Il ‘900 si può considerare un mosaico di personaggi storici che, nel bene e nel male, hanno caratterizzato il mondo contemporaneo. Ma pochi riescono a incuriosire e a intrigare come Lawrence d’Arabia. Reso immortale dall’omonimo film diretto da David Lean nel 1962 e interpretato da Peter O’Tolle, fu il protagonista assoluto di un episodio che è passato alla storia come la rivolta nel deserto. Lawrence d’Arabia, biografia Sir Thomas Edward Lawrence, questo era il suo nome completo, nacque a Tremacog, nel Galles, il 16 agosto del 1888. È il figlio illegittimo (il secondo) del baronetto Thomas Chapman e della governante Sarah Junner. Appassionato sin da giovane di storia e archeologia si trasferisce a Oxford per studiare al Jesus College. Lì entra nelle grazie di David George Hogart, archeologo e orientalista che lo porta con sé in un lungo viaggio che attraversa la Giordania, il Libano l’Egitto e la Siria, tutti territori sotto il controllo dell’impero ottomano. Il futuro attore della rivolta del deserto ha così modo di respirare a pieni polmoni l’atmosfera dei paesi arabi assimilandone la lingua, la cultura, l’arte e la storia. Nel 1910, un anno dopo aver conseguito la laurea in storia, partecipa agli scavi archeologici guidati dall’archeologo Sir Leonard Wooley che riportano alla luce la città mesopotamica di Karkemish. Nel 1914 scoppia la prima guerra mondiale e Lawrence si reca al Cario per conto dell’ Arab Bureau, un’agenzia dei servizi segreti inglesi dove ricoprì il ruolo di cartografo per poi divenire ufficiale dell’Intelligence britannica. Le premesse alla rivolta araba Prima di addentrarci nelle imprese di Lawrence d’Arabia è necessario tracciare un quadro della situazione dei paesi mediorentiali che, nello stesso arco di tempo, fronteggiavano la minaccia di un Impero ottomano prossimo al tramonto. Il movimento nazionalista dei Giovani Turchi, al potere dal 1908, stava attuando una politica repressiva nei confronti delle popolazioni arabe facenti parte dell’impero le quali rifiutarono di adottare la lingua e la cultura turche e, soprattutto, non approvavano la costruzione di infrastrutture sui loro territori. Una su tutte la ferrovia dell’Hegiaz che collega la Siria, la Giordania e l’Arabia Saudita e che avrebbe permesso facilmente ai pellegrini musulmani di arrivare a La Mecca, danneggiando così gli interessi delle tribù che dal pellegrinaggio ci guadagnavano. Con l’alleanza dell’Impero Ottomano con gli Imperi Centrali (Regno di Bulgaria, Impero Austro-Ungarico e Germania, quest’ultima in stretti rapporti con la Turchia), la Francia e l’Inghilterra ne approfittarono per soffiare sui popoli arabi il fuoco del nazionalismo. Le due nazioni della triplice intesa convinsero infatti Husayn ibn Alì, lo sceriffo della Mecca, a stipulare un’alleanza con la promessa, una volta sconfitti i turchi, della nascita di uno “Stato pan-arabo”  autonomo e indipendente. In realtà si trattava di una promessa futile dato che l’alleanza franco-inglese si era già spartita i territori dell’impero ottomano (trattato Sykes-Picot, maggio 1916). Lawrence d’Arabia e la rivolta araba Sir Lawrence fu uno dei sostenitori della rivolta araba e per ordine del commissario britannico in Egitto Henry McMahon, stabilì rapporti con lo sceriffo Husayn. È importante […]

La storia del teatro greco va di pari passo con quella della polis di Atene, dove assume il ruolo di palestra della democrazia. Il teatro rappresenta una delle tante eredità donateci dalla civiltà greca. Un luogo e un’occasione di crescita civile e culturale, volta a formare il cittadino come individuo attivo della vita della polis di Atene e alla cui storia è strettamente legato. Storia del teatro greco, le origini Il periodo d’oro del teatro greco va collocato nel V secolo a.c., in quella che nei libri di storia è nota come “età classica”. Sotto il comando del generale Pericle Atene visse un boom economico e sociale, con la città che divenne un porto felice per la nascita delle istituzioni democratiche e una calamita culturale che attirò a sé poeti, artisti, filosofi e intellettuali. In realtà la storia del teatro greco ha inizio un secolo prima, nel VI a.c., quando il tragediografo Tepsi, figura a metà strada tra storia e leggenda, allestì con il suo “carro di Tepsi” (la prima compagnia itinerante dell’antichità) il suo primo spettacolo durante la sessantunesima Olimpiade (535 – 532 a.c.). Stando a quanto si legge nella Suda, un’enciclopedia bizantina risalente al X secolo, in quell’occasione Tepsi avrebbe introdotto il prologo, la maschera, il primo attore e altri elementi che avrebbero distinto la rappresentazione teatrale da ciò che era stato fino a quel momento: un insieme di canti corali che erano il culmine delle processioni in onore di Dioniso e scritti in ditirambo, un verso irregolare che dava l’idea dell’ebrezza provocata dal vino (elemento associato a Dioniso). La nascita dei teatri Nel V secolo il teatro venne  istituzionalizzato con la costruzione di strutture dette, per l’appunto, teatri (da theatron, “luogo in cui si osserva”). Il più importante è il Teatro di Dioniso, situato nell’Acropoli di Atene. L’edificio era costituito dall’orchestra, un palco dove si trovavano gli attori e il coro. Alle loro spalle si ergeva la skené, una costruzione in pannelli di legno dove veniva dipinta l’ambientazione dell’opera. In cima dovevano esserci una pedana rialzata detta theologeion, utile per rappresentare l’apparizione degli dèi e una gru, la mechanè, che serviva a sollevare l’attore da terra per farlo volare. Dall’orchestra si stagliava la cavea, una struttura circolare costituita da scalinate ricavate dalla roccia dove venivano posti sedili in legno e a cui gli spettatori accedevano attraversando due corridoi situati lungo l’orchestra. Infine vi era l’ekkyklema, una piattaforma con delle ruote che veniva azionata per scoprire l’interno dell’edificio scenico. Il teatro, una scuola di civiltà aperta a tutti Ma come viveva l’esperienza del teatro un cittadino ateniese? Di sicuro in modo differente da come lo viviamo noi. Se al giorno d’oggi lo spettacolo teatrale equivale a una semplice occasione di svago, nell’Atene del V secolo un pensiero del genere era inconcepibile e sicuramente provocherebbe un coccolone a qualche redivivo cittadino ateniese. Il teatro era un rito civile e religioso, un evento collettivo che riuniva persone differenti per classe sociale nel segno del coinvolgimento emotivo per le vicende narrate. […]

BeccoGiallo Edizioni ha pubblicato rovere, disponibile anche a fumetti, una gradevole graphic novel dedicata al gruppo indie bolognese. I rovere sono nati nel 2016 per iniziativa di Nelson Venceslai, Luca Lambertini, Lorenzo Stivani, Marco Paganelli e Davide Franceschelli. Ben presto la band ha raggiunto la popolarità con l’album di debutto disponibile anche in mogano che ha raggiunto su Spotify la cifra di 18.000.000 ascolti. Alcuni mesi dopo, forti anche di esperienze importanti come il sold out al Covo di Bologna, hanno organizzato il loro primo tour che li ha portati a suonare in città quali Milano, Padova, Roma e Torino. A ottobre 2019 pubblicano per l’etichetta Sony Music l’EP ultima stagione, mentre al 26 giugno di quest’anno risale il nuovo singolo mappamondo. Dopo questa premessa possiamo dedicarci alla recensione di rovere disponibile anche a fumetti, graphic novel pubblicata da BeccoGiallo Edizioni in collaborazione con Bad Moon Rising production. Il volume fa parte di Unplugged, una collana di fumetti dedicata a cantanti del panorama indie italiano che vede all’attivo due volumi dedicati ai Pinguini Tattici Nucleari e a Murubutu. rovere,disponibile anche a fumetti. Recensione La trama è sceneggiata da Lorenzo della Neve e vede i membri della band sotto le mentite spoglie di proprietari di una ditta di ristrutturazioni che, come dei supereroi, usano il potere della loro musica sia per ristrutturare decadenti edifici e sia per aiutare il prossimo. Stupido Clark Kent è disegnata da Mattia “drugo” Secci e vede i rovere impegnati nell’aiutare un maldestro Superman, abbigliato con mutande e lenzuolo a mo’ di mantello, a salvare la sua amata Lois rapita dagli alieni. In Caccia Militare, disegnata da Federico Mele, vediamo i protagonisti addentrarsi in un condominio abitato da un fantasma dispettoso. Peter Pan vede alle matite Valeria Appendino che attraverso disegni colorati e molto semplici narra di un mistero all’interno di una villa lussuosa. Gli autori delle tre storie, che hanno come titoli tre canzoni di successo dei rovere, adoperano stili differenti. Mattia Secci opta per un tratto di disegno in bianco e nero che strizza l’occhio ai cartoni animati degli anni ’30, come quelli di Walt Disney e dei Fratelli Fischier e caratterizzato da un umorismo stralunato e slapstick. Federico Mele è invece più orientato a uno stile dai colori freddi e dal tratto più realistico, mentre Valeria Appendino adopera linee semplici e piene di colori, con le figure che sembrano uscite da un libro per bambini. Tutte e tre le storie, pur essendo autoconclusive e differenti per stile, si leggono nel giro di un’ora e sono molto godibili, grazie alla spensieratezza di fondo di cui sono costituite e anche perché i testi delle canzoni, oltre che come semplice colonna sonora, vengono usati per costruirci attorno le narrazioni strampalate e a tratti dolci di cui i musicisti/operai sono protagonisti. Una lettura molto piacevole per chi ha voglia di qualcosa di leggero e che magari avrà poi voglia di scoprire la discografia di questi cinque ragazzi talentuosi di Bologna. Immagine copertina: ufficio stampa

0111 edizioni ha pubblicato Trappist Terzo, il nuovo e interessante romanzo fantascientifico d’avventura di Michele Scalini. Michele Scalini è nato a Jesi nel 1974. Diplomatosi a una scuola di formazione ha lavorato nel settore dell’automazione industriale, svolgendo attività sia in Italia che all’estero. La fantascienza, alimentata da romanzi, film e serie tv, ma anche saggi e documentari, rappresenta la sua più grande passione e lo ha spinto a pubblicare Era un giorno come tanti, racconto autoprodotto da egli stesso. Seguono poi Destiny, avventure ai margini della galassia e Mikauula, pubblicati per Genesis Publishing e poi Oltre la città, quello che non sai del tuo mondo. Il denominatore che lega tutte queste opere è la predilezione per scenari futuristici e apocalittici, spesso ambientati nello spazio e dal ritmo incalzante. Della stessa pasta è anche Trappist Terzo, ultima fatica che Michele Scalini ha pubblicato con 0111 edizioni, casa editrice che dal 2008 promuove opere di scrittori esordienti e di vario genere. Trappist zero di Michele Scalini, trama Il maggiore Smith si è congedato dall’esercito dopo anni di onorata carriera e ora si ritrova privo di qualsiasi scopo. Prova a intraprendere diversi lavori, ma senza successo. Una sera, mentre si trova al bar, gli capita sotto agli occhi un annuncio che cattura la sua attenzione. Una compagnia sta organizzando una spedizione sul pianeta Trappist Terzo per installarvi una colonia. Smith viene assunto e dopo dieci anni di viaggio in ibernazione giunge sul pianeta, che però risulta essere già abitato da una popolazione aliena. Come se non bastasse la missione non è nient’altro che una copertura per un piano oscuro e toccherà a Smith tentare di sventarlo. Romanzo d’avventura con tematiche attuali Chi cerca un romanzo pieno di azione e dall’intreccio incalzante troverà pane per i propri denti in Trappist zero. Se la trama sa di visto e rivisto è anche vero che scorre via, complice lo stile asciutto e rapido con cui Michele Salini scrive. Alle parole, è proprio il caso di dirlo, si prediligono spesso e volentieri le azioni: non mancano scene di combattimento e di guerra, degne del miglior blockbuster. Naturalmente non mancano tematiche importanti: la colonizzazione di nuovi pianeti si ricollega non soltanto agli esperimenti effettuati dalla NASA per cercare vita su Marte, ma anche ai cambiamenti climatici che hanno messo a repentaglio lo stato di salute del nostro pianeta e che, in un futuro nemmeno tanto lontano, potrebbe costringere le generazioni future ad abbandonarlo in favore di uno nuovo di cui sfruttare avidamente le risorse. Allo stesso modo non mancano i temi, anche essi sempre attuali, della diseguaglianza sociale e del concetto di “invasione straniera” in società diverse, con l’immancabile conseguenza della paura verso ciò che è diverso e non si conosce. Conclusioni Trappist Zero è il più classico dei romanzi d’avventura che resta fedele agli stilemi del genere: combattimenti, inseguimenti e colpi di scena che tengono incollato il lettore fino all’ultima pagina. Ma è anche un romanzo che, seguendo la linea tracciata dalla letteratura fantascientifica, non ha il […]

Per le edizioni FogliodiVia è uscito Firenze, un film, secondo romanzo dello scrittore umbro Riccardo Lestini Nato a Passignano sul Transimmeno il 22 dicembre 1975 Riccardo Lestini ha raggiunto una certa notorietà con il romanzo Il piccolo principe è morto, vincitore del premio Strega giovani 2019. Ha anche pubblicato la raccolta di poesie Solitudini ed è autore di alcuni testi teatrali. Da alcuni anni insegna italiano in un liceo di Firenze. Proprio il capoluogo della Toscana è protagonista di Firenze, un film, romanzo pubblicato da FogliodiVia il 2 marzo di quest’anno. Uno sguardo alla trama del romanzo di Lestini Quindici racconti costituiscono la stesura di questo vero e proprio romanzo corale, ambientato nella più importante città culturale italiana. Quindici esistenze diverse, le cui vite si alternano lungo la narrazione e si consumano in un’intera giornata. C’è un netturbino misantropo e infuriato con il mondo intero, un adolescente alle prese con i problemi di cuore, due compagni di università che si incontrano dopo tanto tempo, un senzatetto innamorato, una ragazza che ha perso misteriosamente la memoria, una prostituta che sogna una vita diversa, una commessa innamorata di uno scrittore squattrinato. Figura principale della storia è un giovane videomaker che con la sua immancabile macchina da presa riprende le vite degli altri e, in particolare, quella di una misteriosa studentessa che decide di pedinare. Firenze più reale che mai La Firenze descritta da Riccardo Lestini è sicuramente una città viva e pulsante, estranea alla patina artistica e culturale a cui sono abituati i turisti. Lo si comprende dall’uso della lingua viva tendente all’uso di costruzioni sintattiche e linguistiche tipiche dell’italiano regionale e anche del dialetto fiorentino. Proprio quest’ultimo merita una nota di particolare attenzione dal momento che l’autore, pur non essendo nativo di Firenze, è riuscito nell’impresa di riportare la parlata tipica della città con estrema cura, anche se eccede fin troppo nell’uso di imprecazioni ed espressioni offensive. Un punto che va a compromettere la leggibilità e che potrebbe scoraggiare i lettori più sensibili a proseguire la lettura del romanzo. La struttura narrativa di Firenze, un film è particolare. I quindici racconti si propagano lungo un’intera giornata e si alternano tra di loro, comportando un cambiamento continuo del punto di vista. Questo schema risponde bene all’idea che sta alla base, quella di raccontare delle storie come se fossero la sceneggiatura o le inquadrature di un film. Idea interessante e sicuramente innovativa che difficilmente incontra il gusto di chi preferirebbe una narrazione lineare e priva di continui passaggi da una situazione all’altra. Ciò non toglie che l’ultima fatica letteraria di Riccardo Lestini sia leggibile ed estremamente godibile. Firenze, un film è un romanzo destinato principalmente a chi cerca una narrazione aspra, dura e dal più crudo realismo. Ma è anche un romanzo che non risparmia momenti di tenerezza e compassione, sullo sfondo della capoluogo della Toscana.   Immagine copertina: ufficio stampa

Nella letteratura si è fatto spesso uso di un motivo denominato locus amoenus. Tale definizione, che significa “luogo sereno/piacevole” indica una località immersa nella natura e priva di legami temporali e spaziali, dove gli uomini vivono sereni e lontani dai clamori e dai disordini della vita cittadina. Locus amoenus. Teocrito e Virgilio Questo topos letterario ha i suoi natali nel mondo classico, dove il primo ad adoperarlo fu il poeta greco Teocrito nei suoi Idilli. Dei 30 componimenti che costituiscono l’opera, 8 sono riconducibili alla poesia bucolica, un genere che ha come tema l’Arcadia: un mondo pastorale caratterizzato da una campagna verdeggiante e allegra, con fiumi che scorrono e animali che pascolano, dove i protagonisti sono pastori (bukòloi, per l’appunto) che trascorrono il loro tempo cimentandosi in tenzoni poetiche, senza preoccuparsi dei problemi che affliggono gli abitanti delle città. Virgilio contribuisce a far conoscere quel mondo a Roma con le Bucoliche, raccolta di dieci ecloghe composte tra il 42 e il 39 a.C. Fin dal titolo, latinizzazione del greco boukólos, si avverte il desiderio di comporre una poesia ispirata a una dimensione di simbiosi tra uomo e natura, ma con le dovute distanze dal modello originale. Si veda la prima ecloga dove si assiste a un dialogo tra Titiro e Melibeo, due pastori segnati da due diversi destini. Mentre il secondo si vede sottratte le proprie terre ed è costretto a tornare in città, un riferimento all’esito della battaglia di Filippi del 42 a.C., dove l’imperatore Ottaviano Augusto ricompensò i soldati veterani dando loro terre confiscate ai latifondisti (e di tale provvedimento fu vittima lo stesso Virgilio), il primo potrà continuare a vivere nelle sue grazie all’intercessione di un “dio”, (deus) dai critici identificato con lo stesso Augusto. Interessante è anche la decima di egloga dove protagonista è Cornelio Gallo, poeta e amico di Virgilio che si rifugia nel mondo bucolico per sfuggire alle pene d’amore causate dalla lontananza dell’amata Licoride. Egli pensa che il dedicarsi a una vita di lavori agricoli e di canti con la lira sotto l’ombra di un albero riuscirà ad alleviare le proprie sofferenze. Ma a Gallo basta nominare continuamente il nome della ragazza per sentenziare una frase emblematica: «omnia vincit Amor; et nos cedamus Amori» (“Amore vince tutto e all’Amore cediamo”). Chiudendo la propria opera con questo componimento, Virgilio ammette che il locus amoenus è soltanto una soluzione temporanea, che non può alleviare il dolore degli uomini totalmente. Ma soprattutto rinuncia al clima spensierato e pacifico di Teocrito, aggiungendo note malinconiche e riferimenti alla vita pubblica e politica di Roma. Il locus amoenus nel Medioevo Nell’età dei “secoli oscuri” sono stati molti i poeti che hanno adoperato nelle loro opere questo motivo. Le canzoni dei trovatori provenzali sono spesso caratterizzate da quello che viene chiamato “esordio stagionale”, che consiste nella descrizione di un paesaggio primaverile, in similitudine o in contrasto con l’animo del poeta che si accinge a scrivere versi d’amore. Altri due autori medievali hanno usato il locus amoenus in modo interessante. Il primo […]

Bao Publishing ha pubblicato lo scorso febbraio Nemo, il nuovo volume facente parte della saga de La lega degli straordinari gentlemen. Per coloro il cui titolo non dice nulla, La lega degli straordinari gentlmen è una delle più celebri saghe fumettistiche nata dalla mente di Alan Moore (From Hell, The Killing Joke, Watchmen) e illustrata dal fumettista Kevin O’Neill. Protagonisti di questa serie sono tra i più celebri personaggi della letteratura di fine ‘800 e inizio ‘900, riproposti in chiave supereroistica: Il dottor Henry Jekyll, l’Uomo Invisibile e il Capitano Nemo, giusto per citarne alcuni. Dopo i primi tre volumi dedicati alle vicende principali della lega, Bao Publishing ne pubblica un quarto con all’interno un ciclo di tre storie che Moore e O’Neill dedicano a Janni Dakkar, la figlia del capitano Nemo di cui prende anche il comando del mitico sottomarino Nautilius. Le storie sono state tradotte da Michele Foschini e sono fedeli al formato dell’edizione inglese/americana. Nemo, trama delle storie Le storie seguono un preciso ordine cronologico, che va dagli anni ’20 agli anni ’70 del secolo scorso, e che vedono il capitano Jenni (il secondo Nemo) raccogliere l’eredità paterna in una serie di avventure dove lei e i suoi compagni si ritrovano a fronteggiare una serie di minacce tutte collegate ad Ayesha, immortale sovrana del regno di Korr che mira al controllo del mondo. Cuore di ghiaccio porta Janni e il suo equipaggio in una spedizione in Antartide nel 1921 alla ricerca delle “Montagne della follia”, di cui il Capitano Nemo ha scritto nei suoi diari. Oltre a doversi confrontare con alcuni avventurieri/sicari mandati da Ayesha, Janni e i suoi devono anche fare i conti con perturbanti e mostruose visioni degne del miglior romanzo gotico. Le Rose di Berlino ci trasporta nel 1941, nella Germania nazista. Qui Janni e il marito Broad Arrow Jack devono salvare la figlia Hiri e il genero tenuti prigionieri dal dittatore Hynkel (chiamato come l’omonimo personaggio de il Grande Dittatore di Charlie Chaplin) e dai suoi seguaci che Alan Moore rimodella dal cinema espressionista tedesco, come il dottor Caligari e l’androide di Metropolis di Fritz Lang (proprio a questo film si rifà l’architettura tecnologicamente mostruosa della Berlino immaginata dai due autori, mescolata a visioni propagandistiche prese da Orwell). A chiudere il ciclo è Fiume di Spettri, ambientata nel 1975. Un’anziana Janni viene visitata dagli spirti dei suoi compagni di viaggio e parte per un’ultima missione nel Rio delle Amazzoni, con l’obiettivo di cancellare per sempre la minaccia di Ayesha che, in mezzo a una foresta, ha riunito attorno a sé alcuni scienziati tedeschi che hanno costruito un esercito di androidi femminili e alcuni di essi hanno le stesse sembianze della regina. Una spirale di citazioni e inquietudini Le storie raccolte all’interno di Nemo non vanno concepite come una lettura da affrontare a cuor leggero. Del resto Alan Moore, come gli appassionati di comics ben sapranno, è una fucina vivente di idee e di rimandi a tutto lo scibile che la cultura umana abbia […]