Dopo il grande successo ottenuto nella sua prima produzione, la Crossmedia Group presenta, alla Reggia di Caserta, la Klimt Experience: una mostra digitale immersiva che si è ufficialmente aperta nel salone dell’Ex Aeronautica Militirare mercoledì 7 giugno. La Klimt experience è dedicata alla vita e alle opere dell’artista viennese Gustav Klimt e sarà ospitata fino al 31 ottobre 2017. Il cuore della mostra è il format immersivo realizzato da Fake Factory ed anche grazie ad una sorta di storytelling con le immagini dell’universo di Klimt. La magia è ottenuta grazie alle multiproiezioni in video mapping e a centinaia di immagini digitalizzate ad alta definizione e la musica di Beethoven ed altri grandi artisti ad accompagnare tutte le sequenze. Protagonisti indiscussi della mostra sono le figure, i paesaggi  e i colori del padre della Secessione viennese, Gustav Klimt. L’obiettivo della Crossmedia Group è quello di scoprire e raccontare l’artista, creando intorno a questo uno spettacolo nuovo, entusiasmante, coinvolgente; ma anche prima di tutto sorprendere il pubblico, puntando a quello più giovane. L’invito è quello di approfondire la conoscenza non solo dell’artista, ma anche dell’uomo dietro il dipinto, comprenderne le opere, la vita e l’arte. Il tutto attraverso la messa in scena di spettacolari dettagli, con un’immersione quasi totale nelle opere proiettate, tanto da riuscire a sentirne la consistenza. «Klimt è sicuramente al pari di Picasso l’artista necessario per meglio capire il passaggio dall’arte e dalla società ottocentesca a quella novecentesca. Com’è stato scritto:“La pittura di Klimt, come tutta la grande arte, può essere considerata, al di là delle circostanze del tempo, sub specie aeternitatis”.» Ma cos’è la Klimt Experience? La Klimt Experience si avvale di una coinvolgente colonna sonora diffusa da un sistema audio 3D di ultima generazione e grazie quindi alla straordinaria forza evocativa delle opere selezionate – al contributo didattico dell’area interattiva d’introduzione alla mostra, dotata di tavoli multimediali touch screen – e di Samsung Gear VR propone al visitatore un’immersione davvero totale nel mondo simbolico, enigmatico e sensuale di Gustav Klimt. L’impatto visivo delle immagini riprodotte, inoltre, dal sistema Matrix X-Dimension, progettato in esclusiva per questa video installazione comprende 30 proiettori laser che trasmettono oltre 40 milioni di pixel sui mega schermi dell’allestimento, garantendo una definizione Full HD. Insomma, un’experience che vale la pena fare.

La Galleria dell’Accademia di belle Arti di Napoli ospiterà dal 11 aprile al 5 giugno un’importante mostra antologica dedicata a Guglielmo Longobardo: Pittura continua. Oltre sessanta le opere esposte, alcune datate dagli anni Settata fino alle più contemporanee; che indicano un significativo percorso attraverso la pittura dove quest’ultima diventa l’unico varco aperto, un mezzo e un gesto al quale restare fedeli nel corso del tempo. Con questa esposizione, curata dai responsabili dell’istituzione Federica De Rosa, Marco di Capua e Andrea Zanella, la Galleria dell’Accademia si riallaccia al ciclo già dedicato dell’arte napoletana del ‘900. E saranno una presenza costante al fianco alla collezione prestigiosa già presente negli spazi della Galleria, quest’ultima coinvolta in un programma di riallestimento e riapertura. Così come spiega il curatore Marco di Capua: «Il mandato di qualsiasi istituzione museale è sempre quello di palleggiarsi il contemporaneo, di diventare palestra del contemporaneo, e noi abbiamo intenzione di partire proprio da questa esposizione per poi compiere nei prossimi mesi il progetto di restyling». Chi è Guglielmo Longobardo? Guglielmo Longobardo nasce a Bacoli e si Diploma all’Accademia di Belle Arti di Napoli dove poi nel 1996 diventerà docente di Decorazione. La sua attività artistica comincia con l’opera A fior di pelle esposta alla X Quadriennale di Roma negli anni Settanta. La sua pittura colpisce profondamente sia la critica che il pubblico grazie alla sua purezza e la sua imprevedibilità. L’artista alterna momenti di autonomia a momenti di richerca e mostre di gruppo, sia sul territorio nazionale che internazionale, spaziando dalla ricerca artistica a temi univesali. È dalla metà degli anni Ottana che, comunque, il suo lavoro diventa una ricerca intima ed emotiva, attraversando anche aspetti sociali che però Longobardo affronta sempre con ironia. La metamorfosi del Longobardo contemporaneo avviene però negli anni Novanta dove il segno nudo e puro diventa flash e riflessi, perdendosi in un’astratta e movimentata dinamica di spazi cromatici. Nelle sue ultime opere, invece, i mezzi di indagine diventano proprio gli strumenti della sua pittura. La Galleria dell’Accademia di Belle Arti di Napoli attraversa, quindi, la vita di Gugliemo Longobardo organizzando gli spazi quasi a formare una linea temporale nella vita e nell’attività dell’artista. La mostra Gugliemo Longobardo. Pittura continua è solo la prima delle numerose mostre in programma nell’Accademia. Infatti, nelle quattro domeniche del mese di maggio, la Galleria in collaborazione con il corso di Didattica dell’Arte organizzerà non solo visite guidate curate da Alessia Iannone e Mauro Maurizio Palumbo, ma anche laboratori creativi rivolti ai più piccoli.

Sabato 25 marzo alle ore 11.00 al Museo di Capodimonte è stata inaugurata la mostra Incontri sensibili, aperta al pubblico dal 26 marzo al 17 giugno, a cura di Sylvain Bellenger e Laura Trisorio. Per la prima volta in Italia l’opera Femme couteau (2002) di Louise Bourgeois in dialogo con il Martirio di Sant’Agata, opera seicentesca di Francesco Guarino. La mostra Incontri sensibili si inserisce nell’ambito di una serie di appuntamenti che il Museo di Capodimonte, il Museo MADRE e lo Studio Trisorio dedicano alla grande scultrice, già ospite del Museo nel 2008 con una memorabile retrospettiva, ed ha poi donato allo stesso due opere tuttora esposte nella sezione Arte Contemporanea, Fallen woman e Give or take. Il Direttore Sylvain Bellenger ha raccontato come è nata la mostra, un dialogo tra due opere distanti trecento anni ma che rimandano entrambe a donne colpite nella loro femminilità. «Se le opere d’arte vengono esposte fuori dai contesti abituali e in dialogo con altri capolavori, scopriamo che le paure umane sono le stesse. E queste due eccezionali opere, – aggiunge – anche a secoli di distanza, lanciano lo stesso messaggio: esorcizzare la paura.» Ma cosa racconta la mostra Incontri sensibili? Due donne colpite nella loro femminilità. L’eroina cristiana Sant’Agata coi seni mutilati che guarda fiera e sensuale il suo spettatore incontra la figura giacente della Bourgeois, vittima, mutilata sia della testa che degli arti e su cui incombe la lama minacciosamente in bilico della violenza ancora in agguato. La terribile mutilazione della Femme couteau si confronta quasi a creare un legame, con quella della Sant’Agata di Guarino, che sceglie di non mostrarla nascondendola con un panno bianco che la donna preme contro il petto, la cui amputazione è suggerita dal sangue che lo sporca. L’incontro con le esperienze artistiche del nostro passato ed artisti come Louise Bourgeois ci spinge a guardare l’antico con occhi nuovi, freschi, e soprattutto invita ad una riflessione inconsueta dove osservando il soggetto del dipinto barocco è possibile svelarne nuovi e inaspettati significati. Bourgeois usa il corpo come forma primaria di espressione e con esso ha esplorato un’intera gamma di emozioni umane, affrontato temi come la memoria, la sessualità, l’amore e l’abbandono. Ed è così che le sue paure prendono forma nei suoi lavori, in un continuo lavoro di esorcizzazione di queste. Incontri sensibili è una mostra collegata a Voyages Without a Destination, allestita dallo Studio Trisorio e alla proiezione del film Louise Bourgeois: The Spider, the Mistress and the Tangerine, presso il Museo Madre. Voyages Without a Destination è stata inaugurata il 24 marzo alle 19.00, con una esposizione di quattro sculture in bronzo e 34 disegni – metà dei quali inediti – realizzati dall’artista fra il 1940 e il 2009. La proiezione del film al Madre, prevista per il 23 marzo alle 17.00, è stata poi seguita alle 18.30 dalla conversazione con Jerry Gorovoy, assistente ed amico dell’artista. Le mostre potranno essere visitate fino al 17 giugno 2017

Orphan black è una serie ideata da Graeme Manson e John Fawcett, trasmessa dalla BBC America, che non inventa nulla ma nemmeno si prende gioco dello spettatore con false piste e cali di ritmo. Infatti in appena dieci puntate l’intera narrazione gioca sull’azione piuttosto che su riflessioni o attese: un lento e costante precipitare verso il finale con il susseguirsi di mille personaggi tutti perfettamente ipercaratterizzati, che però hanno un unico volto, quello della bravissima Tatiana Maslany. L’interazione tra i personaggi da lei interpretati funziona perfettamente, reggendo in ogni istante la finzione scenica sulla quale si basano gran parte dei momenti più importanti della serie e facendo addirittura dimenticare che si tratti della stessa attrice; non a caso le è stato assegnato l’Emmy Award per la migliore attrice in una serie drammatica e ben due Critics’ Choice Television Award. La principale caratteristica di Orphan Black, che è diventata poi la sua grande forza, è il suo costante reggersi in equilibrio tra serietà e seriosità, in bilico tra una narrazione che fin dalle premesse pecca di inverosimiglianza. Il prologo è fulminante ed emblematico, poiché annulla qualsiasi tipo di parentesi introduttiva lanciando lo spettatore direttamente nel pieno della narrazione. Ignari di tutto, esattamente come la protagonista Sarah Manning, ci si ritrova catapultati in una stazione ad assistere al suicidio di una donna identica alla stessa Sarah. Il furto d’identità da parte di quest’ultima le spalancherà le porte di un mondo che le era stato risparmiato, lasciandola vivere in una relativa serenità. Tante, forse anche troppe nuove persone entreranno nella sua vita, ognuna di esse identica nell’aspetto, ma completamente opposta nel carattere. Il nucleo della storia, in un primo momento, sembra essere proprio la ricerca della verità; cosa che però si rivelerà essere vera solo in parte. Cosa ha da offrire allora Orphan Black? È scontato affermare che in una serie come questa non è possibile parlare di una tematica vera e propria; piuttosto è interessante notare come sia stata la componente ambientale a diversificare le varie versioni di Sarah piuttosto che quella genetica. Orphan Black non è, quindi, un miracolo televisivo, ma per essere una delle prime produzioni originali del network ha decisamente vinto la propria scommessa. La serie, come detto in precedenza, non vive di attese e brusche frenate ma di costanti accelerazioni. È sì un thriller dai risvolti sci-fi, ma Orphan Black offre ogni tanto anche scene esilaranti che regalano belle e sane risate. Il tema della clonazione non è per nulla il punto d’arrivo della serie, piuttosto quello di partenza. Una scelta che si rivela vincente nella misura in cui, impegnati nel conoscere i vari cloni, non ci si cura delle svolte troppo casuali o delle forzature di alcune reazioni o anche di altre varie ingenuità sparse nei vari episodi. Questo è merito di una scrittura consapevole dei limiti della propria storia e che decide saggiamente di non perdersi in un loop procedurale, sostenendo l’avanzare della trama con un cerchio di personaggi e situazioni sempre più largo e arricchendo il […]

Terme italiane, alcuni consigli su quali visitare ma prima… perché fanno così bene? Fin dall’antichità l’uomo ha fatto ricorso alle acque termali per curare i più svariati disturbi del corpo. L’acqua termale è una sostanza alcalina costituita da zolfo, iodio, cloro, ferro, elementi di calio e microelementi di altre sostanze e, a seconda della loro concentrazione, sono distinte per virtù terapeutiche diverse. Il termine termale sta ad indicare che l’acqua si trova nelle profondità del sottosuolo e che, soprattutto,  ha raggiunto una temperatura che va dai 20 ai 63 gradi (più è elevata la temperatura più saranno i minerali presenti). L’acqua termale viene utilizzata a seconda della sua composizione come rimedio a numerose patologie: malattie delle vie respiratorie, dermatologiche, i reumatismi, le artrosi, le malattie vascolari e anche nei casi di riabilitazione, grazie all’azione benefica dello zolfo sulle cartilagini articolari e alla capacità antinfiammatoria del bicarbonato di sodio. Ma quali sono gli effetti benefici delle acque termali? Alcuni degli effetti più importanti delle acque termali è legato alla temperatura che favorisce la vasodilatazione, l’aumento del flusso sanguigno,  ed ha quindi un’effetto analgesico e antinfiammatorio, riduce gli spasmi e la rigidità muscolare. Il galleggiamento e la pressione meccanica esercitata dall’acque sulle parti immerse vengono utilizzate nella riabilitazione. Inoltre, la pressione idrostatica favorisce il deflusso venoso degli arti inferiori, il drenaggio linfatico e riduce la stasi dei liquidi interstiziali. Questo particolare meccanismo d’azione è utilizzato anche per la cura della cellulite. L’umidificazione e il lavaggio a livello cutaneo e mucoso, svolgono un’azione lenitiva e antinfiammatoria e favoriscono la mobilità intestinale. Sono utilizzate anche nelle patologie dell’apparato urinario e in alcune alterazioni come la gotta, attraverso l’assunzione per bibita viene stimolato un lavaggio delle vie urinarie. La sola acqua termale è considerata, secondo alcune ricerche, come una vera e propria lozione di bellezza grazie alla presenza di molti oligoelementi essenziali per la cute e per questo utilizzata nella formulazione di prodotti di bellezza. È stato dimostrato da alcuni studi, inoltre, che questi benefici portano a un miglioramento evidente dello stato di salute fisico e mentale, nello specifico migliorano la qualità del sonno. Le migliori terme italiane? Ecco quali sono! Queste sono le migliori terme italiane secondo noi: Terme Stufe di Nerone Nell’incantevole cornice dei Campi Flegrei sorge l’antico complesso termale Terme Stufe di Nerone. Location caratteristica e suggestiva, ricca di storia e natura. Le Stufe sono luoghi di interesse che vantano milioni di visitatori all’anno. Queste terme italiane godono, inoltre, di uno scenario incantevole sul golfo, cornice perfetta per rilassarsi. Terme di Negombo Spostandoci sulla meravigliosa Isola d’Ischia troviamo le Terme Negombo. Il Parco idrotermale è situato nella baia di San Montano. Le acque di queste terme sono definite miracolose per le proprietà benefiche e per gli effetti riconosciuti anche in ambito medico-scientifico. AcquaPetra Resort & Spa Telese Terme Per chi ama la tranquillità, paesaggi fiabeschi e terre ancora sconosciute ai tanti, Acquapetra Resort & Spa è il luogo ideale. È immerso nel cuore del Sannio beneventano, tra uliveti e borghi medievali. SPA ULYSSE Una […]

ilCartastorie con la collaborazione della Fondazione dell’Archivio Storico del Banco di Napoli e l’Associazione culturale Nartea, nasce per il desiderio di valorizzare l’enorme patrimonio di storie e personaggi custodito nelle scritture degli antichi banchi pubblici napoletani. Da oggi diventa anche un hub culturale, fondato su testimonianze che diventano ispirazione per le storie raccontate. L’Archivio Storico custodisce, nelle sue circa 330 stanze, nascoste tra torri di carta, decine di migliaia di storie. Sono circa ottanta chilometri di scaffalature, diciassette milioni di nomi, centinaia di migliaia di pagamenti e altrettante dettagliate causali, dal 1500 circa ad oggi. Il Museo immerge i suoi visitatori nelle storie dell’archivio, raccontando i volti, le voci degli antichi giornali di cassa e i libri maggiori, una storia che quasi prende vita tra gli altissimi scaffali. ilCartastorie è, quindi, un’esperienza museale a 360°. Le sue storie sono adattate a diversi canali di comunicazione, dalle installazioni interattive a quelle sonore. ilCartastorie un hub culturale grazie all’esperienza museale Kaleidos Ma non è solo un percorso multimediale, l’hub culturale ilCartastorie si racconta anche attraverso rappresentazioni teatrali, residenze d’artista, laboratori di scrittura creativa, storie digitali, serie di cortometraggi, e tantissime altre attività. Il patrimonio informativo dell’Archivio Storico del Banco di Napoli è, non solo per la città di Napoli, una ricchezza storica e culturale unica che aiuta tanto la valorizzazione del territorio quanto la ri-scoperta dei numerosi tesori della città, il tutto coadiuvato dalla quantità e la qualità dei suoi documenti. Il museo si muove con l’obiettivo di dare valore ai suoi contenuti ed alle ricerche realizzate nell’Archivio e grazie all’Archivio stesso, attraverso un processo di diffusione della cultura e conoscenze attraversando le storie al suo interno. La Fondazione Banco di Napoli e l’Associazione culturale Nartea aprono ufficialmente il museo con visite guidate nel weekend: sabato ore 10,30-12,00 e 15,00-16,30; domenica ore 10,30-12,00, con prenotazione. Il costo del biglietto è di 5,00 € mentre il biglietto intero con la visita guidata è 7,00 €. É prevista una riduzione per i ragazzi dao 13 ai 17 anni, mentre per i bambini è garantito l’omaggio. In più, dal 31 ottobre al 1 novembre oltre alla visita guidata è in programma il laboratorio finale sulla lavorazione della carta in cui è possibile liberare la propria fantasia. Sono tantissimi gli appuntamenti che vedono il museo come luogo di incontro. Il 31 ottobre, ad esempio, dalle ore 21 fino alle 24 c’è l’evento Anime Vaganti, in occasione della tradizionale celebrazione dei morti. Una visita teatralizzata tra musica, dolci tradizionali e spiriti irrequieti. L’11 novembre alle ore 20,00 la rassegna letteraria itinerante Letters in tour che vede come protagonisti gli scrittori e giornalisti partenopei Maurizio De Giovanni, Martin Rua, Marco Perillo e Pier Luigi Razzano. Ad aprire la rassegna il giornalista Antonio Emanuele Piedimonte. Il 29 dicembre alle ore 19,30 Gianni Valentino presenta il suo recital sonorizzato E per loro. Ci racconterà le storie degli schiavi tra il Seicento e il Settecento.

Il 15 settembre nella Sala del Capitolo nel chiostro di San Domenico Maggiore si è svolto il primo incontro-dibattito La maschera nella contemporaneità, della rassegna teatrale I viaggi di Capitan Matamoros. Con la piacevole compagnia del regista Ferruccio Merisi, l’attrice Claudia Contin Arlecchino e Luca Gatta, con i contributi dei professori Paolo Sommaiolo e Dmitry Tribotchkin, e con la coordinazione di Stefania Bruno, si è discussa e approfondita la storia della Maschera nella Commedia dell’Arte, e le sue continue evoluzioni, da Pulcinella a Totò. Partendo da una definizione di Commedia dell’Arte e di cosa sia la tradizione teatrale si è arrivati, poi, alla questione fondamentale del teatro moderno: la maschera e la sua influenza sull’espressività umana. Gli incontri de I viaggi di Capitan Metamoros sono nati dal desiderio dei suoi promotori di portare e parlare di commedia a Napoli, nel tentativo di ricercare spazi di discussione e ricerca. «La Commedia dell’arte, quindi, è un mestiere, una cosa quotidiana tanto più se il suo obiettivo è quello di reinventare ciò che ha fatto la storia», sono le parole dell’attore Luca Gatta. La Maschera da Pulcinella a Totò L’incontro quindi verte specialmente sulla maschera usata da Pulcinella, “‘a mezza sola” così definita nel gergo teatrale (poiché copre metà viso ed è fatta di cuoio). Pulcinella, quindi, è una delle poche maschere che, nel corso dei vari secoli, è riuscita a resistere. Cambia forma o abiti, ma il personaggio di Pulcinella è facilmente riconoscibile in tutti i suoi doppi, spesso anche di nazionalità diverse da quella di partenza. Il perché di tanta resistenza risiede forse nel fatto che questa maschera possiede e incarna tutte le possibili sfumature dell’animo umano. Se si parla di Pulcinella e di tutte le sue caratteristiche non si può non menzionare l’attore Antonio de Curtis, in arte Totò. L’attore che ha dato, forse più di tutti, omaggio alla maschera partenopea per eccellenza. Tuttavia, come fa notare il professore Sommaiolo, di de Curtis ciò che resta alla memoria è il suo personaggio, è Totò. Ed è più o meno questo l’emblema della maschera, non tanto conservata nella sua veste iniziale, ma tanto per tutte le caratteristiche che possiede. Il professor Dmitry Tribotchkin fa notare come, quando si parla di Commedia dell’Arte, bisogna guardare alla tradizione russa, poiché è lì che sono conservate le caratteristiche tipiche della tradizione. Nel suo intervento, quindi, si attraversa la storia del teatro russo, trovando ancora una volta la maschera del Pulcinella, con vesti  diverse ma con lo stesso carattere di sempre. Si attraversa, però, anche la storia del teatro delle avanguardie dove figurano nomi come Konstantin S. Stanislavskij e Mejerchol’d. Al primo si deve la straordinaria rivelazione del metodo Stanislavskij che pose la basi al teatro americano. Si basava sull’approfondimento psicologico del personaggio e sulla ricerca di affinità interiori con l’attore. Stanislavskij, quindi, proponeva l’esercizio continuo della rielaborazione analitica degli atteggiamenti non verbali. Al secondo, invece, si deve un riadattamento della maschera di Arlecchino che, abbandona gli abiti della tradizione per vestire la giacca militare, mantenendo […]