Recensione dell’Ep “Abide”, il nuovo lavoro prodotto dalla southern gothic rock band Nomotion e pubblicato da Mold Records. I Nomotion si formano nel 2014 a Udine, per poi stabilirsi nel Regno Unito. Hanno all’attivo la pubblicazione dell’EP Ritual Murders (2014) e dell’album Funeral Parade of Lovers (2019), due opere in cui il complesso friulano si contraddistingue per uno stile ascrivibile al “southern gothic rock”. Un genere dove le sonorità tipiche del country e del blues fanno da accompagnamento a brani dagli argomenti tetri e oscuri quali criminalità, povertà, alcoolismo, ma anche storie di fantasmi e rapporti con Dio e il diavolo. Se si ascoltano questi due lavori dei Nomotion tutte le regole appena elencate, identificate dal giornalista del Denver Post Riccardo Baca come “Denver Sound” (dal nome della città texana in cui si sono formate molte band del genere), sono ampiamente rispettate. Non sarà allora da meno l’EP Abide, pubblicato il 16 aprile di quest’anno per l’etichetta Mold Records. Come si legge anche nel comunicato stampa della band, in inglese Abide vuol dire “sottomettersi” o “ubbidire”. Proprio la sottomissione sembra essere il collante di tutti e cinque i brani, dominati da un’aura di oscurità e mistero. Abide. Recensione track by track Blooming and Dooming è la traccia iniziale, caratterizzata da un ritmo che si potrebbe definire “western”. Si tratta di una vera e propria marcia country, arricchita da assoli di chitarra elettrica che oltre a conferirle una sfumatura spettrale le danno un ritmo solenne che, lentamente, si eleva. Something out there vede la collaborazione di Rob Coffinshanker, vocalist dei The Coffinshakers e figura importante per la scena del death country svedese. Predominanti qui sono la potenza incalzante e il ritmo “cattivo” conferito dagli assoli dalle voci di Johnny Bergman, il cantante della band, e dello stesso Coffinshanker. Una breve parentesi di relativa tranquillità è conferita da Out of Blue, forse il brano migliore di tutto l’EP. Il suono di un pianoforte ci accompagna lungo questa ballata paragonabile a un viaggio nelle sfere celesti del paradiso per poi riprecipitare nelle sonorità cupe della chitarra elettrica e del basso, come se i Nomotion volessero rivendicare l’appartenenza al proprio genere e che questa sia nient’altro che una pausa dal, seppur breve, viaggio musicale che propongono. Contradiction ci riporta infatti con i piedi terra, con le tipiche tonalità country e dark che hanno aperto questo lavoro. A chiudere il cerchio è un’altra ballata, seppur decisamente più aggressiva rispetto a quella centrale: Elisabeth. Il brano, del quale è stato girato anche un videoclip dal laboratorio creativo Sonicyut, è una camminata distorta negli abissi della mente di una persona che cerca di fuggire dal proprio malessere esistenziale. A dominare è una melodia sommessa (seguendo sempre il fil rouge dell’EP, la sottomissione!) in cui si inserisce la voce femminile della cantante soul Brontë Shande. Abide è una passeggiata lungo le sonorità di un genere di nicchia, certamente non conosciuto nel nostro paese, ma che saprà colpire e stupire al primo ascolto anche chi non ne ha mai sentito […]

Le paure che ci angosciano sono tante e ognuno di noi vi reagisce in modo diverso. C’è chi ha paura dei ragni, chi degli spazi stretti e chi dei clown. Ma nessuna di queste potrebbe competere per livelli di angoscia e di terrore con la paura di essere seppelliti vivi: la tafofobia. Il terrore di ritrovarsi chiusi all’interno di una bara e seppelliti sotto cumuli e cumuli di terra in stato di coscienza ha sfiorato più di una volta i nostri pensieri e ha stimolato l’immaginario culturale e popolare. Basti pensare a La sepoltura prematura, racconto di Edgar Allan Poe del 1844 in cui vengono elencati esempi di uomini e donne sepolti ancora vivi e creduti morti. Chi ricorda poi Uma Thurman seppellita sotto metri di terra e chiusa in una bara che riesce a sfondare tramite una serie di pugni in Kill Bill: Volume 2? Ci sarà inoltre capitato di leggere sui giornali i tragicomici racconti di persone che si sono ritrovate in uno stato di morte apparente e che si sono svegliate durante il loro funerale, con tanto di parenti e amici affranti che si spaventano per lo stupore e l’incredulità. Tafofobia, invenzioni per contrastare la “morte apparente” Per evitare questi episodi spiacevoli fin dal diciannovesimo secolo sono state brevettate una serie di bare di sicurezza, dette anche safety coffin. La prima risale al 1790 e fu inventata per il duca Ferdinando di Brunswick. Era provvista di una finestra verso l’esterno, dalla quale passava la luce, e di un tubo per respirare. Venivano poi inserite due chiavi, una per la bara e l’altra per la tomba, nella tasca del sepolto. Nel 1822 Adolf Gutsmuth, medico tedesco, inventò una bara di sicurezza e decise di testarla su sé stesso, facendosi seppellire per un numero importante di ore. Essa era prevista di un condotto dal quale riceveva del cibo dall’esterno, riuscendo così a sopravvivere. Sette anni dopo il dottor Johann Gottfried Taberger brevettò un modello in cui mani, piedi e testa del defunto venivano legati a un sistema di corde, a sua volta collegato con un sistema di campane all’esterno che si sarebbero messe a suonare nel caso della presenza di una persona viva all’interno della tomba. Tuttavia l’invenzione si rivelò inutile, poiché la decomposizione naturale dei cadaveri provocava l’azionamento delle campane. Anche il medico statunitense Timothy Clark Smith si interessò all’argomento, essendo proprio affetto da tafofobia. A lui si deve l’invenzione di una cripta dal gusto decisamente “macabro”: la testa del defunto veniva lasciata verso l’esterno ed era coperta soltanto da una finestrella di vetro, in modo che il sepolto potesse avvisare i passanti della sua presenza. Curiosamente il dottor Smith, morto nel 1893, fu interrato proprio all’interno della sua invenzione visibile ancora oggi all’Evergreen Cemetery di New Heaven, nel Vermont. Sempre nell’800 il ciambellano russo Michel de Karnice inventò una tomba che porta il suo nome, la “Karnice”. Una sfera di vetro veniva collegata a una molla posizionata sul petto del sepolto e questa, a sua volta, era […]

Garzanti pubblica in Italia l’esordio letterario di Julia Sabina, Vite in attesa: un romanzo che parla alle menti e ai cuori dei millenials. Maribel, una studentessa di ventiquattro anni, ha accettato un dottorato di ricerca a Lille. Madrid le ha offerto soltanto delusioni, come la fine di una storia d’amore, perciò si reca carica di aspettative nella città francese. Ma ad attenderla ci sono un sacco di problemi: le difficoltà nell’imparare una lingua nuova, i grovigli burocratici che le impediscono di trovare una casa, i soldi per la borsa di studio che la costringono a lavorare come cameriera. L’entusiasmo iniziale si esaurisce in poco tempo e Maribel inizia a sentirsi inadatta in un mondo in cui i suoi coetanei raggiungono i propri obiettivi senza difficoltà e lei, invece, rimane inglobata in una dimensione in cui non crede più in nulla, al punto da procrastinare i lavori per la sua tesi di dottorato. Vite in attesa. Paure e speranze dei millenials L’esordio di Julia Sabina, classe 1982, dottorato di ricerca in scienze della comunicazione e studi cinematografici presso la Sorbona di Parigi e docente di comunicazione all’università di Alcalá de Henares, dopo essere divenuto un caso letterario in Europa giunge anche in Italia per merito della Garzanti nella traduzione di Claudia Marseguerra e Vera Sarzano. Vite in attesa è un titolo che già dice tutto. Narrato in prima persona si tratta di un romanzo che parla alla generazione millenial, una generazione marchiata dalla paura verso un futuro che, soprattutto in questi tempi di chiusura sociale e culturale, è divenuto ancora più incerto. Ci si identifica facilmente in Maribel e nella sua voglia di divenire indipendente dalla famiglia, andando alla scoperta di una terra e di una cultura diverse. Ma ci si identifica anche con le sue paure e il suo rimuginare sulle scelte che compie, in relazione con un mondo veloce che raramente si dimostra comprensivo nei confronti di noi giovani, sempre in cerca di una sua approvazione. Un simbolo di questo comportamento è il personaggio di Paula, coinquilina di Maribel che dedica ogni goccia di energia nel tentativo di accedere al dottorato con totale devozione al proprio lavoro, rinunciando così alla leggerezza della vita.  Diverso è invece un altro personaggio e amico della protagonista: Alessio, un ragazzo italiano che riesce in poco tempo a crearsi una cerchia di amici e che ospita le due ragazze a casa sua. Il romanzo di Julia Sabina è un ritratto fedele di tutti noi giovani che non riusciamo a trovare il nostro posto nel mondo e vaghiamo, come spettri di un castello abbandonato, tra le macerie di un futuro in rovina. Il messaggio che però la scrittrice spagnola vuole regalarci non è quello di starcene seduti a veder crollare tutto ciò che sta attorno a noi, ma di stringere più forte che possiamo i nostri sogni e di non lasciarli volare via perché, presto o tardi, si trasformeranno in realtà.     Immagine in evidenza: Garzanti editore

Colapesce e Dimartino, forti del successo sanremese del brano “Musica Leggerissima”, ripubblicano in una doppia edizione l’album I Mortali. A due settimane dalla sua conclusione il festival di Sanremo ci ha regalato quello che è destinato a essere il tormentone della prossima estate: Musica leggerissima, brano scritto da Colapesce e Dimartino che sta spopolando in radio e sui maggiori servizi di streaming e che di recente ha vinto l’ambito disco d’oro con la cifra di un milione di copie vendute, oltre ad aver dato vita a una vera e propria mania fatta di meme, parodie e montaggi video di tanti fan che imitano l’ormai iconico balletto dei due cantanti. Ma Colapesce e Dimartino, due personalità che vantano carriere piene di riconoscimenti (il primo si è aggiudicato nel 2012 la Targa Tenco per la miglior opera prima con l’album Uno splendido declino e il premio “Fuori dal Mucchio” della rivista Il Mucchio Selvaggio per il miglior esordio, mentre il secondo ha vinto nel 2019 il Premio Lunezia nella sezione “Stil novo” per l’album Afrodite) non andrebbero relegati allo status di prodotti usa e getta come capita a tanti cantanti che raggiungono la notorietà tramite un pezzo ben riuscito per poi sparire nel nulla. A sostegno di ciò basterebbe ascoltare I Mortali, l’album nato dalla collaborazione tra i due artisti uscito il 5 giugno dello scorso anno e che, dato il successo sanremese, ritorna negli scaffali questo venerdì in un’edizione rinominata come I Mortali² e contenente due dischi: il primo contiene brani editi, mentre il secondo reinterpretazioni di brani celebri tra cui Povera Patria di Franco Battiato, cantata dal duo durante la terza serata della kermesse dedicata alle cover. I Mortali, recensione track by track Non c’è nient’altro da aggiungere sul già citato Musica Leggerissima, brano classificatosi quarto a Sanremo e aggiudicatosi il premio Lucio Dalla della critica. Un tormentone pop che dietro l’innocenza di una melodia “leggerissima” (è il caso di dirlo) rivendica la necessità ad abbandonarsi a “parole senza pensiero/allegre, ma non troppo” davanti a un mondo sempre più difficile da capire. Il prossimo semestre è invece un sentito richiamo al cantautorato più puro e genuino soprattutto nel testo, pervaso da un’ironia di fondo in cui il ruolo del cantautore viene descritto con tutti i cliché del caso. L’incalzante ritmo pop di Rosa e Olindo racconta una storia d’amore con protagonisti i due autori della “Strage di Erba”, visti come due giovani innamorati la cui passione è talmente dirompente che nemmeno le sbarre della prigione potranno dividerli. È difficile credere che i mostri abbiano un cuore, ma Colapesce e Dimartino riescono a darci questa impressione. Luna Araba, brano che si avvale della collaborazione di Carmen Consoli, è debitrice di Franco Battiato per le sonorità e i testi (soprattutto quello dell’album Gommalacca, del lontano 1998). Lungo una melodia rock-pop si stagliano le immagini, da un anno perdute nel tempo, di una Sicilia estiva e delle spiagge popolate da bagnanti di ogni età e nazionalità, mescolate a quelle delle dominazioni storiche degli […]

Il sipario su Sanremo 2021, l’edizione più strana e controversa della storia, è calato. Analizziamone vita, morte e miracoli. Quella di Sanremo 2021 è stata un’edizione della kermesse che passerà alla storia per svariati motivi. L’assenza del pubblico in sala per via della pandemia ha conferito al festival un’atmosfera straniante e paradossale, quasi sospesa nel tempo (anche se bisogna ammettere che i fischi di disapprovazione ad ogni classifica non è che ci siano mancati più di tanto). Ma è stato anche un festival che ha fatto parlare di sé non soltano per le immancabili polemiche, quasi una tradizione del festival stesso, ma anche per l’età mediamente giovane dei partecipanti alla gara canora. Ecco quindi a voi un resoconto di quello che è stato “Il festival dell’era covid”. Sanremo 2021, resoconto Di Fiorello, siparietti e altri demoni I motivi per cui si decide di guardare Sanremo sono principalmente due:  la musica e, soprattutto, i momenti trash che, come Thanos, sono ineluttabili. Dai travestimenti sfoderati da Max Gazzè durante le sue esibizioni (uno più geniale dell’altro) al povero Aiello che senza volerlo è divenuto un meme vivente (ripetiamo assieme: SESSOIBRUPOFENEH!), passando per Fasma che canta con un microfono spento durante la serata delle cover e Francesco Renga che invece deve cantare due volte quello che è il brano peggiore della sua carriera, gettando nella disperazione i coraggiosi che si cimentano nella titanica impresa di guardare tutte e cinque le serate fino alle 3 di notte. Immancabili anche i commenti agli outfit dei cantanti in gara che risvegliano l’Enzo Miccio che alberga in tutti noi, vestiti con il pantalone della tuta e le ciabatte. Sempre meglio dell’improvvisarci virologi e sparare a zero sui vaccini, non credete? Ma il festival non sarebbe tale senza la sua carrellata di ospiti: troppi, eccessivi e alcune volte inadeguati. Vedi alla voce Zlatan Ibrahimović: introdotto da Amadeus con il solito motivetto da sagra di paese di qualche nazione dell’Europa dell’est ogni volta che scendeva la scalinata dell’Ariston e che ha sfoderato un atteggiamento intimidatorio che sulla carta dovrebbe far ridere, ma nella pratica è tutto il contrario. Non si può però non spendere una parola su Fiorello, il co-conduttore del festival, che in fatto di comicità sembra essere rimasto al periodo in cui faceva l’animatore turistico: monologhi alquanto discutibili e tendenti al basso corporeo (traduzione: cringe) che non hanno fatto altro che far innervosire chi desiderava soltanto ascoltare le canzoni in gara e avere qualche ora di sonno più. Tuttavia c’è stato anche chi ha saputo davvero intrattenere e divertire come l’attrice Matilde de Angelis, co-conduttrice della prima serata, che ha dimostrato di sentirsi a proprio agio su di un palco enorme come quello dell’Ariston. Ma Twitter, Facebook e il web in generale si sono rivelati anche quest’anno il terreno più fertile per la nascita di meme entrati di diritto negli annali. Dal frame della prima esibizione del già citato Aiello che lo ritrae in una smorfia contorta a “queen” Orietta Berti che oltre a dare l’ispirazione alla […]

Recensione di Chi ha sparato al presidente?, il nuovo EP di EDY costituito da tre cover e da un brano originale dello stesso cantante. EDY, pseudonimo di Alessio Edy Grasso, nasce a Milano e vive a Catania e a Roma. Dopo aver trascorso una buona fetta della sua carriera nell’ambiente punk tra la seconda metà degli anni ’90 e il 2015 con le due band da lui stesso formate, i Jasminrock e gli UltraviXen, il 17 novembre del 2018 pubblica il suo primo album da solista, Variazioni. Si tratta di un taglio netto con il passato poiché EDY propone una raccolta di 12 canzoni dette “pop d’autore” e due di queste, La casa di Barbie e Immobile, diventano due singoli premiati e trasmessi dalle più importanti radio italiane. Nell’autunno del 2019 esce il singolo Come un Flash a cui collabora anche la cantante Matilde Davoli. A tutto ciò si aggiunge un lungo tour che ha portato EDY a girare in lungo e in largo i maggiori festival e club italiani, esibendosi per un totale di ben 70 volte. E, proprio in attesa di poterlo riascoltare dal vivo, il cantante ha pubblicato l’EP Chi ha sparato al presidente? contenente, oltre al singolo omonimo uscito ad inizio mese sulle piattaforme digitali, tre cover di brani celebri della canzone italiana Chi ha sparato al presidente?  di EDY. Tre brani cover ai tempi del covid La genesi di questo lavoro va ricercata nel lungo periodo del lockdown. Grazie anche alla collaborazione dei membri della propria band (Tommaso Calamita, Sebastiano Forte e Carmelo di Paola), EDY ci propone «Un concept EP che parla al cuore e alla testa, racconta con delicatezza quello che ci accade dentro quando perdiamo i nostri punti di riferimento». Il lungo periodo di clausura forzata vissuto lo scorso anno, e che sembra sempre dietro l’angolo, ha portato il cantautore a coverizzare tre brani di tre artisti molto differenti tra di loro: Luigi Tenco, Mogol e i Meganoidi. Un giorno dopo l’altro è facilmente ascrivibile alle sensazioni che in, soprattutto coloro che sono dotati di una certa sensibilità, stanno provando in questi giorni difficili: la perdita di certezze a cui aggrapparsi e la mancanza di quella normalità, il cui ricordo lontano fa sì che scorrano tutti uguali i giorni della settimana dove “la speranza ormai è un abitudine“. Sulla stessa linea, ma con sonorità quasi dissacranti, si pone la cover di Tutta mia la città di Mogol, che con la mente ci riporta alle strade delle grandi città italiane deserte e con le saracinesche dei negozi abbassate fino a data a destinarsi. La versione che EDY ci propone di Zeta Reticoli, brano dei Meganoidi, sembra invece distaccarsi dal ritmo delle cover precedenti. Alla grinta del modello originale EDY oppone sonorità pacate, che sembrano proiettate in una dimensione fuori dallo spazio e dal tempo, L’unico brano originale è quello che da anche il titolo all’ EP, Chi ha sparato al presidente?. Il testo, a tratti criptico, scritto da Matteo Scannicchio e Giorgio Maria […]

Con questo articolo inizia un lungo viaggio nella storia del cinema. Punto di partenza è la sua preistoria, cioè il precinema. Il 28 dicembre del 1865 è comunemente indicata come la data che segna l’inizio della storia del cinema, con la prima proiezione pubblica del cinematografo dei fratelli Lumière a Parigi. Quest’evento rappresenta però l’apice di un percorso più ampio, in cui si collocano tutte quelle sperimentazioni che avevano come obiettivo la rappresentazione delle immagini in movimento e che porta il nome di precinema. Precinema, la storia prima della storia del cinema L’inizio del precinema, la lanterna magica L’idea delle immagini in movimento, per quanto possa suonare strano, affonda le proprie radici fin dall’antichità. Avete mai sentito parlare del mito della caverna? Platone lo descrive nel settimo libro della Repubblica per spiegare il percorso dell’uomo verso la conoscenza. Ma proviamo a leggerlo in un’ottica diversa: gli uomini legati e le ombre proiettate dalla luce sul muro della caverna vi ricordano qualcosa? Esatto, proprio una moderna sala cinematografica con gli spettatori, la luce del proiettore e le immagini che compaiono sullo schermo. Se invece ci spostiamo sul lato più tecnico occorre aspettare il XVII secolo per vedere i primi esperimenti di proiezione delle immagini. Il più importante è lanterna magica, uno strumento la cui paternità è molto dibattuta e che può essere paragonato a un moderno proiettore. Si trattava di una scatola chiusa al cui interno veniva posta una candela. La luce emessa filtrava verso l’esterno tramite un foro. Tra la candela e il foro veniva posta una lastra di vetro su cui erano dipinte delle immagini, che venivano proiettate su una superficie. La lanterna veniva impiegata per scopi didattici e di intrattenimento. Durante la liturgia, ad esempio, veniva usata per illustrare gli episodi della Bibbia. Nel corso del tempo venne perfezionata ponendo due lastre le quali venivano mosse una sopra l’altra, conferendo alle immagini un’illusione di movimento. La scoperta della persistenza retinica e gli antenati delle GIF moderne Nell’800 il fisico Joseph Plateau teorizzò un concetto che diverrà fondamentale per la nascita dello stesso cinema: il principio della persistenza retinica. L’occhio umano riesce a percepire il movimento quando gli viene messa davanti una serie di immagini in rapida successione, a una velocità di almeno sedici al secondo. Su questo principio si basavano molte invenzioni di quel periodo, come il fenachistoscopio dello stesso Plateau. Era costituito da due dischi, uno dotato di finestre equidistanti e un altro con delle immagini disegnate, legati al centro da un manico. Quando i due dischi giravano alla stessa velocità si creava l’illusione del movimento. Lo zootropio, creato da William Horner nel 1834, funzionava allo stesso modo. Si trattava di un tamburo su cui venivano praticate delle fessure e al cui interno veniva posto un foglio con delle figure che si muovevano quando lo strumento girava. Nel 1876 Émile Reynaud inventò il prassinoscopio, molto simile allo zootropio con la differenza che al centro veniva inserito un prisma di specchi su cui si riflettevano le immagini. Molto […]