Eroica Fenice

Mesa, “tavola” in catalano. Il senso della convivialità tipicamente suggerito dalla partecipazione a un lauto banchetto è insito nel termine, etimologicamente connesso a quel che nel dialetto napoletano è mesale, “tovaglia”. La veracità del nostro senso di appartenenza è riconosciuta dallo stare a tavola, dalle nostre preferenze in campo culinario, e perfino dall’apertura al nuovo. Lo chef Mario Strazzullo pone proprio la parola Mesa a campeggiare sulle tavole del suo caldo e accogliente ristorante sito a San Giorgio a Cremano. Diplomato all’Istituto Alberghiero di Vico Equense, lo chef Strazzullo ha partecipato a eventi culinari di grande rinomanza, come quando nel 2006 ha lavorato con Antonino Cannavacciuolo nella splendida residenza di “Villa Crespi”, o quando ha conosciuto Alfonso Iaccarino nel suo “Don Alfonso 1890”. Il senso della squadra lo porta ancora oggi alla valorizzazione del suo team, composto attualmente anche da volti nuovi, giovani, che grazie al suo supporto possono smantellare la credenza fittizia che lo «sì, chef» televisivo ha inculcato nelle menti dei non addetti ai lavori. Mario Strazzullo afferma: «il percorso non è tutto riflettori, bisogna tornare indietro, farsi le ossa. Ristorazione e non solo luci della ribalta». La propensione al sacrificio è palpabile nella cucina di “Mesa”, dove la cura per il prodotto non si accompagna alla sola attenzione a ingredienti genuini. L’obiettivo è quello di costituire una grande famiglia in questa città vesuviana, coinvolgendo tutti i più affidabili fornitori nel campo alimentare per creare un percorso di gusto completo ed efficace. L’atavica dimensione della comunità sta nello spolverare i libri di ricette del passato con le abilità dell’oggi. Non si cerca di stupire il visitatore con piatti complessi o pietanze considerate in. Si cercano piuttosto i metodi per tranquillizzarlo, per accoglierlo nel mondo del gusto. E così un piatto come l’inglese Fish&Chips è realizzato con patate dal sapore delicato e pesce azzurro nostrano. “Mesa” di Mario Strazzullo, un ristorante dal multiforme ingegno Mario Strazzullo fa appello a cibi non troppo ricchi, a quelli della nostra tradizione, evitando così di usurpare le pietanze del mondo esterno, il cui uso è spesso abusato, in una forma di ostentazione d’alta moda. Usurpare altri prodotti non trova ragion d’essere quando si riscopre ciò che si ha. Il ristorante “Mesa” vive sulle fondamenta misteriose di una probabile scuderia, con dei tratti che rendono l’ambiente, utilizzando le parole dello chef, una «trattoria elegante», dallo stile dunque composito, con colori caldi, legno, lampadari con illuminazione a vista e con richiami alla villa storica che probabilmente fu. La location complessivamente rustica è tinteggiata di moderno e classicheggiante, e si presta a una lettura esotica con le tipiche sedute arabeggianti con cuscini in tinte calde. L’ambiente esterno è una piccola oasi urbana piacevolmente ben curata. La sala interna apre al visitatore la visuale sulla cucina, ben esposti i cuochi in uno spasmodico e attento lavoro, con quel valore aggiunto di un sorriso familiare e premuroso. L’approccio positivo dello chef Mario Strazzullo lo ha portato ad amare la cucina in toto, con una tensione per i piatti […]

«Ditemi un po’ se è civiltà combattere chi ama». Questa la mordace sentenza che apre lo spettacolo Viktor und Viktoria, in scena al Teatro Augusteo di Napoli dal 20 aprile. Il canto di inizio è la modernizzazione di un inno all’amore libero diffuso nella Germania degli anni della Repubblica di Weimar, un tripudio musicale che l’autrice Giovanna Gra rivela di aver ardentemente cercato. Questo spettacolo dai mille volti, tra il comico e il serio, l’ironico e lo spaventoso, è, come afferma Veronica Pivetti, interprete del personaggio di Susanne Weber, «un inno all’apertura mentale». Per la prima volta nel suo adattamento teatrale, lo spettacolo Viktor und Viktoria si rifà direttamente al film omonimo del 1933 diretto da Reinhold Schünzel. La trama, resa maggiormente nota dal film con Julie Andrews, Victor Victoria, è, grazie al testo originale di Giovanna Gra e della regia di Emanuele Gamba, arricchita di nuovi spunti di riflessione, che, come sottolinea argutamente Nicola Sorrenti (Gerhardt in scena), dimostrano ancora una volta quanto la storia abbia parlato, urlato a squarciagola, ma nessuno l’abbia ascoltata. Diversamente dal film del 1982, Viktor und Viktoria è sensibile ai mutamenti storici di una Berlino inebriata dall’estrema libertà della repubblica di Weimar. Quegli anni hanno visto il primo trapianto di sesso, la lascivia dei locali notturni, l’amore libero. Una libertà di costumi sulla quale già incombeva inquietante l’ombra del nazionalsocialismo. Un momento storico dunque delicato, un po’ beffeggiato all’interno dello spettacolo, che resta una commedia, per quanto dal sapore agrodolce e dalle note malinconiche. Veronica Pivetti la definisce la «commedia degli equivoci per eccellenza, si entra ed esce da panni maschili e femminili». Veronica Pivetti è Viktor und Viktoria Il gioco dei sessi è infatti al centro delle vicende di Susanne, che condivide la miseria con Vito Esposito (Yari Gugliucci), un immigrato italiano innamorato del teatro quanto delle sue “bionde” ballerine, come Lilli Shultz (Roberta Cartocci). Susanne non riesce a essere scritturata, per quanto dotata di una gran voce, forse un po’ roca. Proprio i suoi lati più mascolini, il tono di voce e un energico sputo contro l’amore e le frivolezze, suggeriscono a Vito di portarla a un audizione sotto mentite spoglie, quelle di «una donna che finge di essere un uomo che finge di essere una donna». Dopo aver convinto la donna più influente di Berlino nel campo dello spettacolo, la Baronessa Elinor Von Punkertin (Pia Engleberth), l’ascesa al successo è immediata. Alla fine di ogni spettacolo, Viktoria solleva la parrucca e si fa Viktor. Ma cosa ne sarà di Susanne? L’incontro con l’affascinante conte Frederich Von Stein (Giorgio Lupano), scettico nei confronti della natura maschile di Viktor, potrebbe mutare il suo modo di guardare il mondo. L’epoca di un teatro ingenuo e del mascheramento, che porta alla ribalta un personaggio multiforme che con la sua energia stimola chiunque le si accosti. Come afferma Freud, spesso citato all’interno dello spettacolo insieme ad altri pensatori di quel tempo, le due sessualità non sono incasellata e ben distinte fra loro. Per questo Veronica Pivetti […]

AAA Accogliere Ad Arte è la concretizzazione di un’idea del Progetto Museo volta alla valorizzazione della grande bellezza del territorio napoletano e del patrimonio artistico che caratterizza la nostra città. Alla conferenza di presentazione il rappresentante del Pio Monte della Misericordia, uno dei poli museali coinvolti nell’adempimento del progetto, aggiunge alle tre iniziali una quarta e fondamentale A, quella senza la quale questo lavoro non sarebbe iniziato e non avrebbe visto pulsare i cuori dei suoi rappresentanti: l’Anima. Energia e passione colmano di gioia la storica dell’arte, nonché orgogliosamente docente di una delle scuole medie del centro storico di Napoli, Francesca Amirante. Il suo entusiasmo rivela una marcia in più, quella che solo la consapevolezza può dare. Parlare di Napoli e delle sue attrattive oggi sembra ridursi a una questione di numeri. Cercare di incrementare il tasso dei visitatori, contare uno ad uno gli stranieri che dal Porto Angioino decorrono i vicarielli, potrebbe distogliere l’attenzione da ciò che davvero importa e cioè l’uomo. L’umanità non si soppesa con un bilancio. Accogliere Ad Arte si prodiga a una finalità ben precisa: «Facciamo fisicamente incontrare arte e umanità, facciamo in modo che si conoscano reciprocamente e poi affidiamoci alla libera scelta di ognuno di entrare a far parte di questa spontanea comunità dell’accoglienza!» Francesca Amirante, presidente dell’associazione Progetto Museo parla così del grande lavoro nato dalla costante osservazione di ciò di cui Napoli pulsa, dall’ingegno di Laura Fusca, e dal supporto della Reale Mutua. La compagnia assicurativa di Torino ha infatti compreso il valore del glocal, il concetto di comunità diffusa e l’aiuto che Napoli può dare allo smantellamento dei luoghi comuni, etichette e giudizi di valore superficiali che i turisti spesso non dimenticano di riporre nei propri bagagli prima di partire. La grande famiglia di Francesca Amirante: Accogliere Ad Arte La cultura può salvare Napoli, ma c’è bisogno di una rete di supporto, un modo per coinvolgere e appassionare. Il metodo proposto da Accogliere Ad Arte è degno di essere esportato in tutte le città d’Italia. Le risorse umane del nostro territorio addette alla prima accoglienza sono i membri della Polizia Municipale, i tassisti di Consortaxi e TaxiNapoli, i dipendenti di Napoli Servizi, i custodi di chiese e musei. A tutti loro sono dedicate le tre A. Oltre 200 componenti di questi enti sono stati accompagnati da personale specializzazione e da volontari alla scoperte delle meraviglie del nostro territorio nei grandi musei che hanno partecipato all’iniziativa: le  Catacombe di Napoli, gli Incurabili,  il Complesso museale di Santa Maria delle Anime del Purgatorio ad Arco,  il Museo Civico Gaetano Filangieri,  il Pio Monte della Misericordia,  il Museo Cappella Sansevero, il Museo e Real Bosco di Capodimonte, il Palazzo Zevallos Stigliano, Il Cartastorie / Museo dell’Archivio Storico del Banco di Napoli,  il Museo MADRE e il Museo Archeologico Nazionale di Napoli. L’Assessore alla cultura Nino Daniele parla di «piccoli modelli virtuosi», persone appassionate alla cultura, che si impegneranno nel connubio fra arte e funzione civica nell’ottica lungimirante di un 2018 prospero. «Da soli […]

Dalla bocca del vulcano al centro della Terra. Un diorama è una finestra sul mondo, una scenografia di ambientazioni, spesso immaginifiche. Entrando nell’Intragallery, cuore dell’arte contemporanea a Via Cavallerizza a Chiaia, si prende parte a un diorama, si diventa arte. In movimento tra la rappresentazione del Vesuvio in una sua oleografia settecentesca e una sua fotografia dell’estate scorsa, tra i fumi degli incendi, presumibilmente dolosi, si diventa lapillo e pietra vulcanica. Lapo Simeoni vuole partire da questa dimensione, quella della primordiale materialità, l’essenza dello scarto, nella sua nuova installazione: DIORAMA/NAPOLI. Alla “Saint Martin” di Londra Lapo Simeoni interiorizza le tecniche adatte a comunicare qualcosa con l’arte, a trovare cosa davvero possa esprimere il proprio pensiero. Per Lapo l’arte permette di andare controcorrente rispetto alla società. L’arte ha l’essenza immortale che ci permette di vedere ciò che mai abbiamo visto, rivela un segreto. Il mistero che l’artista toscano svela nella sua opera di DIORAMA/NAPOLI è questo: come la distruzione possa essere forma di creazione. Lapo Simeoni e la sua opera La prima sala è frutto dell’osservazione di ciò che ci circonda, un’immersione nel reale. Si incontra la terra, la pietra vulcanica, riposta su un mobile sventrato, le cui parti sono state poi ricongiunte, ottenendo così forma nuova e vitale. La materia intatta viene distrutta, poi ricomposta, rivitalizzata, come i 25.000 euro tritati che Lapo Simeoni ha acquistato in Germania, ormai privi di valore, da lui imbustati come una refurtiva, ma in una borsa trasparente come in una vetrina, esposta su un piedistallo di ante di un armadio, scarto ulteriore divenuto protettore di una ingente somma. L’opera è da lui esposta all’Intragallery, e messa in vendita allo stesso prezzo del valore originario di quelle banconote da venti euro, ormai divenute coriandoli, irriverente rivitalizzazione della carta straccia. La moneta è ancora protagonista sui riquadri azzurro mare. I centesimi, le monete più insignificanti, sono lì che scivolano su uno sfondo colorato, nella graduale dissolvenza. Lapo Simeoni è da sempre interessato alle questioni sociali, la cui attenzione è riversata anche nelle opere dell’esposizione DIORAMA/NAPOLI. Quelle monete sono come i migranti, immersi nell’oblio del mare, a mano a mano solo impronte d’uomo, ma anche merce, un ulteriore tassello dell’astuzia del capitalista, che ha ormai oppresso lo spazio delle cose dell’amore, lasciando lo spazio agli oggetti. Famelica espansione nel mondo: è Napoleone la personalità che la incarna. La sua silhoutte sul materiale di recupero è sintomatica del tramonto della onnipotenza umana, alle falde del Vesuvio. Lapo Simeoni salva le cose, le smonta e riassembla, generando vita vera. Il consumismo è l’ossessione dell’uomo, l’unica risposta è l’estetica dello scarto. Persino la materia dello scarto dello spray per la realizzazione delle sue opere, come pelle di serpente viene grattata via per poi essere incorniciata, diventa protagonista. La frammentazione e la demolizione della materia sono strettamente connesse al tempo, fonte di ispirazione per il suo viaggio al centro della Terra. Novello Jules Verne, Lapo Simeoni porta il visitatore in profondità, dove le cose sono sedimentate in un luogo sicuro, nel […]

Cosa pensiamo quando parliamo di adolescenza? Probabilmente la prima risposta sarà “è un periodo intermedio della vita“. Ormai consumata l’espressione “non si è né carne né pesce”. Definizioni su definizioni, risposte inconcludenti, perché tutte dallo stampo mortifero. La definizione dell’adolescenza è all’insegna della non-essenza, come insegna lo psicologo Stefano Maltese. La non definizione sottolinea una condizione di halfness, di incompiutezza, che in un’ottica psicopedagogica non agevola il dialogo, “perché tanto poi gli passa“. L’argomento delicato del fenomeno hikikomori, cioè dei ragazzi tartaruga, parte da qui. Indubbio lo scarto che la fase adolescenziale presenta con il periodo dell’infanzia o dell’età adulta. È l’età della vita (perché questa è la sua definizione corretta) delle prime relazioni, del contatto con il mondo della scuola, forse il più critico, con il mondo degli adulti, tanto nel riconoscimento dell’essenza umanizzata dei genitori, riconosciuti nella loro ridimensionata onnipotenza, tanto nelle vite degli insegnanti. Nell’alterità si conosce se stessi, ci si incomincia a porre le prime domande e c’è qui quel momento di rottura, che è una demolizione del guscio dell’infanzia e apertura al mondo selvaggio e sconosciuto. La differenza sta nel come lo si venga percepito: una grande avventura o il peggior incubo. Gli hikikomori e il lancio nel buio Partire dalla dimensione dell’infanzia per riconoscere il problema degli hikikomori non è scontato. L’ottica adottata è quella della teoria sistemica, caposaldo della realtà psicanalitica dei nostri tempi. Il sistema è costituito da un centro e da tutto ciò che vi ruota intorno, l’individuo e il suo spettro di relazioni. La falla di uno dei componenti del sistema è una ferita di cui tutto il sistema si prende (o dovrebbe prendersi) carico. Il sistema di un ragazzino di 14 anni alle soglie dell’adolescenza è quello che vede protagonisti la famiglia e la scuola. Mettiamo caso che quel ragazzo diventi adolescente e non sappia nemmeno il perché. Viene trattato semplicemente in modo diverso e incomincia a porsi domande. A quelle domande gli viene risposto con un continuo “è solo una fase” o “un giorno capirai“. E nell’attesa di quel giorno? Annichilimento. L’impossibilità di relazionarsi porta al cosiddetto ritiro, alla sindrome di hikikomori, dei ragazzi chiusi nel proprio guscio, perché se il mondo esterno non può sopportare il peso delle proprie domande, se il taboo nei confronti delle pulsioni sessuali e dionisiache non avrà un attimo di sosta, ma soprattutto se non sussisterà il dialogo, allora è meglio sparire. L’annullamento del peso corporeo porterebbe quindi l’adolescente a immergersi nella realtà virtuale, dove il peso del sé che il mondo non sorregge può essere in sospensione nella rete. La fobia della relazione ha la sua genesi nella fobia del rifiuto, perché una delle prime domande potrebbe essere: “chi sono io?“. Nessuna risposta, perché nemmeno gli adulti lo sanno. Una concezione rigida della divisione per età della vita crolla qui. Non rari i fenomeni dell’adultescenza, di quella cosiddetta condizione di stallo dell’adulto che è rimasto nel suo guscio e non si è riconosciuto nell’alterità. L’elogio del fallimento e spiragli di luce Il […]

La suggestiva cornice del Castelnuovo di Napoli e la calorosa accoglienza di Giuseppe Branca e Maria Avitabile, giovani cuori pulsanti della GM Press, hanno dato il via al viaggio di Paolo Gisonna sull’onda del suo nuovo libro, che vede proprio protagonista il cuore. Quelle che l’autore definisce conversazioni cardiache ornano il suo scritto L’amore ha i baffi blu, titolo bizzarro e dalla medesima attrattiva delle sue due precedenti pubblicazioni, L’uomo senza ricordi e Il dio con gli occhiali rotti. Cambia radicalmente registro Paolo Gisonna nell’opera pubblicata per la GM Press, riaffondando le nude mani nella comicità e nell’ironia tipiche della sua indole. Il meglio di sé Paolo Gisonna lo aveva regalato alle onde radiofoniche di Rai Radio 2, nonché al supporto nella realizzazione di testi di successo per numerosi artisti, tra i quali lo stesso Fiorello. Questa la sua vita a Roma, ma nato a Napoli, l’autore di L’amore ha i baffi blu vi ritorna oggi con il nobile proponimento di «cercare di rinascere nella mia città come Eroico Fenice». Parte attiva di un processo di rinascita, il suo nuovo libro è fonte di divertimento come di riflessione di una tematica ossessionante al tempo degli schermi digitali. L’amore ha i baffi blu di Paolo Gisonna Il titolo sembra gli sia stato ispirato dall’incontro di un gruppo di ragazzini in metro, alla stazione Toledo. Nella foga uno di loro persisteva nell’indignazione del tipico «ha visualizzato senza rispondere». I baffi blu (realizzati sulla coperta nella riproduzione grafica di Serena Ercole) rappresenterebbero dunque i segni indelebili di quel senso di abbandono che i disperati amanti dell’oggi rinfacciano alle rispettive metà. Questo manuale si fa Ars amatoria del tempo ipermoderno, giocando con ironia e semplicità sulle indagini di vita reale portate avanti da Paolo Gisonna nel corso della preparazione del suo libro. «Sarei figlio di Ovidio, o meglio nipote». Nella velocità della tecnologia si sente a disagio, ma non nega di aver detto in alcuni casi «questa cosa l’ho fatta anch’io». Tra le regole d’oro di queste conversazioni cardiache regna sovrana la tendenza a «pensare con la testa degli altri». Un semplice “ciao” diventa ai nostri occhi veicolo di speranze e scrigno di un celato misterioso e attraente. Da qui la dipendenza, il disagio del doppio legame, fonte di avventure e disavventure raccontate con mordace ironia all’interno del libro. La stessa ironia che ha colpito lo scrittore umorista Pino Imperatore, presente al primo evento di presentazione di L’amore ha i baffi blu. Con veraci sentenze napoletane ha ribadito il tratto tragicomico di quella che è ormai dipendenza. A supportare con basi scientifiche la tesi di Paolo Gisonna, la sessuologa e psicoterapeuta Valentina De Maio, che cita a suo vantaggio il primo assioma della comunicazione umana: non si può fare a meno di comunicare. Che sia tramite il linguaggio verbale, non verbale, paraverbale, non c’è scampo. La comunicazione tramite sistemi digitali però riduce la conversazione a mera trasmissione di vocaboli, lasciando perdere quelle espressioni e intonazioni che supportano la comunicazione vis-à-vis. È un viaggio che […]

Lo sguardo è una porta al mondo dell’altro. Thomas Eliot, quando parla al lettore di opere lontane nel tempo e nello spazio, gli prescrive di «stare da entrambe le parti di uno specchio». La lettura e la scrittura permettono un’opera di continua immedesimazione nell’altro, l’empatia, che sola continua a condurre le nostre menti allo studio, la quale altro non è che attraversare una soglia, penetrare uno sguardo. La scrittura può questo, certo, ma c’è una forma di comunicazione forse più antica anche delle «trite parole»: il disegno. Di arti figurative oggi ancora se ne parla, ma con un tocco nuovo, un che di ermetico e spesso poco apprezzato. Il realismo è quella tendenza atavica dell’arte che ancora cerchiamo tra le sale dei musei. Tra le opere di Francesco De Mura e degli altri geni del ‘700 napoletano nella prima sala del Pio Monte della Misericordia, si erge una nuova visione del reale, sguardi immensi nei quali è quasi impossibile non immergersi. Sono le opere di “Exodus #2016”, installazione dell’artista francese Anne Goyer. La storia dell’“Exodus” La storia dell’”Exodus” è, utilizzando le parole di Fabrizia Paternò dei Duchi di San Nicola, vice-soprintendente del Pio Monte della Misericordia,«romanzesca, al di là della nostra immaginazione, un’epopea». Eco dell’episodio biblico, l’imbarcazione “Exodus 1947” solcò i mari con a bordo le speranze di 4500 ebrei alla volta della “Terra Promessa”, la Palestina. Sotto protezione britannica per decisione delle Nazioni Unite, un provvedimento aveva vietato lo sbarco su quelle terre, così i passeggeri dell’“Exodus” furono rimandati indietro, lasciati alla totale desolazione sulle coste meridionali della Francia. Un ulteriore decreto aveva stabilito il divieto di soccorso agli ebrei dell’imbarcazione, lasciati quindi per giorni a un destino di fame e miseria. Anne Goyer, originaria di Marsiglia, città a circa 40 chilometri da Port-de-Bouc, luogo dello sbarco degli ebrei, ha voluto raccontare questa storia, che sarà aperta al pubblico da sabato 27 gennaio,“Giornata della Memoria“, penetrando negli sguardi dei tre volti presenti nelle loro imponenti dimensioni al Pio Monte della Misericordia, attraverso l’arte, perché l’arte è un mezzo per arrivare al bene. La sofferenza di un popolo è nello sguardo di Noah Klieger, l’ultimo sopravvissuto dell’equipaggio dell’”Exodus”, uno sguardo basso per la commozione di aver trovato ancora umanità, dopo Auschwitz, dopo lo sterminio, dopo il fallimento della ricerca della “Terra Promessa”. Il volto di Noah è accompagnato da quelli di Robert-Paul Vigoroux, medico di Port-de-Bouc, pronto a dare il suo soccorso ai passeggeri, e da quello del panettiere Thomas Corella, che, inondando le strade del profumo delle sue creazioni, ha donato la speranza della vita, salvando dalla fame. I loro ritratti non sono incorniciati, si presentano nelle loro imponenti dimensioni così come hanno accerchiato l’artista nel suo studio ad Avignone, dove attualmente risiede e lavora. Il visitatore sarà così maggiormente immerso in questi volti voluminosi, la prossimità all’opera non avrà ostacoli, e potrà provare il candore della loro pelle, il calore delle loro parole. Infatti, ad accompagnare la visita ci saranno tre mp3 con le tracce audio in diverse […]