Il 22, 23 e 24 febbraio è andato in scena al Nouveau Théâtre de Poche “Cartoline da casa mia” di Antonio Mocciola, prodotto dalla Alessandro Vitiello Home Gallery con Bruno Petrosino e la regia di Marco Prato. Ad accaparrarsi la scena è un solo attore, un formidabile Bruno Petrosino che si cala nella parte di Fosco, un ventiseienne disadattato, il quale ha deciso spontaneamente di esiliarsi nella sua stanzetta, permeando le pareti difensive di ogni suo segreto interiore, navigando nel mondo all’interno della sua zattera carrozzata e comunicando con esso attraverso il ponte della penna e della carta scritta. Il Fosco di Antonio Mocciola è un cosiddetto “Hikikomori“(parola proveniente dal giapponese che vuol dire letteralmente “stare in disparte, isolarsi”), vive recluso nella sua stanza e aberra ogni contatto con l’esterno. Cartoline da casa mia di Antonio Mocciola, il linguaggio del corpo come superba verità ancestrale Un urlo sbattuto in faccia nell’ipogeo di una platea. Fosco urla, si libera delle vestigia morali. Fosco è solo: le sue parole scorrono tra le le incavature emaciate di un basso ventre scarno, peccaminosamente ossuto. Rifulge nella platea la tracotanza della nudità più impudica come ossa spolpate dalle cartilagini. Fosco è nudo nella bambagia del suo nido ed è un dardo infuocato scagliato nell’iride dello spettatore, che è costretto alla resa della pudicizia ed è avvolto dalla superbia del corpo nudo, dalle scintille di peli occulti, dai segreti della creazione materna, la quale zampilla come una sorgente diafana. Fosco vive nella sua stanza da ormai due anni. Un giorno di maggio ha deciso di esiliarsi in una scatola di pareti di mattoni e cemento. Ha issato la bandiera bianca della resa nei confronti di una società miope, ma con la quale dialoga, non come un eremita ritirato totalmente dalla società peccaminosa, ma come un uomo che ha come vesti le pareti di una stanza e ha come voce delle cartoline zeppe di lettere, alle quali è affidato il compito di una comunicazione senza  finzione  e con i grumi di sangue caldo dei versi della poesia. Fosco non vuole contaminarsi, non lo vuole più. Il testo di Antonio Mocciola è un inno alla verità. Lo scrittore pizzica le corde più ancestrali dell’animo di un personaggio e la relazione con l’altro si traduce nella mente di Fosco come qualcosa di estraneo, alieno, finto. Fosco  è stato fin troppo costretto a vestire la sua reale identità di abiti non consoni, troppo stretti e dunque destinati perennemente a strapparsi e a mostrare le nudità di una personalità non accettata. Il corpo lo ha sempre tradito. Si scioglieva costantemente sotto il fuoco ardente delle domande imbarazzanti dei suoi familiari; si amalgamava in un coacervo di imbarazzo: colava sudore come cera di una candela, guadi di sudore che sapevano di una verità improponibile. Fosco era una candela dalla fiamma languida che una mattina di maggio ha spento di irradiare la sua fioca luce e si è congelata nelle tenebre dell’oscuro bozzolo della stanza. Fosco ha scelto di venire fuori in tutta […]

Venerdì, 25 gennaio al teatro ZTN è andato in scena lo spettacolo “Ceneri – I Corvi neri del Sonderkommando”, scritto e diretto da Maurizio D. Capuano, con gli attori Rosa Andreone, Antonio Cilvelli, Emanuele Di Simone, Luigi Esposito, Arianna Festa, Emanuele Iovino, Alessandro Mastroserio, Gennaro Monforte, Enza Palumbo, Kevin Stanzione; i costumi, le bambole e le scenografie sono ad opera di Rosa Andreone; i forni crematori sulla scena, invece, sono stati realizzati da Gennaro Mondorte.  Lo spettacolo ridipinge in una ottica diversa quella orrenda pagina della nostra storia che è stata l’esistenza dei Sonderkommandos, internati dei campi di concentramento che avevano il compito di raccogliere i cadaveri dalle camere a gas e trasportarli nei forni crematori. Lo spettacolo è una riconversione di una tragedia così immane in una Piece circense, nella quale sono l’ironia e la comicità clownesca a vestire i panni di una storia così tragica, assurgendo ad un  compito catartico e vivificante, attraverso il sorriso. “Ceneri – I Corvi neri del Sonderkommando”, Una esplosione di ironia catartica e miseria umana Uno strato di cenere ricopre l’intero piano scenico, si sedimenta perfino sulle sedie della platea, polvere di ossa di cadaveri, inermi, immobili come  bambole di pezza. La morte si condensa in uno spazio circense, si intaglia nel rosso sbavato di un trucco.  Il tanfo dei cadaveri diviene il profumo di polvere di uno stambugio, il profumo di fragili stelle di carta cinerea, il profumo di teatro tra i solchi tristi delle crepe del trucco di un clown.  Il terrore dell’olocausto risuona tra i cadenzati passi truculenti, volteggia in pianti di lamentazioni  forzate . Lo spazio scenico diviene un circo; i corvi del sonderkommando, clown da strapazzo; i forni crematori divengono voraci macchine sputa cenere, che fagocitano cadaveri di bambole di pezza, restituendoli in uno sputo di coriandoli grigiastri. “I Corvi neri del Sonderkommando” è tutto questo: uno spettacolo circense, gesti bizzarri di clown, un movimento continuo di pagliacci buoni e cattivi, tra ironia e inquietudine, in una condizione di assoluta disperazione affogata in un’ironia caustica, che trangugia le pareti del teatro, rispecchiandosi nei sorrisi degli spettatori, ridisegnando l’orrore in un pastiche di riso e amarezza, di consapevolezza di un orrore attraverso una risata catartica. Ceneri – I Corvi neri del Sonderkommando, catarsi e ironia La catarsi attraverso l’ironia: ecco il leitmotif che trasborda agli occhi e all’udito di ogni spettatore presente allo ZTN. I trucchi clowneschi, impastati come calce viva sui visi degli attori, un po’ sbavati, asimmetrici, quasi a simboleggiare una assoluta ironia che  scioglie il rosso del tinta labbra sotto il bruciante calore orripilante dei forni crematori in una colata di sangue innocente, definiscono la scena in un continuo sbeffeggiarsi, non prendersi sul serio, sfottersi delle proprie diversità, imbrogliare il  Kapo delle ss, pagliaccio perfido e perverso, delle proprie incomprensioni, delle sue truculente urla da strapazzo, ridere del Blockfuhrer, del suo sorriso meccanico che gusta un lecca-lecca da bambino discolo. I corvi neri, pagliacci Sonderkommando, difatti sono consapevoli della loro duplice condizione miserabile: accollarsi il fardello della […]

Giovedì, 17 gennaio al Teatro San Ferdinando è andato in scena lo spettacolo “E Pecchè, E Pecchè, E Pecchè. Pulcinella in purgatorio” con la drammaturgia di Linda Dalisi e l’ideazione e la regia di Andrea De Rosa. A calpestare le tavole del palcoscenico gli attori pulcinella Massimo Andrei, Maurizio Azzurro, Rosario Giglio, Marco Palumbo e Isacco Venturini, che in un tripudio di gesti spasmodici, ripetitivi, di una recitazione forsennata, caustica hanno congelato la scena in un purgatorio di continui ritorni mimici e gestuali, roteando intorno ad un perno umano, una donna immobile,  silenziosa e misteriosa in modo inquietante,  interpretata dall’attrice Anna Coppola, intenta a perpetuare una speranza di un futuro arrivo, sotto la luce languida dei riflettori a rischiarare l’opacità nascosta sotto al velo dell’esistenza. “E Pecché? E Pecché E Pecché” – Pulcinella in Purgatorio: l’intera esistenza in scena Il silenzio è predominante, il silenzio è inframmezzato da gemiti, da movimenti corporei regolari, da calpestii e scricchiolii fradici di insensatezza. Il silenzio erompe tra gli interstizi della platea, borbotta tra i suoi ghirigori labirintici, serpeggia carezzando anime di spettatori in sintonia, smuove respiri ansimanti di figure mascherate e flutti di polvere di sabbia, innalza odori mistici, nubi catartiche smosse dal tonfo del senso. Davanti agli occhi unanimi della platea il palcoscenico è un Purgatorio, un luogo distopico, preso forma tra le frattaglie dell’esistenza umana. È incasellato in un mondo onirico, incastrato a metà tra un fulgido paradiso salvifico e il mondo terrestre, dove vi si scorge la polpa torbida di una bruma che obnubila il senso, giganteggia il dubbio umano verso l’esistenza. Questo è lo spazio claustrofobico in cui si muovono, in ciclici movimenti regolari, ritmici, lenti, teatrali, i quattro pulcinelli dello spettacolo “Pulcinella in Purgatorio”, che ruotano intorno ad un passaggio bloccato, in una drammaturgia sciamanica, cercando di carpire un segnale, cercando di ascoltare ed evocare voci di salvezza, striscianti tra l’ipogeo di un fondo sabbioso. Tuttavia, è il quinto pulcinella a stemperare le calcificate figure sovrumane, ad asciugare un clima mistico ed enigmatico con un umorismo tutto umano. Sbuca tra la platea, chiede indicazioni, sprofonda anch’esso nell’ade di un’attesa, profondamente spaesato. Il pulcinella in Purgatorio interroga continuamente gli altri, chiede dove è finito, se per caso è morto, dove è possibile trovare del cibo per mangiare. I dialoghi risultano esilaranti, di un’ilarità e comicità tutta napoletana. Il quinto pulcinella sbeffeggia gli altri, non si dà la pace, non riesce ad acquietarsi in una condizione di eterna attesa, ma anche incrostata in un perenne e ossessiva ricerca del senso, vidimata e accomunata da una domanda: ” E perché? “. Vi è sopra al palco, imperniata tra le schegge pungenti delle tavole, scantonata tra la pelle raschiosa del fondo sabbioso, l’intera esistenza umana, torchiata dall’insensatezza. Il regista in uno sforzo catartico crea una materia scenica che è emblema dell’esistenza. Marchiando a fuoco sugli occhi diafani del pubblico, attraverso la luce dei riflettori, crea delle figure emblematiche, motori atavici dell’uomo, incarnandole in personaggi umani quali la legge, il dogma, la morte, l’umorismo, […]

Lunedì 17 dicembre ha avuto luogo, nella “Sala Caruso” dello storico Hotel Vesuvio di via Partenope, la presentazione della mostra fotografica del calendario 2019 de ‘a Figlia d”o Marenaro”, firmata dalla fotografa Lucia Dovere, all’interno di un  progetto grafico ideato e realizzato dal designer Davide Mattei. Le fotografie sono incentrate sulla figura prorompente e audace di Assunta Pacifico, imprenditrice e fondatrice del famoso ristorante di via Foria, ‘a Figlia d”o Marenaro. Fotografie che emanano la fierezza e la tenacia di una donna che, partendo dal basso, è divenuta una delle imprenditrici più autorevoli e carismatiche della ristorazione napoletana: praticamente un miracolo dell’imprenditoria femminile tutta napoletana. Il ricavato delle vendite del calendario sarà devoluto interamente alla Fondazione Santobono Pausilipon onlus. ‘a Figlia d”o Marenaro, la regina della zuppa di cozze Gli scatti artistici ad una donna, la fierezza raggiante di una mamma imprenditrice dalla forza leonina, una figura che si staglia nella selva delle difficoltà della vita, fotografie che profumano di successo, così fiere a buon diritto che riflettono la luce raggiante del raggiungimento di un mito urbano. L’ambientazione di questa fantastica storia non può che essere Napoli, una città, che tra le mille voci gioviali e languide, fa risentire lo scricchiolio di una storia stratificata, di strade ricolme di bellezza, che sa anche racchiudere in uno scrigno di un’ostrica o nella conchiglia di una cozza, tutto il sapore vivo di una tradizione culinaria millenaria. La storia di Assunta Pacifico, ‘a Figlia d”o Marenaro, è intarsiata tra le vene marmoree dell’arte della cucina napoletana. La sua figura che riaffiora forte in uno sfondo scuro, sul palco del teatro Bellini, uno dei set fotografici più importanti di questo calendario, è sul piedistallo dell’arte culinaria. Una venere,  una divinità della zuppa di cozze, che emerge dai capelli dorati con uno sguardo severo, fiero, vincente, di chi ha affrontato gli angiporti oscuri delle difficoltà più svariate uscendone a testa alta, con un disegno sul volto, che emerge tra le cromature degli occhi, che ricorda il suo passato, la storia di una bambina e poi donna, figlia d’arte, che già in tenera fu iniziata alle asperità del lavoro, tra polpi annaspati e incrostature di cozze. Assunta Pacifico è la figlia di Papucc’ ‘o Marenaro e Maria l’Acquaiola. All’età di 7 anni imparò a fare la zuppa di cozze, tra i banchi della cucina del ristorante ‘a puteca, aperto nel 1955 a Porta Capuana dal padre Raffaele Pacifico. Puliva i frutti di mare in piedi su una cassa di legno di Peroni per sopperire alle mancanze fisiche della giovane età. Più in là, crescendo, recuperò l’altezza adatta per guardare dall’altro in basso una pentola che bolle, ma ciò che ribolliva ardentemente era il suo sangue, mischiato a quella atavica passione della cucina, instillata fin da giovanissima e facente parte del suo corredo genetico. Questa è la storia che Assunta Pacifico ci tiene costantemente ad anteporre come un memorandum, prima di ogni altra cosa, anche prima cogliere i frutti meritati del successo. La fierezza di queste sue umili […]

Giovedì, 11 ottobre, si è tenuta al caffè letterario Intra Moenia la presentazione della stagione teatrale 2018/2019 del Centro Teatro Spazio di San Giorgio a Cremano, uno storico palco solcato dai primi passi, indelebili nella tradizione del teatro napoletano, del grande Massimo Troisi, insieme a Lello Arena, Enzo Decaro e tanti altri attori che, tra le pareti del teatro di via San Giorgio Vecchio 31, intrise di un forte spirito teatrale, in un clima di grande fermento culturale, hanno varcato per la prima volta le soglie del palcoscenico. Noi di eroica eravamo presenti alla presentazione della stagione teatrale 2018/2019 del Centro Teatro Spazio e vogliamo raccontarvela. Stagione teatrale 2018/2019 del Centro Teatro Spazio: l’atmosfera L’aria, a volte, riesce ad addensarsi, a catturare particelle di immaginazione e arte, guarnendo con guadi aeriformi un’atmosfera, colma di magia scenica, di calore fervido della tradizione, dell’ebbrezza della catabasi della sperimentazione. L’aria, a volte, riesce a scalfire tracce tra le pareti con ricordi di parole recitate, di emozioni dal sangue storico. Quest’aria si condensa in uno spazio scenico, travalica la calce annerita di un sottoscala, crea gocce di acqua diafana che riflettono le maschere della tradizione, si congela in un piccolo teatro di provincia e riesce a incastonarsi tra le crepedel palco, conservando la magia del teatro, concentrandola tutta al “Centro Teatro Spazio“, un teatro storico che ha vissuto e rivive tra gli interstizi delle viscere della tradizione e del teatro contemporaneo e di sperimentazione. Sotto un mantello corposo di polvere negli anni ottanta, il “Centro Teatro Spazio” aveva concluso la sua attività. Aveva concluso le sue energie di suggestioni popolari della commedia dell’arte e le ingenti iniezioni di vitamine di prosa dialettale, aveva smesso di nutrirsi dei recitativi in quel dialetto prorompente, attuale. Dopo che la maschera di Massimo Troisi si era imposta in tutta Italia, il teatro era morto. Era in stato di decomposizione, sbudellato dall’incuria in una pozza di polvere, nella quale sguazzavano i topi, che  rodendo il legno consunto del palco e la plastica dei vecchi seggiolini di un vecchio cinema di San Giorgio (lì stipati ), giocavano a rincorrersi tra i burattini di Renato Barbieri, famoso burattinaio che aveva mantenuto il luogo come una sorta di scrigno prezioso di orpelli atavici, e lo usava come deposito per le sue creature, un deposito dove aveva conservato anche macigni di affetto, per l’amore per il teatro. Da lì è partita la sfida. Nel 1988 il drammaturgo, l’attore e regista Vincenzo Borrelli  ha deciso di far riemerge quel prezioso relitto, sprofondato nell’oblio: ha voluto scrostarlo dai sedimenti dell’inattività, oliare quegli ingranaggi ormai ossidati dall’indifferenza e dell’inoperosità; ha dato una definitiva scrollata alla polvere e alla foschia dell’abbandono, risollevando  quel corpo, fatto di tavole del piano scenico e dell’odore caldo della platea, riprendendo l’attività teatrale, sostituendo l’aria pesante dell’umidità alla fragranza eterea dell’arte, quell’arte teatrale che negli anni si era nascosta nell’oscurità del sottopalco e che ora poteva riemergere, in tutta la sua lucentezza. Dapprima Vincenzo Borrelli, insieme al padre Ernesto e al fratello […]

Venerdì 28 settembre 2018, nelle sale della Biblioteca della Società di Storia Patria al Maschio Angioino, è stata inaugurata la mostra personale di Francesco Vaccaro dal titolo “Nient’altro che Storia” a cura di Alessandra Pacelli. Nelle sale della biblioteca, in un tour tra letteratura e fotografia, lettere e immagini, tra la sontuosa fragranza della carta ingiallita e il forte odore di legno antico, si respira la storia, si respira l’arte. La mostra si terrà fino al 3 novembre. Con il tocco vivido del suo scalpello, l’artista estrapola da un blocco di marmo la sua opera, nascosta tra le crepature della pietra, intrappolata, prima ancora, all’interno di montagne di pietra di una cava, come un’anima pura, ancorata alle costole della terra. Lì prende forma, mentre aspetta di urlare il suo grido da nascituro, aspetta di sgorgare in tutta la sua brillante vitalità di anima intrappolata. Tutto il lavoro artistico di Francesco Vaccaro nella sua mostra personale ha questo costante rimando all’atto della estrapolazione. Le anime vaganti di spiriti puri in questo caso sono le parole taglienti, evocative, immateriali; il corpo di marmo invece sono i romanzi, le pagine scritte, le storie narrate, contenitori di segni, simboli, aleatori, se presi a sé stanti. In un crogiolo di impasti di materiale fotografico, audiovisivo, espositivo, l’artista cerca di donare un corpo alle parole, a frammenti di frasi scritte, impastando con le mani nell’argilla fresca di romanzi brulicanti, fino a raschiare il fondo dei loro sensi, quasi a creare teste di fonemi e corpo di consonanti e vocali. Le parole assumono forma, cercano di divenire emozione pura e assoluta: le parole, che nel loro insieme di suoni assumono senso, concetto e sensazione, si evolvono in corpo materiale, cercano di urlare i loro spiriti con materia tattile; divengono fonemi che emanano sonorità brillanti, quasi da acchiappare anche con gli occhi. “Nient’altro che storia”, Parole-corpo di Francesco Vaccaro Francesco Vaccaro interroga l’atto della scrittura. Scavare all’interno del linguaggio, come un aratro in uno smottamento di un terreno fertile nel suo costante rinvangare tra una miriade di parole magmatiche, è la ricerca di  granelli aurei con la quale incastonare sillabe evocative, donatrici di emozioni, memorie di passati trasfigurati. Il costante lavoro di tessitura del testo può avere carne ed ossa, può divenire sostanza di legni che portano impressi parole di cui sono portatrici, deve esimersi dal silenzio generatore, che è l’orto dove seminare frammenti di sillabe. Le parole, estrapolate dal contesto testuale, vengono rigettate dai fogli dei libri in cui erano contenute e, attraverso delle stampe laser su carta, si incarnano in blocchetti di legno, costituiscono pezzi di frasi, nascoste tra gli angiporti degli scaffali, incastonate tra i tomi antichi della biblioteca, come pezzi di iceberg in un mare di carta e simboli in un dialogo attraverso il tempo. Frasi e titoli di romanzi minori del Novecento, frammenti di testo, escono fuori dalla dimensione di immaterialità, vestono panni diversi, divengono emozione tattile, hanno l’ambizione di sostenersi in un altro corpo, rimanendo nella loro classica forma di parola, ma […]

Le storie tratte dalla saga del commissario Ricciardi si fanno musica e poesia. Lunedì 17 il debutto al Maschio Angioino. Noi c’eravamo.  Una Napoli che è malinconia. Una Napoli che ribolle nei guadi dei ricordi frammentari e truci. Una Napoli che spilla vita da ogni centimetro della sua pelle marina. Una Napoli di profumi, sapori, amori e poesia. Una Napoli che mantiene in equilibrio Eros e Thànatos su una bilancia con due pesi similari. Una Napoli che ruggisce di passione e energia, ma è in un costante equilibrio precario su una strapiombo, colmo di dolore  e di morte. Questo è lo sfondo nella quale Maurizio De Giovanni ha incastonato le sue storie minime, contenute nelle pagine della famosa saga del commissario Ricciardi, narrate sul palcoscenico del Maschio Angioino, lunedì 17 settembre, in un eclettico spettacolo di narrazione e musica, di teatro e spettacolo musicale che si sono fusi, donando un’ alchemica mistura di sensazioni, dove le storie hanno attinto una propria anima dalle note passionali della fisarmonica e della chitarra e si sono scolpite della loro fisionomia emotiva, alternandosi alla poesia della canzone napoletana. Lo scrittore è stato affiancato in scena dalla prorompente e soave voce di Marianita Carfora e dai musicisti Giacomo Piracci e Zac Alderman: l’unione di ciò ha restituito un corale assemblaggio di  pianto, malinconia, poesia, dolore, bellezza nella quale gli spettatori si sono immersi, percependo l’odore della salsedine del mare di Napoli e i suoni brulicanti delle sue strade polverulente, toccando con mano la quotidianità, quella felice e quella straziante, in un modo così profondo che perfino le pietre del mastodontico bastione hanno emesso un lungo gemito. Commissario Ricciardi, il racconto di storie minime tra Eros e Thanatos Due voci ad alternarsi sulla scena. Maurizio De Giovanni smembra le sue storie pregne di  pathos in un dialogo con Marianita Canfora, alternandosi in diversi ruoli, allorché  si cala nella storia. Il maestro De Giovanni colpisce diritto al basso ventre dello spettatore, scagliando frammenti di storie che sono dardi avvelenati, di un veleno di cui è pregna la quotidianità,  che è contenuto nella truce storia di un abbandono, di un inganno, di un lutto. Lo scrittore, come  un direttore d’orchestra, coordina i tempi e i modi della narrazione, sbugiarda le illusioni dell’uomo e funge da fulcro alla voce sontuosa, angelica, calda, lussuriosa di Marianita Canfora che, con intermezzi canori presi dalla tradizione della canzone napoletana, sazia le viscere delle storie, colora le parole  di emotività pura, costruisce quel velo magico che cala prepotentemente sullo spettatore, pregno di umide emozioni che passano attraverso le orecchie fino a sciogliersi sulla pelle e contribuire alla magia dell’immedesimazione. Un persistente filo conduttore lega le vicende delle storie. È la sordida e cruda durezza della realtà a calare prepotentemente nelle vite dei personaggi. Una realtà dolorosa che fuoriesce da qualsiasi tappeto di illusioni, incontenibile come le acque di un fiume in piena, alla quale non ci si può sottrarre. L’amore è il sentimento che attraversa il solco di tutte le storie: amori totalizzanti che hanno […]