Dal 6 al 9 febbraio è in scena al teatro TRAM “Ad occhi chiusi”, scritto e diretto da Luca Pizzurro, in cui Andrea Fiorillo veste i panni di un inquietante criminale. L’allestimento della piccola sala ospitata da un antico palazzo di Port’Alba immerge subito i suoi ospiti nella penombra, filo conduttore di tutto lo spettacolo. La storia alterna luci ed ombre, quelle delle sfumature della vita di Bruno, un siciliano che rimpiange il cielo della sua terra da quando si è trasferito a Roma. Il protagonista, nonché l’unico attore, ci accoglie in pantofole, a casa sua, mentre sorseggia il caffè, svolgendo i rituali mattutini comuni a tutti noi. Poi legge un libro, lavora alle sue fotografie, racconta della sua famiglia, del trasferimento e degli abbondanti pranzi romani della domenica. Da subito presenta sé stesso rivolgendosi al pubblico, come guardandosi allo specchio, cercandosi negli occhi dei suoi spettatori. Così, ci trasporta all’interno della sua mente, tirandoci sempre più a fondo. Parla di un punto di non ritorno, di un confine che, una volta oltrepassato, ti segna per sempre. E ce lo fa vivere tutto, quel momento, perché il suo racconto diventa reale, e Bruno compie nuovamente le sue azioni. È pervaso completamente. Si mette a nudo e svela i suoi segreti: la sua passione irrefrenabile, la sua perversione, l’amore incontinente, prodotti di una repressione mentale che porta alla degenerazione. La vita si svolge “ad occhi chiusi”, in maniera distorta e spaventosa. Quell’uomo comune è in realtà un carnefice che, in questo modo, ci rende testimoni brutali e spettatori inermi e ci offre un punto di vista destabilizzante, che ci tocca nel profondo, come chiunque abbia realmente vissuto un’esperienza del genere. Lo spettacolo è stato ripresentato dieci anni dopo il suo debutto, a testimoniare la sua contemporaneità e la sua necessità di far luce, di urlare e denunciare l’incomprensibilità della violenza. “AD OCCHI CHIUSI risponde perfettamente alla necessità che ho quando scrivo, di trovare una storia che sento il bisogno di raccontare – spiega Luca Pizzurro – e la storia di Bruno, protagonista del mio spettacolo, si riesce a raccontare soltanto se ti abita dentro, o perché l’hai vissuta o perché l’hai conosciuta. Ciò su cui mi sono interrogato in occasione di questo nuovo allestimento è perché ritornare tra le pagine di quel copione dopo dieci anni dal suo debutto. E la risposta è stata semplicemente tragica, perché è una storia, ancora oggi, terribilmente attuale. Una storia ruvida da toccare, difficile da guardare, e che non può lasciare indifferente”. E non lascia indifferente soprattutto l’interpretazione di Andrea Fiorillo, completamente immerso, frustrato dai limiti del suo personaggio, rassicurato dalla sua facciata apparente, che soffre e suda tutte le pene del suo ruolo, con un’interpretazione emozionante, da pelle d’oca. “Ad occhi chiusi”, così, concede di superare il confine e permette a noi, dopo esserci immersi nell’oscurità, di guardare alla luce con occhi diversi. Sergio Siano PH.

Dopo due date sold out ad agosto, nel Chiostro di San Domenico Maggiore di Napoli, il concerto-spettacolo intitolato “Bocca di rosa” e dedicato al nostro Faber è tornato in scena venerdì 4 e sabato 5 ottobre al teatro TRAM. A vent’anni dalla morte di Fabrizio De Andrè, il gruppo artistico composto da Francesco Luongo (voce e direzione artistica), Giuseppe Di Taranto (voce e chitarra), Laura Cuomo (voce) e Davide Maria Viola (violoncello), con l’ospite Francesco Santagata (voce e chitarra), hanno srotolato nell’aria l’universo musicale e poetico di Faber, attraverso la lettura di brevi brani e poesie e la presentazione in chiave contemporanea delle canzoni più celebri del cantautore genovese. Stiamo parlando di una formazione eccezionale, caratterizzata dalla voce accogliente e corposa di Giuseppe in simbiosi con la nobiltà del suono della sua chitarra, dalla voce profonda di Laura che ben si sposa con il suono caldo e armonioso del violoncello di Davide, intento tutto il tempo a ingioiellare il teatro di magia, e dalla carezzevole voce di Francesco, oltre che dalle sue abilità creative e organizzative. Un’insapettata sorpresa si è incarnata in Francesco Santagata e nella sua versione acustica de “La guerra di Piero”, distante dall’originale ma non per questo priva di appeal, la quale ha suscitato grande energia e suggestioni che banalizzerei soltanto se provassi a verbalizzare. Il vuoto che Faber ha lasciato nella musica italiana fa ancora e farà sempre troppo male, ma il sodalizio di questi artisti lo ha ricordato con professionalità, passione e, soprattutto, delicatezza. Senza fare rumore. Il concerto-spettacolo “Bocca di rosa” ha abbracciato le diverse sfaccettature di Faber, nel rispetto della sua grandezza e poliedricità culturale. Il concerto-spettacolo che ha reso omaggio a Faber Le luci del TRAM si spengono dappertutto, tranne che sulla scena. Il colore del teatro è quello della notte. Il tempo si fa lungo e dilatato. Il buio separa la platea dal palco anni-luce e il pubblico si fa sempre più piccolo e inesistente di fronte all’immensità dell’universo di Faber. Sembra di stare in riva al mare, a guardare le stelle. Pare di aver appena disteso una coperta sulla sabbia e di aver alzato lo sguardo al cielo. È come aver staccato da tutto per concentrarsi sul firmamento. La musica si fa balsamo per i sentimenti, poi catarsi, liberazione. A partire dall’impulso dell’invidia delle comari di un paesino fino a quella di “Un giudice” perseguitato da tutti, evolutasi poi in sete di potere e di vendetta, il gruppo artistico prende delicatamente la nostra mano e cammina con noi tra le macerie che si lascia alle spalle il clima di competitività e rivalità. Si tratta di un tema maledettamente attuale: quel tentativo dell’uomo di misurarsi continuamente con gli altri che Faber analizzò mirabilmente a suo tempo, soffermandosi sulla vis non convenzionale, l’umanità e la portata allegorica della galleria dei suoi ritratti umani. Alcune note iniziali di una canzone esplodono, in seguito, in una miriade di stelle cadenti. I più cinici della platea li immagino pensare a una “sagra delle illusioni”, mentre […]

Tra dischi in vinile, luci psichedeliche e poesie su fogli stropicciati si svolge Break on Through, il nuovo spettacolo teatrale messo in scena al Teatro TRAM di Napoli dal 29 al 31 Marzo, scritto da Bruno Barone e Valerio Bruner, con gli attori Amanda Sanni e Bruno Barone. In Break on Through si narrano le fasi più significative della vita di Jim Morrison, poeta e cantante del gruppo rock statunitense The doors. La scenografia dello spettacolo spinge il pubblico ad immergersi nella vita e prospettiva del famoso frontman nella sua tridimensionalità, grazie anche alla ricerca di interazione da parte degli attori. Nella rappresentazione non viene solo raccontato il personaggio nella figura di rockstar, associato alle influenze della rivoluzione culturale degli anni’60, ma vengono messi in rilievo in una chiave di lettura umana, le fragilità, i fantasmi e le visioni che perseguitano la persona Jim Morrison. Break on Through, fama e fantasmi Il Jim Morrison di Break on Through si confronta dall’inizio della sua vita fino alla fine con le voci fuori campo che si identificano in personaggi sempre diversi, partendo dalla voce del padre con il quale ha un conflitto, poi quella della sua ragazza storica Pamela Courson, la voce dei giornalisti, poi quella dei suoi colleghi della band The doors. Questo insieme di voci risuonano ridondati talvolta nella mente tormentata di Morrison alle quali lui cerca di sfuggire. Per non parlare dell’eco delle sue ossessioni, in particolare quella della morte, che lo perseguiterà per tutta la vita in seguito a un evento: era il 1947 quando Jim Morrison, che aveva all’incirca quattro anni, era in viaggio con la sua famiglia e mentre attraversavano il deserto, egli vide degli indiani sparpagliati e moribondi per terra a causa di un incidente. L’accaduto ha inciso molto sulla sua vita, tant’è che lui si sentiva, da quel momento legato allo spirito di uno sciamano. Altra figura peculiare è quella di Pam, definita ”musa”, alla quale infatti molto spesso l’artista si ispira, è la donna che lo accompagnerà fino alla morte. La loro relazione è caratterizzata dall’incapacità di trovare un equilibrio, un amore che vive negli eccessi, il che non potrebbe essere altrimenti, per due personaggi così controversi. Tra i simbolismi e le immagini oniriche si alternano gli esordi del cantante sul palco in cui avviene una trasformazione, da un animo fragile segue uno spirito rivoluzionario al contempo profondo, impegnato ad esortare il pubblico ad abbattere gli schemi sociali, è questo il messaggio che sta molto a cuore a Jim Morrison, soprattutto nella sua poetica. Nella rappresentazione teatrale infatti predomina la sua figura poeta affascinato dalla cultura classica e dalle figure mitologiche, che sono state il risultato di influenze di letture giovanili come quelle di Nietzsche e Rimbaud, in cui risale l’importanza di trasgredire le regole morali a favore della scoperta della vera natura dell’uomo.

Sarà in scena fino a domenica 24 al TRAM di Napoli lo spettacolo Frida Kahlo, scritto e diretto da Mirko di Martino e prodotto dal Teatro dell’Osso. Le vite della celebre pittrice messicana e del suo compagno, marito e amante Diego Rivera rivivono sul palco grazie alla magistrale interpretazione di Titti Nuzzolese e Peppe Romano.   Frida, una vita dedicata alla pittura “In nove mesi di agonia scoprii la pittura e una nuova ragione per vivere”. L’incontro fatale con i pennelli per la giovane Frida avviene durante un periodo di degenza forzata causato da un incidente che le provocò la frattura della spina dorsale. Frida Kahlo era una studentessa dell’Accademia di Arti di Città del Messico, accesa come un lume splendente nello spirito e nello sguardo. Diego Rivera ne notò subito la straordinaria tempra e predisposizione artistica.  Il seduttore, genio e orco della pittura messicana si innamorò di quella minuscola figura femminile che negli occhi neri come la notte conservava tutta l’energia della loro patria, il Messico. Il matrimonio tra “la colomba e l’elefante” è l’inizio di un connubio artistico che ispirerà Frida ma che le porterà anche troppo dolore da sopportare. “Se Diego non è felice io non riesco a stare tranquilla”. Quando l’arte della Kahlo irrompe e cattura l’attenzione della scena internazionale, la coppia si divide moralmente. “I surrealisti si sono convinti che la mia pittura sia surrealista – dice Frida – Io non lo sapevo finché Breton non è venuto in Messico. Ma non ho fatto altro che dipingere la mia realtà”. La solitudine di una donna che porta in se l’orgoglio e l’amore per il Messico si trasforma in arte incredibilmente comunicativa. Il travaglio per un rapporto che spesso appare a senso unico è la materia prima per la sua ispirazione. Lo spettacolo di Mirko Di Martino tra narrazione recitativa e realismo scenico Due sono le caratteristiche che rapiscono maggiormente l’attenzione del pubblico nello spettacolo di Mirko Di Martino. Una è la narrazione nella narrazione inscenata dagli stessi personaggi. Nessuna voce fuori campo ma solo Frida e Diego che, di quadro in quadro, di anno in anno, raccontano al pubblico cosa accade nel loro rapporto, nella loro arte e nei loro pensieri. L’incredibile somiglianza della Nuzzolese con la pittrice messicana è resa ancor più realistica grazie ai costumi di scena indossati che sembrano essere stati cuciti proprio in Messico. La solitudine germogliata nell’infanzia e nutrita durante l’età adulta rende Frida una figura femminile fuori dagli schemi, di ardua comprensione ma di facile compassione. I dipinti citati nella rappresentazione scenica sono illustrati a parole dal personaggio che ci trasporta nella sua arte e nelle ragioni emotive dei quadri che dipinge. Osserviamo così con la mente il dipinto Solo Qualche Coltellata (ideato a causa dei continui tradimenti di Diego), La colonna rotta (specchio della frattura interna che l’artista porta nei suoi giorni) e Ford Hospital (creato in seguito all’aborto spontaneo che Frida subì dopo il sesto mese di gravidanza). La gloria della fama minacciata dalle ferite domestiche della vita […]

Cosa accadrebbe se potessimo tornare sulla Terra dopo la nostra morte? Ultima replica questa sera al teatro TRAM di Napoli  per lo spettacolo Pulcinella Morto e Risorto. Scritta e diretta da Alessandro Paschitto, l’opera mette in scena le disavventure della maschera Pulcinella proiettate nell’epoca contemporanea. Pulcinella, così maldestro che non trova pace nemmeno all’Inferno Nemmeno da morto trovi pace, dice l’ex fidanzata a Pulcinella. La sorpresa di rivederlo piombato sulla Terra, lì dove l’aveva lasciata e abbandonata, suscita nella donna felicità e fastidio. Pulcinella, infatti, conduce una vita così maldestra da ritrovarsi all’improvviso morto e schiavo di Lucifero. Ma nemmeno il Signore dell’Inferno riesce a sopportare “la banale sprezzatura” di quella maschera fanciullesca. E così lo rimanda nel mondo dei vivi. Qui dovrà confrontarsi con la realtà, crescere e provare a dare un senso alla propria vita. Immatricolarsi all’Università sarà la chiave del suo successo. Un lasciapassare per quella società che lo ha sempre rifiutato. In quale disciplina desidera erudirsi? Basta che me date ‘o piezzo ‘e carta!  Il Vesuvio nero come la morte troneggia al centro del palco mentre la farsa energica di Pulcinella incanta gli spettatori, catturando il loro sguardo. Toccherà allo scrittore Felice Sciosciammòcca dare un senso logico alla trama. Lui che ormai ha perso la sua vena poetica troverà un finale degno e compiuto per la storia della maschera napoletana per eccellenza. Un trio di attori affiatati e magnetici diretti da Alessandro Paschitto A dare vita alle vicende di Pulcinella sono Alessandro Paschitto (nei panni di Lucifero e Felice Sciosciammòcca), Mario Autore (Pulcinella) e Raimonda Maraviglia (San Michele, il carabiniere e la fidanzata di Pulcinella). Un trio affiatato e a dir poco magnetico. La veemenza dell’espressione verbale e l’energia del movimento dei loro corpi rendono lo spettacolo attraente ed insolito. C’è tutto il mondo della Napoli caotica sul palco. Dei sentimenti del nostro popolo, le contraddizioni di uno stile di vita unico nel suo genere. L’importanza della parola è al centro dell’intrattenimento. Il bianco e il rosso richiamano i colori della pizza e quelli della passione dell’essere napoletano. Lo studio, il posso fisso, le relazioni instabili, lo smarrimento generazionale sono i colori di una identità che si sente perduta. Meglio stare all’Inferno che vivere il Paradiso sulla Terra? La commedia dell’arte ci insegna ancora una volta ad interpretare la realtà che ci circonda attraverso l’espediente della metamorfosi. Il tempo scorre e il futuro sembra nero. Il passato è fugace. Ci resta solo la possibilità di vivere il presente. “Nuje vulesseme truvà pace…”.