Fiori di zucchina (o fiori di zucca): un dogma culinario Se c’è un dogma imprescindibile, è che i fiori di zucca non possono mancare sulle tavole estive: il loro gusto delicato, leggero e saporito non ha eguali e li rende amatissimi da grandi e piccini. I bambini sono affascinati dalla loro forma sinuosa e delicata, dal loro aspetto da fiori e dai loro colori sgargianti, giallo e arancione vivo, e li mangiano con gusto e piacere, contravvenendo alla regola secondo cui i bambini non amerebbero particolarmente cibarsi dei prodotti dell’orto. Nulla di più sbagliato, perché i fiori di zucchina sono irresistibili e trovare qualcuno a cui non piacciono è difficile quasi come scovare un ago in un pagliaio. Come potrebbe essere il contrario? Versatili più del classico vestitino nero onnipresente in qualsiasi armadio femminile, i fiori di zucca sono il jolly della cucina. Rispondono egregiamente a tutte le esigenze e sono perfetti in ogni versione, sono un grande classico come la Coppa del Nonno mangiata sul lido in riva al mare quando eravamo bambini, e non c’è casa in estate che non contempli l’omaggio floreale preferito dalle donne in questo periodo: il mazzolin di fiori di zucca. I fiori di zucchina: un jolly della cucina. Versatili e gustosi, possono essere declinati in una miriade di ricette diverse   Ci si può completamente sbizzarrire coi fiori di zucca. La prima declinazione dei fiori di zucca che viene in mente, è quella più peccaminosa e goduriosa, quella legata direttamente a qualche tasto del piacere e alle nostre papille gustative: i fiori di zucca fritti e in pastella. La leggenda narri che leggere “fiori di zucca fritti e in pastella” causi riti di esaltazione collettiva, per via della bontà intrinseca del suddetto piatto, nonché una voglia improvvisa di procurarseli e farne una scorpacciata epica. Si può scegliere di prepararli ripieni (generalmente ripieni di mozzarella e acciughe, oppure ricotta e prosciutto cotto), oppure avvolgerli in pastella e friggerli  senza riempirli; saranno comunque ottimi e capaci di stuzzicare e soddisfare praticamente chiunque. Si consiglia di utilizzare, per la frittura, olio di semi (girasole, mais o arachidi) e di realizzare la pastella con farina, acqua fredda e frizzante e un po’ di sale a piacere, scegliendo con sapienza la consistenza ideale per avvolgere i petali dei nostri fiori di zucca, rendendoli croccanti all’esterno e morbidi e fondenti all’interno. I fiori di zucchina sono perfetti anche nei primi piatti, specie quelli a base di pesce: è il periodo perfetto per coccolarsi con un ottimo piatto di trofie al salmone e ai fiori di zucca, oppure con gamberetti e fiori di zucca o con vongole e fiori di zucca. Si sposano con la pasta, specie quella fresca, per via della loro dolcezza, e possono prestarsi anche ad alcune varianti light. Basta farli bollire in abbondante acqua salata e condirli con un po’ di sale e olio a crudo, dopo averli scolati e raffreddati, oppure possono essere cotti in padella con un po’ d’olio, magari abbinati alle zucchine tagliate […]

Addentrarsi nella scena musicale napoletana vuol dire cogliere diverse sfumature, prestare attenzione a realtà emergenti e allenare l’animo a scorgere la bellezza nei meandri dei vicoli e del cuore pulsante del centro storico di una città multiforme. A farlo sono i Babël, gruppo musicale della scena napoletana, tra torri di Babele, progetti futuri e sogni. Abbiamo scambiato due parole con loro, raccogliendo la loro storia di vita, di scambi e di espressione poliedrica. Nella scena musicale napoletana: intervista ai Babël Grazie per la disponibilità. Mi piacerebbe cominciare con una domanda forse banale ma a tratti difficile: cosa vuol dire il nome del vostro gruppo, Babël? Il nome nasce in seguito a diversi eventi, tra cui la visione dell’ omonimo film di Iñarritu, che tratta il tema della vicinanza e della connessione tra le persone, al di là della distanza e delle barriere linguistiche. Evidenzia, inoltre, l’eventualità dell’esistenza di un invisibile filo che ci collega tutti per chissà quale motivo. Un’altra ragione risiede nel fatto che ognuno di noi proviene da realtà personali e musicali diverse, che però convergono e trovano ragione di essere ed esistere nello sviluppo di un’estetica il più possibile corale nella forma, ma unica nella sostanza e nell’obiettivo comune. Babël, in primo luogo, è un chiaro riferimento alla leggenda della torre di Babele, struttura imponente che fu costruita dagli uomini stessi per avvicinarsi a Dio e in secondo luogo come rappresentazione del caos che ne seguì. Il mito infatti parla proprio di una confusione linguistica vera e propria, di un misto di lingue che permette a ognuno di avere una propria identità. Non a caso, i nostri testi sono spesso in diverse lingue, proprio per rendere concreto il nostro concetto. Come è nato il vostro gruppo? Il nucleo dei Babël, ha origine dalle ceneri di un vecchio progetto in cui figuravano Andrea e Luigi, rispettivamente chitarrista/compositore e voce/paroliere. Babël ha quindi ereditati vecchi inediti riarrangiati in seguito, grazie a Luca (batteria e percussioni) e Gabriele (bassista/producer). L’attuale formazione, prevede anche Daniele, il nostro manager e responsabile della Comunicazione. Cosa ne pensate della realtà musicale napoletana? E quanto ha influito Napoli sul vostro sound? Parlare di una sola realtà musicale a Napoli è sbagliato e riduttivo, in quanto questa città sta vivendo una forte attenzione mediatica ed un ricambio generazionale sotto qualsiasi aspetto. D’altronde, la realtà musicale napoletana è estremamente complessa. Per quanto ci riguarda, non consideriamo minimamente l’aspetto “neomelodico” del termine e di ciò che può essere considerato il “lato oscuro” di Partenope. La musica oltre che essere intrattenimento è anche una forma d’espressione, ma vi è l’impressione che in alcuni ambienti si presti attenzione solo alla seconda, dalla serie “Suoni se porti gente e se fai guadagnare il locale”, spesso non avendo nemmeno un compenso, o percependone uno assolutamente minimo. Dal canto nostro, ci siamo sempre allontanati da questi personaggi e da chi c’è dietro. Di contro, ammiriamo e siamo estremamente affascinati da tutti i nostri colleghi “emergenti” e dalle varie organizzazioni musicali, in primis il […]

Sotto il Vesuvio niente di Peppe Lanzetta e Pasquale De Cristofaro: un bestiario napoletano   Un bestiario napoletano, un magma di creature che si affastellano come formiche e che si muovono vorticosamente tra il sole e la lava del Vesuvio: “Sotto il Vesuvio niente” è una storia di mosaici, di tessere che danzano tra il fuoco e la salsedine e che urlano e sussurrano ai passanti, e agli spettatori, la loro storia. Storia comune per gente speciale, avrebbe detto Fabrizio De André, e quella delle creature del Vesuvio è una storia maledettamente e scandalosamente comune, normale nelle sue sfumature e speciale nei suoi risvolti che sanno di sangue e di morte. Il bestiario che si apre a ventaglio sotto il Vesuvio vede sfilare un caleidoscopio di tipi umani, uno zoo che si agita dietro le sbarre dello sguardo degli spettatori, che osservano il contorcersi animalesco delle figure del sottosuolo napoletano. Come bestie sgorgate dalla lava e dalla cenere, i personaggi del catalogo del Vesuvio si offrono alla platea: le lacrime napulitane vengono sublimate dalla voce dei menestrelli e dei cantori, che urlano a gran voce il loro dolore e la loro voglia di rivalsa, con il ritmo ancestrale e primitivo di percussioni che sanno di altri tempi e altre epoche. Peppe Lanzetta e Pasquale De Cristofaro, tra teatro, danza e canto La voce possente e straziante delle cantate napoletane scandisce lo spettacolo come un mantra ossessivo, che commuove punti dell’animo che il pubblico non ricordava di possedere: è leitmotiv dello spettacolo progetto di Peppe Lanzetta e Pasquale De Cristofaro, e come un filo rosso guida gli spettatori tra marinai, mandolini, vulcani dalle bocche fumanti e personaggi che urlano al pubblico la propria colpa e il proprio legittimo diritto di redenzione. I personaggi di “Sotto il Vesuvio niente”, la colpa se la portano addosso come un odore, come un peccato originale o un tatuaggio sotto gli strati dell’epidermide: le donne del bestiario del Vesuvio, nate dal mare come Veneri botticelliane, ma nate non da una conchiglia, ma dal tufo e dalla lava, donne napoletane sante e sgualdrine in cerca di un battesimo di redenzione. Le donne del bestiario vesuviano vogliono tutto, vogliono estrarre l’inverno dall’inferno, il sole dai vicoli bui e fitti, la schiuma dalle onde e la tempesta dal mare, sono sante e sono cristalline, e sembra che tra le loro cosce si annidi il segreto della vita e dei secoli. Accanto a loro, sfilano i femminielli, figure androgine e fluide, che stemperano l’emozione e la commozione piazzando qua e là, come fiori dalle spine pungenti, le loro battute a sfondo sessuale, i loro doppi sensi e giochi di parole, strappando al pubblico risate amare come l’aria che si respira nei vicoli certi giorni di agosto. Le baby gang irrompono sul palco: c’è posto anche per loro, in un bestiario vorticoso e incessante, e coi loro pugnali inscenano una danza scandita dalle urla degli adulti che usano aggettivi come “irrecuperabili” e che vestono di negazione il loro destino. Per le baby gang non esiste recupero, […]

Bagarìa di e con Francesco Rivieccio è andato in scena al TRAM il 26 maggio, per la penultima serata del Trentatram Festival Stat rosa pristina nomine, nomina nuda tenemus. Bagarìa è un soprannome nudo. Nudo, scarnificato e colmo al tempo stesso, pienezza e vacuità in un solo respiro. Il suo significato non si può toccare, sentire tra le dita, ma si può assaporare nella sua assoluta libertà di interpretazione. Bagarìa è il soprannome che emerge da un fondale nero, come un abisso sgorgato direttamente dal buco nero che tutti noi ci portiamo dentro. E proprio da quel buco nero che affiora, come da una palude allucinata, la figura di Francesco Rivieccio, autore e unico attore del monologo, con regia di Vittorio Passaro, suo compagno di traversata nel suo folle volo oltre le colonne d’Ercole e della canoscenza. Oltrepassare i limina dei confini della vita corporea è un leitmotiv frequentissimo, e per affermarlo non serve scomodare la Commedia dantesca, né tentare di inerpicarsi in confronti e parallelismi che svilirebbero l’essenza piena di uno spettacolo che non si pone come riscrittura del divino poema, ma anzi, il viaggio ultraterreno è solo uno dei tanti ingredienti mescolati in quel calderone che porta il nome di Bagarìa. Un pentolone che vede agitarsi in modo convulso tanti ingredienti e sapori diversi, e che alla fine si svelano nelle loro fragranze uniche e peculiari. Bagarìa: la leggerezza, la malinconia, la profondità e le riflessioni di Francesco Rivieccio Bagarìa è un nudo nome, un calderone di gusti differenti: è il soprannome di un ex architetto napoletano di sessantadue anni, incarnato da Francesco Rivieccio, che in seguito a un fallimento, si trova a fare il barbone e vivere per strada, tra le scarpe rosicchiate dai topi, le carte di giornale e i cocci di bottiglia. Dopo la sua morte, tra l’indifferenza generale e per strada, Bagarìa si sdoppia, tra il corpo, esanime e ucciso dal freddo, riverso sul marciapiede, e la sua anima, che assume l’età a lui più cara, i ventitré anni. L’opera è un confronto, serrato e tratti lirico e dolcissimo, tra l’involucro terreno di Bagarìa, avvolto nella sua coperta che funge da sudario, e la sua anima giovane e ventitreenne: ci si aspetterebbe di provare angoscia violenta e opprimente finitudine, per via della materia trattata, ma a dispetto dell’orrido cominciamento, i toni si elevano in una visionaria leggerezza venata di malinconia sognante, a tratti clownesca e circense. Osservare Francesco Rivieccio che volteggia sul palco, fa pensare a dei versi di Aldo Palazzeschi: Chi sono?/ Il saltimbanco dell’anima mia. Anima, saltimbanco. Sono due parole che si stagliano come pietre sulla coscienza, ma che diventeranno leggere come granellini di sabbia impigliati tra le dita. Il Bagarìa di Rivieccio è un saltimbanco, l’acrobata della sua stessa anima, un artista circense e camaleontico che passa in rassegna il racconto della sua vita a cominciare dalla fine, tenendosi in equilibrio sui ricordi e le memorie più intime: il matrimonio di Bagarìa, la scoperta della sua omosessualità, gli anni universitari con gli amici, il fallimento, la bancarotta, […]

Adam Jendoubi, abbiamo fatto due chiacchiere con lui sul fenomeno Liberato e su i suoi progetti futuri.  Cade ‘ngopp”o golf’ ‘na stella/ Chiove ‘ngopp’a Procida/ E tu t’e scurdat’ ‘e me/ Guarda ‘e fuoche abbascio Furcell’/ Chiove ‘ngopp’a Nisida/ E tu t’e scurdat’ ‘e me… Una Napoli malinconica, mistica e un po’ barocca. Rovine, tramonti violacei e amori sfumati come la linea labile che trema all’orizzonte del mare. Un golfo che profuma di stelle e nostalgia, l’acqua  porta a riva salsedine e rimpianto. Scogli, onde, sprazzi di ricordi e memorie. Gli occhi profondi di un ragazzo, che scrutano l’orizzonte con espressività e profondità. Sono gli occhi di Adam Jendoubi, il protagonista di tre dei video di Liberato: Tu T’e Scurdat’ ‘e Me, IntoStreet e Je Te Voglio Bene Assaje. I suoi lineamenti così particolari, lo sguardo lucido e misterioso e l’espressività che ricorda i quadri degli scugnizzi di Vincenzo Gemito, hanno stampato Adam Jendoubi nella memoria degli ascoltatori e spettatori dei video di Liberato: Adam è la rappresentazione della gioventù verace, istintiva e libera, il ragazzo che vive il suo amore sullo sfondo di Marechiaro e Mergellina, che sfreccia per il grande corpo di Partenope col suo motorino, che ama in quel modo puro e senza riserve che crea una stretta allo stomaco anche agli adulti più disincantati, che forse hanno dimenticato le emozioni più violente dei primi amori, quando anche solo un bacio rubato alla ragazza amata o una delusione, bastavano a toglierti il sonno e a farti rigirare tutta la notte tra le coperte, guardando il soffitto con gli occhi sbarrati. Adam Jendoubi è riuscito, col suo corpo e  l’espressività autentica del suo viso, a dare una fisicità tangibile ai video di Liberato, a diventare simbolo inconsapevole dell’istintività e della bellezza giovanile, quella che ti porta a legare l’intimità del vissuto con la scenografia eterna di un teatro a cielo aperto come il grande corpo di Napoli. Abbiamo incontrato Adam Jendoubi, per ascoltare la sua storia. Ci si presenta: alto, sorriso luminoso, gentilezza ed educazione esemplari, simpatia e risate. Abbiamo trascorso un bel pomeriggio in sua compagnia, ascoltando la sua storia nel centro storico di Napoli, tra l’arte e la bellezza della città, e ne è scaturita  una piacevole e interessante chiacchierata. Adam Jendoubi si racconta a Eroica Fenice Ciao Adam! Grazie di essere qui con noi! Innanzitutto, parlaci un po’ di te. Chi sei, cosa fai nella tua vita, quali sono le tue passioni. Sono nato a Forcella, ho quasi 18 anni, li compio tra un mese. Mi è sempre piaciuto recitare, ma ho sempre saputo della difficoltà dell’entrare in questo campo: nonostante ciò, ci ho sempre provato e ho sempre puntato al massimo. Per fortuna il regista Francesco Lettieri mi ha notato e mi ha permesso di fare questi tre video per Liberato. Come ti ha notato Lettieri? Parlaci dell’inizio della tua avventura con i video di Liberato. Direi che è stato per puro caso: Lettieri aveva contattato due miei amici, che sarebbero quei due gemelli […]

Al via il Trentatram Festival 2018, con 6 maggio 1938 di Guglielmo Lipari, liberamente ispirato a “Una giornata particolare” di Costanzo, Maccari e Scola Buio.  Sprazzi di luce arancione di fiamme che ribollono, forse in un’altra dimensione. Poi ancora buio. E infine tavola, fornelli, letto, piatti, libri, lenzuola, bucato, biancheria, brocche d’acqua e bottiglie di vino, affastellati come in un formicaio scenografico brulicante di correlativi oggettivi. Ogni oggetto è un correlativo oggettivo, è un feticcio, ogni singolo piatto, cuscino o lenzuola è una proiezione del corpo fascista che riverbera sulla carnalità della donna, disumanizzata, diserotizzata e relegata a puro mammifero dalle finalità di procreazione. Con questo imbuto scenografico di oggetti, riversati al cospetto del pubblico nella loro pienezza vorticosa, e con l’immagine di una donna che riaffiora dal buio, inizia 6  Maggio 1938, con Anna Rapoli e Marco Abate, drammaturgia e regia di Guglielmo Lipari, 28 anni, di formazione cinematografica (come dal regista affermato nel corso della serata) e proveniente da Cava de’ Tirreni. 6 maggio 1938 è lo spettacolo inaugurale del Trentatram Festival, alla sua prima edizione: il festival è iniziato giovedì 10 maggio e si concluderà il 27. La peculiarità del festival è quella di ospitare compagnie teatrali formate da attori e registi con meno di trent’anni. Saranno undici le compagnie a prendere parte alla rassegna, selezionate tra le più promettenti e interessanti del panorama nazionale; saranno giudicate da una giuria, composta da due gruppi: il gruppo degli Analitici, formato da addetti ai lavori, critici e operatori teatrali, e il gruppo dei Visionari, ossia di appassionati, studenti e amatori del teatro. Verrà proclamato un unico vincitore a cui andranno tre giorni di messa in scena presso il teatro TRAM nel corso della stagione 2018/2019. “6 maggio 1938” di Guglielmo Lipari: nell’universo dello spettacolo Entrare nel ventre, nello stomaco dello spettacolo non è assolutamente semplice: è essenziale approcciarsi a 6 maggio 1938 con uno sguardo libero e cristallino, con la mente ridotta a mo’ di tabula rasa nel dimenticare, volontariamente, il film a cui lo spettacolo è liberamente ispirato, ossia “Una giornata particolare”, o almeno provare a mitigarne il ricordo. Giudicare e recensire lo spettacolo seguendo la linea di confronto con il proprio antecedente cinematografico, sarebbe un’operazione sterile e infruttuosa: meglio provare ad addentrarsi nella pancia di questo piccolo spettacolo, esplorandone luci e ombre. Roma, 6 maggio 1938: Luciana, (interpretata da Anna Rapoli) si trova nel proprio altare domestico, eretto per lei da  marito, virile padrone fascista che muove i fili della vita di sua moglie, come un burattinaio intriso di sacro orgoglio romano. L’altare domestico in cui è relegata Luciana, quasi come una Didone nella propria roccaforte cartaginese, è composto da oggetti feticcio che, ammassati sulla scena come tanti ciottoli di una spiaggi abbandonata, le ricordano la propria sterilità emotiva e bulimia sentimentale. Il 6 maggio 1938 è il giorno della storica visita del grande alleato tedesco, Adolf Hitler, giunto in Italia per visitare Mussolini e accolto dallo strepito entusiasta di uomini, donne e bambini, tra cui il marito e […]

Pasqualino Esposito e le sue nuove avventure: testimonial al Grand Hotel Angiolieri di Seiano fino alla Mostra Cinematografica di Venezia Lui si chiama Pasqualino Esposito, vive a Casavatore vicino Napoli ed ha una simpatia travolgente ed una purezza d’animo, ed è appassionato di cinema, di arte, ama guardare film e incontrare i suoi idoli in carne ed ossa. Pasqualino è affetto da osteogenesi imperfetta, detta anche malattia delle ossa di vetro: la sua malattia gli porta grave fragilità alle ossa, malformazione degli arti, difficoltà respiratorie a causa della gabbia toracica malformata e gli è quindi essenziale l’aiuto della ventilazione meccanica. Il cinema è la stella polare della sua quotidianità, la sua scappatoia ed isola felice, e questa passione lo ha portato a divenire una stella del sorriso che ha incontrato stelle in carne ed ossa: i suoi idoli cinematografici. Pasqualino può infatti vantare tantissimi incontri con svariate stelle del cinema, attori di fiction e nomi di spicco della scena nostrana e internazionale, nonché la partecipazione a numerosi eventi e festival. Il suo festival preferito è La Festa del Cinema di Roma, a cui ha partecipato due volte: ha anche instaurato un forte legame con il direttore Antonia Monda e con Valeria Allegritti. La passione può salvare una vita e renderla degna di essere vissuta, può dare respiro e leggerezza alla sofferenza, e Pasqualino ci affida un grande messaggio: la realtà non è quella che si vede. Ci eravamo già occupati di Pasqualino, per narrare la sua storia e la sua travolgente passione per il cinema. Ci sono delle novità, perché Pasqualino ha dei nuovi progetti in cantiere e che si aggiungono al racconto della sua storia: è stato chiamato a fare da testimonial, col suo sorriso, al Grand Hotel Angiolieri di Seiano ed è stato invitato dal direttore Alberto Barbera in persona alla Mostra d’Arte Cinematografica di Venezia, per coronare ulteriormente la sua smodata passione per il cinema. Due chiacchiere con Pasqualino Esposito, tra cinema, nuovi progetti e desideri Ciao Pasqualino, ti andrebbe di raccontarci della tua esperienza come testimonial al Grand Hotel Angiolieri di Seiano? Come è iniziata quest’avventura e come sei diventato il volto di questo hotel? Quest’esperienza è nata tramite i social network. La proprietaria del Grand Hotel Angiolieri mi ha contattato su Facebook, abbiamo molti amici in comune. Abbiamo fatto una bellissima chiacchierata e lei mi ha chiesto se mi andasse di prendere parte a quest’esperienza, e quindi sono stato testimonial di questa bellissima location, che io consiglio a tutti di andare a visitare almeno una volta, anche per un week end. Ti andrebbe di raccontarci anche della tua prossima avventura a Venezia? Per quanto riguarda l’esperienza della Mostra d’arte Cinematografica di Venezia, è nata sempre tramite i social network, Qualche tempo ho pubblicato su Facebook un post, un amico ha letto il mio post e, notando la mia passione per il cinema e per i festival, mi ha chiesto se mi andasse di partecipare alla mostra di Venezia, dal momento che si occupa dell’organizzazione. Io […]