Il giorno 29 ottobre si è tenuta presso il Centro per l’Arte Contemporanea SMMAVE, situato nel cuore del Borgo dei Vergini, la conferenza stampa di Accogliere Ad Arte, progetto di valorizzazione dei luoghi d’arte e delle risorse umane fondato nel 2016 che si occupa di accoglienza sul territorio di turisti e visitatori. Accogliere ad Arte può vantare una collaborazione con le più importanti realtà culturali partenopee: dal museo archeologico di Napoli al Teatro San Carlo, dalle gallerie di Palazzo Zevallos all’Orto Botanico, senza dimenticare il museo di Capodimonte e molto altro ancora. Accogliere Ad Arte, resoconto della conferenza stampa al SMMAVE Tra i vari interventi della conferenza stampa al SMMAVE va segnalato quello dell’Assessore alla Cultura e al Turismo di Napoli Nino Daniele il quale sottolinea l’importanza di questa iniziativa: «Il turismo», spiega, «ha riacceso un sentimento di fierezza per Napoli nei cittadini napoletani. Trasformare questo rinnovato orgoglio in opportunità di sviluppo e sentimento civico può mettere in campo energie preziose e inaspettate. È questa la grande intuizione che anima Accogliere Ad Arte e che ci pone all’avanguardia in quella vocazione all’ospitalità che ci viene universalmente riconosciuta». Francesca Amirante, Presidente di Progetto Museo e coordinatrice di Accogliere Ad Arte, ha sottolineato come questo progetto sia unico al mondo: «Accogliere Ad Arte arriva alla quarta edizione e sta diventando un modello di valorizzazione reciproca che mette in dialogo luoghi e umanità, città e cittadini. Quest’anno per trasmettere il senso del progetto abbiamo scelto la frase “Accogliere Ad Arte fa bene alla città e fa bene anche a te” che ben esprime l’idea di una crescita simultanea di città e cittadini e che non si sbilancia verso l’uno e l’altro soggetto». Gabriella Cetorelli, rappresentante della Direzione Generale Musei MIBACT, ha ribadito l’importanza del progetto Accogliere Ad Arte nel valorizzare il patrimonio culturale napoletano: «La conoscenza è alla base della nostra tutela e rientra nei precetti della Convenzione di Faro, firmata dall’Italia nel 2013, che rende i cittadini europei testimoni culturali. Più che la moneta l’elemento unificante è il patrimonio culturale, che deve essere fruito a partire dal basso». Importante è poi il contributo dell’Aeroporto Internazionale di Napoli per il progetto, di cui si è fatto portavoce l’Amministratore delegato Roberto Bariberi, da sempre sostenitore di iniziative di sviluppo territoriali: «L’aeroporto è un luogo di arrivi e partenze, un crocevia di razze e culture, ma è soprattutto la prima ed ultima impressione che i turisti hanno della nostra splendida città ed è nostro dovere accogliere i passeggeri al meglio, offrendo servizi ed infrastrutture all’altezza di una grande capitale europea, collegata con volo diretto ad oltre 100 destinazioni[…]. Ma la filiera si compone di tanti attori, tutti ugualmente importanti e strategici per la promozione, cura e valorizzazione del nostro eccezionale patrimonio artistico». A chiudere la conferenza è stato il presidente di SMMAVE, l’artista Christian Leperino. Egli ha ricordato come per sua iniziativa la chiesa della Misericordiella sia stata ripulita dal degrado in cui ha riversato per anni, tanto per lo scorrere del tempo quanto per […]

La storia del rock è fatta di trasgressione, anarchia, ma anche di amore. Non si contano sulle dita di una mano le coppie più celebri che questo genere di musica ha creato, le cui storie tuttavia non sono sempre a lieto fine. Una di queste coppie è quella formata da Sid e Nancy, rispettivamente bassista dei Sex Pistols e la sua storica fidanzata che divenne nota nell’ambiente punk. Sid e Nancy, la storia di due anime instabili Nato a Londra nel 1957, John Simon Ritchie visse un’infanzia molto difficile. Il padre, trombettista jazz, lo abbandonò dopo la nascita e crebbe a contatto con la madre tossicodipendente Anne. Trascorse gran parte della gioventù per le strade della capitale inglese, appassionandosi alla musica di David Bowie e dei Roxy Music. Nel 1975 conobbe il cantante John Lyndon, noto ai più come Johnny Rotten, che lo introdusse nella scena del punk rock e gli diede il nome di Sid Vicious. L’origine di questo nome è particolare: infatti Sid aveva come animale domestico un criceto che un giorno diede un morso così forte a John il quale, terrorizzato, lo soprannominò proprio “Sid Vicious” (ovvero, “Sid il malvagio“). Dopo aver suonato come bassista in alcune band nel 1977 entrò nei Sex Pistols su iniziativa di John, il quale era alla ricerca di un sostituto dopo l’abbandono di Glen Matlock. Più che per l’abilità tecnica (tra l’altro discutibile), Sid Vicious divenne noto nell’ambiente punk per la presenza scenica, fatta di atteggiamenti controversi durante i concerti ancor prima di unirsi ai Pistols. Durante un concerto dei Damned tirò una bottiglia di birra sul pubblico, che colpì una ragazza rendendola cieca a un occhio. Naturalmente il far parte di una delle band più rappresentative del punk inglese come i Sex Pistols, che dopo un periodo di anonimato avevano raggiunto la celebrità avendo firmato con la EMI e avendo inciso le celebri hit Anarchy in the U.K. e God save the Queen, resero Sid una celebrità. Ovviamente divenne uno dei membri più iconici della band soprattutto per l’immagine trasgressiva che dava di sé più che per le proprie capacità di suonare il basso, anche se in quel periodo stava migliorando parecchio. Divenne l’emblema di quella gioventù inglese che negli anni ’70 ne aveva le scatole piene del buon costume, del perbenismo borghese e soprattutto delle melodie del progressive rock. A brani lunghi, elaborati e lenti si sostituirono pezzi brevi, grezzi, veloci e aggressivi come solo il punk sapeva fare. Poi nel 1976 irrompe nella vita di Sid Vicious un uragano destinato a sconvolgere non solo la sua vita, ma anche quella del gruppo. Quell’uragano si chiamava Nancy Spungen, una ragazza irrequieta, tossicodipendente, ma allo stesso tempo dotata di un’intelligenza acuta (a 11 anni era stata mandata in istituto per bambini problematici dove si diplomò a 16 anni). Dopo aver lasciato l’università divenne una groupie, una ragazza che accompagnava i gruppi punk condividendone lo stile di vita. Ben presto Nancy entrò in contatto con l’ambiente punk inglese e dopo una […]

A partire dalla fine degli anni ’70 del secolo scorso si iniziò a parlare in ambito filosofico di postmodernismo. Il termine compare per la prima volta nel saggio La condizione postmoderna, scritto da Jean-Francois Lyotard nel 1979. Secondo il filosofo francese le grandi ideologie figlie dell’illuminismo (esaltazione del progresso tramite lo sviluppo economico e tecnico, le ideologie guidate dall’uguaglianza sociale, l’esaltazione della scienza come liberatrice dalle catene oppressive della religione, l’idea di una giustizia universale) e definite “grandi narrazioni”, giunte nell’età contemporanea iniziano a venire meno. I motivi principali di questa crisi di ideali sono due: il primo è il susseguirsi lungo il ‘900 di eventi storici il cui impatto è stato talmente drammatico che non è possibile appellarsi alla sicurezza di cui quelle idee erano costituite per spiegarli (in che modo si possono interpretare le atrocità di Auschwitz o dei gulag sovietici in termini puramente razionali?). Il secondo è invece la diffusione, a partire dagli anni ’60 e ’70, di nuovi mezzi audiovisivi quali la televisione e la pubblicità che, assieme al cinema e alla letteratura, offrono nuove chiavi di lettura all’interno di una società industrializzata e globalizzata. La conseguenza è di grande portata: il sapere non è più un valore assoluto, ma esistono tante realtà con tante diverse caratteristiche (i telegiornali si diversificano per offrire versioni diverse di una stessa notizia, la pubblicità induce a comprare prodotti di cui non si ha veramente bisogno e che tuttavia possono servire per acquisire uno status sociale, etc.). Il postmodernismo è quindi riassumibile con il concetto di “superamento della modernità” o di tutte quelle idee che fino al XX secolo avevano portato avanti la società umana e che davanti ad una realtà multiforme finiscono per esaurire la propria spinta propulsoria. La fiducia nel progresso e nella scienza sembrano spegnersi, accanto a tutte le idee che hanno contraddistinto il modernismo. Il postmodernismo non è ovviamente sola prerogativa delle menti pensanti della filosofia, ma si diffonde anche presso quelle creative dell’arte. Lo si vede in movimenti artistici come la Pop Art (l’idea di oggetto comune elevata a opera d’arte) o nella letteratura con espedienti quali il dialogo metaletterario con il lettore (Se una notte di inverno un viaggiatore di Italo Calvino), l’inizio della vicenda dalla sua fine (La freccia del tempo di Martin Amis), il citazionismo che si traduce nell’imitazione di tecniche come quella del manoscritto ritrovato (Il nome della rosa di Umberto Eco) e molti altri ancora. Il Postmodernismo cinematografico La verità messa in discussione. Metacinema e mockumentary In tutto questo contesto il cinema come si evolve? Essendo l’arte che fa dell’immagine una delle sue prerogative, non ci mette molto a interrogarsi sulla molteplicità delle immagini che la società dei consumi impone. Il cinema del postmodernismo si interroga innanzitutto sulla sua funzione di spettacolo fittizio, di storia costruita da un insieme di immagini e di prodotto concepito in un ambiente come quello cinematografico. Il cinema di Jean Luc-Godard, uno dei padri fondatori della Nouvelle Vague francese, è pieno di espedienti metacinematografici volti […]

Il tanto atteso e tanto contestato vincitore della biennale di Venezia è giunto anche da noi. Joker di Todd Philips ricostruisce le origini di uno dei nemici storici di Batman scollegandole dall’universo cinematografico della DC, in favore di un dramma urbano dalle molteplici interpretazioni.  Joker, la trama Arthur Flenck (Joaquin Phoenix) vive in uno squallido e degradato appartamento nei bassifondi di Gotham City assieme all’anziana madre Penny (Francis Conroy). L’uomo lavora come clown per strada, venendo continuamente umiliato da colleghi e teppisti. A peggiorare le cose si aggiunge il fatto che Arthur soffre di una patologia neurologica che lo spinge a ridere incessantemente. Arthur coltiva un sogno: diventare uno stand up comedian ed esibirsi nel programma televisivo condotto dal suo idolo Murray Franklin (Robert de Niro). Tuttavia la situazione di degrado civile in cui versa la città condizionerà Arthur il quale, già psicologicamente provato e stanco di subire, intraprenderà una lenta discesa negli inferi. Il Joker di Todd Philips e Joaquin Phoenix. Una storia di disagio e di emarginazione L’assegnazione a Joker del leone d’oro ha indubbiamente sorpreso tutti, così come ha sorpreso l’idea di Todd Philips di girare un film lontano dai confini sicuri del genere commedia in cui si è specializzato (da Borat alla fortunata trilogia di Una notte da leoni). Il regista newyorkese decide di abbracciare un progetto ambizioso, che è quello di riscrivere le origini di una delle nemesi più conosciute dell’uomo pipistrello attraverso una storia a sé e scollegata dall’universo cinematografico della DC. La vicenda che si sviluppa in Joker si muove infatti nel contesto di una Gotham City più realistica che fumettistica, immersa nell’anno 1981 (un’operazione revival che traspare non soltanto da scenografie, costumi e canzoni d’epoca, ma anche dal vecchio logo della Warner Bros che introduce i titoli di testa) e in cui la diseguaglianza sociale tra il ceto benestante e quello povero è più che mai radicata. Arthur Flenck si muove in questo contesto fatto di cumuli di spazzatura per le strade, sedute dallo psicoterapeuta e un’umanità squallida e moralmente discutibile. Tutto ciò induce ad analizzare quelle che sembrano essere le due tematiche principali della pellicola: il disagio e l’ipocrisia umana. La metamorfosi che conduce l’inetto Arthur Flenck a trasformarsi in Joker è principalmente causata dal tessuto sociale in cui è costretto a vivere. Umiliato e deriso tanto dai suoi simili quanto dalla società “sana” e piena di valori, Arthur si isola in un mondo tutto suo in cui sente di poter contare qualcosa e che lo porta a convincersi di essere destinato alla grandezza. Del Joker “classico”, ovvero delle tante versioni immortalate da fumetti, cartoni e soprattutto film rimane ben poco. Allo scherzoso ed eccentrico gangster dal volto cicatrizzato di Jack Nicholson e all’anarchico e mitomane terrorista di Heath Ledger, la cui maschera ricorda un’antica e rabbiosa pittura da guerra va a sostituirsi Joaquin Phoenix. Un everyman snello fino all’osso, nevrotico e frustrato tanto inquietante quanto attraente. L’attore riesce benissimo nell’impresa di caratterizzare un personaggio che giunge a comprendere come quella […]

La ventunesima edizione del Napoli Film Festival si chiude con la proiezione di Trenta fuochi, lungometraggio d’esordio della regista Diana Toucedo. L’Istituto Cervantes di Napoli ha ospitato l’ultimo film in programma per l’edizione 2019 del Napoli Film Festival: Trenta Fuochi (Trinta Lumes), opera prima della giovane regista Diana Toucedo che ha vinto il D’A Film Festival di Barcellona e il premio per gli effetti visivi al Toulouse Cinespaña. Inoltre il film è stato già accolto con successo al Pesaro Film Festival, rendendo Napoli la seconda città italiana in cui è stato proiettato. Trenta Fuochi, trama del film di Diana Toucedo Ambientato a O Courel, un paesino sulle montagne della Galizia, il film ha come protagonista Alba, una ragazzina di 12 anni che vive a contatto con la natura e gli antichi riti magici che caratterizzano quel luogo. La particolarità consiste nel fatto che la famiglia di Alba e altre poche sono le uniche rimaste a vivere in quel luogo, da diversi anni spopolato e su cui vige una leggenda per cui le persone che sono andate via sembrano tornare, ma non fisicamente. Trenta Fuochi, un film tra religione, mistero e documentario Nel dibattito che si è tenuto dopo la proiezione del film, coordinato dal direttore del NFF Mario Violini, la Toucedo ha descritto ampiamente la lavorazione che c’è stata dietro Trenta Fuochi. Cinque sono stati gli anni dedicati a questo progetto, di cui i primi due sono stati dedicati all’immedesimazione e al contatto diretto con le terre della Galizia, nonché all’interazione con il popolo gallego. Un popolo di uomini e donne, afferma la regista, «a prima vista riservato, ma se entri in sintonia con loro ti aprono anche la porta di casa». Sui racconti orali usciti dalle bocche di donne e uomini del luogo Diana Toucedo ha ricavato parte della sceneggiatura di Trenta Fuochi, un film complesso a metà strada tra il documentario e la fiction. I lunghi campi di paesaggi, costituiti da montagne, prati, case diroccate e colpite ripetutamente dalla pioggia (anche questi frutto del quinquennale lavoro di riprese e montaggio), fanno sì che a essere la vera protagonista dell’opera sia proprio la natura con tutto il suo fascino e il suo alone di mistero. Non è un caso se l’ambientazione di Trenta Fuochi sia proprio la Galizia, una terra che oltre ad aver dato i natali alla regista è anche una comunità con alle spalle una lingua, il gallego, e una cultura che risulta essere un retaggio delle popolazioni celtiche che in passato abitavano quelle terre. Ancora oggi gli abitanti portano avanti la sacralità di quei riti, che sembrano andare via via scemando a causa dell’industrializzazione massiccia che sta amputando parti di quel patrimonio naturale. Uno degli obiettivi che si prefigge Diana Toucedo è di preservare nel tempo quel piccolo mondo antico e pagano che vive accanto ai riti della religione cristiana. Storia di un (eterno) ritorno Ma forse uno dei punti di interesse di Trenta Fuochi è la sua struttura circolare legata in stretto modo all’emigrazione, l’altro […]

Sapete? Il mondo dell’editoria odierna è quanto di più bizzarro e controcorrente si possa immaginare. Basta entrare in una qualsiasi libreria per rendersene conto. La prima cosa su cui i nostri occhi si posano appena entrati è uno scaffale con sopra un invitante cartellino che recita “nuove uscite”, dove sono raggruppate tutte le novità editoriali i cui autori però ci lasciano un po’ basiti. Accanto ai soliti gialli esoterici senz’anima e alle stereotipate storie d’amore in cui una ragazza ama un ragazzo (se possibile, con uno dei due afflitto da un male incurabile) e sui quali si costruisce una campagna pubblicitaria martellante la cui intensità è paragonabile a quella di un antifurto che suona ininterrottamente per tutta la notte, ci sono anche libri che sono opera di quelli che potremmo definire scrittori occasionali. Si tratta di personalità che con il mondo della letteratura non hanno nulla da spartire e che, tuttavia, pubblicano libri. Si va dal personaggio televisivo più discusso del momento allo chef più o meno stellato che tiene a raccontarci della sua vita quando non si trova ai fornelli. Tuttavia vendono molto i libri scritti da youtubers e dagli influencer. Questa riflessione nasce dalla pubblicazione del romanzo d’esordio di Giulia de Lellis, influencer ed ex tronista di Uomini e Donne, dall’evocativo e profondo titolo de Le corna stanno bene su tutto. Ma io stavo meglio senza! edito dalla Mondadori. Gli scrittori occasionali stanno uccidendo la letteratura Inutile stare qui a parlare del curriculum del nuovo astro della nostra letteratura, la quale ha dichiarato di non aver mai letto nulla, se non due libri in tutta la sua vita, quanto piuttosto di come il suo caso sia l’ennesima dimostrazione di come l’editoria concepisca al giorno d’oggi la letteratura e l’oggetto libro: un ornamento, un semplice gingillo superfluo utile al solo scopo di accrescere la notorietà di questi scrittori occasionali, personaggi che pur di aumentare il loro numero di seguaci (e di soldi in tasca) decide di buttarsi nel mondo dei libri. Un mondo che, francamente, sembrano conoscere ben poco, dato che gran parte di questi scrittori occasionali non scrive con le proprie manine, ma sfruttando l’anonimato dei ghostwriters. Esatto, avete capito bene. Pensavate davvero che i vostri beniamini del web, dopo una dura giornata trascorsa a registrare e montare video, si seggano davanti ad una scrivania in legno nel silenzio della notte e nel buio di una stanza illuminata dalla sola luce della candela e scrivano su carta e con penna d’oca o con una macchina da scrivere le loro res gestae e di come sono arrivati a divenire quel che sono ora? Sbagliato. Lo so che è brutto da dire, ma ci sono molti youtuber e influencer che non sanno nemmeno costruire una semplice frase seguendo l’ordine SVO (soggetto, predicato verbale e complemento oggetto. Roba del tipo “Luca mangia la mela“) e quindi, per non sfigurare davanti alle orde di fan che li idolatrano e che davanti alle loro foto accendono dei lumini, un po’ come facevamo noi […]

Quando si parla di musica elettronica in genere si pensa a tutte quelle composizioni musicali che adoperano al loro interno strumentazioni elettroniche (sintetizzatori, computer, etc.). In realtà si tratta di una definizione molto labile e incerta, poiché nel corso della sua storia la musica elettronica è stata soggetta a tanti usi diversi: come supporto a generi già esistenti, come genere a sé stante e anche come laboratorio sempre aperto di sperimentazioni. Proviamo allora a tracciare una storia della musica elettronica nelle sue fasi più salienti, dalle origini fino ai primi anni 2000, cercando di dare importanza tanto al suo lato di “work in progress” quanto a quello di elemento fondamentale per certe esperienze musicali. La vastità del argomento è tuttavia tale che non ci consentirà di analizzare ogni singola fase della musica elettronica, per cui rimandiamo a siti specializzati nel settore. Storia dell musica elettronica 1900 – 1950: le prime sperimentazioni Una prima fase di quella che si può definire “proto musica elettronica” ha inizio con l’introduzione del Terhemin, inventato dal fisico Lev Termen nel 1919. Consiste in un contenitore provvisto di due antenne, una posta verticalmente e l’altra lateralmente, le quali formano un campo elettromagnetico traducendolo in suono. La particolarità di questo strumento è che bisogna usare entrambe le mani per direzionare il suono e per regolarne l’intensità e il volume. Tra i tanti che rimasero affascinati dal terhemin ci fu Maurice Martenot che ne sfruttò la tecnologia per dare vita all’Onde Maternot, presentato nel 1928. Si trattava di una tastiera ad 88 tasti sotto i quali era presente un nastro teso che, a differenza delle antenne dello strumento russo, poteva essere fatto oscillare per produrre suoni. Fu inventato per venire incontro a tutti quei musicisti abituati da sempre a suonare con strumenti acustici e poco inclini ad usare il terhemin. Un anno fondamentale per la storia della musica elettronica è il 1933, quando l’ingegnere americano Laurens Hammond creò quello che fu ribattezzato come organo Hammond. Pensato come un’alternativa economica all’organo a canne, rispetto a quest’ultimo possedeva al suo interno delle ruote foniche alimentate (tonewhells). La loro rotazione formava un campo elettromagnetico che generava il suono. Questi veniva regolato tramite tiranti detti drawbars, i quali erano posti sotto la tastiera e permettevano di regolare il volume e l’intensità. In seguito l’organo Hammond fu potenziato tramite il Leslie, un meccanismo di altoparlanti montati su di un perno rotante che, una volta azionati, conferivano al suono quello che in fisica viene definito effetto Doppler. L’uso del Leslie si rivelò necessario per nascondere il fastidioso “click” dei tasti quando venivano pigiati, ma conferì all’Hammond un suono elettronico. Si può dire quindi che la musica elettronica sia nata proprio con questa “aggiunta necessaria”. Dopo la seconda guerra mondiale iniziarono ad essere fondati studi di registrazione un po’ in il tutto il mondo, grazie anche al fatto che accanto ai già citati meccanismi furono aggiunte le innovazioni nel campo della registrazione della voce compiute durante l’ultimo conflitto. In Francia il compositore Pierre Schaeffer fu […]