Eroica Fenice

I fratelli Marco e Antonio Manetti, conosciuti con il nome d’arte di Manetti Bros. , hanno trionfato alla 62esima edizione dei David di Donatello con Ammore e Malavita, film che è stato premiato dall’accademia dei David come Miglior film. Ma quali altri film sono stati insigniti della statuetta più ambiziosa del cinema nostrano? E come è stata questa edizione? Non ci resta che scoprirlo assieme. David di Donatello 2018. Ammore e Malavita e Nico, 1988 i film più premiati «La mia invenzione è destinata non avere futuro». Questa frase pronunciata da Auguste Lumière, uno dei padri del cinematografo, apre la 62esima edizione dei David di Donatello. Al timone della cerimonia c’è l’eterno abbronzato Carlo Conti (e fin da subito ci fa rimpiangere la conduzione di Alessandro Cattellan). Segue un monologo di Paola Cortellesi dal titolo Lieve ammiccamento verso la prostituzione dove l’attrice, attraverso un’ironia sagace, denuncia la discriminazione verso le donne presente nel mondo del lavoro e, soprattutto, in quello dello spettacolo. Un segno evidente di come l’affaire Weinstein non abbia lasciato indifferente il mondo del cinema italiano. Luca Zingaretti è chiamato a conferire il primo premio della serata, quello per la migliore attrice non-protagonista. Ad aggiudicarselo è Claudia Gerini per il ruolo di Donna Maria in Ammore e Malavita dei Manetti Bros. Visibilmente emozionata l’attrice considera il premio come «la tappa di un’avventura molto speciale e bellissima». Premio miglior scenografo per Ivana Gargiulo e Deniz Gokturk Kobanay per Napoli Velata di Ferzan Ozpetek e subito si giunge al primo David Speciale per Stefania Sandrelli. Standing ovation per l’attrice di Io la conoscevo bene, che dedica il premio a tutte le persone che hanno contribuito a portarla fino a lì. Alla domanda di Carlo Conti, che le chiede quale sia tra gli attori quello che le è rimasto nel cuore, la Sandrelli ricorda Marcello Mastroianni con cui fece il provino per Divorzio all’italiana di Pietro Germi nel 1962. Stefania Sandrelli è chiamata anche a premiare il miglior attore non protagonista. La statuetta va a Giuliano Montaldo per Tutto quello che vuoi ed è il secondo premio ricevuto dall’attore, dopo quello alla carriera. Premio Miglior costumista che si rivela un ex aequo: Daniela Salernitano per Ammore e Malavita e Massimo Cantini Parrini per Riccardo va all’inferno.  Ma è già giunta l’ora del primo momento musicale e ad esibirsi è Giorgia con Gocce di memoria, il brano che fa parte della colonna sonora de La finestra di fronte di Ozpetek. La cantante afferma che è stata un’emozione poter contribuire al film. David al miglior autore della fotografia che va a Gian Filippo Corticelli per Napoli Velata. Giunge poi il momento del David alla carriera per Steven Spielberg e anche in questo caso standing ovation per lui. Un premio per un regista poliedrico,  nelle sale italiane il 28 marzo con Ready player one (qui il trailer),  che ha attraversato i vari generi e che confessa la sua ammirazione per il cinema italiano . Un consiglio per i giovani registi: «Ai ragazzi dico credete sempre alla vostra voce interiore, […]

Se si legge “anni ’90“, qual è la prima cosa che viene in mente? Alcuni diranno le boyband, altri il Game Boy, altri ancora l’inchiesta di Tangentopoli e così via. Nel bene e nel male sono decenni che, noi che li abbiamo vissuti, ricordiamo con certo affetto. Eppure nessuna rete televisiva si è mai interessata nel volerli omaggiare con un programma relativo, fino al momento in cui Mediaset non ha dato vita a 90special .. .. e forse sarebbe stato meglio non farlo. 90special: il museo degli anni ’90 Alla conduzione del programma (che fin da subito ricalca un celebre pezzo dei Lunapop) troviamo la iena Nicola Savino, comandante di una macchina del tempo con a bordo chi in quei decenni era genitore, adolescente, bambino e chi invece era nato alla fine (da qui il sottotitolo “ma che ne sanno i 2000”). Partiamo subito dai pregi, davvero ben pochi. Di certo va riconosciuto il merito di aver cercato di far respirare a pieni polmoni l’aria degli anni ’90 in ogni singolo aspetto. Basti dare un’occhiata allo studio, addobbato con cimeli dell’epoca (le schede telefoniche, l’album di figurine dei calciatori, una foto di Raffaella Carrà ai tempi di Carramba che sorpresa! e quanto altro), nonché la presenza di simboli della TV italiana dell’epoca come il furgoncino di Stranamore, il microfono del Karaoke di Fiorello e le postazioni del celeberrimo quiz Tira e Molla condotto da Paolo Bonolis. Non mancano poi le esibizioni di cantanti dell’epoca, se si pensa agli Eiffel 65 che hanno riproposto la loro intramontabile hit Blue. Quanto detto fino ad ora potrebbe indurci a pensare che 90special risulti un’operazione di revival gradevole e carina, capace di toccare il cuore di quelli che hanno vissuto gli ultimi decenni del XX secolo. Ma così non è stato. Tra tediosi monologhi e triste ignoranza Il primo punto debole di 90special è rappresentato dagli ospiti. Ci si è dovuti sorbire quasi due ore di monologhi di Fiorello e di Jovanotti. Personaggi di certo rilevanti per i decenni trattati nel programma ma a cui si è preferito dare il ruolo di tappabuchi, mostrando così che gli autori, in fin dei conti, non avevano idee degne di nota. Il secondo punto, di sicuro il più grave ed intollerabile, è la presenza di ospiti per nulla attinenti al programma: Cristiano Malgioglio (simbolo della tendenza a voler inserire ad ogni costo il fenomeno del reality di turno, dato il suo evidente anacronismo) e il duo Benji & Fede che ha scimmiottato, pardon, cantato sulle note di 50 special dei Lunapop. Una vera delusione che sui social ha scatenato l’ira dei telespettatori, i quali hanno lamentato la mancanza di personaggi, oggetti, spot e di altro materiale che avrebbe reso il programma davvero interessante e godibile. Un’offesa agli anni ’90 e a chi c’era in quel periodo Il giudizio che va dato a 90 special non può che rasentare l’insufficienza. Sorvolando sulle poche apprezzabili trovate, il programma è lontano dall’ essere un omaggio a quegli anni. La sensazione è […]

Situato in via Chiaia 83, il Paisà è un vero e proprio forno contadino specializzato in pizze da asporto, e rappresenta un compromesso tra le continue innovazioni gastronomiche e il rispetto della tradizione. L’universo Paisà: un mondo antico in un contesto moderno L’idea del locale è di Ciro Ienco, il quale ha una missione precisa: dare alla pizza da asporto un’offerta “premium”, alla stregua di quella delle pizzerie tradizionali. Quest’offerta consiste nell’uso di farine integrali e a base di cereali vari (ceci, cuccuma) nelle preparazioni che, unite ad una lievitazione di 24 ore, danno come risultato un prodotto di qualità e altamente digeribile. Il tutto nel rispetto delle ricette tradizionali. Proprio la tradizione è uno dei punti forti del Paisà ed entrando nel locale lo si comprende subito: il bancone è in legno e ricorda la madia su cui le famiglie contadine impastavano il pane. Poi l’invitante profumo che esce fuori dalle cucine contribuisce a farci tornare indietro nel tempo, a richiamare alla mente i sapori della nostra infanzia. Un menù fresco e genuino La degustazione del 19 dicembre è stata un’occasione per entrare in contatto con la filosofia di Ciro Ienco. Le specialità del Paisà sono preparate con ingredienti freschi e genuini, la cui qualità si sente dal primo morso. Su tutti domina “’O Panzarotto”, quello che viene comunemente chiamato “crocchè di patate”. Oltre a quello classico il Paisà lo serve in altre varianti: con granella di pistacchi, con mandorle, con salsicce e friarielli e con spinaci. La caratteristica peculiare è l’uso di patate dell’Avezzano (senza fecola) e di fior di latte di Agerola. Per quanto riguarda le pizze, oltre alle tradizionali margherita e marinara la varietà di scelta è caratterizzata da una spiccata innovazione. La si comprende dalla pizza con caciocavallo e pere e da quella con crema di zucca e pistacchi preparate con farina, da quella con scarole e noci o con verza e salsiccia e da quella ortolana o con mousse di ceci e broccoli. Il tutto è accompagnato dal sapore dei vini delle cantine Alois e dalle melodie dei Mediterranean Duo (Carmine Scialla e Alessandro De Carolis) che hanno creato la colonna sonora perfetta per questo momento di riscoperta della genuinità, proponendo un repertorio di musica popolare. La formula vincente del Paisà Il Paisà ha dalla sua parte una tradizione che strizza l’occhio anche all’innovazione, venendo incontro alle esigenze di un mercato e di palati sempre più attenti alla qualità degli ingredienti. Ma la riscoperta di un prodotto che viene rielaborato rappresenta una nota di non poco conto in un mondo in cui il concetto di “street food” è spesso associato a prodotti trattati e ben lontani dall’essere sani. Paisà invece segue una filosofia semplice e vincente, che andrebbe adottata da molte aziende del settore: guardare con un occhio al passato e con l’altro rivolto al futuro.  

Venerdì ha fatto il suo debutto, in seconda serata sulla terza rete RAI, Far Web. Condotto da Federico Ruffo il programma, attraverso lo schema del documentario, indaga sul lato più oscuro e pericoloso di internet: degli haters. Definizione di hater Il termine haters si potrebbe tradurre in italiano con l’espressione “coloro che odiano” (dal verbo inglese to hate, “odiare”). In parole povere, ci troviamo davanti a veri e propri odiatori seriali. L’hater non è un tipo ben definito: può essere giovane o vecchio, donna o uomo, con un basso o alto livello di istruzione, bianco o nero. L’unico minimo comune denominatore che li accomuna è l’odio. Questo odio viscerale è rivolto sopratttutto a personaggi di una certa fama: politici, cantanti, attori, youtubers, giornalisti e così via. A sostegno di questa loro teoria, gli haters si fanno portavoce di una verità intoccabile con il sostegno della protezione dello schermo del computer o del telefono. Far Web. A tu per tu con l’odio Far Web parte proprio da queste basi per stilare un’analisi lucida di questo fenomeno, preoccupante per il momento storico che stiamo vivendo. Nella prima puntata, intitolata In nome del popolo italiano, Federico Ruffo ha avuto modo di parlare con questi odiatori. Alcuni ci mettono la faccia, mentre altri preferiscono affidarsi alla sicurezza dell’anonimato. Il quadro che ne viene fuori è inquietante. Rigurgito di populismi, insulti nei confronti dei migranti e della presidente della camera Laura Boldrini (quest’ultima oggetto di una vera e propria campagna di insulti, complici anche le numerose bufale che la riguardano) e rimpianti verso il ventennio fascista. Interessanti gli interventi di chi ha voluto letteralmente metterci la faccia. Stiamo parlando dell’amministratore della pagina Facebook Sesso, droga e pastorizia (celebre per essere stata al centro di una polemica con Selvaggia Lucarelli) o di già citati pensionati sessantenni che non sembrano pentiti delle proprie azioni. C’è anche chi preferisce coprirsi il volto per non farsi riconoscere, come l’utente che si fa chiamare con il nickname de “ilgiustiziere”. Gli haters sono tra noi (e siamo noi) Non sarebbe necessario interrogarsi sull’utilità di un programma come Far Web. Sarebbe più utile riflettere sul fatto che gli haters che ci vengono presentati sono persone normali, come noi. Il sessantenne con la quinta elementare che insulta Laura Boldrini perché «ama più gli immigrati che gli italiani» e il trentenne con una laurea che insulta lo youtuber Favij perché guadagna tanti soldi facendo gameplay non sono tanto diversi. Sono persone che incontriamo al bar o a lavoro, magari anche brave persone nella vita reale e con cui abbiamo scambiato due chiacchiere. L‘hater, come si è detto, non ha una fisionomia precisa. Può essere di nazionalità, credo e idee diverse, ma è fedele ad una sola idea: quello di elevarsi al rango di vendicatore, angelo della morte virtuale che falcia coloro che meritano solo di ricevere in faccia tutta la sua bile, che siano traditori della patria, omosessuali, comunisti, vip, cantanti, attori. Tutti insulti fatti da chi il potere, nel mondo di carne, non […]

Nella mattinata del 18 novembre è stata inaugurata, presso il museo di arte contemporanea donnaregina MADRE, la mostra Pompei al Madre. Come si può evincere già dal nome, si tratta di un progetto che unisce due mondi all’apparenza lontani e distanti. Da un lato la solennità e il rigorismo dell’arte antica, dall’altra l’innovazione e le sperimentazioni di quella contemporanea. La “macchina del tempo” di Pompei Alla cerimonia di apertura (alla quale hanno partecipato anche il ministro dei beni e delle attività culturali Dario Franceschini e il presidente della regione Campania Vincenzo de Luca) sono intervenuti il direttore generale del museo MADRE Andrea Villani e il direttore generale del parco archeologico di Pompei Massimo Osanna. Durante l’intervento si è evidenziata proprio questa interconnessione tra l’antico e il contemporaneo. Non a caso Villani ha paragonato gli scavi di Pompei ad una “macchina del tempo”, poiché esprimono tanto il fermoimmagine di un vita fermatasi in un preciso istante quanto la possibilità di far comunicare quel mondo lontano con quello più vicino a noi. La mostra La mostra Pompei al Madre è divisa in due parti. La prima porta il titolo de Le collezioni e non è un caso. Qui, infatti, le opere già presenti nella collezione del MADRE comunicano con elementi del mondo romano. Lo dimostra l’interconnessione che si crea tra le tombe dei Lares e dei Penates (quelli che, nell’antica Roma, venivano identificati con gli spiriti del focolare domestico) e le Capuzzelle dell’artista tedesca Rebecca Horn, o anche quella tra la critica capitalistica e consumistica delle opere di Jeff Koons e i resti delle tabernae, gli spazi commerciali della domus. La seconda parte, situata al terzo piano del museo, è invece intitolata Materia archeologica. Sono qui raccolte testimonianze relative agli scavi di Pompei, che vanno dai giornali di scavo di fine ‘700 ed inizio ‘800 alle fotografie degli scavi stessi, fino ad arrivare ai disegni di Le Corbusier sulle caratteristiche biodinamiche della domus pompeiana e alla raccolta del materiale bibliografico relativo a Pompei (dai trattati di archeologia del XVIII secolo ad una copia in DVD di Live at Pompeii dei Pink Floyd). Segue poi una sala dedicata alla campagna vesuviana, allestita con varie vedute settecentesche del vulcano in eruzione settecentesche, fino ad arrivare al celeberrimo Vesuvius di Andy Warhol. La mostra culmina in un vero e proprio mortuario dove, ai calchi di alcuni corpi delle vittime dell’eruzione del 79 d.C. (tra cui anche il famoso “cane di Pompei”) si alternano opere come l’ufficio fossilizzato di Jimme Durham e l’installazione Terrae Motus di Nino Longobardi. Pompei al Madre: una Domus contemporanea riuscita Con il progetto Pompei al Madre si è riuscito a raggiungere l’equilibrio (a tratti impossibile) tra l’arte classica e l’arte contemporanea. Il vedere un mosaico o una statuetta di una domus pompeiana accostata a qualche installazione contemporanea potrebbe far storcere il naso ai puristi, ma non si può negare l’originalità dell’idea. Si può tranquillamente affermare che l’idea di “Domus contemporanea”, progettata e voluta da Andrea Villani, è più che mai riuscita. […]

Con il termine slasher (dal verbo “to slash”, che in italiano significa “affettare”, “squarciare”) si indica un sottogenere di film horror che segue uno canovaccio preciso: un gruppo di giovani protagonisti che cerca di fuggire da un assassino psicopatico. Dietro ad un sistema così semplice, in realtà si nasconde qualcosa di più profondo. È quello che Marco Greganti cerca di spiegare nel saggio Slasher: il genere, gli archetipi, le strutture, pubblicato da Nicola Pesce editore. Slasher, un viaggio nel regno dell’orrore e della paura In cinque capitoli, Slasher si propone di fornire al lettore (esperto o meno) i codici che permettono il funzionamento di uno dei sottogeneri del cinema horror più proficuo ed apprezzato. Partendo dalla Poetica di Aristotele e dalla concezione di arte come mimesis, cioè “imitazione”, Greganti passa in rassegna le caratteristiche peculiari che si ritrovano in ogni pellicola del genere: il viaggio compiuto dai protagonisti, lo spazio in cui si svolge la vicenda (o, come la chiama l’autore, “l’arena”), gli stereotipi fissi dei personaggi e, naturalmente, la fisionomia dell’assassino. Quello che però Slasher non tralascia è un dato fondamentale: che le storie dell’orrore non sono un fenomeno di puro spettacolo, ma che hanno radici profonde. Ecco allora i riferimenti al mito, alle fiabe dei fratelli Grimm e ai riti di iniziazione praticate dalle tribù australiane, nonché ampi riferimenti alla psicologia (Freud e Jung, in particolare). Il saggio è corredato di un ampio repertorio di immagini, naturalmente preso dalla filmografia horror più nota: Halloween di John Carpenter, A Nightmare on Elm street e Scream di Wes Craven, Alien di Ridley Scott, The Texas Chainsaw Massacre di Tobe Hopper. Non mancano ovviamente opere di registi italiani, come Reazione a Catena di Mario Bava, Cannibal Holocaust di Ruggero Deodato e Suspiria di Dario Argento. L’orrore come esorcizzazione La lezione che Slasher ci trasmette è più di una. La prima è che dietro a qualcosa che viene considerato superficiale, come un film horror, c’è un apparato folkclorico, psicologico ed antropologico che si perde nella notte dei secoli e che viene riproposto in varie forme. I vari Freddy Krueger, Jason Voorhes ed Alien non sono che  evoluzioni dell’uomo nero, dell’orco o di Barbablù, che terrorizzavano l’immaginario delle generazioni precedenti la nostra. Da questa considerazione, se ne ricava la seconda. Che l’uomo ha bisogno di esorcizzare le proprie paure, ma anche i propri demoni e lo fa proprio attraverso i film horror. Non a caso, Greganti pone spesso l’accento su come lo spettatore arrivi a patteggiare più per l’assassino e ciò fa parte di quel processo di esorcizzazione dei nostri istinti più oscuri e cupi, proiettandoli nella figura del villain di turno. Ciro Gianluigi Barbato

Il giorno lunedì 23 ottobre si è tenuta, presso la sala conferenze del Teatro Augusteo di Napoli, la conferenza stampa de La banda degli onesti di Gaetano Liguori. Sono intervenuti, oltre al regista, anche gli attori Gianni Ferreri, Anna Falchi e Davide Ferri. La banda degli onesti. L’idea dello spettacolo Lo spettacolo fu ideato nel 1998 da Mario Scarpetta, pronipote di Eduardo, come parte di un progetto volto a portare sul palcoscenico tre film del principe della risata. Il 12 aprile di quell’anno fece il suo debutto al Teatro Totò proprio La banda degli onesti, con autorizzazione dei sceneggiatori Age e Scarpelli. Rispetto al film del 1956, la sceneggiatura teatrale di Scarpetta mostra alcune modifiche radicali, in modo da semplificare l’azione dello spettacolo. Vengono eliminate alcune parti e alcune situazioni e lo spazio dell’intreccio si riduce a due luoghi del film originale: la portineria e la tipografia. Il plot narrativo rimane comunque lo stesso: il portinaio Don Gennaro (Davide Ferri) e l’amico tipografo Don Ferdinando (Gianni Ferreri), con pochi soldi e tanti sogni, decidono di mettersi a stampare delle banconote false per venire incontro ai propri problemi economici. La conseguenza, come è facile prevedere, sarà una serie di equivoci tutti da ridere. La parola agli attori e al regista Il regista Gaetano Liguori si è definito entusiasta di dirigere questo progetto, tanto da introdurre lui stesso un elemento di novità all’interno di una sceneggiatura già ridotta di suo e che riguarda il lato scenografico. Il palco non sarà diviso in due, come nelle intenzioni di Mario Scarpetta, ma ci sarà un palco girevole che seguirà gli attori e che segnerà il passaggio da una scena all’altra. Gianni Ferreri, il quale ha collaborato con Scarpetta alla sceneggiatura fin dal primo momento, ha confessato di essere emozionato per questo evento che aprirà la stagione dell’Augusteo. Ha ricevuto un’ulteriore emozione quando ha saputo che avrebbe interpretato il ruolo del tipografo, che nel film era Peppino de Filippo. Anna Falchi interpreterà invece il ruolo della madre del portiere Antonio (interpretato da Daniele Ferri, in questo allestimento) e ha aggiunto, con un po’ di ironia, di essere passata dal ruolo di sex symbol a quello di madre. Ha inoltre confessato la propria passione per il teatro e come la commedia degli equivoci sia il genere che ha segnato il suo debutto proprio all’Augusteo. Ha anche evidenziato il fatto che non parlerà in napoletano ma in romagnolo, in coerenza con il fatto che nell’originaria rivisitazione teatrale il suo personaggio parlasse tedesco. Il cast dell’adattamento teatrale de La banda degli onesti comprende inoltre Enzo Esposito, Antonio Fiorillo, Franco Pica, Sasà Trapanese, Enzo Varone e Chiara Vitiello. Le musiche saranno del maestro Antonello Cascone, mentre i costumi saranno ideati da Maria Pennacchio. Lo spettacolo aprirà la stagione 2017/2018 del Teatro Augusteo il giorno 27 ottobre e rimarrà in cartellone fino al 5 novembre. Sarà un’occasione per ricordare due artisti come Totò e Mario Scarpetta, ma rappresenterà anche (si spera) il preludio per nuovi spettacoli che seguiranno la stessa scia […]