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Eroica Fenice

Fun e Tech

Intervista ad Alice Avallone: il coronavirus e il mondo digitale

Quale impatto ha avuto la pandemia sul mondo dei social? Com’è cambiata la nostra comunicazione quotidiana? E quali sono le domande giuste da porci per il post-pandemia? Proviamo a scoprirlo in quest’intervista ad Alice Avallone, fondatrice di Be Unsocial: Alice ricerca trend, insight e small data, e insegna strategia e narrazione digitale alla Scuola Holden di Torino La pandemia di covid-19 ha lasciato un solco profondo nelle nostre abitudini, trasfigurando la nostra quotidianità e il modo di comunicare: anche la nostra fisionomia sui social network risulta senz’altro mutata. ll trauma collettivo che stiamo vivendo ha indubbiamente determinato una metamorfosi irreversibile anche nel nostro modo di approcciarci agli altri e di presentarci agli occhi della comunità digitale. Nel marasma di questo periodo, tante sono le domande che si affastellano nella nostra mente: che società ci consegnerà la fine di questa pandemia? Che persone saremo? Cosa avremo imparato? Si potrebbe continuare all’infinito, ma ci stiamo davvero ponendo le domande corrette? Abbiamo provato a capirlo nella chiacchierata con Alice Avallone, agitatrice culturale, fondatrice di Be Unsocial, ricercatrice di small data, trend e insight, nonché docente di strategia e narrazione digitale alla Scuola Holden di Torino. Alice ha lanciato, appena decretato il lockdown, la sfida social #25Giorniacasa che ha ottenuto ottimi risultati e che ha ricevuto moltissime adesioni e contenuti; proprio in questi giorni, invece, è uscito l’e-book gratuito “Back to the future”, in cui un gruppo di 44 umanisti, giornalisti ed esperti della comunicazione, analizzano la dimensione collettiva del post-pandemia, cercando di fornire risposte alle domande più in voga. La pandemia e il mondo digitale è un tòpos che, nella narrazione della Storia con la S maiuscola che l’umanità sta scrivendo, diventerà paradigmatico; con Alice abbiamo esplorato l’argomento in ogni sua sfumatura: dall’impatto della pandemia sui social fino ai nuovi concetti di condivisione e intimità, passando per il tema della disuguaglianza sociale e della reazione dei brand. Infine, la tanto inflazionata similitudine della pandemia di covid-19 con la guerra, sempre più presente nei post sui social: vi spieghiamo perché è una semplificazione che rischia di essere riduttiva e limitante. Ora, lasciamo la parola ad Alice Avallone, che ringraziamo per la sua disponibilità. L’intervista alla docente Alice Avallone 1) Buongiorno Alice, innanzitutto grazie per aver accettato di rilasciare quest’intervista. Iniziamo con una domanda molto neutra: come hai preso l’inizio del lockdown e che cambiamenti ha avuto sulla tua attività di ricercatrice digitale? 1) È curioso, perché questa quarantena era quello che desideravo da tanto tempo. Non l’emergenza sanitaria globale, ovviamente, ma i suoi risvolti quotidiani. Mi ero ripromessa di prendermi una pausa da viaggi e trasferte, per dedicarmi alle mie ricerche senza distrazioni. Dunque, per me il lockdown è stato un toccasana, nonostante tutto. Inoltre, queste settimane per la mia professione sono di grande ispirazione, e infatti tutta la mia attività si è spostata nell’interpretare cosa sta succedendo e proporre chiavi di lettura su quello che sarà il post Coronavirus. 2) Che impatto ha avuto, in generale, la pandemia di covid-19 sul mondo del […]

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Attualità

Intervista al dottor Paolo Ascierto: cauto ottimismo per il Tocilizumab

Intervista all’oncologo e ricercatore del Pascale di Napoli, Paolo Ascierto: per il Tocilizumab cauto ottimismo; investire in ricerca e in sanità è il miglior regalo per i nostri figli Grazie all’oncologo e ricercatore del Pascale di Napoli Paolo Ascierto è stata avviata in Italia la sperimentazione del farmaco Tocilizumab, che ha già ottenuto dei risultati ottimi contro i sintomi del Coronavirus. Si è parlato spesso delle storie dei pazienti che, dopo essere stati trattati con il farmaco, sono stati estubati e hanno ripreso a respirare senza aiuti esterni. Abbiamo intervistato il dottore Ascierto per parlare del Tocilizumab e farci spiegare il suo funzionamento con chiarezza, per illustrare le condizioni dei pazienti a cui è stato somministrato il farmaco e per parlare anche dell’Avigan. Non sono mancati discorsi di più ampio respiro, dalla questione dei tamponi fino alla gestione dell’emergenza da parte della Campania, passando per i tagli alla ricerca e alla sanità e le controversie sull’origine del virus. Il dottore ha chiarito una volta per tutte che non bisogna dare adito ai complotti, ma fidarsi con serenità della scienza. L’intervista al dottor Paolo Ascierto sviscera tutte le sfumature della questione e ci aiuta a capire sempre di più che soltanto collaborando e affidandoci alla ragione, si potrà uscire da questa situazione. La nostra intervista al dottor Paolo Ascierto 1) Buonasera dottor Ascierto, La ringrazio per aver accettato di rilasciare questa intervista. Può spiegarci qual è il meccanismo di azione del Tocilizumab e in quali casi viene utilizzato? 1) É un farmaco usato da noi oncologi nell’immunoterapia che va ad agire sull’infiammazione del polmone. Da qui l’idea, condivisa con i medici del Cotugno e con i ricercatori cinesi, di sperimentarla nei pazienti affetti da Covid 19. Il Toci funziona lì dove c’è la famosa tempesta di citochine, questa è tipica di una condizione che si verifica quando si utilizzano le famose car-t e questa tempesta si presenta nel polmone in seguito all’infezione da Coronavirus. Pertanto la tempesta citochinica è tipica sia degli effetti collaterali dell’immunoterapia che del Covid 19. 2) Quali sono le condizioni attuali dei pazienti che sono stati trattati con il Tocilizumab? 2) Questa parte della sperimentazione viene svolta dall’Unità Sperimentale Clinica del Pascale, diretta da Franco Perrone. Dopo l’ok dell’Aifa e del comitato etico dello Spallanzani, il gruppo di Perrone si muove su una piattaforma informatica dove vengono raccolti i dati di tutti i pazienti degli ospedali italiani che verranno trattati con il farmaco. I centri si iscrivono via internet e possono registrare i pazienti da trattare nelle ore successive. Sempre tramite la piattaforma partono gli ordini per il farmaco che la casa farmaceutica che lo produce spedisce direttamente alle farmacie dei centri ospedalieri. Nel giro di poche ore sono stati arruolati i primi 330 pazienti della sperimentazione anche se con il farmaco finora sono stati trattati oltre duemila pazienti. I risultati scientifici verranno divulgati direttamente da Aifa e ci vorranno ancora un paio di settimane. Quello che posso darvi è un’impressione su quello che noi abbiamo osservato al Cotugno, […]

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Musica

Da L’Isola a Benvenuto, l’intervista: la quarantena di Luciano Tarullo

Intervista al cantautore Luciano Tarullo, originario di Agropoli: è passato ormai un anno dall’uscita del suo album “L’Isola” e ora è uscito il singolo “Benvenuto“. Come la staranno passando la quarantena, gli artisti? Questo è un quesito che ronza nella testa di tutti i “non addetti ai lavori”: spesso capita che gli artisti, in quarantena, si trovino a festeggiare il compleanno di un fortunato album e, addirittura, a sfornare un nuovo singolo. Questo è il caso di Luciano Tarullo, originario di Agropoli e uno degli artisti di spicco della scena cilentana. Con lui abbiamo fatto un’interessante chiacchierata e abbiamo toccato vari temi: la musica, la situazione musicale odierna, la quarantena, la creatività e l’isolamento, spaziando da un argomento all’altro come si farebbe tra buoni amici. Lasciamo la parola direttamente a lui, per immergerci nel suo universo. Luciano Tarullo, intervista Buonasera Luciano. Innanzitutto grazie di aver accettato questa intervista. È ormai passato un anno dal tuo album “L’Isola”: come hai festeggiato questo compleanno particolare? Ciao Monica, grazie a te per l’invito. È vero è passato già un anno dall’uscita del disco, anche se per me sembra passato molto più tempo dato che la sua produzione è iniziata qualche anno prima. Purtroppo non ho potuto festeggiare questo traguardo importante come avrei voluto date le circostanze. C’era in programma di organizzare un concerto con tutti i musicisti che hanno lavorato all’album e con vari ospiti ma non è stato possibile. Quando tutto questo sarà finito, probabilmente sarà la prima cosa che inizierò a programmare. Intanto però in questi giorni sono andato a guardare tutte le foto, i video, ho riletto le recensioni e tutti gli articoli che sono stati scritti sul mio album nell’arco di quest’anno. È stato un bel modo per rinfrescarmi la memoria e per prendere ancora più coscienza del fatto che è stato senza dubbio uno dei periodi più belli della mia vita. Le più grandi soddisfazioni che l’avventura di questo album ti ha dato? Senza dubbio le parole che mi sono arrivate da chi ha ascoltato l’album. Sai, di solito noi artisti diciamo sempre che questo lavoro lo facciamo prima di tutto per noi stessi, per esorcizzare qualcosa piuttosto che per dare espressione alla nostra anima. Questo è tutto vero. Ma non dobbiamo mai dimenticarci che l’Arte è comunicazione e la comunicazione ha bisogno di un interlocutore attivo, di un pubblico presente. Scrivo sempre per me stesso, ma consapevole del fatto che ciò che scrivo raggiunge un piena realizzazione di sé quando riesce ad arrivare con immediatezza alle persone. Per questo cerco di essere sempre sincero in quello che faccio, e la mia più grande soddisfazione è stata proprio che questo aspetto è stato largamente percepito. Parlaci ora del videoclip di “Benvenuto”: come è nato questo brano e cosa c’è di te, dentro. Il brano è nato come una lettera. Una lettera che scrivo a me stesso e che ho immaginato di spedire ad un Luciano appena nato, un Luciano che non ha ancora vissuto tutte le esperienze e […]

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Teatro

Radio Baule: audioracconti per bambini e genitori in tempo di quarantena| Intervista

Radio Baule, la nuova rubrica di audioracconti per bambini e genitori realizzata da “La lanterna magica del Nuovo Teatro Sancarluccio” ai tempi della quarantena. Intervista a Simona Di Maio, Sebastiano Coticelli e Luca Di Tommaso A Napoli, anche quando tutto sembra fermo, si rischia di essere ingannati. Sotto il silenzio, sotto le pietre del centro storico ormai mute, ribolle l’arte, quella che proviene dal bisogno primordiale di fare di necessità virtù. “La lanterna magica del Nuovo Teatro Sancarluccio” ha pensato ai bambini e ai loro genitori, e ci ha pensato donando loro ciò che di più bello e nobile ci sia: le storie. E si sa, con delle buone storie in casa nessuno è mai davvero solo! Tanti sono le storie, i mondi e le suggestioni evocate dai ragazzi di Radio Baule, e le rubriche sono stimolanti e creative. Si passa da “Favole al Telefono“, ispirate a Gianni Rodari, a “Cose a Caso“, per esplorare insieme l’universo degli indovinelli e delle barzellette, passando per l’appuntamento domenicale condotto da Sara Missaglia, “La domenica di Oz“. I conduttori d’eccezione di Rabio Baule? Nonno Gianni e Nonna Gianna, due simpatici e arzilli vecchietti pronti a incuriosire e stimolare bambini e genitori. Ora però lasciamo parlare Simona Di Maio, Sebastiano Coticelli e Luca Di Tommaso, per immergerci nell’universo di Radio Baule, direttamente dalle loro parole. O dal loro baule! Ciao! Grazie per aver accettato quest’intervista! Vi andrebbe di dirci in cosa consiste l’iniziativa “Radio Baule”? Che possibilità e potenzialità ha, secondo voi, l’audioracconto rispetto alla forma semplicemente scritta? Radio Baule è nata non appena abbiamo sospeso tutte le nostre attività, quindi la scuola di teatro, la stagione di teatro per l’infanzia e da subito abbiamo sentito l’esigenza di recuperare questi legami con il nostro pubblico, con i nostri allievi, di ricucire questo rapporto che si era interrotto bruscamente. Quindi è nata Radio Baule, è nata l’idea di raccontare storie, è un modo per sentirci vicini mantenendo il contatto, facendo arrivare le nostre voci a tutte le orecchie che hanno voglia di ascoltare. Ormai tutto ciò che si ascolta spesso si vede, a partire dai video, con gli audioracconti ritorniamo ad un ascolto essenziale, attivando solo il nostro udito e immaginando tutto quello che viene raccontato. Abbiamo scelto il potere del racconto orale per favorire e stimolare l’immaginazione e la fantasia dei bambini e perché no anche degli adulti. L’audioracconto ha una grande potenza, espressiva e immaginativa, perché chi l’ascolta completa con le proprie conoscenze e i propri pensieri quello che viene raccontato oralmente. Inoltre, considerando che molti bambini non sanno ancora leggere, diventa uno strumento universale. Come mai avete scelto un target di bambini e genitori? Ascoltare un racconto è un momento di gioco comune, significa concedersi uno spazio tra adulto e bambino per ritrovarsi uno accanto all’altro e poter condividere pensieri, idee, commenti o inventarsi dei giochi a partire da quello che hanno ascoltato. Trovare cose da fare tutti i giorni non è facile, quindi con le nostre rubriche vogliamo offrire la possibilità […]

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Libri

Le peggiori paure di Fay Weldon: tra i fantasmi nostri e degli altri | Recensione

Le peggiori paure di Fay Weldon, pubblicato da Fazi Editore e con traduzione di Maurizio Bartocci: viaggio tra i nostri demoni e quelli delle persone che amiamo “Le peggiori paure” di Fay Weldon, edito da Fazi Editore e con traduzione di Maurizio Bartocci, è come uno di quei respiri quando fuori l’aria è gelida ed è tutto ghiacciato; quei respiri che formano una nube talmente fitta che sembra un tiro di sigaretta. La nube evocata da questo libro è greve, vaporosa e dai contorni cupi, e avviluppa il lettore per non lasciarlo andare, tenendolo stretto per i calcagni e ancorandolo alle pagine con forza. Il tema della perdita del proprio compagno, della vedovanza, è stato affrontato molte volte in letteratura: basti pensare al modo magistrale con cui Gabriel Garcìa Màrquez ne parla in “L’amore ai tempi del colera”, quando descrive la prima notte di Fermina Daza senza il contrappeso del marito Juvenal Urbino dall’altro lato del letto. In modo analogo, ma allo stesso tempo antitetico, Le peggiori paure si apre con quest’immagine: Alexandra Ludd, celebre attrice, ha appena assunto lo status di vedova. Alexandra è stata abituata, per dodici anni, a sdraiarsi nuda accanto a Ned, in quel letto striminzito che a lei nemmeno piaceva, perché lei amava i letti grandi e spaziosi; si sdraiavano e dormivano intrecciati fino al mattino, fino a confondere e mescolare le temperature – fredda quella di Alexandra, rovente quella di Ned – e a raggiungere, il mattino dopo, lo stesso grado di calore. Alexandra non si era mai chiesta dove finisse il suo corpo e dove cominciasse quello del marito: un’unica entità, un’unica pelle, un unico amalgama di destini. Un po’ come la Fermina Daza di màrqueziana memoria. Il libro si apre anche con immagini secche, decise e appuntite come spilli; il lettore è infatti catapultato nel freddo asfissiante di un obitorio: All’obitorio, Abbie e Vilna fissavano la salma di Ned. «All’Ospedale di St James andai», cantava Vilna con la sua voce roca, «e il mio amor lì vi trovai. Terreo, gelido e spogliato su una bianca lastra abbandonato». Si erano fermate poco distanti dal morto. Fuori c’era un sole accecante ma l’obitorio, che era una semplice struttura di cemento, non aveva finestre, era molto freddo e illuminato con luce artificiale. «A Ned piaceva sentirmi cantare», osservò Vilna. «Ho una voce bellissima, non trovi?». «Bellissima», rispose Abbie. «Da morto sembra più giovane», disse Vilna. La morte non smette mai di essere compagna antica e nuova, contraltare perfetto della vita: si annida nelle pieghe delle lenzuola a righe del talamo rifatto ad arte, nella gioventù irreale dei volti dei cadaveri, nel vuoto fissato da Alexandra seduta sul letto del marito inerme. Ned muore di infarto mentre Alexandra è via per recitare in Casa di bambola di Ibsen; Ned muore mentre lei è intenta a trasfigurarsi nella “lodoletta” delicata e palpitante che le rimarrà sempre sul volto come una maschera digrignata, quella “lodoletta” che dovrà continuare a impersonare anche dopo il trauma della vedovanza, nella finzione più […]

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Musica

Opus Ludere, l’intervista: tango siculo-argentino e contaminazioni

Una commistione raffinata e unica, quella tra Sicilia e Argentina; l’arcaicità di una terra che non smette di produrre suggestioni e l’America Latina: cosa c’è di più sensuale? Gli Opus Ludere ci restituiscono questo connubio rarefatto, con le loro sonorità sanguigne ed eleganti. A loro la parola. Opus Ludere, intervista La vostra musica è sanguigna, raffinata ed elegante: quanto affonda le radici nella Sicilia? Che rapporto di contaminazione c’è tra la Sicilia e l’Argentina e che lavoro avete fatto, per renderlo al meglio? Il rapporto tra Sicilia (Italia, in generale) ed Argentina fonda le sue radici nelle grandi migrazioni a cavallo tra XIX e XX secolo, nella dignitosa povertà nutrita di speranze e, sovente, successi futuri. Il tango è un calderone di stili non privati di unicità e fascino ove modellati da creatori geniali e originali. In Argentina il genere nacque con flauto e chitarra. Per noi tutto ebbe inizio con Histoire du Tango, tra i capolavori di Astor Piazzolla. I compositori che hanno accettato il nostro invito a scrivere per Opus Ludere hanno espresso ciò che abbiamo definito “eufonia creativa”, un insieme di scritture, esperienze e provenienze, derivazioni colte e popolari, tutto amalgamato per giungere “al cuore delle origini “polverose” e oscure del tango, simbolo dell’unica memoria che rimane del tempo che travolge tutto. La sicilianità è nel suono: caldo, non pesante. La domanda più banale, o forse la più difficile: chi sono gli Opus Ludere e come si racconterebbero a chi non li conosce affatto? Raccontateci brevemente la vostra storia, dagli albori ad ora. Il nome del duo nasce da due parole che ci rappresentano in egual modo: lavoro e divertimento. Proponiamo un approccio non rigido nei confronti della cosiddetta “musica colta”, avvicinandoci al pubblico in modo simpatico (si spera) e abbattendo la “quarta parete” senza scadere nella banalità. Ci siamo conosciuti circa 10 anni fa (all’epoca il nostro flautista Domenico vantava ancora una folta chioma) collaborando all’interno di svariate formazioni cameristiche. In seguito, decidemmo che era arrivato il momento di “mettersi in proprio” o, più semplicemente, rimanemmo soli. L’impostazione classica di Domenico, frutto di innumerevoli esperienze orchestrali e cameristiche, ha aiutato ad interpretare partiture il più delle volte complesse e articolate. L’interesse per i linguaggi contemporanei, coadiuvato da una provenienza borderline di Davide, ha reso evidenti gli elementi extra-colti del repertorio. Dunque, il nostro percorso comincia dalle ultime tendenze moderniste del tango europeo, riscoprendo composizioni mai o raramente incise, inseguendo non solo una solidità tecnico-performativa, bensì la lettura “duale” delle partiture canoniche. Non è semplice “dedicarci” del tempo per progettare, ricercare, stimolare (minacciare) i compositori, provare, scoprire et similia, a causa di impegni lavorativi e familiari o, sovente, il risiedere in luoghi diversi. Eppure, lo abbiamo sempre trovato, ritagliandolo con cura. Di che concezione gode il tango in Italia? Esiste una cultura del tango e in che modo andrebbe incentivata, secondo voi? Aujourd’hui, il termine Tango sembra riferirsi soltanto al ballo. Opus Ludere invece ne indaga aspetti esecutivi e compositivi. Il disco è una sequenza di composizioni […]

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Eventi nazionali

Guido Catalano: Poesie al megafono al Tempio Valdese

Guido Catalano: Poesie al Megafono al Tempio Valdese di Torino, il 10 e 11 dicembre Il 10 e l’11 dicembre il Tempio Valdese di Torino ha ospitato il Reading di Natale di Guido Catalano, che ha declamato i versi delle sue “Poesie al megafono“, il libro sonoro uscito il 19 novembre per Rizzoli. Come un antro della Sibilla Cumana, o come una grotta illuminata da una penombra mistica ed eccitante al tempo stesso, il Tempio Valdese ha offerto il suo corpo di marmi e chiaroscuri a Guido Catalano: l’acustica della chiesa ha sublimato ogni sbuffo di voce del poeta, ogni mutamento impercettibile del suo tono e ogni guizzo della sua erre moscia, che ha avvolto le sue liriche come un involucro scanzonato e compiaciuto. Leggere una poesia di Guido Catalano, dalla carta stampata o sui display di uno smartphone, non restituisce le pause sincopate, gli umori, il ritmo dei respiri e il fiato che vibra, si innalza e si modula fino a creare delle vere e proprie spirali ipnotiche e capaci di catturare l’ascoltatore come una mosca intrappolata nell’ambra. L’ascoltatore rimane ingabbiato nelle spire delle poesie, intrappolato nei sostantivi e imbalsamato negli aggettivi e nei finali a volte buffi, drammatici o liberatori. Poesie al megafono ha una natura duplice, poiché non è solo un audiolibro, ma un oggetto tangibile, fatto di carta e inchiostro, è un oggetto a metà strada tra il regalo di Natale e il feticcio: feticcio perché cristallizza, per sempre, la voce del poeta, da ascoltare e riascoltare a proprio piacimento, che regala qualcosa di sé a chi ne fruisce. Gli regala il suo fiato, l’impasto della sua lingua e la sua voce, gli dona la chiave di lettura ideale per godere al meglio della poesia. Perché la poesia, si sa, è di chi gli serve, ma anche di chi sa come leggerla e come ascoltarla, per far sì che sprigioni pienamente le sue fragranze e la sua forza, spesso dirompente. Guido Catalano e il suo reading di Natale: un universo natalizio atipico L’universo natalizio, che Catalano ha evocato con uno schiocco di dita al Tempio Valdese, rasenta i toni di un bestiario moderno, in cui si affastellano personaggi costruiti con drammaticità e anche con ironia. Guido Catalano, vero e proprio guru dell’amore degli anni Duemila, ci invita con fare sornione nel suo antro, per lasciarci ammaliare e piantare in asso dalle figure che vorticano attorno al suo ideale albero di Natale. Se dovessimo pensare all’universo da lui evocato, penseremmo a una sfilata di amori abortiti, sentimenti dichiarati candidamente e spudoratamente, ex fidanzate che come fantasmi del Natale passato continuano a tormentare i protagonisti e Barbapapà che si tramutano in Barbamerda: ognuna delle comparse di questa parata entra in scena velocemente, si aggrappa alla saliva dell’autore e sparisce non appena la parola si è consumata nel soffio di una candela. Lo spettatore osserva, stupito e incuriosito come un bambino la mattina di Natale, la “luccicanza” dei personaggi di Catalano, che lampeggiano, volteggiano nella penombra come tanti spiritelli perversi […]

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Musica

The Niro si racconta, tra Jeff Buckley e originalità -Intervista

Intervista a The Niro: Davide Combusti dà la voce a Jeff Buckley, raccontandosi e rimanendo se stesso Davide Combusti, classe 1978, è la personalità che palpita dietro l’involucro di The Niro, anche se spesso i confini tra crisalide ed essenza si sfiorano e coincidono. Cantautore e polistrumentista dal respiro internazionale, ha iniziato la sua carriera con un’intensa e fortunata attività live, dividendo addirittura il palco con Amy Winehouse. Ha inoltre collaborato con Chris Hufford, manager dei Radiohead e l’artwork del suo omonimo album di debutto porta la prestigiosa firma di Mark Costabi, autore di cover dei Ramones e dei Guns’n’Roses. Il 4 ottobre è uscito un disco con cinque inediti di Jeff Buckley, “The Complete Jeff Buckley and Gary Lucas songbook”. Assieme al chitarrista Gary Lucas, c’è The Niro, che presta la voce a questa parte di repertorio di Buckley. Abbiamo provato a penetrare i confini del vasto e dissonante universo di Davide/The Niro. A lui la parola. Ciao Davide, grazie per aver accettato di rilasciare quest’intervista. Partiamo con la domanda più semplice, o forse la più difficile. Chi è The Niro e come lo descriveresti a chi lo incontra per la prima volta? The Niro è un cantautore e nasce a Roma. Sono da poco quarantunenne e ho sempre amato la musica. Il mio primo strumento è stato la batteria, perché mio papà era un batterista, e verso i sei anni ho cominciato a suonare la batteria. Verso i tredici ho cominciato con la chitarra, e verso i ventidue o ventitré anni ho cominciato a scrivere canzoni. Il primo progetto di band si chiamava appunto The Niro, poi la band si è disgregata e sono rimasto soltanto io, e siccome nel circuito indipendente romano mi chiamavano tutti The Niro, mi è rimasto appiccicato questo nome. E come mai questo nome? Da cosa è nato? Il nome nasce dalla passione per il cinema che ho sempre avuto, e dal fatto che, quando ho fatto ascoltare le prime composizioni agli amici, ho detto loro che sembrava musica da film. Mi sembrava simpatico fare un tributo al cinema: non avevamo pensato all’inizio a The Niro, ma a Bogart, però era stato già preso da una decina di band nel mondo, mentre The Niro, con questo gioco di parole, non esisteva. E poi comunque aveva un significato sia per gli italiani che per un pubblico internazionale. Spulciando un po’ il web, si evince che hai collaborato con un sacco di artisti, tra cui Amy Winehouse e il manager dei Radiohead. Qual è l’artista che più ti ha insegnato qualcosa e ti è rimasto nel cuore? Il manager dei Radiohead, Chris Hufford, mi chiese di partecipare a un suo progetto, e lì mi piacque molto il fatto che lui avesse avuto molto rispetto nei miei confronti, e questo mi fece pensare che, talvolta, delle situazioni “grandi” sanno essere molto più semplici e rilassate di situazioni più piccole. La cosa bella che ho imparato è che bisogna osare sempre e soprattutto, proprio perché la musica […]

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Libri

Ettore Zanca e Santa Muerte: l’umanità e la santità della morte

Santa Muerte di Ettore Zanca è una fiaba urbana che narra il lato umano, disperato e pietoso della morte. E se anche la morte diventasse un gioco? “Sono io la morte e porto corona, io son di tutti voi signora e padrona, e davanti alla mia falce il capo tu dovrai chinare e dell’oscura morte al passo andare”, cantava Angelo Branduardi nella sua “Ballo in Fa diesis minore“, prospettando l’idea di una morte antropizzata, incoronata e ornata con gioielli e monili scintillanti, che dà il via a un ballo in maschera in cui ognuno è chiamato a volteggiare con la propria croce in un’immaginaria danza giocosa e malinconica. La morte, insieme all’amore, suo doppio e suo contraltare, è stata la donna più cantata dalla letteratura, dal cinema e dalle arti figurative, più delle donne dello Stilnovo e più delle eroine celebrate dai poeti classici. La morte non è una donna angelicata e leggiadra, ma ha le guance livide delle donne di Baudelaire e Verlaine, che hanno perso la propria aureola nei meandri della città e delle sue pozzanghere. La morte ha una sacralità, un odore pungente che ricorda quello dell’incenso e degli altari: la morte  ha un crisma di santità. La morte è santa. Santa Muerte, come afferma Ettore Zanca nel suo libro edito da Ianieri Edizioni. L’eclettico scrittore palermitano che vive a Roma, dipinge la morte di santità, la rende sacra e la dissacra allo stesso tempo, in una fiaba urbana che ha il sapore delle memorie e dei giochi infantili che toccano le corde più profonde del lettore. La morte, un malinconico gioco infantile che esplora i meandri più intimi del lettore. “Facciamo finta che io ero…” Il libro di Ettore Zanca si apre così, creando un varco diretto e uno squarcio abissale nella memoria, che ci spedisce velocemente in quel mondo ovattato dove non risuonava nulla se non le voci delle nostri madri, il suono di un carillon e i ricordi di corse a perdifiato e giochi colmi di fantasia. Il “Facciamo finta che io ero” è un canale preferenziale che ci conduce negli interstizi della mente di ogni bambino, affannato a immaginare e tracciare i contorni del proprio mondo ideale. Cosa voglio essere oggi? Un cantante, un attore, un astronauta o un calciatore famoso? “Facciamo finta che io ero” è la porta girevole tra il mondo degli adulti e quello rarefatto e segreto dei bambini. Anche i grandi sono stati bambini, e farebbero bene a non dimenticarselo mai, a non dimenticare il profumo speziato di quel mondo inesplorato che aveva i suoi codici e i suoi schemi, e che sembra quasi dissolversi nel nulla non appena chiudiamo per sempre il piccolo cancello dell’infanzia. Ettore Zanca scopre il volto bambino della morte, la rende sacra e, come già detto, la dissacra. Come lo fa? Rendendola un correlativo oggettivo. Santa Muerte diviene il paradigmatico ed emblematico soprannome di Leonida, killer prezzolato dalla pistola color liquirizia che vaga tra le strade della città immaginaria di Labella: “è uno di quei […]

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Libri

Nuotando nell’aria, nell’officina di Cristiano Godano e dei Marlene Kuntz

Nuotando nell’aria, scritto dal frontman dei Marlene Kuntz Cristiano Godano ed edito dalla casa editrice “La Nave di Teseo”. Leggere “Nuotando nell’aria”, scritto dal frontman e fondatore dei Marlene Kuntz Cristiano Godano ed edito dalla casa editrice “La Nave di Teseo“, equivale a sporcarsi i polpastrelli di vita, polvere e provincia, e uscirne con lo scheletro incrinato e l’animo che riecheggia di poesia di fumo. La provincia piemontese di Cuneo, evocata con sapienza da incantatore di serpenti da un Godano dalla prosa scorrevole e seducente, ha il sapore dei denti digrignati e del sacrificio, quello contadino e laborioso che si conficca nella spina dorsale dei ragazzi dei Marlene chiamati a farsi le cosiddette ossa. Una provincia che sapeva di stanze da letto, new wave, Sonic Youth e adolescenza dalle unghie rotte e dagli spasmi di stomaco. Toccare con mano le pagine di questo libro vuol dire sbirciare la genesi e la fenomenologia dei Marlene Kuntz e penetrare, in punta di piedi, il retrobottega di Godano e del suo slancio lirico e creativo. Dietro 35 canzoni dei Marlene Kuntz: Nuotando nell’aria, a metà strada tra memoriale e story-telling. Il tutto avvolto dalla prosa semplice ma camaleontica di Cristiano Godano Nel panorama dei gruppi rock italiani, prima che una certa ondata di indie odierno cominciasse a spopolare e imporsi all’attenzione delle masse col suo strascico di dogmi e tòpoi stancamente decodificati, vi erano certezze granitiche. Che sono ancora certezze, nonostante lo scorrere incessante del tempo. Nello scenario del rock italiano, giganteggiavano i Marlene Kuntz, gli Afterhours di Manuel Agnelli, i CCCP di Giovanni Lindo Ferretti, i CSI e i post CSI di Massimo Zamboni, Gianni Maroccolo, Angela Baraldi e Giorgio Canali, i Diaframma e altri nomi che si stagliano con l’auctoritas delle pietre miliari. I Marlene Kuntz sono sempre stati quella costola un po’ noisy rock e un po’ cantautorale del rock italiano, quella spaccatura carnale e sensuale che ha sempre venato il panorama roccioso dell’autoreferenzialità della scena musicale, quella riga di caos strisciante e disciplina che ha increspato le acque. Cristiano Godano ci invita, con fare suadente, sornione ed elegante, a imbrattarci con tutta la materia malleabile e vischiosa che costituisce il mondo dei Marlene e lo fa mettendosi a nudo in una penombra letteraria che ci investe coi suoi fasci di luce e i suoi sprazzi di ombra. Il libro è suddiviso nel modo seguente: “Catartica“, “Il Vile” e “Ho ucciso Paranoia“, e ogni paragrafo reca il nome delle tracce di ogni album, in uno story-telling che racconta le canzoni dei Marlene sviscerandone la forma, le origini, la fenomenologia e gli eventi che le hanno fatte nascere. A metà strada tra confessione quasi psicanalitica, scrittura automatica stile beat-generation e flusso di coscienza, Nuotando nell’aria impregna le narici del lettore con l’odore di amori sublimati, donne idealizzate, orgasmi spezzati, amicizie eterne e tour in giro per l’Italia. Il libro è un caleidoscopio intessuto dalla mano sapiente di Godano, che ne modula i colori e le tonalità, fornendoci la sua versione dei Marlene: dalla scelta del nome (in […]

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Cucina e Salute

La casa come spazio vitale: prendersene cura come lo si fa con corpo e spirito

Letti, living, armadi, cucine, bagni e camerette: quando ci si accinge ad arredare la propria casa, bisogna curare ogni dettaglio ed essere attenti a coniugare funzionalità e gusto estetico. La casa è l’estensione del nostro io e dei nostri desideri, ed è l’oasi in cui trovare ristoro dagli affanni quotidiani, respirare rilassarsi ed abbassare le difese, e pertanto bisogna modellarla come se fosse un’estensione del nostro corpo e del nostro spirito. Che sia un restyling per riorganizzare gli spazi oppure un progetto di arredamento ex-novo, bisogna poter disporre di un’ampia scelta di marchi di qualità, per qualunque tipo di esigenza. I colori, i materiali e la sostanza sono essenziali per mettere a punto un progetto di qualità, e chi ha la fortuna di disporre di un giardino ha molta più possibilità di scelta: la cura del proprio spazio verde è essenziale e non va assolutamente sottovalutata, poiché è importante sapere con esattezza i tipi di piante che si possono coltivare, così come quelle ornamentali da posizionare nei vari punti dell’appartamento, per donare luce e freschezza all’ambiente. Da non sottovalutare nemmeno il fai da te: il bricolage e il riciclo di materiali possono essere davvero una soluzione vantaggiosa e creativa, dai più piccoli e semplici accessori fino ad arrivare all’allestimento di veri e propri mobili, in casa o fuori in giardino. Risulta molto semplice riutilizzare materiali o oggetti abbandonati per convertirli in complementi d’arredo originali: dalle cassette per la frutta in legno opportunamente dipinte, colorate e trasformate in scaffali per asciugamani, cosmetici, passando per la creazione di mensole per le spezie, l’olio, il sale e il caffè, fino alla realizzazione di contenitori di giochi per i bambini o di veri e propri mobili, come i divani allestiti in giardino con pallet o bancale. Il bricolage può fornire lo spunto per momenti ludici coi propri amici e figli: è molto soddisfacente realizzare oggetti per la casa con le proprie mani, oppure divertirsi col décopauge, ritagliando e incollando strisce di carta colorata su materiali come legno, metallo, vetro e in alcuni casi anche plastica. Tra i metodi più creativi per prendersi cura dei propri spazi va annoverato sicuramente lo stencil: immaginiamo una cucina spaziosa, luminosa, con le pareti decorate con disegni realizzati in precedenza, magari da noi o dai nostri figli. Potreste divertirvi a realizzare insieme le mascherine per gli stencil (di solito in cartoncino) e a decorare le pareti della vostra casa. Ma nulla va improvvisato,  e sicuramente vi è bisogno di una guida per orientarsi nel mare magnum del mondo dell’arredamento, così come è forte l’esigenza di affidarsi ai migliori marchi e seguire gli influssi e le tendenze dei professionisti. Lo shopping online giunge quindi in aiuto, sia ai neofiti che agli appassionati di decorazione e arredamento, e a tal proposito può quindi risultare molto utile spulciare il web alla ricerca di idee o di una galleria dei migliori prodotti o marchi, come quella presente sulla piattaforma Homelook. Perché la casa è il nostro spazio vitale, e prendersene cura richiede lo […]

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Culturalmente

Ipponatte: l’abisso e il sublime della letteratura greca

Itinerarium nella letteratura greca: un viaggio nel mondo crudo e poetico di Ipponatte Soltanto ad evocare il nome di Ipponatte, ci si sente in preda al rintocco irresistibile del giambo, al ticchettio degli scudi e al risuonare degli elmetti guerreschi, che formano un concerto metallico e sferragliante. La crudezza, la rabbia e lo sbuffo visionario della lirica, sono incarnati e miscelati sapientemente nel corpo della poesia giambica, rapidissima ed ascendente, che trova proprio in Ipponatte uno dei suoi numi tutelari, assieme ad Archiloco di Paro, Semonide di Amorgo e al romano Orazio. Spuntatadalle costole del simposio, la poesia giambica è nata nella Grecia arcaica attorno al VII secolo a.C., e i suoi temi caratterizzanti sono provocatori e dissacranti,  improntati al turpiloquio, alle oscenità, alla derisione, al ridicolo e all’invettiva. Se state pensando alla poesia giambica come ad una branca fortemente negativa della lirica, fate un respiro profondo prima di scoprire quanto vi state sbagliando: in realtà questo genere, criticando aspramente determinate cose e argomenti, punta a esortare e convincere il lettore a fare esattamente il contrario, offrendo però esempi torbidi e negativi. Sembra di sentire nelle narici l’aroma e il ritmo aspro della parakataloghé che, secondo la testimonianza di Senofonte (Simposio, cap. VI), si colloca in una zona intermedia tra recitazione e canto ed era una declamazione con accompagnamento strumentale dell’aulos.   Ipponatte e il giambo: un binomio inscindibile. Soltanto a srotolare e schiudere le labbra nella parola giambo, ci si figura l’immagine zoppicante di un vecchio, oppure di un guerriero ferito in battaglia che getta la scudo e abbandona la polvere del campo di combattimento, scappando con andatura claudicante: ed è proprio questo ritmo sghembo, imperfetto e sporco che il giambo punta a ricreare dal punto di vista metrico. Molto brevemente e senza lanciarci in tecnicismi troppo sottili (giacché esistono varie particolarità), possiamo affermare che il giambo è un tipo di piede adoperato nella metrica classica, formato da un’arsi di una sillaba breve e da una tesi di una sillaba lunga, conta tre morae. L’arsi e la tesi, nella metrica classica, indicano l’elevamento e l’abbassamento della mano, del piede o del dito, e stanno a indicare l’inizio di una serie ritmica nella scansione di un verso. La mora è un’unità di suono utilizzata in fonologia, che sta ad indicare la quantità di una sillaba, ma la sua definizione è ancora molto discussa; il termine in latino significa “ritardo”, “indugio”. Senza incastonarlo nell’orizzonte d’attesa del giambo, di Ipponatte è impossibile anche solo parlare o immaginarne un nebuloso profilo. Nebulose sono anche le notizie biografiche a noi giunte: San Girolamo lo pone nella prima metà del VII secolo a.C., seguendo erroneamente una tradizione eusebiana, mentre lo Pseudo-Plutarco lo colloca un secolo dopo, così come il Marmor Parium, un’iscrizione greca risalente alla metà del III secolo a.C., incisa su una lastra di marmo e di cui furono ritrovati vari frammenti nell’isola di Paro. Un’argomentazione a favore della tesi di una cronologia più tarda, si può raccogliere dalle stesse parole di Ipponatte, giacché ci è pervenuto un suo frammento […]

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Libri

Memoria delle mie puttane tristi: l’ultima elegia di Márquez

L’ultima elegia di Márquez, Memoria delle mie puttane tristi. Márquez non è soltanto Cent’anni di solitudine o L’amore ai tempi del colera. Nel sottobosco della produzione letteraria di Gabriel Garcìa Márquez si nascondono svariate perle dalla bellezza accecante, da apprezzare e amare come lo si farebbe con una persona in carne ed ossa. Una tra le opere più liriche e struggenti è senza dubbio Memoria delle mie puttane tristi. Per accostarsi alla lettura di quest’opera bisogna essere molto in confidenza con Márquez, ossia preparare la propria mente ad assorbire ogni sospiro proveniente da quell’universo parallelo al di là della realtà immanente, quel microcosmo magico e crudo che la penna dello scrittore colombiano sa evocare con sapienza magistrale. Bisogna abbandonare momentaneamente ogni connotazione spazio-temporale, smettere di ragionare in termini di priorità, scadenze e bisogni e rovesciare il sistema di preconcetti che sono impercettibilmente insiti in noi stessi. Memoria delle mie puttane tristi «L’inizio di una nuova vita a un’età in cui la maggior parte dei viventi è morta» Un giornalista novantenne, il giorno del suo compleanno, decide di regalarsi una folle notte d’amore con un’adolescente vergine. L’uomo, solitario e destinato a morire tra la polvere dei suoi libri e le melodie dei suoi dischi di musica classica, era abituato a pagare i suoi incontri sessuali fin dalla giovinezza, arrivando al punto di elargire denaro anche alle poche donne che non erano del mestiere. Si era rassegnato a comprare corpi e a godere di un piacere fugace e arido, rimanendo sterile nello spirito e impenetrabile a qualsiasi tipo di emozione affettiva. All’alba dei suoi novant’anni, contatta Rosa Cabarcas, proprietaria di un bordello molto rinomato in città. La sua richiesta? Concedersi una notte d’amore con un’adolescente totalmente estranea alle pratiche sessuali. Un rito d’iniziazione che nella Colombia primordiale aveva il sapore del mito, oppure l’ultima vanità di un uomo prossimo alla morte. Eppure le cose non procedono come sperato: il nostro vecchio giornalista viene colpito nelle parti più deboli della propria anima, quando vede la decadenza che segna il corpo della fanciulla, la sua integrità ancora così immacolata (che lui avrebbe dovuto portare via quasi come un rapace), il suo essere così minuta e indifesa. E riesce, così, per la prima volta a provare il piacere puramente mentale di contemplare un corpo nudo mentre dorme. Inizia a regalare a se stesso piccole attenzioni, come quella di curare il proprio aspetto fisico in previsione degli incontri con la ragazza, inizia a volersi bene e a smettere di vivere nella mediocrità di una vita passata a pretendere l’amore, a pretenderlo e a pagarlo. Il suo nuovo amore è sì a senso unico, eppure gli regala la vita, la vita sul baratro della morte, in un’età in cui tutti gli esseri viventi si apprestano a tirare le cuoia. Il nostro protagonista non s’immerge nel corpo della ragazza, eppure riesce a immergersi dentro se stesso, a scoprire nuove profondità che non pensava neppure di avere. La sua rinascita influisce anche sui suoi gusti personali, sul suo modo […]

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Libri

Ivana Leone: Forza e Libertà. Attraverso Alda Merini

Intervista ad Ivana Leone, autrice cilentana di “Forza e Libertà. Attraverso Alda Merini”. Cilentana, con un animo partenopeo, affascinata dai profumi e dai sapori di Milano, in cui ritrova sfumature e sentori cilentani, come il mare palpitante della terra e la creatività per impugnare la sua penna. Ivana Leone, autrice cilentana dal rapporto viscerale con la scrittura, si racconta a Eroica Fenice, e ci parla della sua creatura letteraria, Forza e Libertà. Attraverso Alda Merini, dedicata alla poetessa dei Navigli, alla piccola ape furibonda che nacque il ventuno a primavera. 1) Innanzitutto grazie per aver accettato di rilasciare questa intervista. Chi è Ivana Leone, se dovesse raccontarsi a chi non la conosce? 1) Il piacere è mio. Diciamo che non sono molto brava a descrivermi ma ci provo. Sono una sognatrice…amo il mare, il vento sulla pelle, la gioia, i sorrisi (quelli veri), le emozioni. Amo ridere, piangere, leggere, scrivere…Insomma, amo la vita, Tutta! Sono nata ad Agropoli ma ho vissuto a Roccadaspide fino all’età di 18 anni, piccolo paese del Cilento, con cui ho sempre avuto un rapporto di odio e amore. Gli studi universitari mi hanno portata lontana da casa e ho avuto modo di apprezzare maggiormente la mia terra, il Cilento è una terra magica fatta di profumi e acque cristalline. E’ proprio vero che quando si va via, si apprezza maggiormente ciò che abbiamo lasciato. 2) Che rapporto ha Ivana Leone con la scrittura? 2) Con la scrittura ho un rapporto viscerale. Non riesco a pensare alla mia vita senza di essa, rappresenta tutto, il mio modo di essere, il mio modo di esprimermi insomma un’amica con cui condividere tutto. Ho ancora tanto da imparare, mi piacerebbe sperimentare diverse forme di scrittura. Fino ad ora mi sono occupata principalmente di poesia e saggistica ma in futuro non escludo altro. Insomma, mi piacerebbe mettermi in gioco con altri progetti. C’è sempre da imparare, no!? 3) Quanto ha influito e influisce ancora il Cilento sulla tua attività creativa? 3) Come ho accennato prima, il Cilento è una terra magica, insomma sono una cilentana con un’anima partenopea. Spesso mi capita durante le mie passeggiate notturne milanesi, di sentire i profumi della mia terra e spesso addirittura sogno il mare ad occhi aperti. Tutto questo mi aiuta a mescolare i colori del Cilento con la magia nascosta di Milano. Anche Milano ha i suoi lati magici che bisogna saper cogliere. Insomma il Cilento e Milano per me rappresentano un mix perfetto di esplosione e creatività. 4) Perché hai scritto un libro legato ad Alda Merini? Cosa ti lega a quest’autrice? 4) Ho conosciuto per la prima volta Alda una sera in riva al mare; leggevo i suoi versi insieme all’Elogio della follia di Erasmo da Rotterdam e così è nata l’idea di scrivere la mia tesi di laurea sul tema della follia nella letteratura italiana. Da quel momento Alda mi è entrata “dentro” e non mi ha più lasciata. Dopo la laurea nel 2013 ho continuato a leggere e ad […]

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Culturalmente

Il mito di Meleagro, tra gli Argonauti e la caccia al cinghiale

I miti, con il loro carattere rituale e la loro componente selvaggia e atavica, costituiscono uno dei lembi più profondi conficcati nella storia dell’umanità, e la mitologia greca è l’involucro in cui è conservata la pelle dell’essere umano, quell’epidermide verace e piena di abrasioni e verità. Il mito di Meleagro è uno dei più conosciuti e fortunati, sia nel mondo greco e romano che in quello etrusco. Chi non ha mai visto, anche di sfuggita, l’effigie di un eroe nerboruto e prestante affiancato da un cinghiale?  Oppure quella del medesimo eroe, ma accompagnato da un cane e dal trofeo del cinghiale accanto a sé? Come è facilmente intuibile, il mito di Meleagro è strettamente collegato a quest’animale, che è la sua cifra, il suo doppio e l’entità che ha sconfitto per guadagnarsi la gloria eterna tra i numi, ma non solo: vi sorprenderete a sapere che il nome di Meleagro è saldamente allacciato anche all’avventura degli Argonauti, a Giasone e compagni. Meleagro e la sentenza delle Moire Ma partiamo dall’origine, per tratteggiare adeguatamente il profilo di questo interessante e controverso personaggio. Meleagro era figlio di Altea e di Oineo, re di Calidone, antica città dell’Etolia posta all’imbocco del golfo di Corinto. Questa paternità era abbastanza incerta, dal momento che si diceva fosse in realtà figlio di Ares in persona, dio della guerra, che era riuscito a far innamorare sua madre Altea. Sulla fronte del piccolo Meleagro iniziò però a pendere fin da subito un’atroce condanna:le tre Moire, depositarie degli intricati fili del destino, si presentarono al suo cospetto.  La sentenza fu fulminea: secondo Cloto, Meleagro avrebbe manifestato indole e lignaggio nobili, secondo Lachesi, avrebbe raggiunto una formidabile gloria eroica sul campo di battaglia, ma secondo Atropo, la sua vita sarebbe stata precaria e orribile. Sì, perché secondo Atropo, la vita di Meleagro era appesa alle braci di un tizzone ardente: al suo consumarsi, la vita di Meleagro si sarebbe interrotta. La sua vita e la sua morte erano dipendenti da quelle braci che ci consumavano come il dipanarsi dei fili delle Moire. Altea, per impedire il consumarsi prematuro della vita del figlio, tolse il tizzone dalle braci e lo conservò gelosamente in una cassa nascosta. Meleagro, tra Argonauti e caccia al cinghiale Meleagro crebbe sano e forte, mentre il tizzone era al sicuro nella cassa, come se il funesto vaticinio non fosse mai stato pronunciato da Atropo. Divenne un eccellente lanciatore di giavellotto, e Apollonio Rodio lo annovera tra gli Argonauti, anche se non riferisce nulla di eclatante riguardo qualche sua impresa particolare. Si unì anche in matrimonio con Cleopatra Alcione, figlia di Idas e Marpessa, e con lei ebbe la figlia Polidora, nota per essere la moglie del guerriero acheo Protesilao. Ma ciò che è rimasto impresso in maniera rilevante sulla cartapesta del mito di Meleagro, è l’avvenimento della caccia al cinghiale. Come tutto ciò che riguarda le divinità e le cose sacre, l’antefatto scatenante è sempre improntato ad offese capaci di far incapricciare gli abitanti dell’Olimpo: si narra che […]

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Musica

Nell’universo di Luciano Tarullo: intervista a un cantautore cilentano

Luciano Tarullo: dal Cilento alla sua “Isola”, passando per Sanremo Rock. Intervista al cantautore originario di Agropoli Cilento e musica: un connubio inscindibile di cui si sente parlare sempre più spesso, come se in quei lembi di terra a Sud di Salerno si annidasse un’energia creatrice, feconda e vivida, a dispetto della desolazione delle sue vie di comunicazione e delle sue problematiche. Uno dei nomi di maggior spicco che risuonano in Cilento, è certamente quello di Luciano Tarullo, cantautore originario di Agropoli. Con lui abbiamo toccato, in un discorso che si è prospettato come un viaggio scosceso e interessante, punti cardinali che ci hanno portato dalla situazione culturale del Cilento alla musica, dalla condizione dei giovani che si accingono a fare arte fino ad approdare a temi più personali della storia intima di Luciano. Lasciamo la parola a lui, direttamente, per inerpicarci nell’universo di questo artista. Ciao Luciano, innanzitutto grazie per aver accettato di rilasciare questa intervista. Ti pongo la domanda più banale, o difficile di tutte: chi è Luciano Tarullo e come lo racconteresti a chi non lo conosce? Luciano è prima di tutto un sognatore. Un ragazzo che punta sempre in alto ma che cerca di rimanere sempre con i piedi ben piantati a terra. Sono un tipo semplice, genuino e cerco di trasferire questo mio modo di essere anche nella musica e nella scrittura delle canzoni. Chi mi conosce bene sa che quello che scrivo rappresenta in pieno quello che sono nella vita di tutti i giorni. Questo è un rischio molto grande da un certo punto di vista, perché significa mettersi completamente a nudo, svelare completamente la propria anima agli altri, ma è anche l’unico modo che conosco per dire delle cose importanti attraverso la musica. Che rapporto hai con la musica? Le tue principali influenze e i “padri” da amare e uccidere. Ho un rapporto molto forte con la musica ma per niente ossessivo. Amo scrivere. Trovo che la canzone sia la forma di comunicazione più diretta e immediata che ci sia. Il rock è energia pura e mi piace utilizzare spesso questo linguaggio perché rappresenta a pieno il mio modo di essere. D’altra parte non sono bramoso di “successo” anche se, come ho detto prima, mi piace sognare in grande ed è anche giusto farlo quando dietro ad una canzone, ad un album, c’è tantissimo lavoro. Però preferisco sempre una sola persona che si emozioni ascoltando una mia canzone che 100 apatici like su Facebook. Mi chiedevi poi dei miei “padri”, come ho detto già tante volte in questi ultimi mesi non sarei nessuno senza aver ascoltato Battisti, De Gregori, De Andrè, Fossati, Vasco etc, tutti i grandi cantautori italiani, che amo molto e che non ho bisogno di “uccidere”. Sei originario di Agropoli. Cosa pensi della situazione musicale in Cilento? Domanda di riserva? A parte gli scherzi. Credo davvero che ci sia ancora molto pressapochismo, soprattutto da parte degli organizzatori di situazioni “live”. E purtroppo lo dico a malincuore. Non vedo che c’è […]

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Libri

Dio e il cinema: intervista a Donato Placido

Intervista a Donato Placido: quattro chiacchiere con l’autore dopo l’uscita di “Dio e il cinema”, scritto insieme ad Antonio G. D’Errico. Dopo l’uscita dell’intenso, sofferto e viscerale memoriale di Donato Placido, Dio e il cinema, scritto a quattro mani con Antonio G. D’Errico, ora raccogliamo la sua voce, il suo barlume di verità. La sua voce diretta, pura e che risuona come un eco distillato dalle pagine del suo libro, ci viene offerta senza filtri. E noi la riceviamo, perché non c’è miglior modo di sviscerare un libro che ascoltare il movimento delle labbra del suo autore. 1. Buongiorno Donato, innanzitutto grazie mille per la disponibilità. Direi di cominciare con la domanda più banale e semplice, o forse la più difficile: chi è Donato Placido e come si racconterebbe a chi non lo conosce? Buongiorno a te cara Monica. Ringrazio Eroica Fenice per l’intervista. Mi chiedi: chi è Donato Placido? In realtà conoscersi, raccontarsi, osservare se stesso e i propri pensieri, come tu stessa hai detto, è semplice ma nello stesso tempo anche maledettamente difficile. Io ho appena finito di raccontarmi in un memoir, intitolato Dio e il cinema, pubblicato dalla casa editrice calabrese Ferrari Editore. Mi ha proposto questo libro Antonio G. D’Errico e ho accettato questo progetto perché mi permetteva di vivere una sorta di profondo guardarmi. D’Errico mi ha intervistato al telefono tantissime volte, ovviamente registrando tutto, e io ho raccontato me stesso con l’onestà e l’autenticità che vivono da sempre nel mio DNA di uomo e di artista. Il mio è stato un viaggio tra memorie sedimentate, riflessioni e risonanze dell’anima. Ho risvegliato i ricordi per riviverli con la mente di oggi, ma ho voluto anche far uscire la mia cosmologia personale, il mio punto di vista sulle cose e sul mondo, con uno sguardo metafisico: ecco perché Dio. 2. Leggendo il tuo libro, si evincono le memorie di un’infanzia trascorsa in Puglia. Quali sono i tuoi ricordi, le sensazioni e suggestioni legate al profondo Sud dell’Italia e come hanno influito sul tuo percorso artistico? Ho viaggiato molto per lavoro, spostandomi da un posto all’altro per lunghi periodi, ma il Sud me lo porto dentro: è la mia casa, perché è il luogo in cui sento il ritorno. 3. E di Milano invece? Come è stato il passaggio da un mondo a un altro? Colgo l’occasione per chiederti come ti sei approcciato al mondo dello spettacolo. Milano è la città dove ho frequentato l’Accademia del Piccolo Teatro, una realtà culturale importantissima, fondata da Giorgio Strehler nel 1986. Sono orgoglioso di averne fatto parte, perché è stata un’esperienza illuminante non solo per la mia formazione attoriale ma anche nel mio rapporto con la poesia e con la corporalità della parola. L’approccio con il mondo dello spettacolo è nato, invece, quasi per una sorta di scommessa con me stesso. Una scommessa che si rivelò vincente, soprattutto all’inizio, perché ricevetti da subito offerte importanti come la miniserie mistery, prodotta dalla RAI Il fauno di marmo, con Orso Maria Guerrini […]

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