Eroica Fenice

Nessun oggetto di riempimento sul palcoscenico. Solo tre attori, anzi tre ballerini, perché non si è attori se non si finge, e la danza è l’espressione della verità che usa il corpo come mezzo di comunicazione. È ciò che fanno Nicola Simone Cisternino, Yoris Petrillo e Sara Sguotti in Don Quijote, testi, regia e coreografia di Loris Petrillo, un balletto “semi recitato”, in scena dal 3 al 5 marzo al Piccolo Bellini di Napoli. Prodotto da AcT/Cie Twain 2015 e con il sostegno del MiBACT Ministero per i Beni e le Attività Culturali e del Turismo e il contributo di OfficinaTwain 14/16 – Centro di Promozione Culturale del Territorio (Regione Lazio), in collaborazione con La Fabbrica dell’Attore/Teatro Vascello di Roma, lo spettacolo è realizzato dalla compagnia Cie Twain physical dance theatre. L’espediente al quale si rifà Petrillo per costruire la sua opera artistica è l’essenza, più che l’intera storia, del capolavoro seicentesco di Cervantes, un caposaldo della letteratura spagnola e mondiale, il Don Chisciotte della Mancia; infatti, ad insinuarsi sul palcoscenico ciò che si manifesta è non solo la famosa follia del personaggio cervantiano, ma anche il coraggio e la preponderanza a rincorrere qualcosa che, anche se in alcuni casi utopico ed indefinito, si desidera infinitamente. Così il Don Chisciotte di Petrillo vive attraverso i movimenti dei tre, che si vestono e si spogliano continuamente, che si fanno male continuamente, che si consolano ogni tanto. Petrillo e il Don Chisciotte che è in ognuno di noi Il dinamismo dei loro passi una volta è frenetico e pazzo, accompagnato da versi, urla e gargarismi che non sono parole, mentre l’altra è lento, piena di affanni e sudore, quasi ad indicare lo sfinimento e la delusione mista ad un pizzico di frustrazione che molte volte durante il suo percorso alla ricerca di Dulcinea (e della felicità) l’hidalgo vive nell’opera. Accompagnato dal suo fedele Ronzinante e l’indisponente Sancho Panza, la cui golosità e famelica necessità è espressa con semplicità sulla scena, Don Chisciotte si trasforma in ognuno di noi, nella inadeguata follia e incomprensibile resistenza che viviamo tutti i giorni nel nostro nucleo sociale. E il messaggio che un tale capolavoro cercò di raccontare allora viene riutilizzato da Petrillo soprattutto negli unici momenti parlati, messaggi chiari, forse un po’ ordinari per uno spettacolo che tende ad essere concettuale, in cui c’è una diretta denuncia delle oppressioni e delle ingiustizie di una realtà capitalista e attaccata alla materialità delle cose, che distoglie lo sguardo dalle vere atrocità che l’essere umano compie.   Ilaria Casertano

“Cesare, guardati da Bruto; sta’ attento a Cassio; non avvicinarti a Casca; tieni d’occhio Cinna; non fidarti di Trebonio; fa’ attenzione a Metello Cimbro; Decio Bruto non ti ama; hai fatto torto a Caio Ligario. Questi uomini han soltanto un proposito, ed è diretto contro Giulio Cesare”. È così che William Shakespeare nell’omonima tragedia profetizzò l’assassinio del più grande romano, Giulio Cesare, in scena al Teatro Mercadante di Napoli dall’8 al 19 febbraio. Prodotto dal Teatro Stabile del Veneto – Teatro Nazionale, adattato e diretto da Àlex Rigola alla sua prima regia italiana. Words. Parole, cita lo sfondo della messinscena e che farà da fulcro principale e rivelatore della storia, intorno alla quale si muoveranno gli attori, in un lento incedere prima e in una forsennata corsa poi. Parole, in questo caso la più sublime ars oratoria, che sorreggono da una parte i motivi dell’omicidio e dall’altra quello che è il più famoso monologo della tragedia, quello di Marco Antonio (Michele Riondino) a conclusione dei giochi, quando le carte saranno rimescolate nuovamente. Tutto sublimato dall’adulazione e dalla manipolazione, che in realtà nasconde la vera maschera di una tragedia storica come questa shakespeariana: la giustificazione della violenza per un bene maggiore. E poi ci sono le azioni, quelle che hanno mosso Bruto (interpretato da Stefano Scandaletti) a concretizzare la cospirazione già messa in atto per uccidere Cesare, aiutato del fedele Cassio (Michele Maccagno) e degli altri senatori, con l’intento di salvare la patria da quella che sarebbe stata una tirannia che ben presto avrebbe messo in ginocchio il futuro del popolo romano. Il Giulio Cesare pop ed energico di Rigola Così gli attori bravissimi a non calare nemmeno un secondo di intensità (tra i citati Margherita Mannino, Eleonora Panizzo, Pietro Quadrino, Riccardo Gamba, Raquel Gualtero, Beatrice Fedi e Andrea Fagarazzi) vestiti da lupi si azzannano e si scontrano, una violenza che è biasimata da il raggiungimento di un obbiettivo più grande. Il Giulio Cesare di Rigola è una tragedia che non stravolge gli schemi solo perché il personaggio principale, un Cesare nell’ultimo periodo della sua gloria già corroso da una possibile congiura, è interpretato da una donna (Maria Grazia Mandruzzato), ma anche perché è evidente il binomio, costruito a mo’ di denuncia, con l’attualità. Lo spettacolo infatti inizia con la foto del piccolo Aylan Kurdi riverso a faccia in giù su una spiaggia della Turchia, il simbolo dell’insensatezza umana e del sangue degli innocenti che viene riversato ingiustamente. Dopo un dialogo tra Bruto e Porzia (Silvia Costa) che è la scena più privata e che preannuncia il dolore e il cambiamento, quello della battaglia di Filippi è il momento più riuscito del Giulio Cesare di Rigola. Marco Antonio con l’alleanza tra Ottaviano e il terzo triumviro, Lepido, si schiera contro i traditori, ma anche questa profezia è già annunciata all’inizio. Più che attuale la scena assume caratteri pop, la musica è ritmata ma anche assordante, le immagini proiettate sullo sfondo sono vive e dirette, tutto sul filo della tensione, mentre lo […]

Un’incessante sequenza di primi piani, dialoghi serrati da una costante presenza di rabbia, intensità emotiva, e si potrebbe dire di disperazione, scene intervallate da precisi momenti musicali, sono alcuni degli elementi che ritornano sempre nel cinema di Xavier Dolan. Attore, regista, sceneggiatore e doppiatore canadese, precisamente di Montréal, quindi dall’animo francese se non europeo, una considerazione che caratterizza in qualche modo una parte dei suoi film. Un cinema che, a soli 27 anni, è riuscito a rendere originale, personale. Nel senso che i suoi film sono più che facilmente riconoscibili da un marchio registico che nella contemporaneità cinematografica non ha nessuno, specialmente quella parte stereotipata del cinema americano a cui tutto il mondo fa riferimento. Eppure, o proprio per questo, il suo cinema o si odia o si ama, alla follia. È solo la fine del mondo, l’ultimo film di Xavier Dolan È il caso della sua ultima pellicola uscita purtroppo, almeno in Italia, in pochissime sale, nonostante abbia vinto il Grand Prix all’ultimo Festival di Cannes e sia candidato come miglior film straniero ai prossimi Oscar: È solo la fine del mondo. Basato sull’omonima piéce teatrale degli anni Novanta di Jean-Luc Lagarce, il film vede come protagonista Louis (Gaspard Ulliel), un giovane scrittore che ritorna nella sua odiata quanto amata famiglia per rivelare a tutti la sua morte imminente per una malattia terminale. Sarà l’inizio di lunghi confronti ed estenuanti discussioni che metteranno in gioco ricordi sopiti e problematiche mai risolte fino in fondo. È solo la fine del mondo è la celebrazione di tematiche care a Dolan, come traspare da ogni singolo rapporto che il protagonista ha con i membri della sua famiglia, dal fratello (Vincent Cassel) e la sorella (Léa Seydoux, il cui successo con La vita di Adele gli ha permesso di diventare Bond girl in Spectre), al rapporto con la cognata (Marion Cotillard), ma soprattutto con la madre (Nathalie Baye). Viene assolutamente naturale tracciare una linea di comparazione tra il rapporto che il protagonista (un ruolo in cui c’è sempre, anche se in una piccola parentesi, un po’ di se stesso) ha con la madre e quello che c’è tra il protagonista e sua madre nel precedente film di Dolan, Mommy. Sempre nei film di Dolan la figura materna viene raccontata attraverso una lente di ingrandimento, verso cui dimostra perennemente l’esigenza di squadrarne i meccanismi, riflettere su ogni singolo momento di intesa, o di scontro, tra madre e figlio. I temi che ritornano nel cinema di Dolan Una tematica che ritorna, di film in film, e che ha origine da J’ai tué ma mère (letteralmente “Ho ucciso mia madre“, appunto) primo lungometraggio di Dolan, di cui è non solo regista, ma anche sceneggiatore ed interprete, a soli diciannove anni. In parte autobiografico, per la presenza del tema dell’omosessualità (un classico è Tom à la ferme ma anche Laurence Anyways) e per una audacia che è fortemente viva nell’arte cinematografica di Dolan, enfant prodige. Davvero l’enfant prodige del cinema, che da un’adolescenza scapestrata e senza un soldo è […]

Brutale, scioccante, considerevolmente folle. La premiere della settima stagione di una serie cult tra le serie di genere, The Walking Dead, finalmente è arrivata e ha sconvolto anche i suoi più accaniti fan. Qualcosa di sospetto era già stato svelato alla fine della precedente stagione. Shock assicurato e sorprese, difficilmente digeribili per chi si è affezionato ad ogni singolo personaggio, sono promesse che garantiranno una svolta nella serie. Anche una rivelazione per quella grossa fetta di pubblico che negli ultimi anni è rimasta delusa da un appiattimento generale degli episodi e delle vicende narrate, non più avvincenti come agli inizi. Per chi non conoscesse The Walking Dead: un riepilogo The Walking Dead nasce come fumetto dalla mente cervellotica di Robert Kirkman (creatore anche di Outcast), finchè nel 2010 il regista Frank Darabont decide di farne una serie televisiva, prodotta in America dalla AMC. Tutto ha inizio in un ospedale abbandonato, dove il vice sceriffo di Atlanta Rick Grimes (il protagonista è interpretato da Andrew Lincoln) si risveglia dal coma. Scopre però che nel corso della sua degenza il mondo è stato colpito da un virus che ha trasformato la maggior parte degli esseri umani in zombie, vaganti in cerca di sangue fresco. Lotterà per cercare sua moglie Lori e il figlio Carl, imparando a combattere come se la vita fosse una guerra e, soprattutto, come se ci fosse ancora qualcosa per cui sopravvivere. The Walking Dead può sembrare un semplice splatter, dove violenza, cadaveri e disumanità innaturale non mancano, una serie tv che diventa un cult preso da un genere più volte rivisitato e rimaneggiato. Ma questa serie non è solo un telefilm di intrattenimento. Immaginate sia la realtà. Un mondo dominato dagli zombie e dalla crudeltà dell’esistenza. Niente ha più senso e tutto è senza regole, sei solo, conta esclusivamente avere abbastanza coraggio per sopravvivere, e nel frattempo ogni giorno ti chiedi se vale la pena andare avanti, se forse non è meglio morire anziché stare a guardare chi è morto e chi muore. Anche tali sentimenti riesce a trasmettere The Walking Dead, ed è un errore, da spettatore, non considerare la profondità che riesce ad innescare negli intermezzi. The Walking Dead ha messo nel corso delle stagioni il pubblico di fronte ad un interrogativo: l’individuo che si trova ad affrontare questa possibilità di vita che evoluzione subisce? Ogni personaggio, seppur con una storia ovviamente diversa tra di loro per esigenze di entertainment, racchiude in sé il risultato della lotta tra bene e male e il libero arbitrio di una scelta che propende verso una o verso l’altra condizione. Non è solo una lotta contro il nemico, gli zombie, ma anche una lotta contro se stessi, dove si mette in discussione il proprio buon senso e ci si chiede se davvero si è stati una brava persona se, nel nuovo mondo da ricostruire, sei capace di uccidere un altro per non sacrificare te stesso. Cosa succede quindi se il nemico non è più lo zombie ma l’uomo stesso? La storia […]

La nullafacenza, l’insofferenza, l’indolenza e la noncuranza di una generazione che viene travolta dalla cattiveria e dall’indifferenza della società. Fatta di soliti schemi, di soliti meccanismi, che consapevolmente ti fregano. Allora crei una barriera tra te e il mondo, dove non esiste fiducia perché non la puoi avere dagli altri, ma prima di tutto non puoi riceverla da te stesso. Questo è il circolo vizioso in cui, più che vivere, sopravvive Leonardo, nel romanzo L’ubbidienza di Massimo Cacciapuoti, edito dalla Cento Autori. A fare da sottofondo alla storia è la Napoli della camorra, della meschinità, del “non me ne fotte di nessuno all’infuori di me stesso”. È nel gioco dei soprusi quello in cui entra Leonardo, ma probabilmente ne faceva parte da sempre. Il passo falso, forse inevitabile, avviene quando si trasferisce in una bettola – vista campi rom, per sfuggire ad una vita normale e nascondersi nei bassifondi di un’esistenza che cerchiamo di ignorare, ma che vive sotto i nostri occhi. L’affittuario è il boss don Ferdinando Salemme, un grassone pedofilo che gli concede la casa per pochi euro in cambio della sua totale subordinazione: infatti Leonardo piano piano entra nel vortice della criminalità, dal quale solo la morte potrà liberarlo. Ad attirarlo sono i soldi, la droga, le donne e la possibilità di non concedersi nessuna responsabilità, la fibrillazione che nasce dal poter lasciare il noioso lavoro di postino, sentirsi un dio. Una vita facile, facilissima, che ha comunque un prezzo, e ben presto Leonardo lo capisce, come risvegliandosi da un torpore, grazie anche all’affetto (in realtà quasi commiserazione per la stessa sorte) che prova per Cristiana, una delle tante vittime del boss. Ma sarà troppo tardi? Cacciapuoti narra con semplicità la cattiveria umana, da un punto di vista ordinario Massimo Cacciapuoti, nel suo riconoscibile modo di esprimere una realtà, crudo e privo di ornamenti, ci racconta da vicino parte di una società che preferiamo la maggior parte delle volte tenere nascosta, per guardare altrove. Cacciapuoti lo fa in quanto napoletano, con la sua stessa dialettica e con la consapevolezza che intorno a noi il male puro esiste davvero. È però un male indolente, viziato, proprio com’è lo stesso protagonista, il quale non è effettivamente positivo, ma anzi negativo, seppur inconsciamente. Infatti, al lettore viene voglia di odiarlo come odia ciò che lo circonda, e qullo stesso odio lo prova anche per se stesso: in fondo, non è diverso da nessuno di quei criminali da cui fugge. La differenza sta nel tormento che Leonardo prova dentro di sé, della paura di poter essere uguale ai suoi stessi aguzzini. L’autore descrive con scabrosità il sesso quanto la morte, perché la brutalità appartiene a tutti i personaggi del libro. Il tradimento è di tutti, forse perché l’unico modo di pensare e di vivere è quello della cattiveria umana. Una storia quindi in cui non c’è scampo, e la lettura de L’ubbidienza, per quanto di racconti con tale tematica ce ne siano parecchi, imprigiona e tiene sulle spine fino all’esito finale. Ilaria Casertano

Daniela è un’insegnante romana, che conduce una vita apparentemente tranquilla con la sua famiglia, il marito Antonio e i suoi tre figli, tra i quali la primogenita, Veronica, una bambina brillante e da un’intelligenza più acuta rispetto ai suoi coetanei; ma Veronica possiede un’altra particolarità che la rende diversa dagli altri, la dislessia. Io, te e la dislessia è una storia vera, seppur romanzata, scritta da Mariarosaria Conte, pubblicata dalla 13Lab Editore. Cos’è la dislessia? I DSA, ossia disturbi specifici dell’apprendimento, sono problematiche neuropsicologiche che vengono alla luce nell’individuo a partire dai primi anni di scolarizzazione, resi evidenti da difficoltà nella lettura, scrittura e calcolo. In realtà nella maggior parte dei casi, tali disturbi non sono facilmente percepibili dalla società, e vengono ricondotti molto spesso ad una semplicistica visione di un bambino svogliato ed “apatico”, come viene spesso definita Veronica nel romanzo, minimizzandone la diagnosi e l’importanza che ha nella vita effettiva. Il libro attraversa tutte le fasi di questa presa di coscienza, sia da parte della bambina, ma soprattutto della protagonista, mettendo al corrente il lettore del percorso scolastico che entrambe sono costrette, con coraggio, ad affrontare. L’una da figlia affetta da dislessia e tutti i disagi sociali che ne comporta; l’altra da madre, che soffre e vive ogni mortificazione e delusione della piccola allo stesso modo. È proprio questo sentimento ad emergere, pienamente e senza filtri: l’amore di una madre, forse molte volte eccessivo, la quale deve combattere non solo contro tutte le conseguenze interiori che nascono a seguito della scoperta del disturbo di Veronica, ma anche contro le istituzioni, la scuola e la medicina, che in Italia non comprendono, ancora oggi, fino in fondo quanto sia fondamentale individuare il più presto possibile i DSA in un bambino, per permettergli di convivere per sempre con la diversità. Il libro Io, te e la dislessia vuole anche essere un campanello d’allarme per chi deve lottare tutti i giorni non tanto contro questa diversità, ma contro la società e ciò che c’è intorno, che nella superficialità degli intenti isola ed etichetta il diverso. È rivolto infatti soprattutto alla famiglia di un dislessico, che ha il compito di accompagnarlo ed amarlo probabilmente molto più di quanto ci si aspetti, come fa la protagonista e tutta la famiglia di Veronica. Daniela si presenta come una donna fragile, una brava persona che ha vissuto sempre sapendo di non dover prevaricare sugli altri, dimostrando al prossimo rispetto ed educazione. Così ha cresciuto Veronica, Valerio ed Irene, e così, ingenuamente, si aspetta dagli altri, in special modo dalle maestre della figlia e dall’ambiente scolastico, il primo vero ostacolo al benessere sociale dei bambini se non vissuto serenamente; ma durante il percorso di conoscenza del disturbo, Daniela imparerà ad essere più forte, per se stessa e la sua famiglia. Io, te e la dislessia è quindi, nella sua semplice esposizione, un testo che può essere letto come un manuale, sia per chi voglia saperne di più su un argomento così delicato ed ancora sconosciuto, sia per chi ha vissuto […]

Una storia che assomiglia a fantasia, che non è leggenda né invenzione, se non per le numerose ipotesi nate nel corso del tempo per individuare l’uomo che si celò dietro la maschera, sanguinaria e psicopatica, di Jack lo Squartatore. Siamo nel 1888 a Whitechapel, quartiere degradato di Londra, quando la furia omicida di questo individuo oscuro, un’identità tuttora semisconosciuta (nonostante le diverse considerazioni in merito), fa breccia negativamente nell’immaginario collettivo e diventa un punto cardine della cultura inglese, così ricca nella sua tradizione di miti riguardo i misteri e l’investigazione. Sbrogliare la matassa di questo personaggio è ciò che compie Giuseppe Magnarapa, psichiatra romano appassionato di criminologia, con la recente uscita del suo nuovo libro, Sinceramente vostro, J. lo Squartatore, edito da NarrativAracne per Fuoricollana. Lo fa attraverso una storia parallela, ambientata ai giorni nostri. Dopo la scoperta di un possibile veritiero diario personale dello Squartatore, venuto alla luce misteriosamente grazie al ritrovamento da parte di Mike, un semplice operaio. Paul Rathman, documentarista della BBC, insieme ai due ripperologi Martin Stratham e John Klegg (la “Ripperologia” è una branca di studi dedicata proprio alla figura di questo serial killer), indagano a ritroso nel tempo, pronti a svelare la vera identità di Jack lo Squartatore, un tassello mancante che in sostanza mantiene in vita tutte le considerazioni fatte sulla sua figura, un mistero nel mistero. Le difficoltà di una ricerca così imponente sono dietro l’angolo, e gli ostacoli numerosi, non solo provenienti dall’opinione pubblica e dagli studiosi che hanno fondato la loro vita proprio su questa non rivelata identità, ma anche dalla Corona britannica, che preferisce tenere tale polverone nascosto ben bene sotto un tappeto per non corrompere ancora, anche se a distanza di secoli, l’immagine del paese. Jack lo Squartatore, un macabro mistero che ancora affascina Così dopo una dovuta prefazione in cui l’autore riferisce i risvolti della storia dello Squartatore e degli studi rivolti ad esso, con una dialettica e un’argomentazione che permettono di non lasciare indietro nella comprensione neanche i neofiti della leggenda, il corposo romanzo di Magnarapa si dipana nei precisi e particolareggiati momenti dell’indagine, non lasciando al caso niente e cercando di delineare un percorso chiaro, seppur lungo; le ripetizioni e i numerosi punti della situazione che schematizza, per forza di cose, si avvicinano più ad un saggio di criminologia, nonostante si tratti di un libro di narrativa. Il lato positivo è che, però, Magnarapa non lascia mai da solo il lettore e lo accompagna alla ricerca della soluzione, come in un giallo. Partendo dall’analisi dei referti giudiziari che videro Fanny Maywall, la moglie dell’omicida, giustiziata per avere avvelenato il marito, interrogandosi sul suo passato e sulla sua famiglia e studiando la comparazione del testo e delle lettere originali dello Squartatore, Martin, John e Paul arriveranno ad un sorprendente esito. Sinceramente vostro, J. lo Squartatore è un incrocio tra finzione e realtà, tra cronaca e fantasia. Si è portati, man mano che ci si avvicina al punto focale, a conoscere sempre di più e per questo a desiderare, […]