«Per il sangue e per la testa liberaci dalla tempesta. Per la testa e per il sangue liberaci tutte quante!». La figura benedicente di San Gennaro protegge e consacra un nuovo luogo di culto, che apre le proprie porte ai più insaziabili tra i fedeli. Inaugura il 19 settembre, giorno dedicato al Patrono partenopeo – noto per il miracolo che ogni anno ricorre, ricordando a Napoli la sua immortale protezione – in Via Duomo 146/148, dinanzi alla maestosa facciata della cattedrale, il ristorante e street food Januarius. Bottega ideata dal credo di Francesco Andoli, dopo due anni di attesa vede la sua apertura il luogo di un ulteriore miracolo di cui la città di Napoli potrà andar fiera. Il buongusto impera nel regno di Francesco, il quale da sempre spasima nel desiderio di professare il valore culturale del credo del Santo, ricevendo onorificenze dalla stessa Cappella del sangue di San Gennaro, in quanto responsabile della diffusione del suo culto laico nel quartiere di Napoli. Januarius: tra culto dell’arte e un palato devoto Le pareti di Januarius sono tempestate delle testimonianze di questo ardore, lo stesso che rende il locale una vera e propria galleria di arte sperimentale. Giovani artisti indipendenti del centro storico hanno contribuito alla sua realizzazione, come per le lampade a forma di turibolo che aleggiano in una delle due sale del ristorante. Il locale si colloca al di sotto della Chiesa dei Girolamini, sotterraneo perfetto per il culto laico del gusto e della gratitudine nei confronti del santo Patrono. Insieme alle frasi di celebri personalità, da Matilde Serao a Pino Daniele, incantate dalla storia dell’eruzione, sono incorniciati i tipici ex voto. A caratterizzare gli ambienti anche le tipiche rappresentazioni presepiali di San Gregorio Armeno. Il seguace di tale culto laico non potrà fare a meno di immergersi nella storia della città, oltre che nei suoi sapori tradizionali. Januarius è il luogo del piacere del palato, stuzzicato dalle migliori proposte gastronomiche. Riecheggia nei nomi dei piatti un senso di appartenenza che riconosce nella cucina della tradizione una devozione insaziabile, condita dal giusto accompagnamento di selezione campana. Sfoggiano vini bianchi come il Falerno della cantina Pagano, nonché i tradizionali Falanghina e Piedirosso. Il birrificio KBirr dedica alla nuova apertura la Januaria: birra ambrata, dal colore rosso andante come quello del sangue del santo; un birra composita, dalla media gradazione, speziata e dai toni amari, per questa polimorfia emblematica della natura della città. Tutto sotto la protezione di una silhouette inconfondibile, ormai simbolo dell’energia vulcanica che conduce Napoli a una ricostruzione costante, e che Januarius si propone di rappresentare. A questo scopo, Francesco Andoli, ideatore di Januarius nonché vice direttore di Identità Insorgenti, terrà in questo cuore pulsante di cultura e ardore per il territorio alcuni meeting di riflessione a tutto tondo, dalla gastronomia all’analisi socio-antropologica della realtà partenopea.

Correva l’anno 1997 quando nella città di Mantova si inaugurava con febbricitante entusiasmo Festivaletteratura, l’apoteosi della cultura che da allora riunisce nel capoluogo lombardo di storica fama i grandi della parola di ogni dove. Un’idea tipicamente anglosassone dello speakers’ corner amplifica il desiderio nato da un piccolo gruppo di residenti, il Comitato Organizzatore, di aumentare il volume della voce, coinvolgendo nell’iniziativa quelle menti affamate che volontarie dedicano se stesse al Festivaletteratura, e che già a partire dalla prima edizione hanno costituito l’Associazione Filofestival. Incontri con autori, cene letterarie, concerti, conferenze e molto altro si terranno ancora al Festivaletteraura nell’edizione 2018 da mercoledì 5 a domenica 9 settembre. All’aperitivo inaugurale delle 11.30, già dal primo giorno si renderà onore al senso dell’incontro, che coniuga la necessità di interfacciarsi con l’altro, come forma di riconoscimento dell’io, all’immersione nella città di Mantova, cornice ideale con le sue piazze, le chiese e i teatri. Nella parte più antica della città si erge la Tenda dei Libri. In questo spazio ad accesso libero saranno esposte opere disponibili alla consultazione, quest’anno con peculiare focus su una capitale di carta, la ceca Praga. Annessa all’invito di partecipazione al Festivaletteratura c’è sempre una richiesta: tocca con mano. Le iniziative non prevedono un passivo ascolto, ma promuovono un dibattito capace di spaziare dalle riflessioni letterarie, tra poesia e grandi nomi, a quelle ambientali, scientifiche, antropologiche. Da qui ancora la nascita del Scienceground, una piccola comunità scientifica temporanea che con il gioco e la sperimentazione incarna l’irresistibilità del desiderio tattile. Tutto ciò che si semina in ogni edizione è raccolto nell’archivio ufficiale e consultabile del Festivaletteratura, esperienze che danno sapore all’ordinario. Festivaletteratura 2018: un mondo di voci Una parentesi di cinque giorni che non può restare una parentesi. Il Festivaletteratura vanta della consapevolezza della rarità dell’incontro. Dal 5 al 9 settembre si animerà un giro di vite, che senza la partecipazione non avrebbe avuto luogo. Insieme ad autorevoli voci di autori ed esperti italiani si aprono le porte a una dimensione più che europea. Così, nello stesso giorno intervengono il dantista Riccardo Bruscagli, il nigeriano A. Igoni Barrett, e l’esperto mondiale di ghiaccio marino Peter Wadhams. I giorni successivi si articolano tra le riflessioni sul nichilismo attivo di Umberto Galimberti, il noto cartoonist Bruno Bozzetto, lo scrittore pluripremiato Guido Conti e molti altri ancora. La poliedricità dei linguaggi del nostro mondo si manifesta poi in proiezioni cinematografiche serali, in spettacoli teatrali in dialetto e sezioni collettive di giornalismo. Al Festivaletteratura anche la vita diventa una storia da raccontare, come dimostrerà in un incontro che lo vede protagonista lo scrittore Matt Haig, previsto da programma per giovedì 6 settembre. Il racconto del sé è fonte di giochi e laboratori per l’infanzia, previsti nel primo pomeriggio di ogni giornata di Festival. I sostegni affinché tutto questo avvenga superano le aspettative di un festival comune, raggiungendo le porte dell’Ambasciata del Canada e di altri ambiti sponsor. La pratica di avvicinamento di anime altrimenti distanti nel tempo e nello spazio ha fomentato il Festivaletteratura […]

Il mondo di trovatori e trovieri si articola sulla scia di una melodia che ha gettato le basi per la lirica moderna. Non a caso Paul Zumthor, critico e filologo svizzero, ha parlato di presenza della voce, come se questa si fosse materializzata e avesse preso corpo nel mondo cortese. La lirica medievale d’oc e d’oïl è infatti tutta destinata alla voce e non alla littera. Solo successivamente ha maturato, per opera dei compilatori di canzonieri nel XIII secolo, una sua forma scritta. Per quanto trovatori e trovieri non siano poi così distanti nel tempo e nello spazio, riconosciute sono le differenti prospettive poetiche, che alcuni umoristicamente hanno attribuito alla veracità meridionale assente nella Francia dei trovieri. I termini trovatore e troviere hanno etimologie varie, dal più semplice senso della ricerca a quello della modalità compositiva stessa. La prima palese differenza risiede nella lingua alla quale questi poeti affidavano la propria voce. Per i trovatori, la lingua d’oc, volgarmente riconosciuta come provenzale, ma non diffusa nell’unica regione della Provenza, bensì in tutto il Midi francese, l’area delle lingue occitane. I trovieri cantavano in lingua d’oïl, dalla quale si svilupperà il francese moderno. Due cornici diverse racchiudevano il loro canto: da una parte, nella grande corte francese, il troviere era legato a una dimensione sociale circoscrivibile e al servizio di un signore; dall’altra, i trovatori, avventurieri in musica e parole, ma mai semplici menestrelli. La condizione del sud di quella che ancora non si chiamava Francia era animata da corti più piccole e dalla grande vivacità lirica, luoghi di incontro fra dame e cavalieri di diversa condizione. Trovatori e trovieri: amore e altri giochi lirici Il tema amoroso è preponderante infatti in entrambe le poetiche, nella peculiare declinazione che sottolinea Alberto Varvaro con immortali parole. Quello dell’amante cortese sarebbe un «positivo destino di sofferenza». Una contraddizione in termini dunque. Il destino è di sofferenza, perché l’amante non può mai raggiungere la sua dama se non in una dimensione onirica o di atavica memoria, quel luogo immaginifico ma pur sempre claustrofobico che è stato definito dalla critica spazio lirico. Ma è pur sempre positivo, perché solo da questa privazione nasce una poetica di indelebile memoria. Da questo nasce il noto amor de lonh occitano, l’amore di lontano, tanto decantato dal trovatore Jaufre Rudel. O l’impossibilità del legame di Tristano e Isotta, immortalato da trovieri del calibro di Chrétien de Troyes, uno dei più noti compositori in lingua d’oïl. La donna, che è domina in quanto signora, è talvolta irraggiungibile in quanto legata da un matrimonio con quello che nella poetica occitana si definisce il gilos, il marito insomma. Trovatori e trovieri differiscono un po’ in questo, in quanto nella realtà francese è più frequente il coronamento del matrimonio fra il poeta e la sua donna. Verso la fine del XII secolo per i trovatori ci saranno tendenze che attesteranno una liberalità mordace. Mentre molti trovatori, nel periodo del tramonto del mondo occitano, causato da vicissitudini storiche e politiche, continueranno a perseguire l’amor de […]

Un mondo in continuo divenire è quello dipinto da Rebecca West ne La famiglia Aubrey, romanzo familiare e di formazione in uscita per la Fazi Editore il 5 luglio. Uno scritto che rispecchia l’animo poliedrico di un’autrice multiforme, scrittrice di romanzi e critica letteraria ribelle come il personaggio di Henrik Ibsen dal quale trasse il suo pseudonimo. Una storia che prevede un viaggio nasce da una partenza. In casa Aubrey c’è subbuglio, un trasloco è in atto, e la malinconia insieme al prezioso mobilio guarda in dissolvenza le figurine femminee della casa, dirette alla loro nuova vita a Lovegrove. Il loro futuro è un tuffo nel passato, tra la natura che aveva visto crescere il padre di famiglia, figura maschile più assente che mai tra le pagine di Rebecca West. Fin dal principio un alone di mistero incombe su questa partenza, su un futuro più che mai economicamente incerto. L’allontanamento progressivo dalla caotica e ingombrante presenza delle cose della borghesia intrise di esperienza di vita, conduce i protagonisti in un mondo di atavico splendore, lontano dal pettegolezzo, velato di fantasie e di fantasmi. La vita familiare degli Aubrey è «attraversata da correnti di preferenze e avversioni, perdono e risentimento». La voce parlante è quella della piccola Rose, una bambina perspicace, le cui spine non si ritraggono quando si tratta di confabulare con la sorella Mary della maggiore, Cordelia. Le avversioni nascono dal sentimento della cacofonia. La casa degli Aubrey è una melodia in perpetua composizione, che non concede, soprattutto sotto il vigile e severo controllo paterno, errori di esecuzione. Cordelia non sembra avere doti musicali agli occhi delle sue sorelle e di sua madre, pianista eccellente e acuta conoscitrice della musica. Anime diverse convivono sotto lo stesso tetto in questa famiglia nata dall’immaginario di Rebecca West. Anche nell’assenza di spensieratezza dovuta allo sradicamento da un mondo conosciuto, il senso del gioco permane, frutto inevitabile dell’innocenza dei bambini. «Riuscivamo a capire che papà avesse un reale interesse nei nostri confronti, e noi nei suoi, poiché appartenevamo alla stessa famiglia. E riuscivamo a capire che la mamma avesse un altro tipo di interesse nei nostri confronti, che noi ricambiavamo pienamente. Ma non riuscivamo a capire come mamma e papà fossero così importanti l’uno per l’altra, visto che non erano imparentati». La delicata descrizione del quotidiano costella le pagine de La famiglia Aubrey, seguendo l’elegante figura di una madre spesso sola e la loquacità dei suoi quattro figli, «la dolcezza tiepida del latte e miele». Fanciullezza ed età adulta ne La famiglia Aubrey di Rebecca West Lo stesso mondo degli adulti rivela increspature e incertezze, è messo in discussione dagli occhi dell’infanzia. «La amavo. Tuttavia mi rendevo conto che la trappola dell’essere adulti l’aveva fatta inciampare, e ora era legata a terra, a contorcersi senza via d’uscita». Le personalità non sono mai ben definite, a cavallo tra la consapevolezza del sé e il timore di un futuro incerto. La realtà messa a punto da Rebecca West è una sinestesia tra suoni e colori. […]

Un capolavoro oscurato è la Salomè di Oscar Wilde. Il suo carattere labile e lo sgusciare continuo lo rendono un testo estremamente complesso. Dialoghi e monologhi tortuosi, un teatro saldamente edificato sulla parola. Questa è la sfida che il regista Luca De Fusco propone in apertura della seconda edizione di Pompeii Theatrum Mundi, rassegna di drammaturgia antica, che vede stagliarsi inquieta l’ombra della luna dal 21 al 23 giugno. Da Oscar Wilde a Luca De Fusco: Salomè Si risvegliano al richiamo di musica i personaggi, distesi sotto veli candidi, come larve. Aprono gli occhi ma non spalancano le porte della luce. Il loro è un avanzare nelle tenebre della morte, presagi costanti percuotono le loro membra. Sotto lunghe attese e silenzi, si erge il fiore lunare, Salomè (Gaia Aprea), principessa figlia di Erodiade (Anita Bertolucci), ammirata da tutti per il suo candore. Un bianco di vergine seducente, violata dallo sguardo ossessivo del tetrarca Erode (Eros Pagni). L’unico a disprezzarla è Ioakanaan (Giacinto Palmarini), profeta tanto trascurato quanto temuto. I suo occhi sono come bruciature, i suoi capelli di rovo e le sue labbra rosso sangue. La Salomè di Oscar Wilde, come rende evidente l’adattamento di Luca De Fusco, segue «l’ambizione di aggiungere una nuova credenza alla storia sacra della decapitazione di Giovanni Battista». Il personaggio sarebbe dunque segnato dalla blasfema ambiguità della ricerca delle labbra vermiglie di Ioakanaan, agognate fonti di piacere, e della volontà di immergersi in una purezza che mai potrà possedere se non comprenderà il valore della remissione dai peccati. Ma Ioakanaan è ubriaco solo del vino di Dio. Lo stesso tetrarca si scopre ogni volta spaventato, quasi scaramantico all’inizio, fino a una mistica fede nella venuta di un Messia, che il profeta continua a invocare. I due meccanismi portati in atto da Luca De Fusco sono la ricerca del capro espiatorio e il desiderio mimetico. Iokanaan viene demolito, ma solo perché in questo modo Salomè potrà incarnarsi in lui, diventare finalmente pura. Salomè, un’opera onirica   Per un’opera fortemente onirica, il regista ha realizzato un allestimento visionario, con la presenza delle proiezioni tipiche di De Fusco. Questa volta il loro utilizzo è più sottile e sobrio, evitate le paranormali esplosioni. Salomè è un personaggio vivo, fortemente vero, che non necessita di alcun effetto speciale. In gioco, il rapporto fra la parola, il movimento del corpo, la danza che è in grado di sedurre, ma che porta con sé conseguenze mortifere. Il rapporto fra amore e morte è il filo conduttore dell’opera, chiave di lettura parziale di un personaggio assai complesso quale Salomè. La fedeltà al testo è necessaria, con inserimento di chicche letterarie da non sottovalutare, come quelle di Gustave Flaubert tratte da Le tentazioni di Sant’Antonio. Un testo necessario che torna sulla scena italiana, rivelando la grande crescita di un teatro immortale che cerca di rivivere i suoi fasti. Napoli continua a dimostrarsi un centro di eccellenza con il Teatro Stabile e la rassegna di Pompeii Theatrum Mundi, che prevede altri tre incontri di grande […]

Tony Laudadio, musica e parole in Preludio a un bacio   «La parola è la sorella stronza della musica», rivela con la decisione di un affermato aforismario Emanuele, «e per questo spesso taccio». Rifugio all’implosione è la musica, l’unica che non mente mai, che rivela quando sei sul pezzo, quando sei senza fiato, non può celare l’emozione del momento, né la sofferenza di una vita. Emanuele è un sassofonista, quello che il suo creatore, Tony Laudadio, ammette umilmente di voler eguagliare. Preludio a un bacio, in uscita a marzo per la casa editrice NN Editore, è il risultato di questo binomio dialettico, parola-musica, che testimonia la tesi del protagonista, cinquantenne in demolizione. La musica crea legami che le parole spesso spezzano, questo il leitmotiv della sua vita. Preludio a un bacio: da Duke Ellington a Tony Laudadio «Sto qui e suono, come ho sempre fatto, e continua a disquisire con me stesso». Emanuele vive per le strade di una città senza nome ormai da due anni, dormendo nello scantinato della casa di un suo compagno di musica, con il quale in un tempo remoto aveva fondato una band. Quello era il progetto, vivere a suon di jazz. Tony Laudadio ci racconta la sua vita a partire da un presente meno roseo proprio sulle note di Duke Ellington, Annie Lennox, Bill Withers, Frank Sinatra e tanti altri. Ogni capitolo è indicato da una tonalità, come su una grande tavolozza, e nell’indice Laudadio riporta la canzone da ascoltare in ogni passaggio, in un dialogo con il lettore che lo stesso personaggio principale instaura con una narrazione in prima persona. Sfrontato, ironico e velatamente malinconico, Emanuele suona e ride alla vita, un sorriso amaro che non oscura mai davvero la speranza in un avvenire. Eppure, tutto sta crollando: la sua salute è messa a dura prova dagli alcolici, suonare per la strada non prevede cospicui guadagni, l’ombra costante di una donna misteriosa ma faro della sua vita è semplicemente inafferrabile. Il suo parlare rifugge da uno psicologismo astruso e plateale, lo stile ricercato lascia il posto a dichiarazioni programmatiche di schietta animosità. «Tra me e me è un luogo molto intimo». Con Preludio a un bacio Tony Laudadio fa riemergere Emanuele dal sottosuolo, da un luogo intimo ma nel complesso poco sicuro quale è la sua interiorità, così da fargli ricordare il piacere del legame, e il valore del miracolo che potrebbe rappresentare la nostra semplice presenza nella vita degli altri. Ruotano intorno a Emanuele figure femminili vulcaniche: la giovanissima Maria, cameriera del Blue Bird di giorno, studentessa combattiva di notte, un bocciolo in fiore che anela all’indipendenza, senza davvero rinunciare all’amore; Alessandra, dottoressa soccorritrice di Emanuele, dalla bellezza imperturbabile; Angela, madre di Maria, travolgente e sensuale figura. Di quest’ultima il lettore imparerà a conoscere tanto il presente, quanto un passato che con Emanuele ha a che fare eccome. Preludio a un bacio trabocca di voci, voci che Emanuele scopre di poter e dover ascoltare, imparando la forza dello strumento che imbraccia quotidianamente in strada, […]

Da venerdì 1 giugno, presso il Museo d’arte contemporanea Donnaregina, cuore giallo dell’arte contemporanea a Napoli, saranno esposti in tre sale i quaranta intensi anni di carriera del regista cinematografico e teatrale Mario Martone. A cura di Gianluca Riccio, l’installazione rimarrà proprietà del Madre a seguito della fine della mostra, il 3 settembre, a disposizione di chi sia interessato alla sua ulteriore esposizione in eventi culturali di certo successo. In quarant’anni, Mario Martone ha viaggiato fra galassie possibili, che prendono vita in una installazione che i curatori stentano a definire mostra. Quel carattere temporaneo è surclassato dalla valenza ulteriore di questo percorso, che merita lo statuto di vera e propria opera d’arte, la cui protagonista è l’arte stessa. È un viaggio nel tempo, un percorso di sperimentazione costante che gioca con il passaggio da presente a futuro, nella percezione di un legame indissolubile e di un filo conduttore tra ciò che c’è stato e quello che riserva il futuro. Si parte dal futuro, dall’esposizione di oggetti misteriosi che sono una finestra sulla futura opera del regista, Capri-batterie, di cui lui non rivela che un accenno, difficile da interpretare. 1977 2918. Mario Martone Museo Madre Il nucleo espositivo risiede in una sala buia, nella quale 36 sedute invitano lo spettatore ad assistere a quattro schermi, che proiettano al contempo spezzoni diversi, in un collage audiovisivo di suggestivo impatto. Il gioco dei suoni è ottenuto dalle cuffie annesse alle sedute girevoli, che permettono allo spettatore di guardarsi intorno in qualsiasi direzione. L’effetto visivo è fomentato dal gioco cromatico, dalla differenza di colori caldi e freddi, dal corteo di mondi sempre diversi che inonda la scena. L’idea di uno spettacolo multiplo è un diretto riferimento a una rappresentazione teatrale realizzata dallo stesso Mario Martone, Ritorno ad Alphaville. L’azione di scena era divisa su diversi palcoscenici, e lo spettatore era invitato così ad assistere a una molteplicità. Eppure, la visione d’insieme e il possibile legame fra scene spesso ben diverse possono essere ritrovati, e il regista napoletano invita con queste registrazioni multiple a cercarli. Ci sono fili che si intersecano nella sua ricerca artistica. E se un criterio per studiare il suo percorso è come quello suggerito dalla terza sala, un vero e proprio viaggio nel tempo dal 1977 al 2018, il titolo della mostra cela tutt’altro messaggio. Strana combinazione numerica, poiché niente troviamo di regolare in cifre ribaltate. Il senso dell’installazione risiede nel posizionamento orizzontale di quell’8, ultima cifra dell’anno in corso nella quale si riversa la prospettiva di infinito. Il progetto di Mario Martone non è qualcosa di chiuso, così come il suo estro creativo. Il tempo è da immaginare come una dimensione assoluta, non lineare. Il regista partenopeo segue questo insegnamento, e ogni volta che dà energia per una nuova scena lo fa come se davanti a sé avesse una tabula rasa. L’arte riparte costantemente da zero, e il cammino è così inevitabilmente sempre vario. Il centro assoluto resta lo spettatore, letteralmente immerso nell’opera di Mario Martone, il quale lo esorta […]