nemmeno a camminare in avanti. Vuole stare sola, guardare serie tv e mangiare pizza, ricopiare appunti di letteratura trovati per sbaglio, dormire tutto il giorno. Al massimo guardare da dietro la finestra, disprezzare il caos e ritornare in sé stessa. Una donna di cinquant’anni lontana dalla moda della seconda gioventù, disinteressata a cercarla, ma arresa alla sua condizione, nascosta in una scatola da mago, desiderosa di sparire senza sapere dove tornare. Intorno a lei, si stringono le sue amiche, respinte e non volute, volenterose di condividere e così concentrare sulla loro solitudine. Rimangono sempre, costituendo un circolo di inette, arrese al fatto che non sono donne che possono fare miracoli. Eppure ci provano: si incolpano di essere diventate pesanti per l’ossessiva ricerca di trovare un senso alle cose, allora si ricordano che i piccoli problemi della vita quotidiana possono colmare i buchi più profondi, chiudere a chiave le camere in cui ci nascondiamo. Ma anche in quella camera di 30 metri quadri che è diventato il loro vero rifugio, arrivano […]

Il Teatro TRAM di via Port’Alba a Napoli non si ferma. Dal 9 giugno, infatti, ogni martedì e giovedì, metterà in scena un postcast di dieci episodi sul sito e sulla pagina Facebook del TRAM, I dieci peccati capitali. Si tratta del progetto debutto della nuova Compagnia under 30, dedita alla formazione di giovani attori che, interrotta dal lockdown, si è impegnata tramite videoconferenze. I peccati sono tradizionali sono accostati ad altri tre: il consumismo, l’egotismo e il razzismo, quelli propri della nostra società contemporanea. Questo progetto vuole appunto assumere il volto reale della nostra comunità umana, oltre che uno spazio personale di riflessione ed autoanalisi. Tanti i tanti podcast proposti in questo duro periodo, interpretati da attori come Orazio Cerino e Titti Nuzzolese, e tanta la voglia di ripartire. A pochi giorni dalla riapertura ufficiale dei teatri, che il Dpcm di metà maggio fissa nel 15 giugno, godiamoci un piccolo spaccato di teatro dalle poltrone delle nostre case. Qui di seguito, l’intervista a Mirko Di Martino, direttore artistico, che ci ha raccontato dell’idea, delle nuove modalità e delle nuove sensazioni legate a questo progetto. I dieci peccati capitali: intervista a Mirko Di Martino Perché i dieci  peccati capitali? Volevamo realizzare un progetto che potesse coinvolgere tutti i componenti della neonata compagnia under 30 del TRAM. Abbiamo pensato a quali format fossero adatti e permettessero anche di sviluppare un lavoro originale e attuale. I peccati capitali sono piaciuti subito a tutti, così riconoscibili e così aperti a tante possibilità di scrittura, ma c’era il problema che fossero solo sette. Ne abbiamo aggiunti tre, nuovi e contemporanei, scelti da noi, ed eccoci arrivati a dieci. Un altro numero simbolico, ovviamente. E perché modernizzarli? Ogni società, in ogni momento, definisce cosa sia giusto e cosa sbagliato. Abbiamo un’idea rigida del peccato capitale, lo immaginiamo come valido per tutti e al di fuori del tempo, ma non è così. La gola e la lussuria, tanto per citarne due, hanno un significato molto diverso da quello che avevano cinquanta anni fa. Volevamo creare un’opera che parlasse della nostra società, di ciò che siamo oggi, con sincerità e immediatezza. In fondo, si impara molto di più dalle proprie debolezze che dai punti di forza. Parlare di peccati significa parlare di emozioni. Ma le conosciamo davvero? Oggi c’è un abuso delle emozioni, siamo immersi fino a sentirci soffocare, eppure abbiamo smesso di comprenderle: la commozione lacrimevole dei pomeriggi in TV, l’indignazione per le immagini trasmesse dai TG, l’invidia per la felicità altrui che dilaga sui social. Non c’è bisogno di aggiornare i peccati: basta guardarsi intorno. Quanto la mediazione della piattaforma online fa cambiare forma al teatro? Nel nostro caso, trattandosi di un podcast, abbiamo scelto una forma artistica che punta esclusivamente sulla voce e sui suoni. Alcuni elementi sono simili al teatro: la scrittura e l’interpretazione. Ma i meccanismi di ideazione, produzione e fruizione cambiano molto. Il podcast, per noi, è un percorso parallelo, non abbiamo mai pensato né voluto sostituire il teatro dal vivo. […]