Come anticipato nella precedente intervista, Saverio Raimondo si è esibito al Kestè, domenica sera 17 marzo. L’umanità è sommersa da miriadi di dubbi e, probabilmente, molti di questi non li risolveremo mai. Allora ci armiamo di pazienza e facciamo filosofia e ci serviamo del potere dell’immaginazione e ricorriamo alla scienza o alla religione, ma molti sono i quesiti a cui non siamo riusciti a dare ancora una risposta: da dove veniamo? Chi siamo? Dove andiamo? Esistono gli extraterrestri? Sapete, con l’approdo di Saverio Raimondo a Napoli, alla luce di quanto assistito domenica al Kestè, sono pronta a fornirvi le prove di vita aliena nel cosmo. Agli scettici mi sento di dire:«Vi tengono nascosta una verità indicibile, le testimonianze dell’esistenza aliena sono inopinabili e dovreste seguire Saverio Raimondo per convincervene». Non ho ben capito da quali viaggi interstellari provenga questo straniero, ma certo è che lui non appartiene al pianeta Terra. Non è verde e non è dotato di navicella spaziale. Possiede ben tre occhi, di cui uno grandissimo, che è quello comico. È lungo di poco, ha una voce buffa ed è alquanto indisciplinato, ma la sociologia aliena è materia ancora tutta da esplorare e non sono riuscita a redigere una tesi psicosociale in merito per spiegare la genialità che si cela nella sua irriverente comicità. Saverio Raimondo e il suo spettacolo Ad aprire lo spettacolo del 17 marzo ci pensano Maristella Losacco, con la sua irriverente comicità al femminile e un’adolescenza travagliata alle spalle, e Vincenzo Comunale, un giovanissimo talento partenopeo della comicità che, con sguardo vigile nei confronti della realtà, riesce con maestria a scaldare il pubblico di Saverio Raimondo. Quella di Vincenzo è una personalità artistica luminosa, dall’anima zen e il senso dell’umorismo trascinante. La sua positività è contagiosa. A breve, tra l’altro, sarà in scena il suo primo spettacolo al Kestè. Saverio Raimondo si è presentato al pubblico coniugando i congiuntivi, a causa del suo timore di essere scambiato per Di Maio, considerata l’innegabile somiglianza. Stiamo parlando di un’eccellenza della satira odierna, ma prima ancora Saverio Raimondo è un ansioso, sin dalla nascita, grazie a una madre apprensiva. L’ansia è, praticamente, la sua forza. Saverio ha scritto un libro su di essa (dal titolo Stiamo calmi. Come ho imparato a non preoccuparmi e ad amare l’ansia) perché ritiene che l’ansia meriti di trionfare su una civiltà che vive un’epoca di deresponsabilizzazione collettiva. Così ha imparato a convivere e a scherzare su questo sentimento, che per lui rappresenta ormai la forza motrice che lo spinge a migliorarsi. Nel suo tipico stile americano e senza mai prendersi sul serio, in un cocktail di humour surreale, comicità demenziale e paradossi, il nostro satiro offre il suo punto di vista politicamente scorretto sulle contraddizioni più profonde della società. Ci parla di disabilità, di Chiesa, di donne, di sesso, di perversioni feticiste (e di cunningulus!) con uno spirito estremamente romantico e sentimentale, ma a questo punto mi limiterei a mostrarvi una foto, perché ogni mia parola non sarebbe abbastanza. La satira di […]

Marco Di Caprio, classe ’89, di Aversa, è l’autore del libro dal titolo Horror vacui, locuzione latina che letteralmente significa “paura del vuoto”, pubblicato da L’Erudita nel 2017. Di Caprio si laurea in Filologia all’Università “Roma Tre” e si occupa di narrativa, saggistica e critica musicale. Ha già pubblicato un romanzo, Il mistero dell’Isola di Pasqua (2008), e un saggio, Cromatismi nella lirica trobadorica (2013). Horror vacui, il libro psichedelico di Marco Di Caprio Horror vacui di Marco Di Caprio è il continuo gioco sinestetico, fatto di armonie visuali e di un indistinto fluire sonoro, della mente confusa, paranoica e nevrotica di un uomo, sospeso sempre fra il ruolo di vittima e quello di carnefice. Uno spirito baroccheggiante attraversa ogni pagina, che esala paura di morte, consapevolezza dell’inutilità della vita e disadattamento. Sono barocco nella mia scrittura e nella mia anima, ma che cos’è l’anima non lo so. Qual è la mia psyche? La mia tyche? Quali assiomi e quali teorie? Urla nevrotiche avvolgono la materia informe nel caos primordiale, e un’energia incolore frena la scomposizione della luce iridescente del prisma.  Si tratta di un libro psichedelico, che va letto con le cuffie nelle orecchie. Repentine accelerazioni, riff spaventosi, ritornelli ossessivi, tastiere cupe e assoli costituiscono l’atmosfera oscura e malata di questa surreale sinfonia, la sinfonia di un matto, “nata da frammenti e rottami vari”, che si capisce pagina dopo pagina essere rinchiuso in un ospedale psichiatrico. L’uomo trova sollievo al suo malessere solo attraverso un rapporto totalizzante e una passione viscerale per il sesso e per la musica. Nel libro è palpabile il terrore del vuoto, che il protagonista è portato a riempire in modo compulsivo con i suoi pensieri e le sue meditazioni, pasticca di antidepressivo dopo pasticca, con la speranza che la morte lo separi dal suo corpo, presenza che gli risulta troppo molesta. L’atmosfera è sempre tesa. Il linguaggio di Horror vacui parla per immagini, che appaiono disordinate e senza senso, perché frutto di vacui ragionamenti. La sua scrittura richiede attenzione, per la ricchezza di sfumature, e tende a imprigionare il lettore nella malia del nostro eroe maledetto. Quest’ultimo non riesce a coltivare relazioni umane sane, al contrario, esse sono complicate, disperate, a partire da quelle con la sua famiglia. Egli, infatti, vede morire il padre, e la sua morte viene smaniosamente considerata e riconsiderata in tutto il libro, con grosse difficoltà di accettazione. L’assenza del padre strappa al protagonista i  suoi sogni, le sue speranze e ogni illusione che lo teneva in vita, prima di allora. Una volta che il padre spira, la sua mente non conosce più riposo e perde completamente l’ardore dei suoi interessi e la fiducia nel prossimo, intraprendendo  così una nuova vita in cui il tempo gli scorre davanti in un montaggio d’immagini informi e le parole sono vane, arcaiche e non parlano più a nessuno. Si delinea, poi, il profilo di una madre che l’autore demonizza: una donna che schiavizza il proprio uomo, una macchina di riproduzione del dolore che ha […]

Luca Ravenna e la sua comicità. | Intervista  Luca Ravenna sarà a Napoli il 16 febbraio, sul palco del Kestè. Chi è Luca Ravenna? Luca Ravenna, prima di essere qualunque altra cosa, è. Far ridere è molto difficile: non basta essere spiritosi per fare di ciò un mestiere, prima di ogni altra cosa bisognerebbe essere. Luca Ravenna, oltre a essere, è un autore, uno sceneggiatore, un attore e un comico. Milanese. Si diploma al Centro Sperimentale di Cinematografia, vive a Roma e lavora a Roma e a Milano. Sceneggiatore appassionato. Protagonista di due edizioni di Natural Born Comedians e due di Stand Up Comedy su Comedy Central, oltre che della web-serie Non c’è problema su Repubblica.it. Scrive per la televisione e ha collaborato con il collettivo The Pills. Componente del cast della trasmissione Quelli che il calcio e di quello di Natural Born Comedians, Luca Ravenna è anche un talento bravo a stemperare con leggerezza difetti e paure e si contraddistingue per l’originalità e l’autoironia. Più di ogni altra cosa ama fare colazione, giocare a tennis e fumare sigarette. Eroica Fenice ha avuto modo d’intervistare Luca Ravenna, divertendosi insieme a lui con un “botta e risposta”. L’intervista a Luca Ravenna Luca Ravenna in un aggettivo “Pirlesco”- che non esiste come parola ma calza a pennello. Il pezzo che meglio ti rappresenta È un pezzo che farò sul palco del Kestè, che non ho sentito nemmeno io, perché sto finendo di scriverlo. Motivo per cui prendere una penna in mano? Perché se no è un casino firmare qualsiasi tipo di documento. E un microfono? Parlo a voce molto bassa di solito, spesso mangio addirittura le parole, quindi è abbastanza necessario. Comico/a preferito/a Louis C.K. Mantra Penso spesso al basilico quando sono in difficoltà, perché è il profumo più buono del mondo. Punto di forza L’amatriciana. Faccio un’amatriciana che manda fuori di testa. Motivo per cui ti abbatteresti? Se l’Inter dovesse andare in serie B. Ridere di sé. La ricetta? È una bellissima domanda a cui non so rispondere perché, come chiunque provi a far ridere di professione, sono molto permaloso se sono altri a prendermi in giro, però penso di essere abbastanza bravo a improvvisare, quindi è difficile accorgersene. Autore, sceneggiatore, attore, comico. In quali vesti ti diverti di più? Comico, senza ombra di dubbio. Anche se è più faticoso, la resa è migliore. Dieci sketch sulle paure…l’attuale più bastarda? Sempre e comunque la paura dei piccioni, anche se ‘sta cosetta del razzismo non è che mi faccia tanto più ridere. L’esperienza a Natural Born Comedians in una metafora Direi che la prima edizione è stata una delle esperienza più belle della mia vita. Era come stare alla gita delle elementari, però a ventisette anni. Quella di Stand Up Comedy su Comedy Central in un’altra Come la gita al liceo, c’erano anche persone meno simpatiche. Quelli che il calcio su Rai2 in tre parole Un sogno. Un lavoro. Uno spreco totale di risorse. The Pills. Più di centocinquanta caratteri The Pills per me […]

L’orso ‘nnammurato è un libro di poesie, ma anche un cd, nato dalla collaborazione (denominata “SolDo“) di Alessio Sollo e Claudio Domestico, in arte Gnut, pubblicato lo scorso gennaio da ad est dell’equatore. Questo meraviglioso lavoro si compone di sessantaquattro poesie di Alessio Sollo, di cui quattordici musicate, cantate e suonate da Gnut insieme ai musicisti della sua band (Marco Caligiuri, Valerio Mola, Luca Caligiuri, Gianluca Capurro, Michele Signore, “Mr. Coffee” Daniele Rossi) e ospiti speciali quali Ciro Riccardi, Brunella Selo, Dolores Melodia, Andrea Tartaglia, Monia Massa, Luca Rossi e Alexander Cerdà. Nel libro sono presenti, inoltre, le partiture musicali di queste canzoni. Un prodotto che ha molto da dire e lo fa senza fronzoli, poi «si capisce è buono, sinnò te futte!». Di seguito, la nostra intervista ai due cantautori napoletani. Buona lettura! L’intervista a Alessio Sollo e Gnut Alessio Sollo, definisci la tua amicizia con Claudio una “fratellanza umana e artistica” che rende la tua vita migliore. Ti va di parlarmene? La definizione più appropriata della nostra collaborazione potrebbe essere la storia di un’amicizia basata su una stima profondissima. Ed è su questa sintonia che abbiamo costruito le nostre canzoni. Il titolo L’orso ‘nnammurato mi rimanda a ‘O surdato ‘nnammurato, il partenopeo canto d’amore che condannava la trincea. Come questa celebre canzone, possiamo interpretare L’orso ‘nnammurato un inno d’amore universale e il grido di battaglia di tutti coloro che riescono a piangere per amore? Più che “quelli che piangono” ci piace pensare di rappresentare tutti quelli che hanno il coraggio di esternare a testa alta i propri sentimenti e le proprie debolezze. “So’sensibbile, mmocca a chi v’è mmuorto!” è il mantra dei SolDo, come si evince dal libro. “La sensibilità nei tempi moderni” è un tema che mi piacerebbe affrontare con Sollo e Gnut. È un’epoca di ostentazione di benessere e forza. Se la storia la scrivono i vincitori, la poesia è sicuramente opera dei perdenti. Siamo partiti da questo presupposto per raccontare e denudare le nostre sensibilità. Le vostre biografie mi hanno colpita profondamente. Trasudano originalità e sono d’impatto. Perché Sollo sceglie di rappresentarsi con I bambini che ammazzarono l’Italsider? Perché Gnut lo fa con la descrizione del suo migliore amico? Sollo: Ho scelto di raccontare semplicemente la mia infanzia e la mia adolescenza con quei versi; mi sembravano proprio quelli gli anni che maggiormente mi hanno influenzato come futuro artista e come uomo. Gnut: Non avrei trovato un modo migliore per parlare di me se non attraverso gli occhi e la straordinaria penna di chi mi vuole bene. Torniamo a quel pomeriggio di ottobre del 2015, quando Sollo venne folgorato dallo sguardo di una donna bellissima e sorridente che accompagnava suo marito devastato da un ictus presso la clinica di riabilitazione, dove il catautore era presente nelle vesti di vigilante. Per Sollo è stato il “giorno della consapevolezza”. Approfodiamo? Sollo: Estenderei quel giorno un po’ a tutto il periodo che mi ha visto lavorare presso una clinica di riabilitazione. Trovarsi a contatto tutti i giorni con persone che soffrono t’insegna a guardare la […]

Vi propongo un’escursione nei meandri dell’essere, attraverso alcune fra le più celebri, seduttive e affascinanti pitture surrealiste. Surrealismo: la bellezza della forza visionaria A cavallo tra le due guerre mondiali, nella Francia degli anni Venti, nasce il surrealismo, una corrente organizzata che vede nella figura di Andrè Breton il suo fondatore e teorico, ma anche il prodotto di una mentalità del tempo. “Surrealismo” è ciò che si trova al di là della realtà. Oggetti deformati, contesti astrusi, paradosso di ogni forma, inconscio e subconscio su un piedistallo e ragione imputata. Il surrealismo persegue la libertà in ogni modo e con ogni mezzo, affinché l’uomo esprima la parte più autentica del suo essere. È nel sogno che le pulsioni dell’inconscio sgusciano dalla gabbia della razionalità, perciò il surrealismo lo muta in arte. Pitture surrealiste e artisti protagonisti La pittura surrealista è un modo di cogliere il reale, che mira a penetrare in maniera più profonda nell’essere, e fonda la sua ragion d’essere nella presenza di un “modello interiore”. Il suo scopo è quello di rendere visibile ciò che sfugge all’oggettività, attraverso l’arte. L’artista non si sottomette alla visione “civilizzata” del mondo, per cui rivaluta l’arte primitiva e l’arte dei folli, caratterizzate dalla vivida forza dell’immaginazione e dall’inosservanza delle regole sociali. Dal punto di vista tecnico, il surrealismo fa propria la spregiudicatezza dadaista. Anche le tecniche tradizionali vengono utilizzate perché si prestano maggiormente alla “scrittura automatica” e perché la banalità dell’immagine singola sottolinea l’assurdità dell’insieme. Max Ernst (1891-1976) Tra le sue pitture surrealiste: La Vergine sculaccia il Bambino Gesù davati a tre testimoni: Andrè Breton, Paul Eluard e lo stesso artista, 1926, olio su tela, cm. 196 x 130, Colonia, Museo Ludwig. Marx Ernst è il più surrealista fra tutti i pittori surrealisti e questa è sicuramente la sua opera più insolita, che succede alla miriade di “Madonne con Bambino” delle pagine precedenti della Storia dell’Arte. Quest’opera dissacrante e anticlericale, dall’evidente influsso dello stile di De Chirico, ha riscosso grande successo e suscitato svariate reazioni, tra la sorpresa e lo sconvolgimento. La Madonna appare autorevole, nel suo ruolo essenziale di madre. Non c’è sacralità, Maria e Gesù hanno carattere umano. Joan Mirò (1893-1983) Tra le sue pitture surrealiste: Il carnevale di Arlecchino, 1924-1925, olio su tela, 93×66 cm, Buffalo, USA, Albright Knox Art Gallery.  Il principio di Mirò non è il mondo organico, ma l’antitesi del razionale, l’antigeometrico. Il suo è un mondo chiaro, solare, senza implicazioni morbose. Nell’opera è utilizzata la tecnica dell’automatismo psichico che esprime il reale fuzionamento del pensiero, senza l’influenza della ragione. È rappresentato un momento di baccano che, nel calendario cristiano, si conclude il giorno prima del Mercoledì delle Ceneri. Andrè Masson (1896-1987) Tra le sue pitture surrealiste: Uccello affascinato da un serpente, 1942, Guazzo su carta, 56, 5 x 75, 5, Venezia, Collezione Peggy Guggenheim. La scrittura automatica di Masson, nella fase surrealista, è diagrammatica, si astiene dal rendere esplicite le immagini, segue totalmente i percorsi tortuosi dell’inconscio. Masson è, probabilmente, il primo a rendersi conto dell’esistenza bio-psichica che si rivela […]

Quella che volgarmente chiamiamo “pelle d’oca”, perché simile alla pelle di un’oca spennata, o più in generale di un volatile spennato, è la temporanea comparsa di piccoli rilievi sulla superficie cutanea, una sorta di mega erezione pelosa. È definita scientificamente “piloerezione”, “orripilazione” o “cute anserina” e potremmo dire che è un modo per far fluire fuori la nostra energia in eccesso. La pelle d’oca si deve a una contrazione involontaria dei muscoli erettori del pelo ed è causata da stimoli nervosi. Si tratta di un meccanismo che affonda le sue radici nell’antichità e che ha resistito ai processi evolutivi. Cause della piloerezione o, più comunemente, “pelle d’oca” La piloerezione può verificarsi quando il corpo percepisce un freddo intenso. I peli eretti trattengono uno strato d’aria che ostacola la dispersione del calore corporeo, processo più efficiente negli animali dotati di pelo lungo. Se, al contrario, si percepisce molto calore, i muscoli erettori dei peli si rilassano, consentendo alle ghiandole sudoripare di dilatarsi, eliminando in questo modo il calore in eccesso attraverso il sudore. Nelle situazioni in cui si è investiti da una forte emozione, è possibile che la pelle d’oca sia scatenata dal meccanismo “fight or flight” (“combatti o scappa” o “attacco o fuga”) per predisporre l’organismo a sostenerne lo sforzo tempestivo. Si tratta di una scarica generale del sistema nervoso simpatico ed è un tipo di risposta corrispondente a una zona del nostro cervello chiamata “ipotalamo” che, quando stimolato, inizia una sequenza di accensione delle cellule nervose. Si ha, così, un rilascio di sostanze chimiche che preparano il nostro corpo alla fuga o alla lotta. Il motivo per cui suoni tremendamente irritanti come un graffio alla lavagna possano causare la pelle d’oca rimane ancora inspiegabile. La pelle d’oca, talvolta, è anche un sintomo di alcune malattie oppure un effetto collaterale dell’infusione endovenosa di dobutamina. Generalmente, associamo la pelle d’oca ai brividi di freddo e a certi particolari stati emotivi che possono coinvolgerci quando ammiriamo uno spettacolo naturale o, ad esempio, durante l’ascolto della nostra canzone preferita, che sono esperienze sensoriali che attivano il “percorso di ricompensa“. Le strutture coinvolte in questo sistema si trovano lungo le principali vie della dopamina nel cervello, per cui vengono attivate le medesime aree cerebrali coinvolte nelle condizioni di eccitazione e dipendenza. Se la pelle d’oca è qualcosa che si palesa in caso di una forte emozione, ingenuamente, potremmo pensare che la pelle d’oca non menta. Eppure qualcuno riesce a controllarla, secondo i risultati di una ricerca della Northeastern University, pubblicata sulla rivista Peer J. Nella preistoria gli uomini, ancora ricoperti di una folta peluria, si servivano della pelle d’oca come strumento d’intimidazione, al pari degli animali che quando hanno paura drizzano il pelo per apparire più temibili. Una funzione che nel corso dei millenni ha perso di utilità. Ciò che affascina è che abitiamo pelli differenti per sentire e sperimentare gli stimoli esterni: le esperienze non sono emozionanti per tutti allo stesso modo. Può capitarci di cambiar pelle. Di provare sensazioni a pelle. Di […]

Ci fu un tempo in cui non esistevano i mezzi e gli effetti di cui si dispone oggi per realizzare i dischi, eppure fu un tempo che mise al mondo stelle che continuano ancora a brillare, illuminando intere generazioni. Perciò ti propongo un viaggio attraverso alcune canzoni anni ’60, all’altezza di sintetizzare l’atmosfera musicale seduttiva di allora. Vorrei sottrarti all’Inferno per qualche minuto. Ti porto in Paradiso. Sessantesima cantica della Storia del Novecento (viaggio dall’Inferno per il Paradiso) Anno 2019. Il vecchio Caronte ci fa imbarcare sulla sua barca e, disgustato alla nostra vista, rei di aver prodotto musica orribile, ci scatarra in volto, alternando l’intonazione di una comune canzone dei giorni nostri a una bestemmia, in una sorta di contrappasso. Nessun’intro. Sound povero e scarno. Zero assoli strumentali. Ritornello/scatarro – strofa /scatarro – ritornello /scatarro. Bestemmia. E ricomincia. Caronte non ha pietà. Il tratto insieme a lui è una tortura, ma t’invito a mantenere la calma amico/a mio/a, perché siamo arrivati! Salutiamo e ringraziamo il nostro traghettatore, anche perché finalmente gli è passato il raffreddore e i suoi sputacchi presto diventeranno un lontano ricordo. Siamo giunti a destinazione. Li vedi questi schemi rigidi imposti dall’alto? Ti stanno facendo scaldare? La senti questa voglia di lotta? T’invade il bisogno di rivoluzione? Siamo catapultati nell’epoca degli sconvolgimenti sociali, siamo negli anni ‘60. Tocca a me guidarti. Non immaginarmi “angelicata”, non sono spirituale, non voglio indurti al bene, né alla salvezza eterna. Ho occhi da cerbiatta, basco di lana, caschetto corto e lenti sfumate color oro rosa. Il mio sguardo è seducente. Dimentica il tuo cane. Dimentica il tuo micio. Il tuo nuovo animale domestico sarà un maialino in terracotta che si nutre di lire, gli anni ’60 gridano al miracolo economico italiano! E, mi raccomando, contraccettivi a portata di mano, gli anni ’60 sono anni di liberalizzazione sessuale. Ehi, qui s’inizia a parlare di “sesso occasionale”, e si fa sul serio! Mettiamo su un po’di musica dell’epoca. Tu ascolta e sniffa questo profumo di libertà. Le canzoni anni ’60 che hanno fatto la storia Parigi, 1969. ’69… …69. Il famosissimo brano “Je t’aime… moi non plus” di Serge Gainsbourg, Arthur Greenslade e Jane Birkin viene pubblicato (udite, udite!) nel ‘69. Messaggio subliminale? Il simbolo del sommo rito sessuale che sopravvive ai giorni nostri e campeggia nei più svariati trattati di ars amatoria, è antico quanto il mondo. La sua pratica viene in qualche modo reitarata mediante la persuasione ipnotica di questa eccezionale canzone pubblicata nel ’69, che ci accoglie con un amplesso culminante in sospiri suadenti. Lei afferma «Ti amo!» E lui risponde «Neanch’io.», come se la donna dicesse il vero, presa semplicemente da un palpito di sensualità. Si ha l’impressione di ascoltare una conversazione tra due persone che hanno un vero rapporto sessuale. Radio e tv bandiscono il capolavoro erotico e il Vaticano lo scomunica, ma vengono venduti ben cinque milioni di dischi. In Italia, la canzone s’intitolerà “Ti amo…ed io di più“, con testo a cura di Claudio Fontana, […]