Andy Warhol è finalmente giunto a Napoli. Anzi, sarebbe meglio dire “ritorna” dopo 40 anni nel capoluogo partenopeo con una mostra a lui dedicata, dal semplice titolo di Andy Warhol. Ospitata all’interno della Basilica della Pietrasanta, la mostra dedicata all’artista cardine della Pop Art sarà accessibile dal 25 settembre di quest’anno al 23 febbraio 2020. Una mostra organizzata da Arthemisia, azienda organizzatrice di eventi e di mostre d’arte che nella stessa Basilica ha ospitato la precedente retrospettiva di grande successo su Marc Chagall. Andy Warhol a Napoli, la conferenza stampa Il giorno 25 settembre si è tenuta una conferenza aperta alla stampa e agli articolisti, i quali hanno anche potuto visitare in anteprima la mostra. La conferenza è stata introdotta dal presidente dell’Associazione Pietrasanta Raffaele Iovine, il quale ha ricordato come gli sforzi di cittadini privati abbiano potuto permettere ad un luogo come la Basilica della Pietrasanta di divenire un luogo votato all’arte. Alla stessa maniera l’assessore Nino Daniele ha definito questo intervento come un «miracolo civico a Napoli» che rende il capoluogo partenopeo la città con la miglior offerta museale in tutta Italia. L’intervento del rettore monsignor Vincenzo de Gregorio ha sottolineato l’importanza del restauro della Basilica di Pietrasanta, ricordando come nei lunghi anni di degrado fosse divenuta un luogo di attività illegali quali l’uso del pavimento come deposito di materiale da costruzione o che fosse stata addirittura usata come un’improvvisata discoteca dai ragazzi. Monsignor de Gregorio ha poi voluto sottolineare il motivo che lo ha spinto ad accettare di ospitare le opere di un artista come Andy Warhol, che ha rappresentato soggetti lontano dall’essere sacri come Mao Tse-Tung o Lenin, in mezzo ad altari, crocifissi e affreschi religiosi. «La giustificazione sta nel fatto che l’opera di Warhol si rilegge nell’ambito dei “secoli brevi”. Warhol racconta e interroga il suo secolo, il XX, che è stato un insieme di rivolgimenti che hanno capovolto, più volte, il pianeta, in tutte le sue componenti». La mostra di Andy Warhol non fa quindi che prolungare quell’abitudine degli artisti di ogni tempo di esprimere la propria arte all’interno di luoghi sacri. Iole Siena, presidente di Arthemisia, sente forte il legame con la città di Napoli che descrive come un «cuore pulsante di vita» e di come il modello “motore di mostre d’arte” della Basilica di Pietrasanta abbia attirato l’attenzione della stampa estera, conferma del successo di questa formula che si è già visto con la precedente mostra dedicata a Marc Chagall. La signora Siena ha poi voluto focalizzare l’attenzione sul fatto che i proventi della mostra andranno a favore di iniziative comeLa prevenzione è il nostro capolavoro, iniziativa nata in collaborazione con Komen Italia e dedicata al mese internazionale per la prevenzione dei tumori al seno. Andy Warhol. La mostra a Napoli La mostra Andy Warhol ospita un catalogo di 200 opere tra disegni, polaroid, acetati e molto altro, tutte provenienti da collezioni private e in particolare da quella di Eugenio Falcioni. Sette sono le sezioni in cui la mostra è articolata. La […]

Da quando esiste il mondo l’uomo non è mai riuscito a reprimere del tutto la tentazione di ingannare il prossimo attraverso vacue promesse per il proprio tornaconto personale. Stiamo parlando della truffa, di quell’azione che in ambito giuridico indica un vantaggio che una persona ottiene a discapito di un’altra tramite vari mezzi: raggiri, bei discorsi, promesse di successo ottenuto senza il minimo sforzo e così via. Tanti metodi che, nella maggior parte dei casi hanno un unico scopo: il denaro. La letteratura e il teatro hanno messo in scena tante figure di truffatori, ma anche il cinema con tanti film sulle truffe. Tra i tanti film sulle truffe, ne abbiamo scelti tre che ci hanno colpito particolarmente. Senza indugiare ulteriormente, scopriamo quali sono. Film sulle truffe, le nostre scelte Totòtruffa ’62 Iniziamo questa lista di film sulle truffe con un classico di Totò: Totòtruffa’62, diretto da Camillo Mastrocinque nel 1961. Antonio (Totò) e Camillo (Nino Taranto) sono due ex attori trasformisti che sfruttano le conoscenze apprese a teatro per racimolare qualcosa gabbando il prossimo e sono sempre sotto l’occhio del commissario Malvasia, ex compagno di scuola di Antonio. In realtà Antonio non inganna il prossimo per cattiveria, ma per mantenere la figlia Diana (Estella Blain) che studia in un prestigioso collegio. Tuttavia la ragazza, stanca della rigida disciplina dell’istituto, fugge e si rifugia a Roma dove si innamora di Franco (Geronimo Meynier), figlio proprio del commissario. Un classico della filmografia di Totò, che tratta il tema della truffa abbinandolo a quella che il popolo napoletano chiama “arte di arrangiarsi“. Non si può non provare simpatia per il personaggio di Antonio, uno dei pochi esempi di truffatori a fin di bene che riesce sempre a strappare una risata tramite gag divertenti. Una su tutti, quella del tentativo di vendita della fontana di Trevi ad un ignaro passante. Quiz Show Tra i film sulle truffe più interessanti si può citare anche Quiz Show, diretto da Robert Redford nel 1994. Nel 1958 il quiz Twenty – One spopola tra i cittadini americani grazie al suo campione Herbie Stempbell (John Tuturro), rimasto imbattuto per molto tempo. Tuttavia i produttori del programma, consci dei bassi ascolti che il programma sta registrando, pensano bene che sia giunta l’ora di mandare Herbie a casa e di dare lo scettro di campione a Mark von Daren (Paul Scofield), un giovane intelligente e di bell’aspetto appartenente ad una famiglia altolocata . Herbie non accetta di buon grado la decisione e decide di far venire a galla il marcio e la corruzione che invade il mondo dei quiz televisivi. Quiz Show è un buon esempio di film sulle truffe. Lo scandalo del quiz Twenty-One avvenne davvero negli Stati Uniti alla fine degli anni ’50 e sollevò le ire e lo stupore dell’opinione pubblica. Robert Redford usa così questa vicenda per dimostrare come le immagini che i mass media e in particolare la televisione ci propongono non sono altro che illusioni effimere fatte passare per vere e che, ovviamente, ci ingannano. […]

Con il nome Technicolor si raggruppano tutti quei procedimenti utilizzati nell’ambito del cinema a colori. Il nome deriva dall’omonima azienda, la Technicolor Motion Picture Corporation, fondata nel 1914 da Herbert Kalmus, Daniel Frost Comstock e W. Burton Wescott. I primi tentativi di colorazione delle pellicole e il Technicolor process 1 Fin dalla nascita del cinema sono stati fatti molti tentativi per inserire il colore all’interno della pellicola. Le pellicole dei film delle origini potevano essere colorate o fotogramma per fotogramma o imbevute di un’unica tinta di colore con una tecnica detta viraggio. Un primo tentativo di procedimento per pellicole a colori risale al 1908 con il Kinemacolor. Inventato in Inghilterra da George Albert Smith e perfezionato da Charles Urban consisteva nell’uso di due filtri rossi e verdi per proiettare un film in bianco e nero tramite dei filtri verdi e rossi. In questo modo gli spettatori, osservando la pellicola, potevano vedere le immagini come se fossero colorate. Il primo film girato con il formato Kinemacolor fu il cortometraggio a Visit to the Seaside del 1908. Nel 1914 Herbert Kalmus assieme ai colleghi Daniel Frost Comstock e Burton Wescott fondò la Technicolor Motion Picture Corporation, un’azienda che si specializzò nel creare procedimenti per la coloritura delle pellicole. Il primo formato ad essere prodotto fu il Technicolor Process 1, usato per la prima in The Gulf Between di Wray Physioc del 1917. La tecnica consisteva nel proiettare una pellicola in bianco e nero, i cui fotogrammi scorrevano in una cinepresa dietro al cui obiettivo era posizionato un prisma. In questo modo la luce che entrava all’interno si divideva in due fasci, filtrati con due filtri rosso e ciano ad ogni apertura dell’otturatore. In questo modo si producevano due negativi di selezione. La pellicola negativa permette di ottenerne un’altra in bianco e nero detta positivo. Entrambe vengono poi proiettate su di un proiettore con due obiettivi rosso e ciano alla stessa velocità di due fotogrammi al secondo i quali, fondendosi, si uniscono tramite sintesi additiva e generando così una vasta gamma di colori. Per quanto tale procedimento fosse indubbiamente innovativo, non ci mise molto a mostrare le sue lacune che erano riassumibili in un unico difetto: le immagini andavano spesso fuori sincrono, cioè non combaciavano e bisognava continuamente regolare il prisma della cinepresa. Fatta eccezione per The Gulf Between, nessun altro film adopererà il Technicolor process 1. Il Process 2 Nel 1922 fu introdotto il Technicolor process 2, che non differiva molto dal primo procedimento se non per il fatto che fu adoperata una nuova cinepresa con un diverso prisma e che i positivi ottenuti erano direttamente a colori. In pratica dalla pellicola in bianco e nero, filtrata sempre attraverso i noti filtri rossi e ciano, si ottenevano due positivi che erano anche essi in bianco e nero. In seguito l’argento contenuto in esse veniva rimosso e restava soltanto uno strato di gelatina dove era tracciata l’impronta dell’immagini che venivano colorate (i fotogrammi in rosso con il colore ciano, i fotogrammi in ciano […]

Gli anni ’60 e ’70 rappresentano per il cinema italiano un’età dell’oro irripetibile, grazie anche allo sviluppo economico e all’aumento dei consumi. L’industria cinematografica non poté che risentirne positivamente e accanto al cinema d’autore di maestri quali Fellini, Pasolini, Antonioni e Petri si andò sviluppando un filone del cinema di genere il cui emblema per eccellenza, accanto alla commedia, al giallo e all’horror, è rappresentato dallo spaghetti-western. L’origine e le caratteristiche del genere Il termine spaghetti-western (detto anche “western all’italiana”) fu coniato con disprezzo dai critici americani per indicare tutti quei film western girati in Italia con pochi mezzi e scarso budget. Una definizione in parte veritiera, dato che le pellicole di quei registi che si nascondevano dietro pseudonimi americani (Bob Robertson per Sergio Leone, E.B. Clucher per Enzo Barboni ..) avevano poco a che fare con il western detto “classico”. Ma questi film non rappresentavano un passivo scimmiottamento dei western americani, dato che svilupparono caratteristiche che permisero di dare vita ad un genere a sé stante. Se il western classico metteva al centro della propria narrazione il mito della frontiera americana e celebrava i valori della collettività e della giustizia, i protagonisti degli spaghetti-western sono soprattutto pistoleri e banditi individualisti legati da un solo e unico valore: quello del denaro. Agli eroi dal viso pulito e rassicurante modellati sulla falsariga di John Wayne si opponevano volti ruvidi e sporchi mostrati in tutto il loro “realismo”, così come l’immensa Monument Valley fu sostituita da paesini sperduti e a tratti spettrali del deserto messicano (in realtà set di ripresa costruiti tra l’Italia, in particolare Lazio e Calabria, e l’Andalusia in Spagna). Un altro elemento cardine e marchio di fabbrica dei western all’italiana è il concetto di violenza. Laddove il western classico si ritrovava a doverla adoperare, ad esempio quando un personaggio sparava ad un indiano, occultava le immagini ritenute cruente. Lo spaghetti-western invece abbonda in quanto a violenza: tra sparatorie con proiettili che perforano i corpi, torture e sadismo i film di questo filone contribuirono a dare un’immagine oscura e brutale dell’epopea del Far West, molto distante dalla visione romantica e ottimista abbracciata dai registi d’oltreoceano. I primi spaghetti-western: Corbucci e Questi Uno dei primi spaghetti-western ad essere stati girati è stato Django, diretto da Sergio Corbucci nel 1966. Fu considerato all’epoca uno dei film più violenti nel suo genere, come lo dimostrano alcune scene divenute celebri: quella in cui un predicatore viene costretto a mangiare il suo stesso orecchio tagliato via da un guerrigliero messicano o anche la sparatoria che Django, interpretato da Franco Nero, compie usando un enorme mitragliatrice nascosta dentro una bara. Inoltre il personaggio di Django fa da archetipo a quello che è l’eroe (forse più antieroe) tipico dello spaghetti-western: un pistolero solitario, taciturno, dallo sguardo magnetico e misterioso, di poche parole e molto più propenso a risolvere le questioni con una pistola che con la dialettica. Interessante è poi la presenza di un luogo simbolo del west: il saloon, un luogo popolato da prostitute e individui […]

Nel Pantheon greco Demetra e Persefone sono due figure molto importanti. Il loro mito è legato a l’alternarsi delle stagioni e alla fertilità delle terre, ma può essere interpretato anche come la prima storia in assoluto di una molestia sessuale nel mondo degli immortali. Il mito Figlia di Crono e Rea, Demetra era la dea dell’agricoltura, della terra e del grano. Il suo nome significa “Madre terra” e probabilmente deriva dall’indoeuropeo *dhegom mather. Dall’unione con il fratello Zeus ebbe la figlia Persefone, conosciuta anche come Kore (“fanciulla” in greco). Il mito che lega madre e figlia è tra i più noti. Un giorno mentre Persefone stava coltivando dei fiori sulla piana di Nysa con alcune compagne si allontanò da loro, attratta da un fiore di narciso Mentre in piena estasi allunga le mani per raccoglierlo dalla base del fiore si apre una voragine dalla quale fuoriesce Ade, il quale la rapisce e la porta nell’oltretomba. Demetra si accorse della scomparsa della figlia e per nove giorni vagò alla sua ricerca per tutta la terra. Il decimo giorno fu avvertita da Ecate, demone dell’oltretomba, di aver sentito Persefone urlare senza però aver visto il volto del rapitore. Demetra allora si recò da Elios, dio del sole, il quale le disse che a rapire sua figlia era stato Ade. Egli era infatti innamorato di lei e Zeus acconsentì al ratto. Sentitasi tradita Demetra abbandonò l’Olimpo e trascurò le terre che non produssero più frutti. Così gli uomini si trovarono davanti ad un inverno eterno che provocò una drammatica carestia e gli dei, dato che gli uomini e gli animali morivano di fame, non poterono più ricevere le offerte votive. La dea si recò ad Eleusi, nell’Attica, dove assunse le sembianze di una vecchia. Lì fu accolta dal re Celeo e dalla sua sposa Metanira nella loro reggia dove fece da nutrice al figlio Demofonte. La dea si affezionò così tanto a Demofonte che stava per donargli l’immortalità, quando fu scoperta da Metanira. Demetra rivelò le sue vesti divine e, sentendosi nuovamente tradita dagli uomini, si nascose sul monte Callicoro dove era stato edificato un tempio in suo onore. Il dolore per la perdita della figlia, che Demofonte era riuscito a sanare, riesplose più forte che mai. A questo punto Ermes scese negli inferi, spedito da Zeus, chiedendo ad Ade di ridare Persefone alla madre in quanto la situazione era divenuta insostenibile tanto per gli uomini quanto per gli dei. Ade acconsentì, ma prima che Persefone potesse tornare sulla terra le fece mangiare un chicco di melograno. Infatti se una persona non ancora morta mangiava qualcosa mentre si trovava nell’oltretomba, ella sarebbe destinata a restare in quel regno per il resto della propria vita ed era proprio quello che era successo alla figlia di Demetra. Non appena Demetra rivide Persefone ella gioì e le terre tornarono a germogliare, sancendo la fine della carestia. Ma scoprì anche l’inganno e Zeus riuscì a stabilire una sorta di compromesso: per sei mesi Persefone sarebbe rimasta sulla […]

Accostata comunemente all’elemento dell’amore e della bellezza, Afrodite è in realtà la dea protettrice di molte altre cose. La caratteristica peculiare di ogni religione politeista (che adora più di un dio) è quella di accostare ad ogni divinità il culto verso un determinato elemento. Tutti sappiamo bene che la stessa cosa la facevano gli antichi greci con le divinità del loro pantheon e che anche loro avevano una dea che rappresentava l’emblema dell’amore e della bellezza. Il suo nome è Afrodite. A quella che dai Romani fu chiamata Venere, erano tuttavia affidati altri culti di cui ci testimoniano gli autori greci e latini Storia di Afrodite: la nascita e gli amori La storia della nascita della dea è molto controversa. Esiodo nella Teogonia racconta che Afrodite sarebbe nata dalla spuma del mare fuoriuscita dai testicoli di Urano, i quali erano stati strappati via dal figlio Crono. Questa versione legittimerebbe così l’origine del suo nome, dato che in greco aphros significa “spuma di mare”. Ma non sono pochi gli autori che conferiscono alla dea un’origine orientale. Erodoto afferma che un suo tempio era presente ad Ascalona, nell’odierna Israele, dove da lì i ciprioti avrebbero importato il culto in Grecia. Invece Pausania dà ai Fenici il merito di aver importato il culto in terra ellenica, costruendo un tempio a Citera. Afrodite era quindi nata dalla spuma del mare ed emersa su di una enorme conchiglia. Zefiro la spinse sull’isola di Cipro presso la quale si trovava un tempio nella città di Pafo. Le divinità dell’Olimpo festeggiarono la nascita di Afrodite la quale, non troppo tardi, si conquistò le antipatie di Era ed Atena. Esse erano consapevoli del fatto che nessuna creatura, tanto umana quanto animale, poteva resistere al suo richiamo. Lo sapeva bene Paride, figlio di Priamo, il quale, scelto dagli dei, le dette il celebre pomo d’oro grazie al quale la definì “la più bella” preferendola alla dea della famiglia e a quella della sapienza. Per ricambiare il favore si dice che Afrodite fece innamorare il giovane troiano dell’achea Elena, moglie di Menelao, portandola con sé a Troia e scatenando la celebre guerra che Omero raccontò nell’Iliade. Furono tanti gli uomini che caddero ai piedi di Afrodite. Il primo di questi fu Adone, semidio e abile cacciatore che morì a causa delle ferite infertegli da un cinghiale. Afrodite, per ricordare il suo amato, fece in modo che ad ogni primavera le sue spoglie si trasformassero nel fiore a lei caro: l’anemone. Anche il principe troiano Anchise fu uno dei suoi amanti più celebri, nonché tra i più importanti. Dall’unione tra i due nacque infatti Enea, l’eroe che fuggì da Troia per raggiungere il Lazio dove avrebbe gettato i semi fondatori di Roma. Celebre è anche la storia che ebbe con Efesto, dio del fuoco e delle fucine, esteticamente opposto alla bellezza sprigionata da Afrodite: egli era zoppo e con la pelle sempre sporca per via della cenere onnipresente nelle fucine dell’Etna in cui dimorava. Ecco perché la dea lo tradiva spesso […]

L’Eurovision, l’annuale festival musicale europeo che attira sempre più appassionati di musica e di momenti trash di dubbio gusto (forse più la seconda che la prima) è giunto anche quest’anno. Perciò ecco a voi, signore e signori, il resoconto della serata finale di una delle manifestazioni musicali più eccentriche e discusse del vecchio continente. Nella vita ci sono momenti che ognuno di noi attende con trepidazione. Alcuni attendono la domenica per gustarsi il ragù della mamma senza pensare alla dieta, altri il sabato per liberarsi dalla routine dello studio o del lavoro in modo da ubriacarsi con gli amici come se non ci fosse un domani, altri ancora attendono sul cellulare una notifica che li informa di un nuovo video pubblicato da Youtube anche per interrompere qualsiasi attività di estrema importanza come uscire con la propria morosa. Ci sono poi quelli che attendono un intero anno per poter vedere finalmente sul grande schermo l’atto conclusivo di un saga cinematografica dove un gruppo di supereroi affronta un titano pazzo pronto a spazzarli via con un guanto d’oro tempestato di gemme colorate e chi invece di anni ne aspetta due per assistere alla stagione finale di una serie tv fantasy in cui tutti i beniamini del pubblico muoiono male. Infine ci sono quei pochi che attendono il mese di maggio per un solo e semplice motivo: la finale dell’Eurovision Song Contest, la più importante e controversa manifestazione musicale europea che canalizza l’attenzione di tutti quegli appassionati (tra cui il sottoscritto) che hanno una sorta di attrazione/repulsione verso l’eccentricità che sfiora le vette del trash di maggior prestigio. Eurovision Song Contest, piccola introduzione storica Nato nel lontano 1956 a Lugano, in Svizzera, l’Eurovision Song Contest aveva come base quella di usare l’arma della musica per unire i popoli europei in uno spirito di pace e fratellanza, allo scopo di lasciarsi da parte i dissapori maturati durante l’ultimo conflitto mondiale e che nel secondo dopoguerra perduravano. Le regole sono molto semplici. 26 cantanti provenienti da 25 nazioni europee e dall’Australia (sì, c’è anche l’Australia tra i partecipanti, ma ne riparleremo a tempo debito) si esibiscono in tre diverse serate. Le prime due sono le semifinali che determinano le 20 nazioni  che gareggeranno nella finale di sabato assieme alle Big five, le nazioni che accedono all’Eurovision di diritto: Francia, Regno Unito, Germania, Spagna e Italia). I cantanti rappresentanti di ogni nazione vengono scelti in base a festival nazionali, talent shows o possono esserci altri motivi dietro la loro scelta come una proposta da parte delle case discografiche. Nonostante il messaggio veicolato sia quello della fratellanza tra i popoli, l’Eurovision ha sempre fatto parlare di sé più nel male che nel bene. L’atmosfera colorata e festaiola messa in scena risulta essere più uno specchietto per le allodole, dato che non sono mancate nel corso degli anni controversie a sfondo sociale e politico. Molte nazioni non hanno ritirato la loro partecipazione ad alcune edizioni in base a momenti storici particolari, come fece la Russia nel 2017 quando […]